Pictural

La popularité toujours vivace de Gustav Klimt (1862-1918) s'explique non seulement par l'attrait particulier qu'exercent ses toiles luxuriantes mais aussi par les thèmes universaux sur lesquels il travailla : l'amour, la beauté féminine, le vieillissement et la mort. Fils d'un orfèvre, Klimt composait des surfaces délicatement décoratives d'une luminosité précieuse, qui montrent la double influence des arts égyptien et japonais. Toiles, fresques ou frises, ses oeuvres se distinguent par des couleurs radieuses, des lignes fluides, des éléments floraux et des motifs rappelant la mosaïque. Parce qu'il traite souvent de sujets en rapport avec la sensualité et le désir, ou l'anxiété et le désespoir, tout ce chatoiement est aussi chargé de sentiment. Les nombreuses figures féminines peintes par Klimt, reconnaissables entre mille par leurs formes voluptueuses, leur chair tendre, leurs lèvres rouges et leurs joues rosies, étaient particulièrement chargées de passion, à une époque où un érotisme d'une telle franchise était encore tabou dans la bonne société viennoise. Ce livre présente une sélection d'oeuvres de Klimt, son univers pictural où le décoratif sert le désir, ainsi que son influence sur les générations suivantes d'artistes.

On peut entendre la couleur d'un sourire : l’oreille voit, pense dans la peinture. On peut voir un grincement d’angoisse : l’œil entend, pense dans la musique. Un son peut suggérer une couleur, pendant qu’une couleur peut suggérer un son. Le temps musical est visible, l’espace pictural audible : c’est en ce qui les désaccorde que musique et peinture s’interpénètrent.Fusions et correspondances, analogies ou disparités, sont étroites entre ces deux activités, la musique et la peinture, qui du fond des âges furent intimement liées à la vie des hommes.En inversant les principes traditionnels – musique, art du temps ; peinture, art de l’espace – Jean-Noël von der Weid incite à un doute fécond. Il nous fait découvrir que les sens pensent. Pour nous, regardeur et auditeur transformés, voir et écouter ainsi cela signifie penser autrement, percevoir autrement : nos sens buissonniers, œil, oreille, éclatés et indivis, forment moins une association qu’une intrication. En commentant de nombreuses œuvres picturales et musicales (de Véronèse à Klee en passant par Corot et Picasso ; de Monteverdi àWagner, Schoenberg ou Rihm), Jean-Noël von der Weid met au jour ces correspondances.

Les textes fondateurs sont rares. La Peinture est de ceux-là : ni recueil de motifs iconographiques, ni somme de recettes d'atelier, l'ouvrage procède à un " examen tout à fait nouveau de l'art de peindre ". Nouvelles, en effet, l'articulation de la théorie et de la pratique, la valorisation de la peinture comme " art libéral ", la distinction entre peintre-artisan et peintre-artiste. Nouvelle aussi, et surtout, la conception de l'historia, qui donne au discours de l'humaniste (d'un humaniste " parlant comme peintre ") toute sa portée philosophique et historique. Car, avec l'historia, Alberti définit un ordre pictural qui est aussi un ordre de la pensée et du savoir : la Représentation, dont le primat allait durer plusieurs siècles. Cette nouveauté conceptuelle est indissociable de l'invention d'un nouveau langage. Aussi la présente traduction suit-elle au plus près le texte latin, présenté en regard ; elle s'accompagne de la version italienne donnée par Alberti lui-même en 1436, de nombreuses notes, d'une introduction et d'un riche dossier, où le lecteur trouvera notamment un glossaire théorique ainsi que le texte (inédit en France) des Eléments de peinture.

