Maid Sama ! Tome 6

Un poème-objet qui a le poids d'un songe et la ferveur de la vie. Robert Desnos, poète surréaliste, pose ses mots avec simplicité et légèreté. C'est l'espoir, l'esprit de résistance et la vitalité qu'il porte tranquillement du bout de sa plume.

Chagall l'accompagne, à sa gauche, bleu, sans lourdeur non plus. Un plongeon, une acrobatie, entre le rêve et la réalité, entre la nuit et le jour.

C'est un beau poster en somme, imprimé sur un papier épais, à coller au mur ou pour orner une bibliothèque, et se souvenir d'être "demain matin / plus vivant / plus vivant qu'aujourd'hui", parce que ça arrive de l'oublier.

Un bel objet de collection pour le prince-roi, en même temps, des poètes, à l'échelle internationale et intemporelle, Arthur Rimbaud. Grand livre d’Une Saison en enfer pour les 150 ans de sa publication, avec des photographies, textes et dessins de sa plus grande fan, la légende du rock Patti Smith.

Elle a même intégralement élaboré cette édition collector, où elle juxtapose les poèmes d'Une saison en enfer à des épisodes de sa propre vie. 

«J'avais seize ans quand je me suis sentie attirée par lui pour la première fois, par l'image de son visage et par ses poèmes qui me déconcertaient et me séduisaient à la fois. Plongée dans leur charme enivrant, j'en ressortais tremblante, sans vraiment me souvenir de ce que je venais de lire. Pourtant, ses mots se gravaient dans mon cerveau, s’enroulaient comme un cordage sur le pont d'un navire fantôme naviguant dans une brume mortelle. Une saison en enfer a été pour moi une drogue de jeunesse, comme un concentré de haschisch, ou une bonne dose d’alcool. »

Long poème en prose, édifiant du poète maudit, Une saison en enfer est une plongée vertigineuse. Écrit en 1873 par un clochard de 19 ans en quête d'une rédemption, entre rêveries, souffrances et révoltes. Il quitte la plume pour toujours, rien à ajouter.

« Ma journée est faite; je quitte l'Europe. L'air marin brûlera mes poumons; les climats perdus me tanneront. »

« J'ai compris que j'avais eu tort de me vanter de cette infamie; que la liberté dans la douleur est la seule condition de vie pour l'homme supérieur. »

« J'ai seul la clef de cette parade sauvage. » « L'amour est à réinventer, on le sait. »

Le directeur de la revue Communisme, Stéphane Courtois, a réuni une équipe d'historiens, d’Eric Teyssier et ses (à vérifier) cruels romains, en passant par Patrice Gueniffey et le grand Robespierre, Thierry Lentz et son chéri Napoléon, Frédéric Le Moal et le fascisme italien, jusqu’au régime des Khmers rouges avec Henri Locard. 

Passent le traitement des hérétiques, la cruauté dans le Jihad… Dostoïevski, Tolstoï… Katyn, le Goulag, l'Épuration, Staline, Mao, Attila, Gengis Khan, Timour, Vlad l'Empaleur, Ivan le Terrible, Pierre Le Grand, le FLN… Le Marquis de Sade… Toute une histoire de la cruauté en politique, des massacres, des guerres, des troubles… 

Le sang versé, la mise à mort, la souffrance infligée, et même y trouver du plaisir, ou au moins s’y habituer… L’Histoire des grands de ce monde est également celle de la psychopathie, ou au minium de la sociopathie… La politique (la vraie, pas la gestion), est ponctuée d'actes de cruauté et de figures autres, d’Agamemnon qui sacrifie sa fille Iphigénie pour gagner la faveur des dieux pour les Grecs, au siège de Gaza : gare au temps de la colère... 

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La politique, cet échiquier géant où le pouvoir et l'ambition dansent une valse souvent impitoyable, est l’un des terrains de jeu où la cruauté peut se révéler dans toute sa froide splendeur. Un théâtre où les acteurs, revêtus du manteau de l'autorité, jouent une partition où la douce mélodie de la diplomatie se mêle parfois aux notes discordantes de la brutalité. Dans ce monde, les décisions tranchées à la serpe peuvent façonner des destins, broyer des espoirs et modeler des nations… 

La cruauté en politique, subtile ou flagrante, est comme un spectre qui hante les couloirs du pouvoir. Elle peut se manifester dans l'oppression des voix dissidentes, dans la manipulation des masses ou dans l'écrasement impitoyable des adversaires. Qui sait tuer peut régner…

24 chapitres couvrant des millénaires, interrogeant le rôle crucial de la crudelitas en politique, loin des commentaires télévisuels ou des scribouillards du quotidien.

