Megaman Gigamix Tome 3

PrixFrontieres2024 – Dans son dernier livre, Mathias Enard raconte deux histoires différentes mais qui partagent des destins broyés par l'histoire. Des soldats liés par la violence de la guerre et de la désertion.

Dans la première histoire, le soldat fuit une guerre dont on ne sait rien, mais toutes les guerres se ressemblent. Il est toujours un soldat avec ses réflexes et ses souvenirs qui collent à la peau. Dans la seconde histoire, Paul Heudeber est un mathématicien de génie auteur de "Les conjectures de Buchenwald", une oeuvre à la fois mathématique et littéraire écrite durant son internement à Buchenwald.

C'est à travers les témoignages d'amis, de confrères, les lettres adressées à sa compagne et le récit de sa fille unique, Irina, que va se reconstituer sous nos yeux la vie de Paul.

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Irina se souvient des va-et-vient entre les deux Allemagnes pendant l'époque du rideau de fer. Tandis que Maja vit à l'ouest, Paul, communiste et antifasciste convaincu, est resté à Berlin Est. Il déserte le réel pour se plonger dans les mathématiques, mais est-ce que l'infinité des nombres premiers jumeaux peut protéger de la vie et des désillusions ?

En parallèle, on suit les mouvements du déserteur, qui chemine vers la maison abandonnée d'un proche, et rencontre une femme et un âne borgne. Ils tentent de fuir ce qu'on imagine être un bord de mer pour une frontière, au Nord, qu'ils tentent de rejoindre cahin-caha.

Fuir ou slalomer entre les gouttes de l'HIstoire...

PrixFrontieres2024 – Un homme efface toute trace de son passé, y compris son nom, pour recommencer sa vie. Avec 168 548 dollars cachés dans sa voiture, il fuit vers une ville inconnue pour vivre une vie plus simple, loin des privilèges qui ont façonné son identité. Il loue un studio auprès d'une femme étrange nommée Autumn, mais chacune de leurs rencontres est marquée par une méfiance mutuelle.

L'argent s'épuise peu à peu, comme un sablier qui s'écoule. Sugar Street peut être lu comme une réécriture urbaine de Walden de Thoreau, réfléchissant sur le monde moderne et ses dérives. Le narrateur anonyme est en fuite, cherchant à disparaître complètement pour vivre dans la peau de quelqu'un d'autre. Cependant, même en vivant sous une fausse identité et en évitant les technologies de suivi, il est difficile d'échapper au réseau de relations sociales.

Chaque interaction est potentiellement dangereuse pour le narrateur, créant une tension paranoïaque qui monte lentement à mesure que son argent diminue.

PrixFrontieres2024 – Fergus Bond, premier humain à maîtriser les 24 langues officielles de l'UE, est sur le point de donner une série de conférences en Europe. Cependant, les identitaires sont déterminés à le faire taire et engagent des tueurs à gages pour l'éliminer.

Philippe Mouche signe un roman d'espionnage loufoque et mordant, mettant en scène des personnages hauts en couleur et un suspense quant à la vie ou la mort de Fergus. Un bon roman d'aventures, assurément.

PrixFrontieres2024 – Le détachement militaire du col de Roca Pelada, situé dans la cordillère des Andes à une altitude de près de 5000 mètres, domine un paysage désolé et minéral, peuplé de quelques espèces résistantes et de rares autochtones. Deux postes de garde frontaliers, chacun appartenant à un pays différent, se font face dans ce milieu inhospitalier, caractérisé par des conditions extrêmes telles que des orages magnétiques et des pluies de météorites.

La vie quotidienne des soldats est marquée par la monotonie, leurs activités se limitant principalement à l'observation de l'horizon et à la maintenance des bornes frontalières.

L'équilibre précaire de cette routine est bouleversé par l'arrivée d'une nouvelle commandante, la capitaine Vera Brower, remplaçant le commandant Gaitan à la tête de l'un des postes. Ce changement inattendu introduit une dynamique de rivalité et de mystère entre Vera et son homologue du poste opposé, Costa, chacun cherchant à percer les intentions de l'autre. Dans cet environnement hostile et isolé, la frontière entre les deux camps commence à se brouiller, symbolisant une remise en question des préjugés et des animosités entre les deux côtés.