Rédigé en 1983, ce recueil de nouvelles nous plonge dans la genèse psychologique du groupe Bérurier Noir. Fortement marqué par le cinéma japonais d'avant-garde ou de la nouvelle vague, FanXoa, ancien chanteur et co-fondateur du groupe, nous livre 24 histoires courtes toutes en tension, pulsions et cruauté. On retrouve au fil des flashs illustrés par l'auteur quelques influences majeures de la culture de la fin des années 70 : Cavani, Fassbinder, Kubrick, Mishima, Pasolini, Visconti... L'époque est sombre, le tableau écarlate, la mort rôde. L'auteur, étudiant aux Beaux Arts de Paris, est traversé par un mal indicible et ne pensait qu'à mourir en beauté. Influence samouraï et soldatesque érotisée mais aussi manifeste nihiliste, gestuelle autodestructrice, le petit "théâtre de force" prend forme dans le fantasme d'un suicide psychologique et d'une renaissance. Corps, carcasses, chairs à vif, sensualité, "éros + massacre" comme le stipule le film de Yoshida. Sur le plan pictural, ce brûlot de sous-culture punk rappelle les belles heures de Bazooka. "Un jeune homme éventré" est une traversée crue et vacillante dans un néant sublimé.

"Comment envisager maintenant le problème de la peinture après la guerre ? " , se demandait Maurice Esmein en novembre 1916. Peintre talentueux et critique avisé, il interrogeait les pratiques artistiques de son temps et parcourait les "culs-de-sac" dans lesquels ses contemporains se perdaient. Commentant, parfois sévèrement, les oeuvres de Monnet, de Renoir, de Matisse ou Picasso, fustigeant ses propres erreurs, il était à la recherche d'un genre pictural neuf, d'une "peinture complète" , qui allierait la sensualité à l'intellect, la forme à la matière, la complexité cubiste avec la naïveté sensible de l'impressionnisme. En cela, Esmein était un artiste chercheur : il explorait les moyens d'enrichir le cubisme en y introduisant plus de beauté plastique et d'animation par la lumière. Son entreprise fut interrompue par la Grande Guerre. Engagé volontaire comme infirmier, il fut tué en Champagne. Les Carnets ici publiés pour la première fois permettent de renouer avec les réflexions de cet artiste encore en devenir, et d'imaginer les voies picturales dont son décès nous a privés. Ils sont précédés d'une présentation de la vie et de l'oeuvre du peintre par Jean Esmein.

Table of contents / Table des matières - Zeina Hakim & Fayçal Falaky, "Avant-propos / Foreword" - Distance and Absorption / Distance et absorption - Nicholas Paige, "Still Lifes and Sublime Vistas : On the Non-Modernity of Diderot's Approach to Genre Painting" ; Daniel Brewer, "Nature Time" ; Carole Martin, "La "Promenade Vernet", ou le paysage parlant" - Hermeneutics and the Signs of Nature / Herméneutique et signes de la nature - Lucien Nouis, "L'herméneutique paysagère du Voyage de Hollande" ; Servanne Woodward, "Le paysage : une nature à notre échelle" ; Andrew H. Clark, "Disrupting Genius : Dorval, landscape, and soliloquy" - Metaphysical Models / Modèles métaphysiques - Mitia Rioux-Beaulne ""Plus admirable que l'ouvrage de Dieu... ". Modèle idéal contre belle nature dans le Salon de 1767" ; Olivier Tonneau, "Aimer la nature en matérialiste : métaphysique, éthique et politique du paysage dans la "Promenade Vernet"" - Sensorial Landscapes / Paysages sensoriels - Philippe Sarrasin Robichaud, "Progresser par la méthode : la promenade dans les Leçons de clavecin (1771)" ; Clara de Courson, "Acoustique du paysage pictural : la trame sonore des Salons" ; Sarah Benharrech, "Diderot a-t-il une pensée pour le végétal ? Une lecture écocritique des Salons" ; Michel Delon, "Nature et industrie humaine. Le paysage, des Entretiens sur le fils naturel aux Essais sur la peinture" .