Les Etats-Unis sont un pays qui fascine, autant par leur grandeur que par la petitesse de certaines de leurs décisions de justice, qui semblent n'entretenir qu'un rapport très distant avec les réalités humaines.

Ainsi en va-t-il des condamnations à plusieurs siècles d'incarcération prononcées à l'encontre de certains malfaiteurs ou de l'interdiction de vivre à proximité d'écoles pour les pédophiles, qui a pour conséquence de bannir les condamnés de presque tout le territoire. Sauf qu'existe en Floride  un bled sans établissement scolaire où vont s'établir tous les pédo-criminels et harceleurs condamnés par les tribunaux.

C'est dans cet étrange village, horriblement dénommé Contrition, que se déroule l'album éponyme. On y suit des personnages faibles, abattus, dont on ne sait s'ils se perçoivent comme des victimes ou des bourreaux repentis. C'est là que réside l'habileté du scénario de Carlos Portela : mettre en suspens le jugement moral des lecteurs, le temps de comprendre, ou de deviner qui est qui et qui a fait quoi. Un sujet terrible, traité avec toute la noirceur et la finesse qu'il mérite. 

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Il faut une fois de plus souligner la maîtrise du desin en noir et blanc de Keko (A qui l'on doit laussi le dessin de a trilogie Moi, assassin, Moi, fou et Moi, menteur, tout trois publiés également en VF par Denoël Graphic). L'ambiance de cet album, pesante, ralentie, mortifère, lui doit beaucoup. Et ses gueules abîmées, ses visages fermés, concrétisent parfaitement ces incarcération à l'air libre qui ressemblent à un confinement éternel.

Sur ce sujet difficile, bien des auteurs se seraient contentés d'un récit documentaire, mettant en image le réel pour laisser aux  lecteurs le soin de porter leur jugement  L'idée forte de cet excellent Contrition est justement de passer par l'imaginaire pour stimuler l'empathie et la sidération chez celles et ceux qui pendront le temps de partir à la découverte de cette bourgade qui a des airs de purgatoire terrestre. A ne pas laisser passer.

Dans son dernier ouvrage, La Véritable histoire du Kraken (trad. Mathilde Aronnax), Fabio Genovesi nous emmène dans une aventure littéraire étonnante, qui flirte avec les frontières de la réalité et de la légende. À travers les pages, l’auteur déroule l’histoire captivante du calamar géant, un animal mythique qui a longtemps habité les récits et les légendes marines.

Le 30 novembre 1841, un navire français, L’Alecton, fait une rencontre inoubliable avec un calamar géant, menant à une série d’événements qui remettent en question les limites de la croyance scientifique et populaire. Le capitaine Boyer, personnage central de cette histoire, se retrouve confronté à l’incrédulité de l’Académie des sciences, illustrant la tension entre découverte et scepticisme.

Genovesi, avec une plume poétique et admirative, explore les profondeurs de cette créature énigmatique, la transformant en une métaphore puissante de l’inconnu. Son récit, oscillant entre réalité historique et narration poétique, offre une réflexion profonde sur la nature humaine et notre rapport au mystère.

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Le roman s’inscrit dans un cadre historique riche, faisant écho à des œuvres classiques comme Vingt mille lieues sous les mers de Jules Verne. Cependant, Genovesi transcende le simple récit d’aventures pour interroger nos perceptions de la réalité et la manière dont les légendes prennent forme dans l’esprit collectif.

La Véritable histoire du Kraken ne se résume pas à un énième récit sur un monstre marin : c’est un voyage à travers l’histoire, la science et la littérature, où Genovesi tisse habilement la trame d’une légende intemporelle. Ce livre est une recommandation incontournable pour ceux qui cherchent à naviguer dans les eaux troubles de la mythologie et de la découverte scientifique, révélant comment les deux peuvent coexister dans un récit captivant et éducateur.

Dans cette œuvre, Fabio Genovesi confirme son talent de conteur, capable de plonger les lecteurs dans un univers où le fantastique rencontre la réalité, offrant ainsi une aventure littéraire aussi profonde et mystérieuse que l’océan lui-même.

