Revue Z N° 14/2021 : Grenoble

Alors que l'armée de Poutine se revendique comme l'héritière de l'Armée rouge, il est essentiel de comprendre ses mécanismes, ses défauts, ses vulnérabilités et sa résilience.

Née en 1918 au cœur de la plus tragique des guerres civiles, l'Armée rouge a traversé des époques sombres, étant à la fois chérie par le régime stalinien et victime de ses exactions. Malgré ses ressources colossales, elle a failli être vaincue par une Wehrmacht plus expérimentée. Après des revers dévastateurs, elle a su se relever, repousser et anéantir son adversaire, mais à un prix exorbitant.

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L'Armée rouge a joué un rôle majeur dans la victoire de 1945, tout en contribuant à l'oppression des nations d'Europe de l'Est. À travers analyses, témoignages, photos et infographies, ce livre retrace l'histoire de l'une des forces militaires les plus singulières du XXe siècle.

Les experts de Guerres & Histoire offrent une étude exhaustive, sans équivalent dans l'édition française.

Dans son dernier ouvrage, La Véritable histoire du Kraken (trad. Mathilde Aronnax), Fabio Genovesi nous emmène dans une aventure littéraire étonnante, qui flirte avec les frontières de la réalité et de la légende. À travers les pages, l’auteur déroule l’histoire captivante du calamar géant, un animal mythique qui a longtemps habité les récits et les légendes marines.

Le 30 novembre 1841, un navire français, L’Alecton, fait une rencontre inoubliable avec un calamar géant, menant à une série d’événements qui remettent en question les limites de la croyance scientifique et populaire. Le capitaine Boyer, personnage central de cette histoire, se retrouve confronté à l’incrédulité de l’Académie des sciences, illustrant la tension entre découverte et scepticisme.

Genovesi, avec une plume poétique et admirative, explore les profondeurs de cette créature énigmatique, la transformant en une métaphore puissante de l’inconnu. Son récit, oscillant entre réalité historique et narration poétique, offre une réflexion profonde sur la nature humaine et notre rapport au mystère.

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Le roman s’inscrit dans un cadre historique riche, faisant écho à des œuvres classiques comme Vingt mille lieues sous les mers de Jules Verne. Cependant, Genovesi transcende le simple récit d’aventures pour interroger nos perceptions de la réalité et la manière dont les légendes prennent forme dans l’esprit collectif.

La Véritable histoire du Kraken ne se résume pas à un énième récit sur un monstre marin : c’est un voyage à travers l’histoire, la science et la littérature, où Genovesi tisse habilement la trame d’une légende intemporelle. Ce livre est une recommandation incontournable pour ceux qui cherchent à naviguer dans les eaux troubles de la mythologie et de la découverte scientifique, révélant comment les deux peuvent coexister dans un récit captivant et éducateur.

Dans cette œuvre, Fabio Genovesi confirme son talent de conteur, capable de plonger les lecteurs dans un univers où le fantastique rencontre la réalité, offrant ainsi une aventure littéraire aussi profonde et mystérieuse que l’océan lui-même.

Artiste majeur du 20e siècle, Alberto Giacometti, fréquenta divers cercles artistiques, incluant des photographes, après la Seconde Guerre mondiale, où évoluaient écrivains et philosophes. Il participe aux échanges intellectuels de l'époque, naviguant entre le surréalisme et l'existentialisme.

Dans sa jeunesse en Suisse, Giacometti est inspiré par la littérature romantique et les paysages alpins. À Paris en 1922, il s'éloigne de l'expression émotionnelle en explorant l'avant-garde néocubiste, puis se rapproche du surréalisme, créant des sculptures énigmatiques qui reflètent le mystère du réel.

Ses premières œuvres surréalistes, comme Femme qui marche et L'Objet invisible, sont hautement suggestives et énigmatiques. Cependant, Giacometti abandonne rapidement le surréalisme pour revenir à une représentation plus réaliste, explorant l'histoire de l'art pour des réponses à ses questions créatives. Il se concentre sur des sculptures de petite taille, intensément magiques, qui renouvellent le genre sculptural en jouant avec l'échelle, le socle, la surface et l'espace environnant.