Peu d'auteurs Chinois ont aussi profondément marqué la culture et les arts de l'Extrême-Orient que Tao Yuanming - alias Tao Qian, ou "Maitre Cinq-Saules" -, poète reclus de la fin des Jin de l'Est (317-420) et du début des Liu-Song (420-479). Riche de quelque cent-trente poèmes et de plusieurs courtes proses, son oeuvre a traversé les siècles avec une fraicheur intacte. Ses lieux et ses emblèmes - la cabane de chaume, le retour chez soi, les jardins et les champs, le vin consolateur, le chrysanthème d'automne, et tant d'autres - devinrent dès la dynastie des Tang (618-907) les éléments d'un répertoire poétique et pictural commun, nourrissant dans son sillage le rêve de quiétude et d'indépendance d'innombrables lettrés de Chine, du Japon et d'ailleurs. De sa vie, cernée d'ombres, on ne sait finalement que peu de choses, en dehors de ce que le poète nous en livre lui-même ; et ses biographies anciennes, répertoire d'anecdotes (probablement apocryphes) plus que source d'informations concrètes, décrivent un archétype plutôt qu'un individu. Mille ans de commentaires n'ont pas dissipé ses obscurités. Il reste insaisissable, entre deux légendes.

Michele Sambin (Padoue, 1951), musicien, peintre, homme de théâtre, cinéaste et pionnier de l'art vidéo, mène depuis des décennies des recherches axées principalement sur le rapport entre l'image et le son. Ce volume examine l'ensemble de l'oeuvre de l'artiste, à commencer par l'installation vidéo-photographique "Il tempo consuma", une réélaboration et une actualisation de trois oeuvres créées par Sambin à la fin des années 1970. L'archè et la téchne sont les deux poles vers lesquels oscille l'imaginaire de l'artiste, où la technique - qui s'incarne ponctuellement dans un dispositif (que ce soit une installation ou un dispositif pictural, sculptural, filmique, sonore, performatif) - n'est pas le principe générateur de toutes les oeuvres, encore moins le but ultime, mais plutôt un paradigme, un point de vue à partir duquel révéler l'essence même des choses. Le catalogue, accompagné d'une riche palette d'illustrations en couleurs et en noir et blanc, est ponctué de "mémoires vidéo" de l'artiste lui-même, qui retracent les grandes étapes de son activité sous la forme d'un journal intime, et est complété par des contributions critiques d'importantes personnalités internationales.

Au fil des ans, l'oeuvre picturale de Léonard de Vinci (1452-1519) n'a cessé de faire l'objet de recherches, de restaurations, d'analyses et d'interprétations. Cinq cents ans après la mort de l'artiste, ce livre clarifie tout ce que nous savons aujourd'hui sur sa peinture, en opérant un tri entre les acquis scientifiques, historiques et les fantaisies qui ont pu être écrites à propos de Léonard et de son univers. Cet ouvrage présente toutes ses peintures connues, en donne les caractéristiques techniques, en révèle les significations cachées, les aspects les plus curieux et fait le point sur les oeuvres dont l'attribution est contestée. Grâce à de somptueuses illustrations en gros plan, il offre enfin la possibilité d'observer de près, jusqu'aux moindres détails, ces chefs-d'oeuvre émouvants de la Renaissance.

"Cezanne, maître de la Provence" propose un voyage au coeur des oeuvres majeures de l'artiste aixois, suivant le fil rouge de la nature vers la Provence et la Sainte-Victoire. L'exposition numérique et immersive des Carrières de Lumières, ainsi que ce catalogue, présente les chefs-d'oeuvre les plus significatifs de Cezanne (1839-1906) tels que ses natures mortes aux pommes, Les joueurs de cartes (1890-95) et Les grandes baigneuses (vers 1906). Peintre autodidacte aux 900 toiles et 400 aquarelles, Cezanne représente des portraits, des natures mortes, des paysages, des scènes historiques et réalise de multiples versions d'un même sujet, expérimentant sans cesse les possibilités de la matière picturale. Sa peinture est aussi d'une profonde et entière sincérité, entretenant l'incertain, la passion. Cezanne est un homme au travers duquel se jouent quantités de dialogues picturaux.

