Pictural

Entre grosses tuiles et petites galères, ma vie ressemble à de la survie. Ni plus, ni moins. Je suis Astrid Dufrene. Je suis un paradoxe de la tête aux pieds. Je n'avance pas, puisque je passe mes journées à douter. L. Dattello est l'artiste peintre le plus doué de sa génération. Mondialement connu, excentrique, mystérieux et dangereusement attirant. Profane en matière d'Art, je n'ai jamais entendu parler de lui. Mon niveau artistique avoisine le zéro. Pour moi, Picasso n'existe qu'en version diesel ou essence. Et j'exagère à peine. Lorsque nos trajectoires totalement opposées se croisent, nos destins vont se confondre autour du secret qu'il garde jalousement. Ce qu'il attend de moi ? Ce qu'il me trouve ? Je l'ignore... tout comme ce que je suis prête à faire pour lui.

Vivant à St-Germain en Laye, julien Touvier est un artiste peintre talentueux, mais paumé et sans employeur. Par l'intermédiaire de son ami journaliste Stéphane Méric, il fait la connaissance de Sophie Pennet, gérante de galerie et directrice de collection parisienne à la réputation sulfureuse. Comme par magie, cette rencontre va transcender son art et l'emporter dans une frénésie créatrice donnant lieu à des oeuvres étranges, dérangeantes mais toutes incroyables. Le succès est immédiat. Les ventes des toiles s'envolent et il parcourt les galeries de France avec la même réussite. Parallèlement, Julien devient la proie de cauchemars tout aussi étranges que ses toiles et très ressemblants par ailleurs. Ceux-ci se produisent de plus en plus souvent et ont de plus en plus d'emprise sur lui...

L'univers pictural chez Marcel Gotène, c'est sa dimension cachée, celle du territoire, de l'espace nécessaire à son équilibre qui devient culturelle. Ce livre jette une lumière sur la connaissance que nous pouvons avoir d'autrui et sur le danger que nous courons, à ignorer cette dimension cachée. Dans ce monde qui nous submerge d'informations, on comprend aisément pourquoi il est possible de se sentir perdre pied à l'intérieur de son propre territoire. Mais il faut constater aussi le sentiment croissant d'une perte de contact globale avec le cosmos. D'où le besoin chez Gotène d'élaborer, à partir de la communication non verbale de l'art, une théorie de la culture originelle (nombreuses illustrations en couleurs).

L'objet que se donne la peinture chinoise est de créer un microcosme, "plus vrai que la Nature elle-même" (Tsung Ping): ceci ne s'obtient qu'en restituant les souffles vitaux qui animent l'Univers; aussi le peintre cherche-t-il à capter les lignes internes des choses et à fixer les relations qu'elles entretiennent entre elles: d'où l'importance du trait. Mais ces lignes de forces ne peuvent s'incarner que sur un fond qui est le Vide: "Dans la peinture comme dans l'Univers, sans le Vide, les souffles ne circuleraient pas, le Yin-Yang n'opérerait pas". Il faut donc réaliser le Vide sur la toile, entre les éléments et dans le trait lui-même. C'est autour de ce Vide que s'organisent toutes les autres notions de la peinture chinoise; celles-ci forment un système signifiant auquel François Cheng est le premier à appliquer ici une analyse sémiologique. Mais le commentaire, loin d'écraser son objet, le fait au contraire resplendir à travers d'amples citations, des reproductions, et surtout l'étude du peintre Shih-t'ao.

L'objet que se donne la peinture chinoise est de créer un microcosme, " plus vrai que la Nature elle-même " (Tsung Ping) : ceci ne s'obtient qu'en restituant les souffles vitaux qui animent l'Univers ; aussi le peintre cherche-t-il à capter les lignes internes des choses et à fixer les relations qu'elles entretiennent entre elles, d'où l'importance du trait. Mais ces lignes de force ne peuvent s'incarner que sur un fond qui est le Vide. Il faut donc réaliser le Vide sur la toile, entre les éléments et dans le trait même. C'est autour de ce Vide que s'organisent toutes les autres notions de la peinture chinoise. Riche de sa double culture, François Cheng nous donne les clés d'appréhension et de lecture de la peinture chinoise en la confrontant à notre tradition artistique occidentale.