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Durant la Seconde Guerre mondiale, il crée des silhouettes et bustes minuscules, tandis que le socle de ses œuvres devient plus massif et architecturalement diversifié. Après la guerre, Giacometti revient à des sculptures de grande taille, s'inspirant de la statuaire antique, notamment égyptienne, pour créer des figures féminines allongées et des figures masculines en mouvement, comme L'Homme qui marche, qui, bien que réalistes, s'éloignent des canons traditionnels.

C’est toute cette histoire que retrace Le temps de Giacometti (1946-1966), que publie la Fondation consacrée au sculpteur et peintre.

Connu pour sa technique de dépouillement, où il simplifie et réduit ses œuvres à leur essence, il développa cette approche en un motif récurrent dans son travail. Il a passé des mois à refaire les mêmes têtes, éliminant progressivement les éléments superflus, jusqu'à atteindre une forme qui, selon lui, était la clé de toutes les autres.

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Homme emblématique de son époque, figure paradoxale, il a légué un art où les sculptures figuratives flirtent avec l’abstraction : bien qu'elles soient souvent basées sur des modèles vivants, elles s'inspirent des civilisations anciennes. Il recommence ses sculptures chaque jour si elles ne le satisfont pas, tout en intégrant les "accidents" qui surviennent, reflétant son admiration pour les objets archéologiques.

À LIRE - Patrick Grainville : "J’ai commencé par la peinture"

Il cherche à capturer la ressemblance de modèles familiers, mais les déforme par des altérations de masse et de surface. Ses portraits, tout en se concentrant sur le corps humain, semblent parfois être des hybrides entre le modèle, les paysages de son enfance, et des statues égyptiennes.

Patrice Chéreau, c’est la mise en scène de la Tétralogie à Bayreuth, La reine Margot, un immense Hamlet, le grand metteur en scène de théâtre français des années 70-2000. Il tenait un journal de travail, en voici le 5e tome chez Actes Sud Papiers : les années à co-diriger le TNP Villeurbanne et le Théâtre des Amandiers de Nanterre, dont Valery Bruni Tedeschi a révélé, à sa manière, les coulisses.

La Dispute de Marivaux, Peer Gynt d’Ibsen, beaucoup de Koltès dont Combat de nègre et de chiens, Platonov d'Anton Tchekhov et donc Hamlet en 1988 au Festival d’Avignon. Le journal se focalise lui sur les films Judith Therpauve et L’Homme blessé et les mises en scène de Peer Gynt, Les Paravents, Lucio Silla et Platonov.

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L’intérêt : révéler des méthodes de travail, ses références, ses lectures, avec un objectif : choquer par sa force et sa modernité. Dans la décennie des années 1980, Patrice Chéreau, en co-directeur du Théâtre des Amandiers, s'est engagé dans une quête de réinvention de l’espace théâtral en territoire de vie et d'authenticité. Sa collaboration fructueuse avec le dramaturge Bernard-Marie Koltès a métamorphosé le théâtre en un laboratoire de recherche et d'innovation artistique, incorporant simultanément des éléments de formation et de service à la communauté. Les années de la maîtrise.

Dans ce journal, on y perçoit un Patrice Chéreau passionné par la peinture, le théâtre, le cinéma et la littérature (notamment américaine), méticuleux, psychologue, voire psychanalyste. L’importance de l'écoute, du silence et de l'amour dans l'art du théâtre. 

Né en 1944 et disparu en 2013, il a su infuser de la complexité et de la richesse émotionnelle dans ses mises en scène, créant ainsi des moments d'une puissance et d'une beauté saisissantes. Une capacité à dépasser le cadre conventionnel de la narration rare. Des années 70-90 beaucoup plus absolues qu’aujourd’hui.

“Tout ce qu’on pense de Pl(atonov), brusquement on le dit en dîner calmement, devant lui (J’imagine qu’on pourrait me laisser tranquille…) et le duel où ça arrive. Tout ce qui se dit de lui.”

