Chefs d'oeuvre du Guggenheim. De Manet à Picasso, la collection Thannhauser

Catalogue officiel de l'exposition De Cézanne à Picasso : La collection Thannhauser du Guggenheim à l'hôtel de Caumont du 1er mai au 29 septembre 2019. Depuis 1909, Heinrich Thannhauser et son fils Justin ont été les mécènes, les amis et les promoteurs des artistes novateurs qui, entre la fin du XIXe et la première moitié du XXe siècle, ont bouleversé le panorama artistique occidental. Sans successeur, dans les années 1960, Justin et sa deuxième épouse, Hilde, décidentde léguer les oeuvres principales de leur collection au Solomon R. Guggenheim de New-York, dont ils partagent la philanthropie et l'esprit moderne. Pour la première fois, un choix d'oeuvres majeures issues de cette prestigieuse collection, ou ayant fait partie de son histoire, sort aujourd'hui du musée new-yorkais pour une exposition extraordinaire en Europe. Sous la direction de Megan Fontanella, conservatrice du Guggenheim et commissaire de l'exposition, ce catalogue retrace l'histoire de la collection, des galeries Thannhauser et des chefs d'oeuvre qui ont fait la grande renommée de cette famille de marchands et collectionneurs parmi les plus influents d'Europe.

A la suite de l'exposition "Guernica", le Musée national Picasso-Paris consacre l'année 2018 à la célébration de chefs-d'oeuvre de Pablo Picasso. L'exposition "Picasso. Chefs-d'oeuvre !" réunit des icônes venues du monde entier, dont certaines sont présentées à Paris pour la première fois. Collaborations exceptionnelles, campagnes de restauration inédites ou prêts d'institutions amies : les chefs-d'oeuvre exposés font écho aux événements et aux partenariats qui rythment la vie du Musée national Picasso-Paris.

Quel sens a la notion de chef-d'oeuvre pour Pablo Picasso ? L'exposition "Picasso. Chefs-d'oeuvre ! " répond à cette question en réunissant des oeuvres maîtresses, pour certaines présentées à Paris pour la première fois. L'ensemble réuni propose une nouvelle lecture de la création picassienne, grâce à une attention particulière portée à la réception critique. Le parcours revient ainsi sur les expositions, les revues et les ouvrages qui ont accompagné chaque oeuvre et qui ont contribué, au fil des années, à forger leur statut de chefs-d'oeuvre. Illustré de ces chefs-d'oeuvre de Picasso, mais aussi de photographies de Brassaï, David Douglas Duncan, Dora Maar et bien d'autres, ce catalogue revient en détail sur l'histoire de chaque création. Il offre également un regard sur l'oeuvre de l'artiste espagnol dans son ensemble, à travers le prisme de la photographie, de la presse et de l'histoire des expositions.

Dans cet ouvrage passionnant, Stéphane Guégan renouvelle notre regard sur l'un des artistes les plus reconnus de tous les temps : Pablo Picasso. A travers une biographie artistique, il nous raconte son parcours de l'Espagne à la France, dans un langage accessible mais au contenu rigoureusement étudié. Le lecteur pourra également découvrir ou redécouvrir 100 chefs-d'oeuvre de l'artiste provenant des plus grands musées du monde, pour certains déjà extrêmement célèbres, et d'autres pour lesquels ce livre permettra d'en apprécier toute la " nouveauté ". L'occasion de rendre hommage à la polyvalence de Pablo Picasso en présentant ses peintures, mais aussi ses sculptures, céramiques et autres objets artistiques. Des photographies connues comme inattendues viendront compléter ce panorama dense, qui apportera sans nul doute un nouvel éclairage sur cet artiste de génie décédé il y a tout juste 50 ans.

L'exposition "Monet - Chefs-d'oeuvre du musée Marmottan Monet", proposée à l'occasion de l'ouverture du Musée Mer Marine de Bordeaux, présente un ensemble d'oeuvres pour beaucoup restées inédites du vivant de l'artiste. En 1883, Monet loue une maison à Giverny avec Alice Hoschedé et leurs enfants. Toujours en quête de motifs, le peintre parcourt la France mais aussi l'Europe. En 1890, il acquiert la maison de Giverny qu'il aménage à son goût. Durant des années, sa peinture se mêle à sa passion pour l'horticulture : il aménage un jardin plantureux et coloré, et ne cesse de le représenter sur ses toiles. En 1899, il commence une série consacrée au Bassin aux nymphéas, dont il déclinera le thème jusqu'à la fin de sa vie. En 1927, quelques mois après sa mort, le musée de l'Orangerie inaugure l'installation des panneaux des Nymphéas. Le legs de Michel Monet au musée Marmottan en 1966 constitue un éventail, devenu fameux, des explorations artistiques du peintre. Les oeuvres présentées dans cette exposition forment un ensemble qui témoigne d'un Monet intime, saisi depuis ses caricatures d'enfant jusqu'à ses oeuvres ultimes.