Georges Limbour est un poète, écrivain, critique d'art et épistolier impénitent, qui demeure, malgré l'abondance de son oeuvre critique et littéraire, dans l'ombre et dans l'oubli. Ce qui fait l'originalité de ses écrits est qu'il a tenté de redéfinir le statut de la peinture en dehors de la dichotomie instaurée entre mimèsis et abstraction et qu'il a placé la question du médium, une notion qui connaît de nos jours un regain d'intérêt, avec l'essor des études intermédiales, au centre de ses réflexions. S'intéressant moins à la fonction référentielle de la peinture qu'à sa fonction déictique et indexicale, Limbour met en avant cette rencontre privilégiée entre l'artiste et la matière qui témoigne d'une expérience particulière, ancrée dans le monde sensible. Limbour fait ainsi de la matière picturale le lieu d'un traitement onirico-poétique et d'une activité fabulante qui trouvent leur aboutissement dans les livres de dialogue qu'il a réalisés avec ses amis peintres.

Une concordance des temps s'établit grâce au calendrier de certaines expositions parisiennes, entre 2017 et 2019, conduisant à une concordance picturale, à laquelle l'auteure est attentive. Elle évoque différentes origines de l'abstraction en peinture. Le propos accorde une place importante à Claude Monet, retrouvé par de nombreux artistes et certains critiques américains. Avec Meyer Schapiro et Robert Motherwell, autant que par Kazimir Malévitch, sont introduites des dimensions historiques et politiques. La référence à Ludwig Wittgenstein philosophe, devenu ponctuellement architecte, renforce ce retour réflexif sur le parcours d'une artiste abstraite néo minimaliste. De l'Antiquité à aujourd'hui, dans certains lieux d'Occident et d'Orient, émergent des chemins teintés de biographie.

Julie Belnana, une ravissante jeune femme, part à la recherche de la démarche des artistes, clé de la compréhension de leurs oeuvres. Cette quête la mènera des grands Maîtres de la peinture jusqu'à l'ère psychédélique. Ainsi l'héroïne traverse des décors inspirés d'oeuvres de grands maîtres (Dali, Picasso, De La Tour, Monet, Hokusai...) ou de graphismes représentatifs d'une ère sociale (hiéroglyphes égyptiens, psychédélisme). Autant de prétextes pour de multiples aventures toutes plus délirantes les unes que les autres. Une manière originale de revisiter des périodes marquantes de l'histoire de l'art.

La peinture chinoise classique, au-delà de ses multiples courants, témoigne d'une continuité due à ce qu'elle est, aux yeux mêmes des Chinois, l'expression la plus haute de leur spiritualité. Tout au long des siècles, les théoriciens et les peintres eux-mêmes ont consigné par écrit leurs réflexions et leurs expériences. Cet ensemble de textes constitue un corpus organique, dans la mesure où il se réfère à une même conception cosmologique de base, où prime la notion de shen-ch'i (" Souffle-Esprit "), ainsi qu'à une même pratique de l'art du pinceau. Ce qui est tenté ici, c'est, pour la première fois en Occident, une présentation organisée selon des rubriques claires - art pictural en général, arbres et rochers, fleurs et oiseaux, paysages et hommes - de la meilleure part de ce corpus, traduite et annotée. Je voudrais très humblement offrir ce livre aux peintres vivants et à venir, et également à ceux qui s'intéressent à la pensée chinoise, à ceux qui aiment l'art en général et s'interrogent sur sa signification ultime, et finalement à tous ceux qui sont à la recherche d'une possibilité de vivre aujourd'hui. François Cheng