« Cy observe Romane, doute, et l’immensité de ce qu’il ne sait pas le sidère. » 

C’est un roman captivant situé dans le lotissement des Filatures à Val-de-Seine au début des années 2000. Simplement. Le récit entrelace les vies de plusieurs adolescents et leurs familles, reflétant les réalités sociales et émotionnelles de l’époque. Parmi eux, Cyrus, un jeune éperdument amoureux de Romane, une rousse confrontée à une situation familiale difficile avec un père alcoolique et violent et une mère dépressive.

Le roman explore d’autres personnages comme Antonin, le blond rondouillet, Mehdi, le grand maigre, Lola “Lolita“ ambitieuse, chanteuse et retenue pour une émission de télévision, Gabriel, un séducteur insouciant, Chloé, fille intello amoureuse de son meilleur ami Cyrus.

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Elodie Chan utilise un style d’écriture à la fois populaire et poétique, capturant l’essence de la jeunesse des personnages. Le roman aborde les thèmes de l’ennui, du désir adolescent, l’amour, le sexe, et les défis sociaux.

Un livre, sans téléphones portables ni réseaux sociaux omniprésents, offre un regard nostalgique sur une époque révolue. Tous nos rêves ordinaires est un roman jeunesse puissant et émouvant, riche en personnages stéréotypés mais avec qui on s’identifie, et un style d’écriture unique en son genre. C’est une œuvre qui évoque la quête de soi et rend hommage à la complexité de la vie dans une simple banlieue pavillonnaire.

Quoi de mieux, pour une première Pléiade, que les Évangiles. Bien plus même, puisqu’il ne s’agit pas seulement du canon validé par l’autorité de la Rome impériale au moment du premier Concile œcuménique de Nicée, puis les suivants (qui a par ailleurs joué un rôle crucial dans la définition de la doctrine de l'union des deux natures, divine et humaine, en Christ, et la doctrine de la consubstantialité du Fils avec le Père) : 26 textes du Nouveau Testament, des écrits apocryphes chrétiens et des écrits dits gnostiques.

Les derniers sont tirés, pour une bonne partie, des Manuscrits de Nag Hammadi (Égypte) découverts en 1945. Une trouvaille exceptionnelle reconnue par André Breton en son temps, nous apprend Pacôme Thiellement.

Ces textes s’inscrivent de la fin du premier siècle à la fin de l'Antiquité, diffusés dans diverses langues, du grec à l'éthiopien, où s’est très progressivement imposé le christianisme conciliaire face aux doctrines concurrentes, mais sans jamais réussir à les faire totalement disparaître : jusqu'à aujourd’hui, des personnalités comme Carl Gustav Jung ou Philip K. Dick se sont appuyés sur les doctrines gnostiques qui, face à la nécessité de la foi, professent une expérience du divin et un dualisme fondamental entre le monde matériel, vu comme une création inférieure ou corrompue, et un monde spirituel supérieur.

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L'Évangile de la Vérité en est un exemple : attribué au gnostique Valentin, il ne se concentre pas sur la vie de Jésus mais offre une méditation mystique sur la nature de la vérité et la révélation. Ce texte, retrouvé dans la bibliothèque de Nag Hammadi, se distingue par son approche symbolique et spirituelle, soulignant la connaissance intérieure et la rédemption par la gnose (connaissance). Le salut est atteint par la révélation et la connaissance intérieure de cette vérité divine.

Plus généralement, les textes dits apocryphes, soit non reconnus par les autorités ecclésiastiques comme faisant partie de la doctrine officielle du christianisme, varient grandement en termes de style, de contenu et de théologie, reflétant souvent les croyances et les pratiques de groupes chrétiens divers et parfois hétérodoxes.

Parmi les textes réunis, l'Évangile de Thomas, de Judas, de Marie, de Nicodème, selon Philippe, mais aussi, entre autres, d’autres regards que ceux des quatre apôtres sur l’enfance, la vie et la passion de Jésus : certains se concentrent sur les enseignements mystiques ou gnostiques, d'autres racontent des histoires détaillées du bambin Jésus, d'autres explorent les rôles et les expériences des disciples et des figures féminines dans les premières communautés chrétiennes. 