Au cours de l'histoire, de nombreux faits astronomiques ont attiré les philosophes, les théologiens et les scientifiques. Par exemple, que s'est-il passé dans le ciel lors de la nativité de Jésus, et à quelle date ? Existe-t-il une relation de cause à effet entre la supernova de 1054 et le Grand Schisme ? Quelles ont été les conséquences historiques des éclipses, essentiellement de Soleil, sur différentes civilisations ? A ces questionnements s'ajoutent de nombreuses interrogations sur l'inspiration et l'expression artistique de l'astronomie sous ses différentes formes, tant architecturale que picturale, ainsi que ses liens avec nos sens. Ce livre examine dix questions astronomiques, parmi les très nombreuses énigmes, historiques, scientifiques et artistiques. Il se veut une incitation à se tourner vers le cosmos, quelque soit le moyen, historique, scientifique, littéraire, ou humain.

Dans " Le Voyage restreint ", Alphonse Layaz nous propose une série de textes plus ou moins brefs tantôt nouvelles, tantôt récits ou contes. L'imaginaire le dispute à la vraisemblance dans une quête de l'image juste ou de l'expression succincte pour que surgissent au détour d'une ligne des personnages de cette belle glaise humaine que savaient pétrir un Guy de Maupassant ou un Léon Tolstoï, mais dans un éclairage contemporain. Que l'expression soit littéraire ou picturale, cet artiste manie les couleurs chaudes d'une palette généreuse d'où l'empathie s'extrait comme une seconde nature. " Si un jour mon art ressemble à la peinture de Giorgio Morandi, je pourrai m'abandonner à l'aventure de la contemplation. " Morandi, le tragique autour de formes essentielles l'écriture d'Alphonse Layaz vous prendra corps et âme.

ARGUMENTAIRE Entre octobre 1902 et mai 1965, Le Corbusier produit plusieurs milliers de dessins, souvent d'une rare beauté. Quelque 5000 d'entre eux sont conservés à la Fondation Le Corbusier et les autres dans des collections privées et publiques. Les éditions AAM, en collaboration avec la Fondation Le Corbusier, entreprennent à partir de 2019 leur publication en quatre volumes. Le second tome couvre les débuts de son activité picturale (1917-1928), de son installation à Paris et de ses dessins de natures mortes jusqu'à ceux de Music-hall et notamment de Joséphine Baker. L'auteure : Danièle Pauly est historienne de l'art, spécialiste de Le Corbusier, elle a réalisé plusieurs expositions et livres sur son oeuvre dont, entre autres : Ronchamp : Lecture d'une architecture, Le Corbusier et la Méditerranée, Le Corbusier. Le dessin comme outil.

Philippe Cognée (né en 1957) est un peintre français. C'est l'un des artistes de sa génération reconnu pour avoir donné une nouvelle impulsion nouvelle à la peinture, médium décrié dans le milieu institutionnel français durant les années 80. Il a développé une technique qui lui est propre et qui a pour objectif de créer un effet de ''floutage et amélioration'' de l'image : elle consiste notamment à recouvrir la peinture d'un film plastique sur lequel un fer à repasser chauffe la cire pour la liquéfier, étalant et déformant les formes. Le film plastique, lorsqu'il est décollé, produit à certains endroits des manques dus à l'arrachage de la couche picturale. L'image semble alors piégée sous une surface glacée. Sa technique lui permet de transcender la banalité quotidienne, qui devient mystérieuse en perdant le sujet dans le flou.

L'oeuvre picturale qui se déploie dans ces pages est une succession de ? gures organiques aux silhouettes multiples, amas de matières ? breuses parsemées d'en ? ures végétales et bestiales. Dans une étreinte charnelle, elles croisent rêve et réel. Le monde des formes convoque cette imagerie anatomique qui, vivante, respire, se dégrade et invente reliefs et surfaces dans sa métamorphose. Le peintre-poète lance une ré? exion sur ces formes inspirées du monde : "D'où viennent-elles ? Et surtout qu'ont elles pour être retenues ? " . Pour la première fois, il se con ? e sur son rapport au visible et à l'imaginaire, dé? nit l'origine de ses compositions jusqu'à dégager une méthode. Amorce d'une méditation ou d'un manifeste, ce volume honore les formes réelles qui, par le passage de l'esprit au geste, deviennent ce qui n'existait pas avant.