Comprendre une œuvre d'art ne consiste pas à lui appliquer une méthode toute prête à porter. Au contraire, la proposer sous les feux de différentes approches permettrait d'en offrir quelques diverses parcelles de vérité. Une esthétique psychanalytique consisterait à emprunter à la psychanalyse sa logique et ses objets afin d'éclairer notre réception de l'œuvre, tout en restant fondée sur son analyse plastique. L'art symboliste (pictural), apparu tout comme la psychanalyse au tournant du XIXe et du XXe siècle, déploie les mêmes intérêts pour la psyché, découvre les mêmes procès... mais autrement, bien sûr, c'est-à-dire par des œuvres. L'histoire de la pensée a aussi ses énigmes : ainsi, comment se fait-il qu'Œdipe, après avoir dévoilé le Sphinx (après avoir pris sa question à un niveau symbolique), se jette tout de même dans les bras de sa mère ? En examinant Œdipe et le Sphinx de Gustave Moreau nous renverserons la problématique : et si c'était la rencontre avec ce monstre femelle envoyé des dieux qui le conduisit justement à l'inceste ? Le tableau n'en finit pas de receler de nouvelles voies de compréhension de ce mécanisme de la psyché... D'autres notions connexes seront déployées sous l'habileté de F. von Stuck, A. Böcklin, E. Munch, F. Knopff, C. Schwabe, O. Redon, F. Rops, G. Klimt notamment. La séduction (et le trauma), l'amour (et l'autre), l'angoisse (et la mort) la pulsion de savoir (et le corps), les destins pulsionnels en jeu (perversion, refoulement, sublimation), le deuil (et la mélancolie), le fonctionnement symbolique sont autant de thématiques travaillant leurs créations. De sa voix différente de la psychanalyse, l'art symboliste nous tend le miroir de notre âme, l'éclairant dans ses recoins les plus obscurs. Comme mû par une pulsion de savoir à peine suggérée, en Psyché visitée par Eros, l'art en continuera, obstinément, l'investigation.

La Cinécriture d'Agnès Varda est le premier ouvrage français sur l'ensemble de l'oeuvre d'Agnès Varda (films, photographies, installations audiovisuelles, éditions DVD), abordé sous un angle esthétique, philosophique et poétique, dans le champ de la comparaison entre les arts. Y sont déclinées les modalités du geste de la cinéaste au gré de ces actions-phares ? : cinécrire (une poétique à la confluence entre les arts), réfléchir (les arts miroirs du cinéma), se réfléchir (Varda miroitière), rêver (un matérialisme dialectique de l'imaginaire) et bricoler (une poïéthique ludique de l'errance).

" La perfection et beauté s'atteint dans les mathématiques pures, le sublime et la perfection dans les oeuvres musicales "purement spirituelles" , et la perfection picturale dans l'abstraction ", lorsque le peintre délaisse tout motif physique d'imitation en faveur du seul " sujet pictural ". Qu'est-ce que cela veut dire ? " Chez Rothko le divin se voit, et sans le moindre avertissement ", voilà tout.

C'est en Allemagne autour de 1800 que la peinture de paysage, longtemps considérée comme un genre mineur par les théories académiques classiques, est soudain proclamée genre moderne par excellence. Une telle révolution dans les beaux-arts, particulièrement sensible dans les toiles de Caspar David Friedrich, est en fait l'aboutissement de longs et passionnés débats esthétiques, auxquels ont participé les protagonistes de la vie littéraire (Goethe, Tieck, les frères Schlegel), philosophique (Schelling) ou artistique (Runge, Carus) de l'époque. L'invention d'un nouveau système des genres littéraires trouve-t-elle son pendant dans le champ de la peinture ? Les polémiques qui jalonnent l'élaboration d'une véritable poétique picturale du romantisme allemand méritaient d'être retracées dans leur profonde complexité.