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Ce récit explore les thèmes de l'isolement, de la survie et des relations humaines dans un contexte de tensions géopolitiques, tout en mettant en lumière l'absurdité des conflits territoriaux face à l'immensité et à la beauté brute de la nature sauvage.

Relecture d’après-midi : « Les amours suspendues » de Marion Fayolle. J’avais déjà été très touché à la découverte de cet album et le relire m’a de nouveau plongé dans la sensation duveteuse que procurent les œuvres qui nous traversent, qui nous parlent avec une langue qui n’appartiennent qu’à elles et qui rayonnent d’une profonde humanité.

Marion Fayolle y approfondit une écriture singulière qui touche au langage même du récit visuel et trouve ici une forme de quintessence. Elle développe une énonciation faite de théâtralité tout en préservant toute la puissance poétique de l’image qui compose la richesse de son travail. 

Les personnages sont systématiquement présentés en pieds, sur une scène, et le protagoniste (qui plus est dramaturge) rapporte à un auditoire (le lecteur) les récits de ses amours volages qui s’incarnent en images évocatrices et symboliques. 

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La mise en scène ne cesse de se renouveler et l’on pense aux pièces de Julien Gosselin ou d’Alexis Michalik dans cette capacité à revitaliser le récit par des astuces visuelles et narratives. Ponctué par des séquences prenant les atours de chansons ou ballets, il n’est pas étonnant que ce livre soit souvent qualifié de comédie musicale en bande dessinée (et en ce sens on pense davantage aux films de Christope Honoré que de Baz Lurhmann).

Les corps se répètent et se déplacent dans l’espace scénique de la double page, interprétant d’élégantes chorégraphies visuelles. Comme toujours chez Marion Fayolle, les dessins nous parlent, stimulent autant le plaisir des yeux que de l’intellect : la ligne fragile esquisse des silhouettes délicates accompagnées de couleurs désaturées et les déformations figuratives amènent subtilement à un basculement du regard, qui interprète désormais plus qu’il n’observe. 

Entre beauté du mot et puissance lyrique de l’image, « Les amours suspendues » est une œuvre à lire, à relire donc, rien que pour retrouver cet état cotonneux que sa lecture procure, malgré un sujet fort et tranchant (mais je n’ai malheureusement pas la place de m’étendre dessus).

« Mon attirance, ou plutôt mon obsession pour la peur générée par le surnaturel doit remonter à mon enfance. Je ne crois pas que cette obsession soit liée à un évênement particulier. Au contraire, je pense que cette attraction est une manifestation particulière d’un besoin naturel chez beaucoup d’enfants, sans qu’aucune explication ne soit nécessaire. » Richard Corben.

Avec cette édition intégrale, les éditions Delirium complètent leur travail de publication des adaptations de nouvelles et de poèmes d’Edgar Allan Poe par Richard Corben. Réalisé entre 2012 et 2014, il considérait lui-même ce recueil comme l’un de ses meilleurs travaux.

On y retrouve notamment une histoire inédite, L’Homme des Foules, parue en 2019, peu avant la disparition de Corben — ainsi qu’une nouvelle couverture signée par le Grand Prix d’Angoulême 2018.

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« En fait, je dois préciser que mes adaptations ne sont que l’interprétation des visions suggérées par Poe dans ses textes et ses poèmes. On ne peut même pas les considérer comme des mises en images de ses textes. Mes adaptations sont la formalisation de mes propres pensées telles qu’elles sont inspirées par les créations de Poe. Cette approche permet une multitude de variations pour chacun des thèmes qu’il aborde, et aucune ne peut être considérée comme une “vraie” adaptation. »

Des versions tous magnifiquement illustrées et colorée des œuvres emblématiques de Poe telles que La Chute de la Maison Usher, Le Masque de la Mort Rouge et Le Corbeau. L’ensemble fut traduit par François Truchaud, aujourd’hui décédé, ainsi qu’Alex Nikolavitch pour L’Homme des Foules.

