Un agneau nommé Trèfle

Irlande, 1846. L'île est ravagée par la misère et la famine. Les récoltent pourrissent et les paysans se meurent. Keira, fille de cuisinière, a la chance d'avoir un travail de femme de chambre chez une riche famille de la noblesse anglaise, qui la protège et la nourrit. Entre la froideur de sa mère, la jalousie de sa maîtresse et la situation déplorable d'une famille amie de paysans, la jeune fille découvre le monde et ses horreurs. Tenaillée par l'envie de liberté mais culpabilisée par sa situation plus qu'enviable, Keira regarde se dérouler sa vie de domestique, bercée par l'anneau de Claddagh magique qui la lie à sa grand-mère décédée.

Alors que son existence semblait déjà toute tracée, elle rencontre Arthur Carmichael, fils d'une noble famille voisine, dont elle tombe éperdument amoureuse. Ses sentiments, partagés mais interdits, lui donnent des ailes. Et quand Arthur propose de fuir en Amérique, la tentation est grande…

Le vrai point fort de cette saga irlandaise est de mêler la réalité et la fiction. décrit de manière précise l'Irlande du XIXe siècle, mettant en lumière la situation désastreuse des paysans et l'indifférence de la noblesse anglaise, qui cherche plus de solutions pour se débarrasser des cadavres que pour secourir le peuple. Le regard apporté par Keira sur les habitudes de vie des riches propriétaires, mais aussi sur le mode de vie des domestiques ainsi que sur l'univers des plus pauvres offre une lecture aussi intéressante que troublante.

Au récit historique se superpose l'histoire d'un amour impossible qui, bien qu'un peu superficiel, séduira les amateurs du genre. Les personnages de l'Anneau de Claddagh sont profonds et bien construits, en particulier l'héroïne, une jeune fille rêvant d'amour et de liberté, qui incarne la lutte des femmes de cette époque.

Entre Histoire et légendes, romance et liberté, attachement au pays et envie d'exode, Seamróg (trèfle en gaélique) vous plonge dans l'Irlande tourmentée du XIXe siècle.

Trois ans de travail pour adapter de manière très personnelle et inédite, la Bible, certains textes notamment fondateurs de notre histoire littéraire et culturelle, avec la liberté et la volonté de leur ôter leurs caractéristiques religieuses originelles.

Un défi relevé haut la main par l'écrivain qui fait de cet ouvrage une véritable œuvre d'art poétique et sensible, accessible à tous, capable d'offrir une lecture romanesque  variée, empreinte de magie et d'émotions, d'aventures et de tragédies, respectueuse des textes anciens mais intensément innovante dans la manière de les raconter.

Des histoires sordides de familles déchirées, des histoires d'amour, des récits de guerre traversés de violence, de beauté, de rêves et même de rires parfois, délivrées tantôt sous forme de contes, de chansons voire même sous forme théâtrale.

L'ensemble est alors varié, sans ennui, plein de rythme et de mouvement, d'une écriture limpide, sans emphases et d'une tonalité plutôt juste, directe, proche du lecteur et s'accompagne d'illustrations surprenantes et superbes (120 au total) de Rébecca Dautremer.

Très personnelles, immédiatement reconnaissables par leur style unique et propre à l'artiste, elles créent l'harmonie avec le texte, apportent une grande profondeur aux personnages, une identité particulière, insolite et belle, faite de couleurs douces, de traits fins, d'une certaine innocence, très éloignées des iconographies religieuses.

Réalisées au crayon, à la gouache ou même à l'encre, elles procurent un apaisement, un bien-être, un plaisir (même si elles sont tristes) et une émotion vive, parfois bouleversante (la naissance de Jésus, sa mort, par exemple), qu'on se surprend à redécouvrir alors, certaines histoires, à les savourer entièrement, mieux qu'auparavant, du temps où la Bible était un ouvrage encore austère, pas toujours accessible, lu  presque par obligation.

Bien sûr cet ouvrage est subjectif, ne rend pas compte de la totalité de la Bible mais il initie sans distinction aux textes fondateurs de notre culture, l'air de rien, simplement en racontant des histoires, en laissant libre cours à l'imaginaire de l'artiste.

Peu importe au final si l'Ange Gabriel devient l'Homme oiseau, si Goliath ressemble à un catcheur, l'essentiel reste le bonheur à tourner les pages, à se saisir d'une histoire puis d'une autre, sans souci de chronologie, à se sentir happé par les dessins qui mènent avec grâce à la rêverie, au voyage, à l'évasion. Et ça, c'est peut être bien plus fort que Dieu, d'ailleurs.

Les originaux du titre Une Bible de Philippe Lechermeier et Rébecca Dautremer s'exposent à Paris au Bastille Design Center du 9 au 11 janvier prochain (exposition-vente).

Comme d’autres grands périodiques, les publications DC et Marvel proposent l’achat d’une version numérique des comics et la lecture immédiate sur iPad. En plus d’être la copie conforme de la version disponible en librairies spécialisées, la version numérique sort le même jour, mais plus tôt que la version papier. Et fait craindre des répercussions sur les ventes en kiosques et librairies.

Une perturbation dans le marché de la BD américaine fait figure de révolution puisque l’application commerciale Comixology brise un monopole historique. Jusqu’alors, les détaillants s’approvisionnaient en séries par le biais de la seule compagnie Diamond Distribution.

Une procédure pas si anodine puisque les commandes s’effectuaient 6 mois avant la parution. Avec l’ouverture du marché à une concurrence parallèle, les détaillants pourraient espérer des conditions plus favorables auprès du fournisseur.

Et chez les libraires et revendeurs ?