Le présent ouvrage s'intéresse aux échanges, innombrables et de nature diverse, qui de tout temps ont mis en relation ces deux arts majeurs que sont le théâtre et la peinture. Les travaux rassemblés ici abordent cette question en lien avec celle de l'espace dramatique, selon plusieurs angles, dramaturgique, scénographique et verbal. La richesse de la catégorie spatiale au théâtre (Voir Quel espace pour quel théâtre ? Approche croisée des dramaturgies française et hispanique (XVIe-XXe siècles), voir I. Ibanez et H. Laplace-Claverie dir., Peter Lang, 2017) conduit à s'interroger sur les enjeux d'une pratique intermédiale si répandue qu'elle semble naturelle, et qui ne consiste pas simplement à concevoir une scénographie ou un espace dramatique comme un tableau, mais comme un tableau identifiable par un public donné. Pratique omniprésente dans l'ensemble du théâtre occidental. Or, à la lecture de cet ouvrage, on découvre que les deux corpus qui y sont explorés, bien que relevant d'époques extrêmement différentes (formation du théâtre moderne vs dramaturgie post-dramatique) et d'aires linguistiques distinctes, proposent mutatis mutandis les mêmes questionnements. Tant dans un théâtre qualifié (quoiqu'un peu hâtivement) de "théâtre aux ordres" que dans un théâtre de la subversion de l'ordre, c'est surtout du côte du sémiotique qu'il faut aller chercher l'intérêt de la mobilisation de l'élément iconographique. A tel point qu'on peut parler d'un véritable Ut picture theatrum à propos de la migration transesthétique d'oeuvres picturales vers le texte et la scène dramatiques.

"Le Musée imaginaire d'Hannah Arendt : le titre est à entendre en un sens large, comme la métaphore des oeuvres littéraires, picturales, musicales qui ont nourri le vocabulaire de sa sensibilité et de son intelligence. Les commentateurs d'Arendt ont remarqué, souligné la présence de la littérature dans son oeuvre - moins, mais il est vrai qu'elles sont plus discrètes, celles de la peinture ou de la musique. Cependant, personne, jusqu'à présent, n'était entré dans son oeuvre exclusivement par cette voie. J'ai choisi de l'emprunter afin de comprendre pourquoi elle s'était ainsi volontiers tournée vers les écrivains et les artistes. Quelle est la spécificité de l'approche littéraire et artistique du réel ? A quoi les moyens de l'art doivent-ils d'être, comme elle le déclare, sans rivaux pour raconter la vie de quelqu'un ou dire ce qui s'est passé ? Au terme de l'enquête, la réponse s'impose : l'art est seul, pour Arendt, adéquat à l'étoffe dans laquelle l'existence humaine est taillée. Le fondement de son parti pris artistique est ontologique. Et il n'est pas sans lien avec son expérience du XXe siècle, de l'épreuve et de l'examen des totalitarismes. Ces régimes qui se sont donné pour fin d'humilier et de nier le réel dans ses traits essentiels, de dérober à l'homme son humanité. Toutefois, je n'ai pas voulu simplement ajouter une nouvelle contribution aux études arendtiennes mais tenter de refonder, par le prisme d'une personnalité singulière, notre propre besoin des Humanités concurrencées, aujourd'hui, comme au temps d'Arendt, par les sciences humaines et sociales".

La séparation des arts opérée par Lessing en 1766 a durablement cantonné l'art littéraire dans l'idée d'un temps séquentiel et l'art plastique dans un temps arrêté. Le présent volume se propose de revisiter cette division entre espace et temps en explorant l'idée que le tableau peut être conçu comme un espace continué de même que l'oeuvre littéraire peut être appréhendée comme un temps suspendu. Une telle conception du littéraire et du pictural vise donc à proposer un nouvel ordre de rapport entre les deux formes d'art, non pas dans le but d'en revenir à un ut pictura poesis prônant la parenté entre les arts mais dans un refus de cantonner l'un et l'autre dans une logique excluante, et d'interroger jusqu'aux effets d'interférences entre les arts verbal et pictural.