Une perle rare, indispensable pour découvrir autrement le maître américain.

Un apophtegme est une maxime concise, spirituelle la plupart du temps, qui condense une vérité ou une sagesse en quelques mots. L'idée : transmettre des enseignements moraux ou philosophiques de manière mémorable. Notre grand grec national avec Iannis Xenakis, Nikos Aliagas, persévère dans la photographie, et y adjoint ses « apophtegmes essentiels », d'Homère au peintre décédé en 2022, Alekos Fassianos.

C'est la maison de l'érudition sur l'Antiquité, surtout grecque et latine, Les Belles Lettres, qui accueille l'animateur, drôle d'idée ? Pas si on connaît l'ambition de celui qui a récemment exposé son œuvre photographique dans l'exposition, Le Spleen d'Ulysse : saisir « l'esprit grec », sans en faire un discours. Une édition bilingue, et des mots simples, de ceux qui ont soit tout soit rien compris.

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Exerce ton corps et ton âme dit l'orateur du temps de Platon, Isocrate, « tu récoltes ce que tu as semé » dit le proverbe. « L'homme aime frapper ceux qui lui ressemblent », constate l'auteur de La Grande pitié, Ilías Venézis. Le poète Tassos Livatidis, lui est formel : « Quand tu dis : je hais, le premier meurtre du monde se réalise en toi. » Mais aussi Héraclite, Sappho, Nikos Kazantzaki, Archimède, Démocrite, Ménandre, Socrate... Et quelques-unes des 147 Maximes du Temple de Delphes, qui suffisent pour bien vivre.

Les photos sont de la Grèce d'aujourd'hui, mais il faut toujours revenir aux anciens Hellènes, car ils ont déjà fait le tour.

Une belle couverture bleu grec, logique, et une édition entourée des petits livres jaunes signés Plutarque, Plotin ou Hermès Trismégiste. Et cette chouette qui te regarde de biais.

Avec Mandoline, Pia-Mélissa Laroche compose une ritournelle, une mélodie visuelle entraînante et réjouissante.

Elle dessine une suite ininterrompue de séquences qui s’enchaînent et s’enchâssent élégamment et où les notes deviennent motifs autant que les planches semblent mues par une musicalité sous-jacente.

L’album n’avance pas tant en termes de péripéties que de développement visuel : et pourtant cet album se lit, les rythmes varient, des protagonistes apparaissent (dans un sens très large, la mise en page pouvant en être un) pour finalement s’effacer et laisser la place à d’autres.

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On perçoit des variations d’intensité qui interprètent les émotions qui se jouent dans les scènes représentées.

À l’anecdote elle préfère l’idée de rime visuelle ou d’échos graphiques qui engagent la lecture.

Mandoline est un album très beau, entraînant, simple et ambitieux, tout en légèreté, une véritable symphonie visuelle confectionnée de main de maître par Pia-Mélissa Laroche.

Le 29 mars 1988, juste avant l’élection de Mitterrand pour un second mandat, Dulcie September, représentante en France de l’ANC, le parti de Nelson Mandela, est assassinée à Paris. Militante acharnée contre l’apartheid, Dulcie n’avait pas que des amis, loin de là, mais comment la France a-t-elle pu laisser commettre un tel forfait sur son territoire ? À moins que la République n’y soit, de près ou de loin, liée. C’est à cette question que Benoît Collombat tente depuis très longtemps de répondre.

L’album "Dulcie —Du Cap à Paris, enquête sur l’assassinat d’une militante anti-apartheid", dessiné par Grégory Mardon et scénarisé par Collombat met en scène à la fois le processus d’enquête menée par le journaliste d’investigation, les rencontres en vue de la préparation de la BD, et les hypothèses sur lesquelles débouche cette impossible recherche. Ce récit est passionnant, il montre de façon très concrète comment les intérêts géostratégiques et industriels s’entremêlent aux dépens à la fois des questions démocratiques, de secrets d’État et de transparence.