Nouvel exploit, des frères Brizzi : en début d’années, ils avaient adapté un monument littéraire, L’Enfer de Dante, en noir et blanc. Plus de 10.000 exemplaires vendus et l’idée frémissante que la collection ainsi ouverte aux éditions Daniel Maghen avait quelque chose à dire. « Dante Alighieri est à la belle Italie ce que Cervantès est à la fière Espagne », assure l’éditeur.

Voici comment Don Quichotte surgit, dans un format hors norme pour une bande dessinée, portant un regard neuf, tendre et exceptionnel sur ce chevalier caricatural — et pourtant plus légendaire que les héros des livres qui l’abreuvent. Cervantès n’avait eu aucune pitié, jetant son personnage au pied de moulins, lui faisant mordre la poussière… Quand ce ne sont pas des raclées qu’on lui inflige, seule réponse humaine à la folie qui s’est emparée de lui.

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« Trop souvent pathétique et ridicule, sentencieux et même condescendant à l’égard du paysan qui l’accompagne, Sancho, qui n’est peut-être là que pour fuir une existence morne, Don Quichotte nous entraîne irrésistiblement dans cette recherche obsessionnelle de la notoriété », clame l’éditeur.

Dans cette adaptation, les frères Brizzi rendent pourtant justice à Don Quichotte. « Don Quichotte, au fur et à mesure de ses mésaventures, se rend attachant parce qu’il est mû par le désir de bien faire », expliquent-ils. Et on y adhère tant le dessin s’impose en majesté : moins réaliste que l’original, plus drôle, assurément : le vieux farfelu, dont l’erreur fut de « trop aimer les livres » devient ici grandiose, sublime.

Et si l’on a souligné l’absurdité d’un homme chevaleresque, dans une époque qui ne veut plus de ces chevaliers d’antan, c’est parce qu’il ignore tout le tragique dans lequel il se débat. Ici, le pittoresque et le comique l’emportent, avec brio.

Les fausses nouvelles ou fake news sont des informations fabriquées ou déformées diffusées dans le but de tromper ou d'influencer l'opinion publique. Elles se manifestent sous diverses formes, telles que des articles, des images, des vidéos manipulées, des théories du complot, et même des hypertrucages (deepfakes) – des vidéos ou des enregistrements audio ultra-réalistes générés par intelligence artificielle pour imiter des personnes réelles.

Avec l'avènement des réseaux sociaux et d'Internet, la propagation des fausses nouvelles s'est intensifiée, atteignant rapidement un large public.

Plusieurs acteurs peuvent être à l'origine de ces fausses nouvelles. Parmi eux, il y a des individus ou des groupes avec des agendas politiques, sociaux ou économiques spécifiques, des organisations ou des gouvernements cherchant à influencer l'opinion publique ou à désinformer pour des raisons stratégiques, et même des bots (robots) programmés pour diffuser automatiquement de fausses informations.

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Le danger des fausses nouvelles réside dans leur capacité à semer la confusion et à déformer la perception de la réalité. Les gens peuvent, sans le savoir, contribuer à la diffusion de ces informations erronées, devenant ainsi complices involontaires de la désinformation. Face à ce flot constant d'informations, il devient crucial de développer des compétences critiques et d'utiliser des outils de vérification pour distinguer le vrai du faux.

L'ouvrage présenté par Nereida Carrillo vise justement à éduquer et à équiper les jeunes utilisateurs face à ces enjeux. Les illustrations d'Alberto Montt, ajoutant une touche d'humour et de conceptualisation, renforcent le message de l'ouvrage, incitant le public à devenir plus alerte et critique vis-à-vis des informations qu'ils consomment quotidiennement.

Hautement recommandé, pour commencer l’année !!

Nous sommes en 2112, l'apocalypse s'est déroulée comme prévu : la dessiccation des rivières, l'élévation des océans et l'effondrement de la société. L'humanité, désespérée, trouve un ultime espoir en un groupe d'Amérindiens ayant découvert un portail temporel.

Convaincus que la dégradation mondiale a commencé en Amérique, et plus précisément, au moment où l’Occident mit le pied sur ce territoire, ils décident de changer le passé. Un des leurs est expédié en 1942 avec une mission cruciale : infiltrer les navires de Christophe Colomb, puis éliminer le navigateur génois avant qu'il ne découvre le Nouveau Monde.