"Une écriture de l'éclat, tout en brisures, volontiers effervescente, afin de restituer le fracas du XXe siècle et la démesure d'un trio d'artistes". Le Monde Isabel Rawsthorne est la créatrice d'une oeuvre picturale secrète et méconnue. On a surtout retenu d'elle et de sa vie aventureuse qu'elle fut la muse solaire d'Alberto Giacometti. Francis Bacon confia qu'Isabel fut son unique amante. Elle fut encore son amie, son modèle, sa complice jusqu'à la fin. Des années 30 à la fin du siècle, suivez la destinée de ce trio passionné, d'une extravagance inédite, partageant une révolution esthétique radicale et une complicité bouleversante. Patrick Grainville est né en 1947 à Villers. En 1976, il a obtenu le prix Goncourt pour Les Flamboyants. Il a été élu à l'Académie française en 2018.

Le livre se présente sous la forme d’un diptyque : le premier volet est consacré à la peinture impressionniste, considérée en tant que révolution des habitudes traditionnelles de l’expérience visuelle. Le second volet propose les analyses de trois films cultes qui ont pour principal sujet des intrigues optiques. Entre les deux volets-formé chacun de trois chapitres s’établissent des écarts et se tissent des correspondances. Il s’agit d’une symétrie complexe, dans laquelle l’essor du regard photographique, intervenant tant dans l’expérience picturale du XIXe siècle que dans l’expérience cinématographique du XXe, eut sans doute un rôle important. Le dessein de ce livre est d’offrir, au croisement et à la confluence de la peinture, de la photographie et du cinéma, un tableau cohérent quoique nuancé de la part jouée par l’art dans la construction de notre perception du monde.

Les perspectives théoriques ouvertes par les deux ouvrages précédents, L'Homme décontenancé (2019) et Le Soi- Disséminé (2020), sont reprises ici sous le double éclairage de la clinique et de la création picturale. L'écoute de patients confrontés aux limites entre l'informe et le chaos, dans les zones incertaines où se mêlent le transitionnel et l'hallucinatoire, la confiance et la persécution, fait surgir les reflets d'oeuvres qui ont tenté de dépasser le visible, la forme, la Figure, pour accéder à l'arrière-fond de l'humain, l'origine du vivant au plus près de l'inanimé. Entre l'objet et l'informe, la peinture du 20e siècle, précédant souvent la psychanalyse, a cherché à rendre visibles, dans ces espaces médiaux où les choses ne sont pas des choses, la matière vivante commune qui n'a pas forme humaine mais dans laquelle nous nous retrouvons néanmoins.

Fresque, détrempe, peinture pariétale, trompe-l'oeil, peinture monumentale, graff... Autant de techniques de peinture murale qui témoignent d'une volonté permanente et universelle : partager ses pensées, ses idéaux. La peinture murale, art de la couleur, est un objet fragile mais qui paradoxalement traverse le temps, qu'il soit compté en mois, années, siècles ou millénaires. Elle est aussi un support de communication qui relie un individu ou un groupe non seulement à ses contemporains, mais aussi à de lointains descendants qui, par elle, peuvent redécouvrir les goûts et les pensées de sociétés disparues. Le territoire des Pays de la Loire est riche d'un patrimoine de plusieurs milliers de peintures murales. Cet ouvrage offre au lecteur la possibilité de remonter le temps jusqu'à moins 25 000 ans, puis de revenir à nos jours en découvrant les beautés et les particularités de cette abondante production picturale ligérienne.