Comme de coutume avec la Pléiade, ils sont accompagnés d'un appareil critique complet, et ici d'une préface inédite du grand spécialiste de la question, Paul-Hubert Poirier.

Les fausses nouvelles ou fake news sont des informations fabriquées ou déformées diffusées dans le but de tromper ou d'influencer l'opinion publique. Elles se manifestent sous diverses formes, telles que des articles, des images, des vidéos manipulées, des théories du complot, et même des hypertrucages (deepfakes) – des vidéos ou des enregistrements audio ultra-réalistes générés par intelligence artificielle pour imiter des personnes réelles.

Avec l'avènement des réseaux sociaux et d'Internet, la propagation des fausses nouvelles s'est intensifiée, atteignant rapidement un large public.

Plusieurs acteurs peuvent être à l'origine de ces fausses nouvelles. Parmi eux, il y a des individus ou des groupes avec des agendas politiques, sociaux ou économiques spécifiques, des organisations ou des gouvernements cherchant à influencer l'opinion publique ou à désinformer pour des raisons stratégiques, et même des bots (robots) programmés pour diffuser automatiquement de fausses informations.

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Le danger des fausses nouvelles réside dans leur capacité à semer la confusion et à déformer la perception de la réalité. Les gens peuvent, sans le savoir, contribuer à la diffusion de ces informations erronées, devenant ainsi complices involontaires de la désinformation. Face à ce flot constant d'informations, il devient crucial de développer des compétences critiques et d'utiliser des outils de vérification pour distinguer le vrai du faux.

L'ouvrage présenté par Nereida Carrillo vise justement à éduquer et à équiper les jeunes utilisateurs face à ces enjeux. Les illustrations d'Alberto Montt, ajoutant une touche d'humour et de conceptualisation, renforcent le message de l'ouvrage, incitant le public à devenir plus alerte et critique vis-à-vis des informations qu'ils consomment quotidiennement.

Hautement recommandé, pour commencer l’année !!

Sommes-nous ces fées du futur ? 

Quand on aperçoit la couverture, on est pris·e de court. Le terme « queer » nous donne envie mais sonne justement ultra anachronique. Mais avec Madame de Murat, il est quand même possible de tirer de belles leçons quant aux conventions refusées ! 

On plonge donc dans l’écriture de celle qui, menacée par la justice quelques trois siècles avant nous, avait un « attachement monstrueux pour des personnes de son sexe ».

Dans ces Contes de fées queer, les femmes y mènent la danse : humaines comme fées se lient d’amitié, voire tissent des liens plus hybrides et mystérieux ... 

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Des peintures se dessinent à nous, comme cette fresque mère / filles capturée par une fée : 

Je suis entrée chez la princesse par la même voie que vous y fûtes introduit hier, je l’ai trouvée à sa toilette avec ses filles qui la déshabillaient, ses beaux cheveux étaient détachés, et touchaient presque la terre.

Mis à part les femmes qui dominent joyeusement, les « princes » et les hommes se trouvent là, au beau milieu, et nous apparaissent comme bien inutiles. À ne pas prendre au sérieux.

Les textes de Madame de Murat ont été farouchement bannis et censurés, bien « pervers » pour son époque, ce qui lui a valu une condamnation conséquente, puis une semi-remise en liberté, quelques temps avant sa mort. Mais cette dernière a quand même eu la chance de toucher la plume en tant que femme : étant fille de marquis, s’exprimer restait possible pour elle, a contrario de femmes moins nobles...

Nicolas Dumontheuil renoue avec l’écrivain, journaliste et poète finlandais de langue finnoise, Arto Paasilinna, décédé en octobre 2018.

Le dessinateur avait déjà réalisé La forêt des renards pendus en 2016. Toujours s’appuyant sur la traduction d’Anne Colin du Terrail, il propose cette adaptation du Meunier hurlant, récit tout à la sombre, hilarant, et impitoyable.

Plus de 100.000 exemplaires vendus du roman, assure Futuropolis qui publie la BD.