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En touchant aux intérêts stratégiques à la fois du nucléaire et de la défense, Dulcie September a découvert sur le sol français qu’il est parfois plus risqué de frayer avec des groupes aux mains sales en Europe que d’être noire en Afrique du Sud sous l’Apartheid.

On est pris de vertige en déambulant les coulisses de la France des 40 dernières années, face au déni de justice, aux silences accablants et aux faits — décidément têtus — ceux d’un assassinat politique et industriel en plein Paris, sur une personnalité censée bénéficier de la protection de la République.

Le dessin de Mardon, très factuel, parvient à donner corps à ces entretiens et témoignages, les planches permettent d’assister aux scènes, de revivre la tension et d’élargir le récit documentaire, pour qu’il ne se réduise pas à des visages écrasés par des bulles interminables. 

Un album qui fait froid dans le dos et dessille les yeux.

“Reviens, tout est pardonné !” Tout Benjamin est là. Publié en 1928, Rue à sens unique, presque une réponse aux chemins qui ne mènent nulle part : de petits textes fragmentaires, ou plutôt des collages à la Dada ou Burroughs, et de la pensée au travers de souvenirs d’enfance, notes autobiographiques, scènes de la vie de l'asphalte et de réflexions des plus volatiles. 

Walter Benjamin est un penseur exigeant, car tous ses axiomes s’éloignent radicalement de l’intuitif, tout en étant intégralement, en dernière analyse, du ressort de l’intuition totalisante. Benjamin fait de la philosophie en poète, comme Nietzsche, et parle de la Modernité. Déjà, les marchandises de Chine, le ministère de l'intérieur, mais aussi les salons de coiffure pour dames, le bureau des objets trouvés…

Sa technique d’écrivain : “Ne laisse aucune pensée passer incognito, et tiens ton carnet de notes de façon aussi draconienne que les pouvoirs publics tiennent le registre des étrangers”.

“Le travail d’une bonne prose comporte trois niveaux : un niveau musical, dans lequel elle est composée ; un niveau architectonique, dans lequel elle est construite ; enfin un niveau textile, dans lequel elle est tissée.”

« Je suis une force du Passé. Tout mon amour va à la tradition. Je viens des ruines, des églises, des retables d'autel, des villages oubliés des Apennins et des Préalpes où mes frères ont vécu. » Pier Paolo Pasolini

Pier Paolo Pasolini, c'est beaucoup de choses, parfois en même temps : poète, essayiste engagé (et non un intellectuel, dieu merci), romancier, journaliste, dramaturge, acteur, scénariste, et même grand cinéaste. C'est ce dernier office qui intéresse en particulier l'exposition du Nouveau Musée nationale de Monaco, Pasolini en clair-obscur (29 mars - 29 septembre).

Bien qu'il aimait à s'identifier en premier lieu comme « écrivain », c'est par ses films qu'il a captivé le grand public, et finalement les autres aussi. Le cinéma a porté ses idées politiques et ses intuitions spirituelles, jusqu'à devenir le cœur de son œuvre esthétique. Le beau livre qui accompagne l'exposition, publié chez Flammarion, se penche spécifiquement sur l'influence de l'art classique, mais aussi de ses contemporains, sur le visage de ses films.

Quels peintres ont inspiré le maître italien, de Caravage à Francis Bacon en passant par Pontormo, Pieter Claesz, Giorgio Morandi, Fernand Léger... Comment il a inspiré ses suivants aussi, ses années d'apprentissage à l'ombre du père, les débuts romains, le sacré dans son oeuvre, Accattone, Théorème, Salò... La postérité enfin, et la mort sordide.

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Visionnaires et provocateurs, à l'opposé de l'arrogance, ses films sont des fresques qui racontent les fractures sociales, culturelles et sexuelles de l'Italie d'après-guerre. Cinéaste qui plonge la dague dans la plaie, Pasolini sait que le diable est le jumeau de dieu. Il mêle le sacré et le profane, le mythologique et le moderne, pour peindre des tableaux vivants de la condition humaine. Un de ces artistes-médecins.