Alors qu'il vit toujours dans sa superbe propriété française avec sa femme Héloïse, Tom Ripley est contacté pour assassiner deux mafiosi. Flatté par la carrure de l'adversaire, Tom se réjouit à l'idée de mettre en scène le crime parfait et de trouver la personne qui accomplira son chef-d'oeuvre. Car s'il accepte de relever le défi, il refuse de se salir les mains. La perle rare se présente sous les traits d'un homme que rien ne prédisposait au meurtre, Jonathan Trevanny, un père de famille condamné par une leucémie galopante. Acceptera-t-il le marché en échange de la certitude que sa famille ne sera pas dans le besoin après sa mort ? Troisième roman consacré par Patricia Highsmith à son inquiétant héros, Ripley s'amuse porte à son paroxysme la noirceur de ses personnages à travers une écriture qui n'a jamais été aussi picturale.

Fils de tailleur, Chaïm Soutine (1893-1943) a fui très tôt le shtetl de Smilovitchi, en Russie, pour s'initier à l'art avant d'accomplir sa vocation à Paris. Ses couleurs fulgurantes, ses paysages affolés, au bord du cataclysme, ses portraits en font une figure majeure de l'expressionnisme. Sa légende tient autant à la place qu'il occupe dans l'histoire de l'art qu'aux mystères qui entourent son existence. Quand est-il arrivé à Paris ? Quelles relations entretenait-il avec les autres peintres de Montparnasse, notamment Modigliani ? Quel était son rapport aux femmes, à l'argent, à sa production picturale ? Comment a-t-il été révélé au grand public ? Cette évocation de la vie de Soutine en explore les zones nébuleuses et brosse un portrait en mouvement. Elle met en lumière l'intrication singulière de sa vie et de son ouvre.

Encore largement méconnu du public européen, Winslow Homer (1836-1910) est pourtant l'un des plus grands peintres américains du XXe siècle. Cet artiste atteint l'apogée de son talent à travers la représentation de l'eau, l'un de ses sujets de prédilection. Winslow Homer : poète des flots présente une magistrale sélection de marines qui démontre à la fois l'originalité du style de l'artiste et sa puissance picturale et narrative. En effet, ces oeuvres révèlent le parcours artistique d'un peintre qui a su trouver sa propre voie, éminemment moderne et distinctement américaine. L'extraordinaire capacité de Winslow Homer à adapter ses moyens plastiques à son environnement et à capter l'essence des paysages qui l'entourent se retrouve au fil des pages : des marines de la côte Est des Etats-Unis aux éclatantes aquarelles tropicales des Caraïbes ou encore aux étonnantes scènes de pêche monochromes du Canada.

"Vincent, au terme d'une carrière militaire, prend sa retraite. De nature sportive, adepte de la marche, il contacte un ami qui le recommande auprès du président de son club de randonnée pédestre. Ce dernier l'invite à rejoindre l'association. Vincent, après avoir effectué ses premières balades, bien intégré au sein de ses nouveaux camarades, s'impose bientôt comme animateur de randonnées à thème historique. C'est ainsi qu'il fait la connaissance d'une pétillante randonneuse, qui tombe vite sous le charme de son érudition littéraire et picturale. Une amitié se noue. Lors des randos, au fil du temps, leurs sentiments s'approfondissent. Aboutiront-ils à une passion amoureuse ? L'auteur vous fait découvrir au travers de cet opus, des patrimoines historiques et culturels de la région des Charentes, de l'Auvergne et de son département " la Meuse ", qu'il affectionne tout particulièrement."

Dans le cadre des travaux engagés dans l'appartement du Roi, le château de Versailles prête, pour la première fois et de manière exceptionnelle, un ensemble de six peintures provenant de la chambre de Louis XIV, au musée de Picardie à Amiens. Les six peintures seront ensuite présentées, à partir du printemps 2023, dans les appartements de Madame de Maintenon, au château de Versailles. Saint Matthieu, Saint Luc, Saint Jean, Saint Marc et le Denier de César, peints par Valentin de Boulogne (1591-1632), Agar et l'ange par Giovanni Lanfranco (1582-1647) ornent de nos jours l'attique de la chambre du Roi, témoignage essentiel du goût de Louis XIV pour la peinture caravagesque. Accrochés habituellement à plus de dix mètres du sol, ces tableaux d'une immense qualité picturale seront présentés à portée du regard, occasion unique de les voir ensemble, qui plus est, après avoir été restaurés.