Tout débutera par un meurtre, bien entendu : on ne sauve pas un avenir sans dommages collatéraux. D’autant qu’une fois à bord de la Pinta, la Nina ou la Santa Maria, les trois navires partis à la recherche d’une voie vers les Inde, rien n’est fait : changer le monde implique des sacrifices. Et la manipulation du Temps a souvent pour conséquence que ce dernier se venge… 

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Earthdivers: À mort, Christophe Colomb ! mêle Histoire, réflexion politique et aller-retour entre passé et futurs, à mesure que la déconstruction du premier influe sur l’évolution du second. 

Il bouscule le récit historique, jouant d’une violence crue pour attiser la tension : colère, désespoir, rage sont palpables et la folie jamais bien loin. À la manière de Barjavel dans son Voyageur imprudent, Jones soulève les paradoxes moraux qu’implique une pareille mission : des personnages torturés par leur quête, ils n’obtiendront aucune réponse facilement…

Les descriptions des deux époques, de la Terre dévastée de 2112 aux navires de Colomb, sont immersives, les couleurs de Joana Lafuente, riches et dynamiques, enrichissent l'esthétique de ce comics. Elle utilise la lumière solaire et lunaire pour moduler la palette de couleurs, renforçant l'expérience visuelle de chaque page. C’est splendide. Et délicatement complexe.

Le recueil inclut également des esquisses inédites et une introduction de Stephen Graham Jones, non moins délicieuses…

Le Japon, depuis les temps lointains du Man-yoshu, première des anthologies de la poésie japonaise du début du Xe siècle, accueille le Tanka, cet art du poème (très) court.

Le Tanka s'étend au-delà de la concision du haïku : trente et une syllabes, structurées en cinq lignes, avec un schéma de 5-7-5-7-7 syllabes, et l'ambition de capturer l'essence d'une l'émotion, de la nature. Un art poétique qui invite à une méditation sur l'éphémère de la vie.

On connaît mieux ici les haïkus et ses maîtres : Matsuo Bashō, Buson et Issa. Avant cette trinité, le plus glorieux des poètes du Japon est Satô Norikiyo du XIIe siècle. Pour Bashō, c'est un maître.

Dans le Jojuri, l'auteur anonyme du XVIe siècle est formel : c'est « le plus grand des poètes du Japon ». À l'âge de 22 ans, Satô Norikiyo délaisse son existence de garde impérial ainsi que sa fortune, sa conjointe et sa fille de quatre ans, pour embrasser la vie monastique et s'isoler dans les montagnes. Il adopte alors le nom de Saigyô.

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Écrite cinquante ans après sa disparition, et initialement publiée en 1646, sa biographie n'est rééditée qu'en 1981, agrémentée de poèmes choisis issus du Sankashû et du Shin Kokinshû. L'enfant de guerriers, d'une famille proche de la Cour impériale, devient un moine-poète vagabond, jusqu'à son décès en 1190 dans un monastère de Kawachi.

Ce récit, d'après l'éminent connaisseur du japonais ancien, René Sieffert, ressemble plus à une Vie de Saint à l'Occidental qu'une biographie rigoureuse à la Jean Tulard, autre Occident. Peu importe, beaucoup d'extraits de la poésie du maître, et une petite entrée dans ce XIIe siècle nippon, et son bouddhisme teinté de zen.

Rejeter les obligations pour entrer dans le non agir, et dans la Voie de l'Éveil. Il en est capable, ayant véritablement renoncé à quelque chose d'important, d'enviable.

Quelques milliers de Waka écrits, la lune en majesté, et la réputation d'un vénérable : « Sans raison aucune / les feuilles d’arbres qui tombent / au souffle du vent / sauraient-elles la direction /vers laquelle il les emporte. »

« Si las d’habiter / céans à nouveau je dois / m’en aller ailleurs / le pin assurément / va se sentir solitaire. »

Avant Siddhartha Gautama et son enseignement, l’une des plus anciennes traditions spirituelles de l’Inde est le jaïnisme : fondé sur les enseignements de vingt-quatre Tirthankaras, ou maîtres spirituels - le dernier étant Mahavira -, cette philosophie qui remonte au VIe siècle avant notre ère, se distingue par sa quête intransigeante de la non-violence (Ahimsa) et son accent sur la discipline et l'ascèse.

L’objectif : libérer son âme (Jiva) des chaînes du karma et réaliser le Moksha, la libération finale. Ce chemin se déploie à travers trois joyaux (Triratna) : la foi correcte, la connaissance correcte et la conduite correcte. Chaque jaïn, dans sa quête spirituelle, adhère rigoureusement à ces principes. Traits caractéristiques : un végétarisme strict et une écologie du quotidien.