Ce beau livre met en exergue toutes les facettes de cet homme perdu qui a décidé d'avancer, avec une riche iconographie et des textes savants.

Sa nostalgie pour l'Italie préindustrielle ne coupe pas Pasolini du présent. Ainsi porte-t-il sur l'avènement de la société consumériste un regard d'une lucidité douloureuse. Elle lui inspire son ultime film, le plus politique, Salò ou les 120 Journées de Sodome.

Par sa radicalité, Salò déborde le champ du cinéma et empiète sur celui de l'art contemporain. Plus qu'un cinéaste, Pasolini a été un expérimentateur, un créateur de formes nouvelles - c'est sans doute ce qui explique la multiplication des hommages que les artistes lui ont rendus et lui rendent encore.

- Le commissaire de l'exposition, Guillaume de Sardes

Ceux qui les ont côtoyés peuvent témoigner de la grande fierté des Britanniques pour leur identité, voire de l'arrogance diront certains, et ce malgré la laideur de la plupart de leurs villes, et la gelée à la menthe.

« Nous sommes un peuple unique, avec notre propre caractère, notre propre histoire, nos propres façons de vivre ensemble, une certaine qualité douce-amère, une conscience sociale et un sens de l'humour particulier », disait George Orwell. « Ce sceptre isle, cette terre de rois, ce royaume d'Angleterre », décrivait Shakespeare dans son Richard II.

Une singularité insulaire dont ils tirent leur force : « Régner sur les vagues » des océans grâce à sa flotte navale. Une domination de thalassocratie louée dans la chanson patriotique, Rule, Britannia, composée au milieu du XVIIIe siècle. Par extension, elle évoque leur empire, qui va prendre son essor le siècle suivant.

Si l'Empire britannique commence véritablement à se former à la fin du XVIe siècle avec les premières colonies en Amérique du Nord et dans les Caraïbes, Les Guerres Napoléoniennes (1803-1815), dont il sort renforcé, et surtout la Révolte des cipayes en 1857, qui marque le début de la formation de l'armée des Indes, constituent des moments clés de l'expansion british.

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Ce soulèvement majeur dans le pays de Tagore contre la Compagnie britannique des Indes orientales mena à la prise de contrôle directe du pays par la couronne britannique. Suivront la Guerre anglo-zouloue dans l'actuelle Afrique du Sud, la terrible Guerre des Boers et ses camps de concentration, la rivalité entre l'Empire britannique et l'Empire russe au XIXe siècle, centrée sur l'Afghanistan et des territoires d'Asie centrale, et baptisée Le « Grand Jeu ». Mais aussi le soulèvement anti-impérialiste, anti-étranger et anti-chrétien en Chine entre 1899 et 1901, dit la Révolte des Boxers, sans oublier les deux guerres mondiales...

Une fin en 1947 après un lent déclin, avec le retrait de l'Union Jack d'Inde et du Pakistan, mettant fin à trois siècles d'expansion impériale britannique. L'apogée est dans ce XIXe siècle victorien, quand la reine régna sur près d'un quart de la superficie terrestre et de la population mondiale, avec des territoires dans le sous-continent indien, l'Afrique, le Moyen-Orient, l'Asie du Sud-Est et l'Océanie.

Celui qui proposa une biographie de Rommel, Benoît Rondeau, adopte une perspective impériale, englobant toutes les possessions britanniques, et examine les aspects politiques et militaires du colonialisme qui ont propulsé la Grande-Bretagne au rang de première puissance coloniale, dotée de l'une des armées les plus puissantes de son temps. 

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Robert Clive, Disraeli, Montgomery, Lawrence d'Arabie, Gordon, Kitchener, Baden-Powell, Douglas Haig, Churchill... Les batailles de Plassey, Khartoum, d'Isandlwana, de la Somme, d'El-Alamein, de la Normandie... Et la mentalité, l'organisation, les caractéristiques et l'évolution de l'armée et de la marine britanniques... Tout une épopée démente, colonialiste et finalement contre la menace nazi. Le tout narré avec maestria par l'historien spécialiste de la Seconde Guerre mondiale, qui va jusqu'à donner un aperçu de la vie quotidienne des combattants, pas toujours aisée, qu'il avait déjà présenté dans une précédente étude, Le Soldat britannique.