Ecrit en Juin 2020, le poème au long cours intitulé " Un animalcule mortel voyage jusqu'au bout du monde " dresse de façon très réaliste la situation sociale d'une humanité en souffrances sous le joug répressif de la maladie du Covid-19 qui afflige en ce moment le monde. En faisant le tour de l'actualité mondiale, le poète plonge son lecteur dans un univers pathétique où se mêlent à la fois humour et réalisme pour enseigner des idées profondes. C'est une humanité apeurée, serrée dans l'étau de cet " animalcule mortel " qui plane au-dessus de la terre et nous arrache nos proches, qui nous est présentée de manière picturale. Malgré cette situation covidique assez alarmante qui bouscule véritablement l'humanité, le poète reste optimiste en redonnant le sourire, car selon lui, " l'espoir exhume du tombeau le coeur incinéré dans le labyrinthe du désespoir ".

Dans le quartier de Will, les règlements de compte entre gangs sont monnaie courante. Le sang rougit souvent l'asphalte. Enfants ou adultes, ça n'a pas de grande importance pour ceux qui tuent. Sauf que cette fois, c'est Shawn qui est mort. Shawn, le seul et unique frère de Will. Et quand quelqu'un meurt dans le quartier de Will, il existe trois règles essentielles. Ne pas pleurer. Ne pas balancer. Se venger. Dans l'ascenseur, en route pour tuer le présumé meurtrier de son frère, Will fait face à d'étranges fantômes. S'il existe un moyen pour faire cesser le cycle incessant des vengeances, Will est peut-être le seul à pouvoir tout changer. Une adaptation graphique sensible et picturale d'un roman social poignant de Jason Reynolds, auteur américain majeur qui raconte avec justesse la réalité de la jeunesse de banlieue aux Etats-Unis.

Commencer un art par un autre : voici le point commun réunissant deux artistes différentes par leurs projets et leurs origines. Mais pour qui la photographie constitue un parcours initiateur et fondateur. L'Allemande Gabriele Münter, peintre renommée, membre du mouvement d'avant-garde Le Cavalier bleu, utilise la photographie bien avant son activité picturale, lorsqu'elle rend visite à sa famille dans le sud-est des Etats-Unis, au Texas, vers 1900. L'Américaine et future écrivaine sudiste Eudora Welty, elle, pense devenir d'abord photographe quand, dans les années 1930, elle documente avec assiduité la vie de son Mississippi natal. Sans le savoir, ces deux femmes vont ainsi préparer leur future carrière artistique, en mettant un territoire commun à l'épreuve de la photographie, aiguisant ainsi leur regard. Une telle similitude d'intention ne peut qu'établir entre elles une fructueuse et inattendue comparaison.