Mais de la même manière que certains revendeurs craignent que le numérique ne fasse chuter la vente de versions papier, les vendeurs de BD américaine craignent un effet néfaste. D’autant plus que la cible du comics rejoint celle de l’iPad, bien plus que celle de l’ebook. Si la lecture de petits caractères ne bénéficie pas des dernières technologies en matière d’encre numérique sur tablette tactile, le comics lui devient très plaisant grâce à un affichage haute définition.

Secteur à part du marché de l’industrie papier en Europe, le comics prouve, dans la douleur, qu’il est un modèle économique égal aux autres acteurs de l’industrie du livre. Il semble toutefois que certaines initiatives mises en place pourraient retenir une partie des amateurs de Stan Lee dans leurs habitudes d’achats.

Avantage papier

À la différence du livre qui ne peut opposer que son utilisation confortable à l’ebook, le comics profite de choix éditoriaux bien vus comme des compilations de séries en format livre grand format, et surtout sur un papier de qualité supérieure. Feuilleter un illustré sur papier glacé est un plaisir tactile auprès duquel la navigation du bout de doigts fait office de gadget amusant… quelques instants.

Et devant la finesse et la flexibilité des petits mensuels, la compacité de l’iPad n’impressionne pas.

Mise en scène de Claude Régy au théâtre de l’Odéon atelier Berthier : « Notre souci, ce devrait être, il me semble, comment amener chacun à renouveler, lui-même, de façon autonome, sa sensation du monde » écrivait Claude Régy dans Espaces Perdus. C’est cette fois par la mise en scène d’Homme sans but, du norvégien Arne Lygre, qu’il s’y essaye à nouveau, du 27 septembre au 10 novembre 2007 au Théâtre de l’Odéon.

 Acte I. A l’embouchure d’un fjord, deux personnages s’entretiennent. L’un, Peter, seul personnage de la pièce doté d’un nom, élit la zone désertique dans laquelle ils ont échoué pour y bâtir une cité nouvelle. « Ici. Ici sera la ville » déclare-t-il. Homme sans but sera donc le récit de cette aventureuse entreprise. Mais en partie seulement. Car si la pièce couvre une période de trente ans, de cette première réplique à la mort de Peter une fois le projet achevé, elle s’attache essentiellement à mettre en évidence les liens troubles qui l’unissent aux autres personnages. Ceux-ci, contrairement à lui, ne seront jamais nommés : Frère, Femme et Propriétaire ne détiennent leur identité qu’en vertu de la fonction qu’ils occupent auprès de Peter. Mais dès les premières répliques affleurent justement la fragilité, l’ambiguïté de ces rapports trop bien définis. Qui sont ces personnages si explicitement présentés ? Quelle est leur identité, au-delà de leur parenté avec Peter ? « Derrière celle qui prétend avoir été ma femme. Qui es-tu ? » s’interroge-t-il. Au deuxième acte, tandis que nous est révélée la nature réelle de leurs relations, tandis que l’on découvre la facticité de liens que seul l’argent noue, Homme sans but mettra en évidence qu’il ne s’agit précisément que de personnages.

Echo d’une société au sein de laquelle tout s’achète, Homme sans but évoque une réalité familière. « Loin d’être une fiction, n’est-ce pas l’état de notre monde » ? s’interroge Claude Régy. Ce monde « en train de glisser vers une situation où l’artificialité tient lieu de réel. » Certes. Mais Homme sans but ne saurait se réduire à cette mise en cause critique. Il s’agit aussi de mettre en évidence le caractère fragile, ténu, mal défini des relations humaines. L’ambiguïté finale, persistante, quant à l’identité réelle de Sœur est à cet égard éloquente : de même que les relations les plus artificielles, les plus mensongères, recèlent leur part d’authenticité, de même les rapports les plus vrais se laissent contaminer par l’argent, par l’artifice. Au troisième acte, Sœur avoue « Je ne sais pas tout de toi. Je ne sais pas tout de … moi-même ». Au-delà du questionnement du rapport à l’autre, il y a le questionnement du rapport à soi. Que sait-on de soi–même, peut-on démêler en nous-même la part de mensonge et de mystification, de la part d’authenticité ? Y a-t-il seulement un moi authentique ? Lorsque les personnages se retrouvent, après la disparition de Peter, livrés à eux-mêmes, ce qui se cache derrière le simulacre du jeu, ce n’est que la pauvreté d’un moi avide de se dissimuler sous un nouveau masque.

Si la pièce joue « constamment sur le flou d’une frontière indécise, dans le trouble d’une ambiguïté », la mise en scène de Claude Régy le met clairement en évidence. A l’écriture sobre et brève d’Arne Lygre répond la nudité, la netteté et la froideur d’une mise en scène qui évoque visuellement le fjord sans jamais le montrer. Les silhouettes des personnages se détachent sur un fond où seule la lumière tient lieu de décor. Un décor si sobre qu’il ne porte en lui aucune interprétation imposée, et laisse le spectateur libre de constituer son propre univers fictif.

C’est ce même désir qui sous-tend la singulière diction des acteurs de Régy : « Les acteurs par leur intonation, devraient pouvoir seulement suggérer. Faire penser à plusieurs interprétations. Ne pas faire de commentaire, leur ton ne devrait porter aucun jugement. […] » A cet égard, on peut se demander si le but est réellement atteint, tant l’intonation des acteurs semble parfois outrer les personnages qu’ils incarnent. L’ambiguïté de Peter, à la fois créateur solitaire et vil personnage achetant les êtres qui l’entourent, s’efface sous une diction qui ne fait de lui qu’un être vulgaire et malsain. De même, les rapports de domination réciproques qu’entretiennent Peter et Frère font place à une unilatérale domination de la part du premier. Autant d’interprétations qui font perdre à la pièce une partie de sa subtile ambiguïté.