L'esprit britannique, cette mosaïque complexe de résilience, de tradition, et d'innovation, dont émane un profond sentiment de continuité historique, marqué par la stabilité des institutions, le respect du droit et une folie contenue, révélée par un humour absurde et sans sourire.

Et en bonus, le conseil d'un immense film signé John Huston, tiré d'une nouvelle d'un certain correspondant de guerre britannique né en Inde, Rudyard Kipling, L'Homme qui voulut être roi. L'oeuvre raconte la quête extraordinaire de deux aventuriers britanniques pour devenir les monarques d'un royaume perdu dans les montagnes inexplorées de l'Afghanistan, où on se souvient encore d'Iskandar...

La « bonne guerre » américaine prend racine avec la Seconde Guerre Mondiale, époque où le pays du général Patton est entraîné dans le conflit suite à l'attaque japonaise sur Pearl Harbor. Dès 1933, sous l'égide de Roosevelt, les États-Unis commencent à bâtir une armée imposante qui, à la fin du conflit, sera capable de gérer plusieurs fronts simultanément : production massive de navires, chars et canons à une cadence comparable à celle des big macs, et mobilisation de 16 millions de citoyens pour combattre les forces de l’Axe.

Avec l'adoption de la Loi sur la Neutralité dans les années 1930, les États-Unis s'efforcent néanmoins d'éviter toute implication dans les conflits internationaux, tout en se préparant en coulisse à une potentielle nécessité de défense. Le changement de cap survient à la fin des années 1930 et au début des années 1940, alors que les tensions montent en Europe et en Asie. La montée du nazisme en Allemagne, l'expansionnisme japonais en Asie, et l'agressivité de l'Italie fasciste, conduisent le pays de John Ford à revoir leur politique d'isolationnisme.

L'accélération du programme de réarmement s'opère avec la Loi sur le prêt-bail de 1941, qui autorise les États-Unis à fournir un soutien matériel à leurs alliés, en particulier la Grande-Bretagne et l'Union soviétique, sans pour autant s'engager directement dans le conflit. Cette mesure transforme les États-Unis en « arsenal de la démocratie », les préparant à assumer un leadership mondial dans la lutte contre les forces de l’Axe.

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Les usines du pays, réorientées vers les besoins de la guerre, produisent en masse avions, navires, véhicules, armes et munitions. Cette production à grande échelle soutient l'effort de guerre des Alliés avant même l'entrée formelle des États-Unis dans le conflit en décembre 1941, et jette les bases de la suprématie militaire américaine pour les décennies à venir.

De l'Office ovale du Président à la Division des plans de guerre, de la chaîne de production de l'usine Ford à Willow Run aux profondeurs d'un sous-marin de la Navy dans le Pacifique, en passant par un plateau de tournage à Hollywood. Du centre d'internement pour Nisei à Manzanar à la condition contrainte d'un GI dans son trou d'homme en France, Christophe Prime, historien au Mémorial de Caen, révèle l'histoire véritable de « la bonne guerre américaine » (1933-1946).

À ne pas confondre avec Paradoxe sur le comédien de Diderot, qui professait que le grand acteur doit rester détaché de ses émotions pour mieux les simuler sur scène, et reproduire fidèlement les émotions sans les ressentir réellement, pour gagner en constance et maîtrise. 

Dans Les paradoxes du comédien, l’agrégée de Lettres Modernes Laurence Marie, plus humble, se contente de donner la parole aux acteurs eux-mêmes. Drôle d’idée diront certains, logique d’autres. Mais aussi aux danseurs, chanteurs ou metteurs en scène pour ratisser large.