Premier livre & traduction française (trad. du yiddish) / édition bilingue Réunir deux recueils de poésie de Debora Vogel (1900-1942), ici dans la traduction de Batia Baum, constitue à double titre un événement éditorial majeur : de par l'importante place que Vogel occupe sur la scène de l'avant-garde tant polonaise qu'internationale des années 1930, et celle de la traductrice, Batia Baum, qui a consacré jusqu'à présent sa vie à la langue yiddish. En effet, c'est dans cette langue que D. Vogel, d'origine polonaise, prit la décision d'écrire sa poésie ; ce, en rupture avec son milieu et ses premières tentatives poétiques, alors en polonais et en allemand. Vogel fait ainsi ressurgir la question lancinante énoncée dans sa correspondance du début des années 1930 avec Bruno Schulz dont elle fut très proche : "Pour qui écrit-on en yiddish ? " Il s'agit ici d'une première parution intégrale en langue française d'une poétesse exceptionnelle encore inconnue, et à ce titre d'une découverte des plus surprenantes ne serait-ce que du point de vue de l'invention d'un style hors du commun naissant jusque de l'ennui, résolument adossé à l'art pictural (mais aussi à la musique), allant jusqu'à porter notre étonnement vers la poésie objectiviste. C'est au début des années 1930, soucieuse de donner corps à ses réflexions esthétiques et faisant le choix radical d'écrire en yiddish que Vogel publie ces deux livres de poésie : "Figures du jour" , 1930, puis "Mannequins" , 1934. Il faut noter que ces deux recueils sont intimement liés, que leur double parution en un volume est ainsi parfaitement justifiée, recoupant chacun des thèmes communs : thématiques quotidiennes, tableaux urbains mettant en avant tantôt des matières (le lait, la tôle...), le monde animal ou végétal, tantôt des éléments plus abstraits ou géométriques, ces images récurrentes soulignant à leur tour la monotonie et la langueur des paysages urbains... Aspirant à un nouveau style naissant de l'ennui, elle l'adosse résolument à l'art pictural, plus précisément au cubisme dont elle se réclame formellement, faisant siens les principes de "monotonie" et de "statisme" , ainsi que la recherche de constantes et de figures géométriques schématiques comme base de l'ornementation. Toutefois, les liens avec la peinture ne doivent pas nous faire oublier la part faite à la musique : importance du rythme, techniques fondées sur l'usage de la répétition, l'énumération en boucle des mêmes éléments (choses, mots, situations), rappelant des aspects du sérialisme ou de la musique répétitive. Se défendant de se livrer là à des expérimentations artificielles, Vogel souligne la nécessité absolue ("au prix d'épreuves à caractère vital") de cette poésie qu'elle qualifie de "poésie de la vie statique" .

Ce que Bruegel peint, ce que la peinture pense, tel est l'objet du livre. L'oeuvre de Bruegel nous convie à aller de la plus grande gratuité du rire et du jeu à la plus sérieuse des méditations philosophiques que le jeu pictural de la forme et de la couleur puisse envelopper. Avec le corps de la multitude des enfants-qui-jouent, des paysans-qui-dansent, de ses monstres grimaçants et souriants... avec le corps de la peinture comme avec notre propre corps affecté parla force majeure de ses créations, le peintre invite l'observateur à une singulière expérimentation : celle d'une puissante participation à une réalité totale, surabondante et lumineuse, qui est, elle-même, ce procès singulier par lequel les choses sont à nouveau à voir, à penser et, indéfiniment aussi, toujours-à-faire. Au coeur de la domination théologico-politique et de ses images, l'acte de peindre devient réforme de l'entendement et résistance de la vie multiple à sa réduction sous l'Un de l'orbe crucifère du pouvoir impérial. Solitaire dans son entreprise, mais solidaire des pauvres et des opprimés, Bruegel construit - dans la clandestinité du sens - les espaces nouveaux d'une liberté commune... ou la "sphère infinie" dont l'égalité (du rassasiement des corps) est la mesure.

« Un soir qu'il pleuvait, mon père me rapporta de son atelier, les tirant de la poche de sa veste, quatre ou cinq feuilles pliées en deux. Il les déposa sur la table et me dit : "Tiens, c'est pour dessiner." Ce jour-là, en cachette, j'ai pleuré. A chaudes larmes. Des pleurs d'un chagrin indicible, abstrait, contradictoire, fait de la rencontre brutale du réel et d'un idéal : mon père me témoignait son affection mais il le faisait avec du papier à trois sous, de surcroît même pas blanc. Et le dessin ne pouvait s'accommoder d'un support à la banalité si manifeste. » Sous forme d'instantanés, de révélations fugaces, Jean-Luc Buis nous livre avec tendresse ses « petits riens », ces petits trésors qui font l'enfance. Tout en questionnant à demi-mot le merveilleux et l'absurdité de la vie, il raconte l'histoire d'une jeunesse bretonne au cœur des années 1960. Des ponts avec l'artistique prolongent, exaltent le récit et lèvent un coin de voile sur le fonctionnement pictural de l'auteur. Jean-Luc Buis, artiste plasticien, a enseigné dans un lycée quimpérois et exposé son travail à de nombreuses reprises. Il signe ici son premier livre.