Une vieillerie proto-bouddhiste ? Surtout pas : elle rassemble aujourd’hui près de dix millions d'adeptes à travers le monde. L'indianiste française Nalini Balbir, dans une grande synthèse, en explore l'histoire, les enseignements et la pertinence contemporaine, mettant en lumière le rôle central des Jina, ces êtres éveillés ayant atteint la libération du cycle des renaissances, et qui servent de modèles aux fidèles.

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Elle présente par ailleurs ses débuts, les langues de transmission de son enseignement, les formes littéraires de ses sources scripturaires, sa mythologie, le visage de son univers, son approche de la question de la réalité, ses vies monastiques et laïques, ses fêtes et autres pèlerinages. Les pratiques de méditation et contemplation aussi, comment ceux qui ont été en contact avec cette spiritualité l’ont jugée, et même la mort volontaire par le jeûne...

Le jaïnisme n’est pas dénué d’une dimension politique en fonction des régions dans lesquelles il s'est perpétué, comme dans ses diasporas. Nalini Balbir met enfin en lumière la manière dont les enseignements du jaïnisme, avec leurs réflexions sur les relations entre tous les êtres vivants, les questions de fin de vie, ainsi que le statut des femmes au sein de la communauté, trouvent un écho dans les débats fondamentaux de nos sociétés modernes.

« Comparé aux autres religions indiennes, et à plusieurs religions du monde, le jaïnisme a accordé une visibilité nettement plus grande aux femmes. »

Caméléon, Florence Medina veut vraiment toucher à tout. Elle écrit, aussi. Elle irait, versatile, « là où les personnages l’entraînent ».

Dans 17 millimètres, deux chiffres sillonnent l’histoire : 16 (âge de Mona) et 17 (le nombre de millimètres de l'embryon que Mona a potentiellement dans son ventre).

Même si la grossesse non-désirée peut apparaître détabouisée, le récit soulève la question, encore houleuse, de la honte, grossissante, d’être jugée en permanence, en tant que jeune femme qui part à la découverte de son propre corps, qui se lance dans l’aventure, fructueuse ou non, des premiers émois – premiers ébats maladroits.

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La voix de l’adolescente résonne, l'oral nous surprend, et surplombe le récit ; on parvient sans mal à s’identifier, et à se rappeler de notre visage d'ado, juvénile et carrément paumé, qui a un peu honte et qui se sent dépassé·e par ses propres actes sans les comprendre.

La subtilité, elle est surtout dans ce vers libre. L'avantage – ou l’aventure : faire respirer l’histoire, dont le thème reste quand même complexe à faire ressentir sans le rendre trop exagéré, ou trop gros.

Quand la Trinité s’agite, c’est qu’il y a péril en la demeure : Batman, Superman et Wonder Woman, alertés par un message dont ils sont les uniques destinataires, se retrouvent dans le Hall of Justice, face à un cas sidérant. L’un de leurs plus anciens ennemis est littéralement écorché vif, mort — du moins, il en a tous les attraits.

Problème : impossible de pénétrer le lieu où le cadavre a été retrouvé, à moins de compter parmi les membres de la Justice League.

Corollaire : ce cadavre est-il lié à la vague de sommeil forcé qui a gagné toute la planète ? John Dee, qui avait dissimulé la Pierre des cauchemars s’est-il véritablement frayé un chemin dans le Saint des Saints par lui-même ?

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Et Deadman, être condamné à errer du monde des vivants à celui des morts, sans que jamais les premiers ne puissent le voir, comment a-t-il capté le message qui fait paniquer la Trinité ? Une menace plane et même les autres superhéros sont plongés dans un monde de rêves, ou plutôt de cauchemars.

Voilà quelque temps, une pluie verte mystérieuse émanant des puits de Lazare, a doté chaque être sur Terre de pouvoirs extraordinaires. Héros et Villains ont surgi — parmi eux, Insomnia, créature implacable qui nourrit une rancœur profonde envers la Ligue de Justice. Il aspire à éveiller les consciences, persuadé que le monde doit reconnaître l’imperfection des superhéros, qu’ils tentent de dissimuler.

Et si les citoyens commençaient à remettre en question leur foi dans les superhéros ?