De l'homme de Cromagnon à Pollock et aux tagueurs en passant par Rembrandt et Picasso, la forme d'une oeuvre d'art présente des constantes structurelles. Les connaître c'est regarder une oeuvre autrement. Observer un tableau avec les yeux donne l'impression de partager un sentiment, et/ou le goût de la beauté. Regarder se fait aussi avec l'oreille qui "écoute" l'histoire du peintre et du tableau. Mais on peut encore compléter l'écoute et le sentiment en observant et comprenant ce qui dans sa forme : Nous intrigue (sa structure alternative, suggère à l'imagination)... Nous charme (sa structure séquentielle, sa ligne harmonieuse)... Nous fascine (sa structure répétitive, son rythme)... Comprendre les effets de la forme nous apporte une conviction et une pérennité dans le sentiment. C'est cela que nous offre le nouvel élément de culture picturale qu'est "la modélisation de la forme" : regarder mieux en observant sa structure. Et cette modélisation est applicable à toute discipline de communication.

Noir d'ivoire. Violet cardinal. Indigo. Vert cinabre. Ocre jaune. Rouge vermillon. Blanc d'argent. Richard Texier livre ici sa gamme de couleurs, matrice imbibée de vie et d'imaginaire d'où a jailli sa pratique picturale. En sept récits, la couleur délivre peu à peu la vérité de la mémoire intime du peintre. Cet art poétique fonde sa vision du monde et en retrace la genèse. En dressant un répertoire de couleurs identitaires, il raconte la naissance de l'oeuvre à travers la matière et nous offre la possibilité d'entrer, avec une joie communicative, dans une compréhension charnelle du geste pictural.

"Est-il besoin d'expliquer qui est Daniel Schinasi, dont les oeuvres humanistes et monumentales parlent d'elles-mêmes ? " , ainsi s'est exprimé David Cassuto, adjoint au Maire de Jérusalem, à l'occasion des 50 ans de l'Etat d'Israël. Le Musée Umberto Nahon d' "Arte Ebraica Italiana" de Jérusalem, lui a rendu hommage à travers une exposition. Daniel Schinasi est un artiste international et ses oeuvres sont présentées dans les plus grands musées. Ses thèmes de prédilection sont l'histoire du peuple juif, la Shoah, la rencontre historique de Jean-Paul II et du Grand Rabbin de Rome, Elio Toaff, mais aussi les thèmes bibliques et la terre d'Israël. Mais le peintre est aussi le fondateur du néofuturisme, qui prend ses distances avec le futurisme, trop désincarné à ses yeux. Daniel Schinasi qui a vu le jour à Alexandrie en Egypte le 17 Mai 1933, s'est éteint à Nice en 2021. Il repose désormais sur la terre de ses aïeux à Livourne.

La peinture est un phénomène d'atelier avant d'être un phénomène de galerie ou de musée. Il faut l'étudier sous l'angle du peintre au travail. C'est alors que la méthode comparatiste s'impose au psychologue : elle permet de saisir les fonctions de l'esprit qui se sont inscrites dans l'oeuvre picturale à travers l'histoire. Peindre, c'est essentiellement donner une apparence nouvelle à une surface. Le travail de la main soulève les problèmes de technique, mais en tant que création, il est conditionné par un art de voir. Ainsi est-on amené à étudier, avec la psychologie du peintre, les limites matérielles de la peinture, sa spécificité, ses diverses "manières", ses conceptions variées et ses différents genres.

Paru pour la première fois en 1913, cet essai célèbre la révolution picturale à l'oeuvre au début du XXe siècle. En deux ensembles, Apollinaire exprime sa vision de l'art : les "Méditations esthétiques", d'abord, constituent un manifeste en faveur d'une peinture inédite à l'époque, puis à travers les "Peintres nouveaux", il présente dix artistes représentatifs : Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Marie Laurencin, Juan Gris, Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp et Duchamp-Villon. Fondamental dans l'histoire de l'art, cet essai opère une synthèse des conceptions esthétiques d'Apollinaire. Il s'agit de la première tentative de définition d'un nouveau courant pictural en plein essor dans les années qui précédèrent la première Guerre mondiale. Les Peintres cubistes participent pleinement de l'oeuvre d'Apollinaire, au même titre que les plus beaux vers d'Alcools ou Calligrammes.