Les débats philosophiques sur la meilleure méthode d'actuation perdurent : faut-il favoriser une approche rationnelle et distanciée, que Bertolt Brecht défendait lui aussi dans ses écrits, ou explorer les profondeurs de son propre ressenti pour livrer une interprétation authentique, enseignements de l’antique Horace au moderne Stanislavski, en passant par l’Acteur studio de Marlon Brando, Dustin Hoffman et Lee Strasberg ?

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Comment se préparent-ils pour un rôle ? Quel effet le public a-t-il sur leur performance ? Un partage d’expériences et de sentiments, par Fanny Ardant qui est formelle, « Diderot à raison », Loïc Corbery, Isabelle Carré, l’humoriste Vincent Dedienne, l'important cinéaste Arnaud Desplechin, Christian Hecq, Laurent Naouri, Eric Ruf, Florence Viala, Jacques Weber, l’incontournable Denis Podalydès… 50 en tout.

En sachant « qu'on ne risque rien à livrer le secret professionnel, puisqu'on ne livre pas le moyen de s'en servir »...

Se dessine, malgré tout, à terme un portrait vivant et dynamique de l'art théâtral contemporain, avec en prime une préface de l‘enseignante à l’université de Columbia, qui refait l’histoire de cette querelle des anciens et des modernes éternelle.

« Ce qui distingue les forfaits de la vie de ceux du théâtre, c'est que dans la vie on fait plus et on dit moins, et qu'au théâtre on parle beaucoup pour faire une toute petite chose. » Antonin Artaud, Les Cenci.

Mon cher Pascal, je ne résisterais pas à te citer citant d’Ormesson : « Nous n’avons plus de héros, nous n’avons plus de maitres. Nous avons remplacé la surprise par la fatigue et l’admiration par le ricanement. »

Et à ce titre, je vous ferais volontiers part d’une brève histoire, tirée du Littré, et arrangée pour la circonstance. Un marquis besognant dans la cuisine une de ses servantes, est interrompu au moment de la petite mort par sa marquise d’épouse. Affolée par ce qu’elle voit, cette dernière s’exclame : « Monsieur… Monsieur, vous me surprenez ! » Et le marquis de rétorquer, déçu de ne pas achever son affaire : « Hé non, ma Dame. Je vous étonne. C’est vous qui me surprenez. » À bon entendeur, Monsieur d’Ormesson…

Et si c’était niais raconte les aventures policières de l’inspecteur Adam Seberg, et de temps à autre, les interventions de son collègue Anglard. Une fâcheuse épidémie de disparitions frappe en effet les écrivains publiés par une même maison d’édition, que pilote d’une main de fer dans un gant de crin un certain Jean-Louis Chifflon. Un ravisseur – ou un sauveur des Arts et Lettres, c’est selon – kidnappe ses auteurs fétiches.

Et personne n’est épargné : Denis-Henry Lévy, Mélanie Notlong, Bernard Werbeux ou encore Pascal Servan, et j’en passe et j’en oublie, et je vous invite à les découvrir… Mais par un singulier miracle, chacune des onze victimes participe au récit de son rapt en prêtant sa plume et son style à la rédaction des onze chapitres, l’auteur ne signant que l’épilogue, qui à lui seul vaut le détour.

Avertissement tout de même pour l’amateur de polars : ceci n’est pas un polar. Enfin, pas au sens où on peut l’entendre. Oui, bon y’a une vague intrigue, tournant autour des milieux littéraires comme un poisson dans son bocal. Mais sans la mémoire limitée à une vingtaine de secondes du vertébré aquatique à sang froid. En même si l’ensemble va assez vite, la saccade des chapitres résumée à son essentiel ne mène pas bien loin.

Alors quoi ? Bien c’est vers la forme adoptée par le récit qu’il faut se tourner. Et là, on admet à l’unanimité que, mon petit Pascal, t’as réalisé un sacré boulot. Les défauts, les vices rédactionnels, les tropes, les errances, le ton (c’est bon), ou encore le vocabulaire et l’ambiance, on nage dans les chapitres comme écrits, avec une auto-dérision impensable, par leurs authentiques auteurs.