Knight Terrors, c’est une histoire aux rebondissements et aux invités totalement inattendus, illustrations rutilantes. S’en priver serait idiot…

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Des récits collectés auprès de six tribus indigènes de l'Amazonie : habileté narrative, inventivité linguistique, vivacité, humour, brutalté, violence ; entre littérature et anthropologie, et au centre, comme en tout temps et tout lieu, l'amour. L'imagerie est personnelle, l'expression libre, la censure absente.

Une myriade de conteurs en langue macurap, tupari, ajuru, jabuti, arikapu, arua, et des mythes recueillis et enregistrés par l'anthropologue Betty Mindlin.

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Amants et amantes, maris et femmes, des femmes qui s'amourachent d'un être du fond des eaux, une autre qui cherche sa moitié et la fête qui va avec, une chasseresse, une épouse rebelle, une tête volante, le vieux Watchouri, des mutilations, une femme-oiseau comme Amélie Nothomb, des mangeurs de têtes, la fille dévorée par des hommes, une vieille qui mangeait des beaux jeunes gens, la femme goulue, la maman jaguar, l"homme qui s'est changé en femme, la femme jarre...

« Depuis ce jour-là, les hommes ont été ensorcelés pour toujours, ils habitent avec les femmes botchatonia, dans le fond des eaux, dans les parages des sources du Rio Branco. Ils ont oublié leurs femmes, les mères de leurs enfants. Qui elles, un beau jour, sont parties ailleurs chercher de nouveaux maris. »

Séance de rattrapage ! Comment ai-je pu passer à côté de ce délicieux premier album de Johnny Biceps, l’Argonaute du futur, publié chez Chez Delcourt, dans la collection Pataquès ??? C’est drôle, bête et faussement rétro.

Question ambiance, Johnny Biceps est une sorte de Pascal Brutal en version voyageur intergalactique. Avec sa silhouette de barbare, façon Conan, et sa coupe de cheveux qui rappelle celle de Musclor, le héros de Karibou et Witko n’hésite pas à parodier les héros aux muscles hypertrophiés et au slip bien moulant. Flanqué d’un fidèle Skip qui en prend littéralement plein la gueule, le guerrier affronte de nombreux ennemis au cours de ses explorations interplanétaires.

Dont l’infâme Astar, son ennemi juré.

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Tirant à boulets rouges sur les codes masculinistes, hétéronormés et virilistes des héros musclés, ce petit album réussit à surprendre et faire rire par mille détours inattendus. Alternant les histoires en quelques planches et celles en quelques cases, jouant des trames faussement vintage et de la colorisation minimaliste en à-plats, Johnny Biceps est un régal. 

Non contents de mettre en scène un tandem débile à souhait, les auteurs leur adjoignent deux alliés : une guerrière en sandales, pinrcesse Kroxima, et un hybride entre le requin et le débilos profond, le Docteur Requin.

Si vous avez comme moi loupé la sortie il y a quelques mois, filez chez votre meilleur fournisseur de BD réparer cette erreur, quitte à le commander s’il n’est plus en rayon !

Né dans les dernières années de la Russie impériale, Nicolas de Staël est un important peintre suicidé à 41 ans. Jeune orphelin victime de l’exil, celui qui passera par la Légion étrangère est adopté en Belgique.

Utilisation innovante des couleurs et des formes, paysages traditionnels et portraits qui atteignent l’abstraction, capturent des émotions et des impressions en définitive. De la figuration à l’abstraction, et de l’abstraction à du Nicolas de Staël. 

Arléa a édité pour la première fois l'ensemble de Gueux de l'Atlas, reportage du peintre sur le Maroc, et découvert en 2016 dans une grange du château de Pallandt. La publication inclut des dessins jamais vus auparavant, quinze lettres adressées à sa famille, deux peintures et des reproductions. Une édition présentée et annotée par Marie du Bouchet, petite-fille du peintre et coordinatrice du Comité Nicolas.

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Il a vingt-trois ans quand il découvre le Maroc, entre 1936 et 1937. Marrakech, Fès et Telouet, Agadir la route du Sahara… La gracieuse culture berbère, le bleu des vêtements qui fusionnent avec celui du ciel. Il raconte le chant de raïta (Flûte marocaine) qui appelle, et décrit avec précision un oiseau qui passe, des velours dorés et des tissus à fleur qui pendent. Le récit de voyage d’un œil. 