Le Cabinet de Monsieur de Scudry (1646) est le muse imaginaire d'un pote renomm, une srie de 110 pomes commentant plus de 110 tableaux, rels ou fictifs, de peintres, connus ou obscurs, Italiens, Franais, Flamands, Hollandais et Allemands, des XVe, XVIe et XVIIe sicles. Catalogue de peintres calqu sur la disposition des cabinets rels, l'ouvrage est aussi une promenade, un riche rpertoire de genres et de sujets. Mythologie, portraits, nature morte, tableaux de genre, Scudry se pose en connaisseur et en critique d'art . Cette ekphrasis (texte commentant des uvres d'art) du XVIIe sicle est enfin un discours tenu par la posie sur la politique du temps, et surtout sur l'illusion picturale. Le pote, affichant sa lgitimit absolue, et clbrant l'art pictural, illustre et renforce son pouvoir pour dire simultanment le mot et la chose, tandis que la peinture n'est qu'un intermdiaire entre la chose et le mot.

Terme polysémique, "Paysage" renvoie tantôt à une partie de pays que la nature offre à un observateur, tantôt à sa représentation (picturale, littéraire...). L'interaction entre espace et regard est au centre de ce volume d'Hispanística XX qui interroge cette réalité perçue et recréée par l'imaginaire, représentée, transfigurée dans et par l'art. Il pose la question du paysage passé au crible du regard d'un créateur et offert au spectateur ou au lecteur. Qu'il s'agisse de renouveler un genre pictural devenu académique, d'explorer les nouvelles possibilités d'interaction entre un sujet et son environnement ou de recréer un lien identitaire avec un espace perdu mais présent dans le souvenir, les artistes et écrivains étudiés se sont approprié les langages du paysage. Des rivages de la Méditerranée à ceux de l'Atlantique, des montagnes basques à la jungle amazonienne, des plaines désertiques aux constructions urbaines de Barcelone, Madrid ou Caracas, se dessine un parcours significatif à travers les multiples paysages, dépeints ou fantasmés, des mondes hispaniques contemporains.

La question du parallèle entre le scriptural et l'iconique n'est pas récente. Ses préludes remontent à l'époque gréco-romaine, et, depuis lors, elle a été constamment réinterrogée. Pareillement, le théâtre moderne, en cherchant une appétence illustrative et une plus-value expressive équivalentes à celles de l'ceuvre picturale, prône l'ouverture sur les autres formes d'expression voisines, entre autres la peinture, bénéficiant ainsi de la faillite du théâtre aristotélicien tant au niveau de son langage qu'à celui de sa mise en scène et de sa réception. Ce livre se penche sur le quand et le comment de cette alliance, combien féconde, entre le théâtre et la peinture. Il scrute les différents moments de cette rencontre, avant de nous emporter dans un voyage à double sens entre la scène et la toile en révélant comment la scène a fait des artistes peintres de véritables co-créateurs et comment les scènes sont devenues perméables au renouveau pictural qui a imprégné le début du XXème siècle.