Jetez un œil tout particulièrement à celui de dOrmissemon pour vous en convaincre : c’est à la hauteur du véritable, et ne souffre d’aucune critique, quant à la justesse de la parodie. Si, promis.

Et c’est là que mon index, précieux compagnon de lecture, me souffle deux questions crispantes. « Ben ouais, mon gars, c’est plutôt fameux, mais si tu les avais pas lus, ces auteurs, comment tu l’aurais vécu ce bouquin ? Parce que finalement, c’est vraiment drôle ? » Oh, le petit saligaud… Par acquis de conscience, je vais cependant répondre. Et aussi pour lui couper l’herbe sous l’ongle du pied.

D’abord, oui et non. Si l’on ignore tout des auteurs caricaturés, il est temps de se replonger dans une librairie, fut-ce simplement pour se tenir au courant de ce qui existe et se fait de nos jours. Mais admettons, et dans ce cas, la légèreté et l’humour en font un texte sympa, mais qui ne casserait pas trois doigts à un écrivain. Le comique de situation, les répliques ou les réactions des personnages amusent et distraient. Si, promis. Reste que non, sans un minimum de connaissance de ces gens-là, on perd la plus grande partie du texte.

Alors est-ce que c’est drôle ? Bien l’humour, c’est aussi réservé à ceux qui sont équipés pour le comprendre, voire en faire. Et là, les statistiques chutent drastiquement pour Et si c’était niais. Oui, c’est niais, cela dit, et finalement on se prend au jeu des disparitions et du grotesque de chaque écrivain, dont les traits grossis pour les rendre pédants et imbus de leur personne font mouche. Mais on ne rit pas non plus aux éclats, parce que, ben non, c’est pas non plus une grosse comédie ni une farce molièresque…

De là à trancher, et déclarer ce livre coupable d’un crime de lèse-littérature ou un véritable morceau de bravoure et de pastiche… ben je sais pas. Non, n’insistez pas, ça me gêne, je peux pas me prononcer. Oui, j’ai bien aimé : je connaissais les auteurs pour avoir subi leur prose par le passé, mais je sais pas si je le conseillerais. Ou alors à des gens que j’aime pas et qui adorent les victimes concernées… Gniark gniark gniark !

Blague à part. Et si c’était niais procure un bon moment de détente, et finalement sa grande qualité, c’est d’inciter à découvrir ces gens grimés. Et finalement, là où un bon vieux livre de dénonciation aurait permis d’enterrer vivant ces fagociteurs de Lettres, on se dit que Pascal a bien réussi son coup : assurer la promo des 30 prochains pavés que publiera cette ribambelle d’emplâtres.

Mais non sans un humour qui égratigne durablement…

Tout débute à La Nouvelle-Orléans, face à une créature du Monde des Morts, responsable de plusieurs morts depuis une bonne semaine. Le Shadowman éliminera le monstre sans trop de difficultés, mais ce dernier l’implore : il faut l’aider. Elle n’est pas prête pour ce monde.

Généralement, c’est là que le Baron Samedi débarque et propose une mission bien étrange à Jack Boniface. Chance : ça ne rate pas. Ce maître du vaudou est décidément bien prévisible… et un brin facétieux.

Car des passages s’ouvrent à travers le monde et des forces occultes (comprendre : venues du monde des Morts) percent la frontière qui sépare notre réalité de l’au-delà. Affamées, elles envisagent de faire de la Terre leur prochain festin.

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En deux volumes, cette histoire haletante fonctionne à plein régime, avec qui plus est une bonne dose de cette magie qui prévaut dans l’univers de Sahdowman.

Le style graphique de Davis-Hunt, marqué par une abondance de sang et de viscères, illustre parfaitement la raison de son choix pour cette histoire. Les illustrations exsudent littéralement le sang et les viscères, soulignant l’engagement du dessinateur envers le genre horrifique.

L’atmosphère sombre, évoquant l’esthétique des bandes dessinées des années 90, confère à l’œuvre une intensité délectable.