« Cher papa (adoptif donc), la plupart du temps, la littérature consiste à dire en beaucoup de mots peu de choses et oublier les choses essentielles dont on a l’intention de parler. »

Dans ses dernières années, le grand Jules Verne narre son aventure juvénile en tant que Robinson, après que sa petite embarcation eut coulé dans l'estuaire de la Loire, le forçant à se réfugier sur un îlot temporaire. Cette expérience éphémère, influencée par ses lectures enfantines de Robinson Crusoé de Defoe et Le Robinson suisse de Wyss, incarne son enchantement pour les îles désertes, espaces de liberté et d'innovation.

Cet épisode marque le début de l'exploration par Verne du motif de l'île, qu'il revisitera notamment dans L'Oncle Robinson, prélude à L'Île mystérieuse.

Avec L’École des Robinsons, Verne injecte de la fantaisie dans le récit de survie de Godfrey et son professeur, dans une parodie ludique du récit de Robinson originel. Puis, Deux ans de vacances reprend ce thème avec un groupe d'élèves pensionnaires naufragés, préfigurant Sa Majesté des mouches de Golding.

Finalement, Seconde patrie poursuit l'histoire du Robinson suisse de Wyss, mêlant héritage littéraire et innovation narrative dans un récit de colonisation optimiste. Vintage Verne.

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Des romans moins connus que les plus célèbres oeuvre du romancier, Vingt mille lieues sous les mers, Le Tour du monde en quatre-vingts jours, De la Terre à la Lune... dans une édition de la Pléiade réalisée sous la direction du poète-érudit Jean-Luc Steinmetz, avec le précieux concours de Jacques-Remi Dahan, Marie-Hélène Huet et Henri Scepi.

Jules Verne s'y révèle un innovateur narratif, un critique social et un écologiste avant l'heure, confrontant les excès de la technologie et la destruction de l'environnement. Entre survie, innovation et critique sociale, c'est un autre complexe que l'on découvre, à la fois produit de son époque et visionnaire.

À posséder absolument pour tout vernien qui se respecte.

Jules Verne est un voyant dont la plume a tracé les contours d'univers inexplorés bien avant que la science ne les rende accessibles. Le père de la science-fiction moderne ? Peut-être, tissant des récits qui emmènent ses lecteurs des profondeurs abyssales des océans jusqu'aux confins de l'espace.

Des mondes pleins de mystères et de merveilles, où la réalité se mêle à la fantaisie, et où la science de son temps est scrupuleusement respectée.

Conteur d'histoires, architecte de l'aventure, et une vision de l'humanité animée par la curiosité et l'audace, qui fait de lui un maître qui, depuis son bureau nantais, a su naviguer bien au-delà des horizons connus.

Paolo Roversi est un célèbre portraitiste et photographe de mode italien. Emanuele Coccia est un philosophe atypique, italien lui aussi, qui parle aussi bien d’histoire des idées médiévales, que d’arbres, ou de mode contemporaine.

Ces deux figures ont échangé par lettres sur le thème de la lumière, et de la photographie (photo-graphie = écrire avec la lumière).

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Édité à l’occasion de l’exposition rétrospective consacrée à Paolo Roversi au Musée de la Mode de la ville de Paris, le livre est illustré par quelques-unes de ses photographies les plus emblématiques.

La correspondance s’articule autour de diverses interrogations et réflexions que lance le photographe, auxquelles Emanuele Coccia répond par des références philosophiques, ou des considérations personnelles, sur la lumière sous toutes ses formes, dans toutes les directions, et en rapport avec tout existant : « La lumière est ce qui produit la continuité physique et mystique entre les éléments qui échangent leurs places. »

Quand Black Mirror rejoint The Social Network, on aboutit au technothriller de Zack Kaplan, dessiné par John J. Pearson : Mindset.

Lorsqu’un geek introverti de la technologie découvre accidentellement le secret d’un contrôle mental parfait, il se lance avec ses amis dans la création d’une application destinée à guérir l’humanité : toute la dépendance à la technologie, la consultation-reflexe de nos smartphones ; l’addiction aux Likes des réseaux, tout cela disparaîtra.

Cependant, des gens puissants préféreraient les voir échouer, prêts à tout pour les arrêter. Pire : à mesure que l’application Mindset devient de plus en plus populaire, elle développe son circuit fermé…

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Ben Sharp, à l’origine de cette découverte, avait prévu de libérer les utilisateurs et son intention, louable, peut-elle être retournée ?

Qui a le contrôle ?