Mais surtout, ces personnages excentriques et atypiques, nous emmènent dans le nord lointain, explorant la nature, les sentiments et la marginalité… 

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Dans une petite communauté du Nord finlandais, post-guerre, un étranger reprend le vieux moulin. Le nouveau meunier, Gunnar Huttunen, est bien accueilli jusqu’à ce qu’un trait particulier se révèle : aux premiers signes de frustration, il s’échappe dans la forêt pour hurler à la lune, dérangeant le sommeil des habitants. Face à la pression, de le faire interner, Huttunen, avec l’appui de la conseillère rurale Sanelma Käyrämö, lutte pour sa liberté.

De l’avis de l’éditeur, Sébastien Gnaedig, Le Meunier hurlant, « c’est l’adaptation idéale selon moi. Lorsqu’il y a une adéquation parfaite entre l’univers de l’écrivain adapté — ici Arto Paasilinna et le monde du dessinateur adaptateur, Nicolas Dumontheuil en l’occurrence. On y retrouve, chez les deux, ce même sens de la dérision, un même humour burlesque et doux-amer à la fois. Le trait se fait aussi plus grinçant pour dénoncer l’hystérie qui peut s’emparer d’une foule face à un individu en marge de la communauté ».

Et l’on partage pleinement son avis.

Quand la Trinité s’agite, c’est qu’il y a péril en la demeure : Batman, Superman et Wonder Woman, alertés par un message dont ils sont les uniques destinataires, se retrouvent dans le Hall of Justice, face à un cas sidérant. L’un de leurs plus anciens ennemis est littéralement écorché vif, mort — du moins, il en a tous les attraits.

Problème : impossible de pénétrer le lieu où le cadavre a été retrouvé, à moins de compter parmi les membres de la Justice League.

Corollaire : ce cadavre est-il lié à la vague de sommeil forcé qui a gagné toute la planète ? John Dee, qui avait dissimulé la Pierre des cauchemars s’est-il véritablement frayé un chemin dans le Saint des Saints par lui-même ?

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Et Deadman, être condamné à errer du monde des vivants à celui des morts, sans que jamais les premiers ne puissent le voir, comment a-t-il capté le message qui fait paniquer la Trinité ? Une menace plane et même les autres superhéros sont plongés dans un monde de rêves, ou plutôt de cauchemars.

Voilà quelque temps, une pluie verte mystérieuse émanant des puits de Lazare, a doté chaque être sur Terre de pouvoirs extraordinaires. Héros et Villains ont surgi — parmi eux, Insomnia, créature implacable qui nourrit une rancœur profonde envers la Ligue de Justice. Il aspire à éveiller les consciences, persuadé que le monde doit reconnaître l’imperfection des superhéros, qu’ils tentent de dissimuler.

Et si les citoyens commençaient à remettre en question leur foi dans les superhéros ?

Knight Terrors, c’est une histoire aux rebondissements et aux invités totalement inattendus, illustrations rutilantes. S’en priver serait idiot…

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Trivial, Mr. Orwell ? On le croirait à tort à la lecture du sommaire : Une bonne tasse de thé et autres textes présente des sujets banals, en apparence. La préparation d’une tasse de cette boisson chaude, pour exemple, ou encore les principes de la gastronomie britannique, toujours très critiquée. Mais en réalité, ce cher George explore des thèmes plus larges comme les pratiques de lecture, l'essence du fair-play et les réalités sombres de la pauvreté et de la mort…

Orwell applique un regard perspicace sur les normes sociétales et les comportements humains : ces écrits reflètent non seulement son parcours personnel, mais servent également de miroir aux dynamiques changeantes de la société anglaise – et plus largement à la condition humaine.

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Les textes ont été choisis, traduits de l’anglais, préfacés et annotés par Nicolas Waquet : une sélection habile et un rendu en français qui retienne facilement l’attention, derrière leur prétendue légèreté. Car l’on dissèque avec Orwell, les paradoxes, la bêtise qui s’ignore. Comme ceux qui prétendent ne pas avoir les moyens d’acheter des livres – mais dépensent des sommes rondelettes en cigarettes et alcool, chaque semaine.