Ce catalogue, consacré à l'héritage artistique de Pierre Bonnard, met en évidence, la continuité ininterrompue qu'il a engendrée avec des peintres d'aujourd'hui. Bonnard n'est pas seulement "le nabi très japonard" mais aussi un peintre qui a su ouvrir des voies inconnues, introduisant par la nature au coeur de son processus pictural, une lecture nouvelle de la modernité. Depuis sa mort en 1947, sa notoriété a connu des hauts et des bas, car cette oeuvre inclassable et singulière dans son époque a toujours fait débat. Elle n'est ni dans l'avant-garde, ni passéiste, elle appartient à un autre temps, celui de la longue durée qui marque l'origine de cette démarche picturale féconde qui renoue, paf son attachement au réel, les fils de la mémoire, du sens et de la vie. Ainsi sont présents dans ce catalogue, autour d'oeuvres de Bonnard, Geneviève Asse, Balthus, Bardone, Bazaine, Bioulès, Blanche, Frydman, Kimura, Lesieur, Mangú Quesada, Marchand, Rothko, Segal,Truphémus et Vieira da Silva. Avec les essais d'Isabelle Cahn, Véronique Serrano et Sarah Whitfield.

A la différence de la perspective centrale, la méthode pour colorer, qu'Alberti nomme la ratio colorandi, n'avait pas fait l'objet d'une étude à part entière jusqu'à présent. La raison tient sans doute au fait qu'on a longtemps négligé la lecture physique du De pictura. D'égale importance en termes de quantité et de qualité que la méthode pour mettre en oeuvre la construction mathématique de l'image, la méthode pour colorer, qui vise à suggérer le relief probant des figures, est pourtant restée dans l'ombre de la couleur avec la théorie de laquelle on l'a souvent confondue. La présente étude propose de cerner l'élaboration de la ratio colorandi, ses sources et son modus operandi, méthode qui donne sa visibilité et son intelligibilité colorée à l'ensemble de l'image. A cette fin, il convient de prendre en compte les enjeux qui sont liés aux divers savoirs convoqués, au premier chef la philosophie aristotélicienne de la nature, mais aussi la réduction en art bien connue à la Renaissance et qui remonte à l'Antiquité (Quintilien, Institution oratoire), l'optique, l'art de la mémoire, le genre littéraire de la fable (Ovide, Métamorphoses), l'histoire de la peinture (Pline l'Ancien, Histoire naturelle) et sa pratique (Cennino Cennini, Il libro dell'arte). En son sein, l'ouvrage comprend un lexique qui présente une analyse par notions et par termes.

En avril 1958, Yves Klein, connu pour ses monochromes et son attachement au bleu, présentait une exposition dans laquelle nul tableau, nulle sculpture, nul objet n'étaient visibles. Cette manifestation, bientôt nommée " exposition du vide ", a fait date. Or ce titre qui n'était pas dû à l'artiste, rend son projet à peu près incompréhensible. Klein expliqua pourtant à de nombreuses reprises ses intentions. Grâce à cette " immatérialisation du tableau ", il espérait " créer une ambiance, un climat pictural invisible mais présent " capable de manifester, par son rayonnement, l'essence même de la peinture : la " sensibilité picturale immatérielle ". Peu après, Yves le Monochrome organisait des cessions de " zones de sensibilité picturale immatérielle ", payables contre un certain poids d'or fin, échanges pour lesquels il conçut un " rituel ". Depuis sa première tentative d'une présentation de la " sensibilité picturale invisible ", en 1957, jusqu'à sa mort, survenue en 1962, à l'âge de trente-quatre ans, Yves Klein n'a jamais cessé d'approfondir et d'affiner son propos. Parallèlement, il imagina d'utiliser le corps de jeunes femmes comme " pinceaux vivants ". Apposant l'empreinte de leur chair sur des supports disposés à cet effet, elles réalisèrent des peintures parfaitement visibles : des " Anthropométries ". Loin de relever d'une aspiration contradictoire, ces deux modalités d'existence de son œuvre s'appuient sur une articulation qui est au cœur du Mystère chrétien fondamental, l'Incarnation. Telle est du moins l'intuition développée dans cet essai qui tente de retrouver, au-delà de la disparate des réalisations, l'unité profonde des préoccupations de l'artiste, catholique dont la dévotion à sainte Rita, patronne des causes désespérées, est attestée. Manifester l'immatériel, première étude exclusivement consacrée aux œuvres immatérielles de Klein, entend décrypter la saga de cette fiction poétique et l'inscrire dans l'horizon culturel qui l'a rendue possible. C'est pourquoi l'enquête minutieuse menée à partir de nombreux documents connus ou récemment mis au jour, s'accompagne d'une plongée dans les racines philosophiques et religieuses de l'art occidental, préoccupé autant par la vérité qui gît dans l'invisible que par les splendeurs, les charmes du visible.