Le scénario de Zack Kaplan rappelle les mondes qu’a développés William Gibnson, sans verser aussi profondément dans le cyberpunk. Entre éthique, philosophie et dérives technologiques, il explore la recherche de vérité… dans un monde binaire. Le tout porté par une très intéressante réflexion sur la question de l’influence, de notre rapport aux autres… et de l’image que nous entretenons.

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Quant au dessin de Pearson, il se décline avec des découpages audacieux et des images explosant les codes d’un classique gaufrier. Ses pages, prises indivudellement, sont littéralement phénoménales, mêlant des techniques traditionnelles et de la palette graphique pour rendre plus dense encore l’histoire.

Le tout avec des approches parfois à la limite de l’impressionnisme, pour trancher et explorer, avec des jeux de couleurs impressionnants…

Sidérant !

Flaash , revue culturelle et technique d'anticipation, présente son second numéro.

Pour le printemps, le magazine se penche sur l'avenir de nos territoires urbains, qui accueilleront d'ici 2050 7 milliards de citadins.

Ces forêts de béton sont en première ligne face au changement climatique : dans certaines villes les températures atteindront facilement les 50 degrés d'ici la moitié du siècle (Rio de Janeiro subissait il y a une dizaine de jours déjà une température ressentie de 62 degrés).

Certaines villes s'enfoncent littéralement sous le poids de leurs constructions, comme Jakarta qui s'affaisse de 2,5 cm tous les dix ans.

Des projets fous de villes du futur, comme Neom en Arabie Saoudite, au milieu du désert, horrifient autant qu'ils fascinent.

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Les étoiles, chassées par les lumières humaines, sont de moins en moins visibles. Le silence est devenu une denrée rare.

Ce sont tous ces sujets, et d'autres encore, mêlant science, culture et fiction, qui sont abordés dans cette nouvelle revue. Les raisons de s'alarmer côtoient les solutions proposées autant que les motifs d'espoirs qui déjà existent.

Un peu plus de 100 pages qui pensent fort et qui pensent bien, accompagnées par des illustrations toujours bienvenues. 

Motl en Amérique est un classique de la littérature yiddish, signé d'une des grandes voix de cette même littérature, Cholem Aleichem.

Ce texte emmène dans un voyage mémorable à travers les yeux de Motl, le fils d'un forgeron pauvre, entre humour et tendresse. On suit les péripéties d'une famille juive d'Europe de l'Est qui, après la perte du père, décide de traverser l'Atlantique pour chercher une nouvelle vie en Amérique.

À travers les malentendus culturels, les difficultés d'adaptation et les joies simples, Aleichem peint une fresque vivante et pleine d'espoir de l'immigration, tout en préservant la légèreté tragique de l'humour juif.

Une réflexion sur l''identité, l'intégration et le rêve américain, le tout vu à travers les yeux innocents de Motl. Une célébration de la résilience de l'esprit humain.

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Cholem Aleichem, de son vrai nom Sholem Rabinovich, propose une œuvre qui a su capturer l'essence de la vie juive en Europe de l'Est fin XIXe - début XXe siècles. Né en 1859 dans l'Empire russe, aujourd'hui en Ukraine, Aleichem grandit dans un monde en transition, tiraillé entre traditions ancestrales et modernité naissante.

Avec une plume à la fois tendre et satirique, il a rendu compte avec humour et humanité les joies, les peines, et surtout, les ironies de la vie quotidienne de ses contemporains. Un talent pour transposer les complexités de l'existence dans des histoires simples, souvent racontées avec une voix narrative distinctement juive.

Son œuvre la plus célèbre, Tevye le laitier, a inspiré le célèbre musical Un violon sur le toit.

Pour tout lecteur de Bukowski, il n'est pas difficile de se faire une idée générale de ce que fut sa vie. On connaît déjà son alcoolisme, ses penchants misogynes, sa mauvaise humeur et la pauvreté qui fut la sienne pendant une bonne partie de sa vie.

On connaît aussi sa sensibilité, ce blue bird qui vit à l'intérieur de lui et sur lequel il verse du whisky et souffle sa fumée de cigarette.

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Ce Docu-BD aborde plus en détails l'existence et l'origine des oeuvres de Charles Bukowski, de son enfance difficile, avec un père violent, au succès littéraire tardif qui lui apportera enfin l'apaisement dont il avait besoin.

Les chapitres sont entrecoupés d'informations plus précises, sous formes de courts paragraphes illustrés par de belles images d'archives.