Aurait-on plus à gagner de lire que de fumer et boire ? 

Venant d’un écrivant, on ne saurait répondre sans sourire…

Des récits collectés auprès de six tribus indigènes de l'Amazonie : habileté narrative, inventivité linguistique, vivacité, humour, brutalté, violence ; entre littérature et anthropologie, et au centre, comme en tout temps et tout lieu, l'amour. L'imagerie est personnelle, l'expression libre, la censure absente.

Une myriade de conteurs en langue macurap, tupari, ajuru, jabuti, arikapu, arua, et des mythes recueillis et enregistrés par l'anthropologue Betty Mindlin.

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Amants et amantes, maris et femmes, des femmes qui s'amourachent d'un être du fond des eaux, une autre qui cherche sa moitié et la fête qui va avec, une chasseresse, une épouse rebelle, une tête volante, le vieux Watchouri, des mutilations, une femme-oiseau comme Amélie Nothomb, des mangeurs de têtes, la fille dévorée par des hommes, une vieille qui mangeait des beaux jeunes gens, la femme goulue, la maman jaguar, l"homme qui s'est changé en femme, la femme jarre...

« Depuis ce jour-là, les hommes ont été ensorcelés pour toujours, ils habitent avec les femmes botchatonia, dans le fond des eaux, dans les parages des sources du Rio Branco. Ils ont oublié leurs femmes, les mères de leurs enfants. Qui elles, un beau jour, sont parties ailleurs chercher de nouveaux maris. »

Le format est travaillé, petit livre carré, des éditions Seghers, maison aux propositions poétiques. Un petit livre, qu’on peut transporter en poche, ou presque. 

Ici, c’est du jaune, et surtout du violet, qui rend la graphie arabe lumineuse, lui redonne justice. Voilà comment introduire les Rubâ’iyat. Des poèmes de hors-la-loi.

Un ensemble de vers, écrits par un certain Khayyâm. Un étrange Dionysos du Moyen-Âge, difficile à caser et ultra surprenant pour l’époque, même si on a un regard neuf avec le bagage de poètes maudits qui crient au carpe diem bizarroïde. Un grand alcoolique. 

La preuve : 

« Dès que l’ivresse m’envahit, ma raison s’en va, je divague. »

Ou une autre : 

« Le temps du vin limpide a fui et tous les serviteurs soupirent
(...) les cruches vides, vides les coupes
et les amoureux ont le feu de leur attente un peu partout… »

Et encore une autre : 

« Quand je mourrai, lavez mon corps avec du vin
Pour prières, louez pour moi les coupes pleines
Au jour de la résurrection, si vous désirez me revoir
Tamisez la poussière du seuil de la taverne. »

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Mais certains passages sonnent beau, disent le vague. Il faut fouiller, il faut aller les chercher. 

« On affirme qu’il y aura, et qu’il y a même, un Enfer !
Comment voulez-vous que j’y croie ? C’est une erreur ou un mensonge
S’il existait un enfer pour les amoureux, les buveurs,
Le paradis serait désert. »

Pierre Seghers, qui a traduit ces textes superbes, surplombants et inclassables, le promet : ses propres poèmes, « seront son miel ».

Né dans les dernières années de la Russie impériale, Nicolas de Staël est un important peintre suicidé à 41 ans. Jeune orphelin victime de l’exil, celui qui passera par la Légion étrangère est adopté en Belgique.

Utilisation innovante des couleurs et des formes, paysages traditionnels et portraits qui atteignent l’abstraction, capturent des émotions et des impressions en définitive. De la figuration à l’abstraction, et de l’abstraction à du Nicolas de Staël. 

Arléa a édité pour la première fois l'ensemble de Gueux de l'Atlas, reportage du peintre sur le Maroc, et découvert en 2016 dans une grange du château de Pallandt. La publication inclut des dessins jamais vus auparavant, quinze lettres adressées à sa famille, deux peintures et des reproductions. Une édition présentée et annotée par Marie du Bouchet, petite-fille du peintre et coordinatrice du Comité Nicolas.