Ce volume constitue la première monographie dédiée à l'oeuvre du photographe Joël Denot. Ses photographies échappent au regard comme à la classification : elles ne sont ni figuratives ni abstraites, elles s'inscrivent simultanément dans une pensée picturale. Elles sont avant tout matière, forme et couleur. Elles sont au-delà de l'image. On voit des surfaces colorées flottant dans le vide, s'encadrant les unes dans les autres et projetant des ombres de couleur qui se superposent : orange puis rose pâle puis bleu puis rose vif ; rouge puis vert puis rose puis gris-bleu. Une succession de plans flottant dans le vide coloré qui les entoure. Avec aussi, au bout d'un moment, dans un coin, si l'on regarde bien, une forme autre, celle d'un corps en train d'apparaître. Ou de disparaître. Echappant au regard là encore. Corps de l'artiste qui se met à l'oeuvre, dans l'oeuvre, retrouvant ainsi la trace photographique que le reste de l'image ferait oublier, articulant geste pictural et geste photographique au travers de la figure de ce corps qui transparaît, comme coulé dans la couleur.

Ce volume est consacré au patrimoine religieux de l'Ancien Régime en Bourgogne. Il explore la grande richesse de la variété des approches sur la peinture en Bourgogne entre le XVIe siècle et le XVIIIe siècle, des études monographiques sur un artiste aux apports des restaurations et aux méthodes de valorisations. Abondamment illustré, il permet de faire le bilan des connaissances actuelles sur la peinture religieuse en Bourgogne à l'époque moderne, de mieux connaître les oeuvres et de leurs créateurs, les actions de restauration menées et de réfléchir à l'incidence de celles-ci sur la recherche. Il constitue plus largement une contribution à la mise en valeur du patrimoine bourguignon.

Fondateur de l'école naturaliste du Nord, appelée à se développer au XVème siècle comme une seconde Renaissance, cette fois septentrionale, le flamand Jan Van Eyck (1390-1440) est à l'origine d'un nouvel art de peindre capable d'atteindre un rendu illusionniste inégalé jusque là. L'ouvrage débute par des données biographiques expliquant le contexte de la carrière de l'artiste de cour auprès de Jean le Bon, à la tête d'un riche atelier et dominant la guilde des peintres de Tournai. Un deuxième chapitre est consacré à la technique picturale de Van Eyck considéré comme l'inventeur de la peinture à l'huile dès le XVIème siècle et d'un style pictural dont l'influence fut considérable aussi bien dans le Nord que dans le Sud de l'Europe Son oeuvre ensuite, dans l'essentiel du corps de l'ouvrage, fait l'objet d'une approche thématique, à travers les domaines qui prouvent que les innovations de son art sont basées sur une observation précise de la nature, dans son environnement, ses éléments, et sa lumière comme dans les différents matériaux que l'homme a su créer pour meubler son quotidien. L'attention méticuleuse prêtée aux objets du quotidien va devenir une des caractéristiques du style nordique, sous l'influence de Van Eyck. Outre donc le paysage et ses variations atmosphériques, l'univers de Van Eyck célèbre toutes les atours du logis : l'architecture, le mobilier, les étoffes, le verre, les bijoux, les miroirs, et enfin le portrait pour en saluer les propriétaires commanditaires de ses tableaux, parallèlement à la restitution des scènes religieuses dan un cadre domestique à peine plus luxueux que celui de ses contemporains Cette découverte de son art est organisée au plus près de sa technique picturale grâce à une campagne de prise de vue de détails inédits à ce jour, détails accompagnés de commentaires pour aider à la lecture des oeuvres.