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Il a vingt-trois ans quand il découvre le Maroc, entre 1936 et 1937. Marrakech, Fès et Telouet, Agadir la route du Sahara… La gracieuse culture berbère, le bleu des vêtements qui fusionnent avec celui du ciel. Il raconte le chant de raïta (Flûte marocaine) qui appelle, et décrit avec précision un oiseau qui passe, des velours dorés et des tissus à fleur qui pendent. Le récit de voyage d’un œil. 

« Cher papa (adoptif donc), la plupart du temps, la littérature consiste à dire en beaucoup de mots peu de choses et oublier les choses essentielles dont on a l’intention de parler. »

Dans ses dernières années, le grand Jules Verne narre son aventure juvénile en tant que Robinson, après que sa petite embarcation eut coulé dans l'estuaire de la Loire, le forçant à se réfugier sur un îlot temporaire. Cette expérience éphémère, influencée par ses lectures enfantines de Robinson Crusoé de Defoe et Le Robinson suisse de Wyss, incarne son enchantement pour les îles désertes, espaces de liberté et d'innovation.

Cet épisode marque le début de l'exploration par Verne du motif de l'île, qu'il revisitera notamment dans L'Oncle Robinson, prélude à L'Île mystérieuse.

Avec L’École des Robinsons, Verne injecte de la fantaisie dans le récit de survie de Godfrey et son professeur, dans une parodie ludique du récit de Robinson originel. Puis, Deux ans de vacances reprend ce thème avec un groupe d'élèves pensionnaires naufragés, préfigurant Sa Majesté des mouches de Golding.

Finalement, Seconde patrie poursuit l'histoire du Robinson suisse de Wyss, mêlant héritage littéraire et innovation narrative dans un récit de colonisation optimiste. Vintage Verne.

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Des romans moins connus que les plus célèbres oeuvre du romancier, Vingt mille lieues sous les mers, Le Tour du monde en quatre-vingts jours, De la Terre à la Lune... dans une édition de la Pléiade réalisée sous la direction du poète-érudit Jean-Luc Steinmetz, avec le précieux concours de Jacques-Remi Dahan, Marie-Hélène Huet et Henri Scepi.

Jules Verne s'y révèle un innovateur narratif, un critique social et un écologiste avant l'heure, confrontant les excès de la technologie et la destruction de l'environnement. Entre survie, innovation et critique sociale, c'est un autre complexe que l'on découvre, à la fois produit de son époque et visionnaire.

À posséder absolument pour tout vernien qui se respecte.

Jules Verne est un voyant dont la plume a tracé les contours d'univers inexplorés bien avant que la science ne les rende accessibles. Le père de la science-fiction moderne ? Peut-être, tissant des récits qui emmènent ses lecteurs des profondeurs abyssales des océans jusqu'aux confins de l'espace.

Des mondes pleins de mystères et de merveilles, où la réalité se mêle à la fantaisie, et où la science de son temps est scrupuleusement respectée.

Conteur d'histoires, architecte de l'aventure, et une vision de l'humanité animée par la curiosité et l'audace, qui fait de lui un maître qui, depuis son bureau nantais, a su naviguer bien au-delà des horizons connus.

Dans l'usage quotidien ou littéraire du français, la signification originale et directe des mots constitue seulement une petite fraction de leur utilisation réelle. En vérité, c'est leur interprétation figurative qui domine largement notre communication écrite et orale.

Originant d'un contexte spécifique – qu'il soit humain, animal, végétal, ou naturel – chaque terme a la capacité de se répandre, de se multiplier, et de s'épanouir bien au-delà de son champ initial.

Un dictionnaire des sens figurés en somme, par Roland Eluerd, un érudit de la langue, agrégé de lettres modernes et docteur ès lettres, qui partage sa passion et son expertise.

« À cœur joie », « bouche cousue », « des fruits de mer », « la puce à l'oreille », « fleur de sel », « un lit de roses », « la rivière serpente », « être tout feu tout flamme »...

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La langue française, comme des graines portées par le vent, s'éparpillent et germent dans le sol fertile de notre imagination, donnant naissance à un paysage luxuriant d'idées et d'images. Ces termes, métamorphosés, nous invitent à un voyage au-delà du littéral.

La langue française se révèle alors non seulement comme un moyen de communication, mais comme une œuvre d'art vivante, constamment réinventée par le jeu poétique de ses utilisateurs, de Ronsard à Aya Nakamura.

Paolo Roversi est un célèbre portraitiste et photographe de mode italien. Emanuele Coccia est un philosophe atypique, italien lui aussi, qui parle aussi bien d’histoire des idées médiévales, que d’arbres, ou de mode contemporaine.

Ces deux figures ont échangé par lettres sur le thème de la lumière, et de la photographie (photo-graphie = écrire avec la lumière).

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Édité à l’occasion de l’exposition rétrospective consacrée à Paolo Roversi au Musée de la Mode de la ville de Paris, le livre est illustré par quelques-unes de ses photographies les plus emblématiques.

La correspondance s’articule autour de diverses interrogations et réflexions que lance le photographe, auxquelles Emanuele Coccia répond par des références philosophiques, ou des considérations personnelles, sur la lumière sous toutes ses formes, dans toutes les directions, et en rapport avec tout existant : « La lumière est ce qui produit la continuité physique et mystique entre les éléments qui échangent leurs places. »

Quand Black Mirror rejoint The Social Network, on aboutit au technothriller de Zack Kaplan, dessiné par John J. Pearson : Mindset.

Lorsqu’un geek introverti de la technologie découvre accidentellement le secret d’un contrôle mental parfait, il se lance avec ses amis dans la création d’une application destinée à guérir l’humanité : toute la dépendance à la technologie, la consultation-reflexe de nos smartphones ; l’addiction aux Likes des réseaux, tout cela disparaîtra.

Cependant, des gens puissants préféreraient les voir échouer, prêts à tout pour les arrêter. Pire : à mesure que l’application Mindset devient de plus en plus populaire, elle développe son circuit fermé…

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Ben Sharp, à l’origine de cette découverte, avait prévu de libérer les utilisateurs et son intention, louable, peut-elle être retournée ?

Qui a le contrôle ?

Le scénario de Zack Kaplan rappelle les mondes qu’a développés William Gibnson, sans verser aussi profondément dans le cyberpunk. Entre éthique, philosophie et dérives technologiques, il explore la recherche de vérité… dans un monde binaire. Le tout porté par une très intéressante réflexion sur la question de l’influence, de notre rapport aux autres… et de l’image que nous entretenons.

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Quant au dessin de Pearson, il se décline avec des découpages audacieux et des images explosant les codes d’un classique gaufrier. Ses pages, prises indivudellement, sont littéralement phénoménales, mêlant des techniques traditionnelles et de la palette graphique pour rendre plus dense encore l’histoire.

Le tout avec des approches parfois à la limite de l’impressionnisme, pour trancher et explorer, avec des jeux de couleurs impressionnants…

Sidérant !

On a toustes ce sentiment momentané de tomber dans l’oubli. 
Ou de tomber,
littéralement, 

dans ce trou qu’est « l’Intraville ». Une usine. Chimique. Pourrie. Badante.

Comme les dublinois de Joyce, les gens s’engluent, dans une malédiction très bizarre. 

Bien psychologique, le récit de John Burnside nous donne accès à la pensée de « l’unique agent de police », largué, et hanté par des désirs qu’il ne comprend pas. 

Il a l’embarras du choix : soit gérer, soit sombrer dans le déni, de la disparition de plein d’enfants. Un par un. 

Et en voilà un autre qui s’en va. Mark. Quand le flic rentre chez les parents du gamin, ils s’en foutent éperdument. « Oh mais non, ce sont des jeux d’enfants ». Juste des « blagues entre eux qui tournent mal », les connaissant. 

Jusqu’à ce que Morrison-le-policier découvre… Mark, (littéralement) enguirlandé, au cou. Corps inerte. Digne d’un sacrifice humain, effroyable, effrayant mais mystique, les cinquante pages en tension. 

Où est l’étincelle ?

Glaçant. Comme les ombres : juvéniles, scintillantes, perdues.