Véritable cosmopolite d'autrefois, et homme de culture de toujours, Georges Bemberg est l'héritier d'une vieille famille vivant depuis longtemps entre l'Ancien et le Nouveau Monde. Si c'est en 1841 que le banquier Charles-Juste Bugnion achète la campagne de l'Hermitage, située sur une colline dont la vue superbe sur la cathédrale de Lausanne et le lac avait déjà été immortalisée par Camille Corot en 1825, c'est peu d'années plus tard que la famille Bemberg quitte Cologne, en Allemagne, et traverse l'Atlan- tique pour y commencer une nouvelle vie. Georges Bemberg aurait pu être pianiste, compositeur, écrivain, ou encore auteur de théâtre mais, avec une discrétion et un sens du secret qu'il érige en règle de vie, c'est en collectionneur qu'il se consacra à l'art. Jusqu'à ses derniers jours, il partage son temps entre Paris où il réside le plus souvent, New York dont il aime l'énergie et les hivers, et Buenos Aires auquel il garde un attache- ment profond. Né en Argentine en 1915 dans une famille luthérienne d'industriels, il grandit en France. Pianiste talentueux envisageant un temps de devenir compositeur, il choisit Harvard pour ses études afin de rejoindre Nadia Boulanger et côtoyer toute l'élite des compositeurs du xxe siècle. Finalement, il renonce à la carrière musicale, trop exclusive à son goût, pour se lancer dans la création littéraire. Diplômé en littérature comparée anglaise et française, il devient alors un familier des cercles d'écrivains et de poètes de la Nouvelle-Angleterre et rencontre de grands auteurs comme John Dos Passos ou Edmund Wilson. Il publie différents ouvrages et certaines de ses pièces sont jouées avec succès off-Broadway. En Argentine, il fréquente les milieux intellectuels sud-améri- cains et sa cousine Victoria Ocampo lui ouvre sa fameuse revue littéraire SUR. En France, ses nouvelles et poèmes au style subtil et sensible sont favorablement accueillis par la critique. Néanmoins, au-delà de la multiplicité de ses talents, il consacre sa vie à sa passion pour les beaux-arts. De sa famille, généreux mécène à qui l'on doit la Maison de l'Argentine à la Cité universitaire de Paris, et plus particulièrement d'un oncle, élève de Picasso, Georges Bemberg hérite de l'amour de la peinture. C'est à New York, alors âgé d'une vingtaine d'années, qu'il fait l'acquisition d'une gouache de Pissarro, remarquée chez un marchand et obtenue pour 200 dollars. "C'est pour un musée" dit-il, pour cacher sa timidité et anticipant inconsciemment son désir profond. Aux Etats- Unis, puis en France après la guerre, Georges Bemberg se familiarise avec le marché de l'art et parcourt les ventes. A Paris, il est ébloui par Bonnard et va constituer, au fil des ans, un des plus grands ensembles de ce peintre, riche de plus de trente toiles. Il le complètera par un nombre important d'autres signatures de la fin du xixe et du début du xxe siècle, impression- nistes, nabis et fauves. Il réunira également près de deux cents tableaux anciens, du xvie au xviiie siècle, dont des portraits de Clouet, Benson et Cranach. Son amour pour Venise le pousse à collectionner les maîtres vénitiens tels que Canaletto et Guardi. Toutes les formes d'expression artistique le passionnent. Ainsi, de remarquables bronzes de la Renaissance, de splendides reliures, une foule d'objets précieux ou encore des meubles de grands ébénistes viennent s'ajouter à sa collection, qu'il ne va jamais cesser d'enrichir. Dans les années 1980, Georges Bemberg recherche un lieu où abriter sa collection et la partager avec le public, considérantque les beaux objets doivent finir dans un musée pour être vus par tous. C'est ainsi que lui vient l'idée de créer une Fondation, seul moyen de préserver sa collection dans son intégrité, tout en la rendant accessible. La splendeur de l'Hôtel d'Assézat que la municipalité de Toulouse lui propose de mettre à sa disposition, le convainc d'installer sa collection dans la ville. Le voeu du collectionneur peut se réaliser : abriter les oeuvres et les objets témoignant d'une vie tout entière consacrée à la recherche artistique dans un lieu hors du commun. Investi dans la mise en scène de l'oeuvre de sa vie, il crée un décor semblable à celui d'une noble maison particulière, renouant ainsi avec la vocation première de l'hôtel d'Assézat. Ce qui distingue la collection Bemberg et qui en fait tout le charme et la personnalité, c'est qu'elle n'est rien d'autre que le reflet fidèle du goût et du tempérament de son auteur. Celui-ci a choisi chaque tableau, chaque objet, pour la seule beauté et l'émotion que leur contem- plation éveillait en lui. Régulièrement, dans le plus grand anonymat, Georges Bemberg venait voir ses oeuvres installées dans l'écrin qu'il leur avait choisi et, toujours sans se faire connaître, se plaisait à écouter les commen- taires élogieux des visiteurs. Lieu d'exception s'il en est, l'hôtel d'Assézat appartient depuis plus de cent ans à la Ville de Toulouse. Sa construction, qui remonte à la seconde moitié du xvie siècle, est due à Pierre Assézat, négociant ayant fait fortune dans le pastel, plante tinctoriale dont le commerce était alors florissant. Venu d'Espalion, en Aveyron, au début du xvie siècle pour rejoindre ses frères aînés déjà associés à ce commerce, Pierre Assézat en devient l'héritier et le successeur en 1545. Marié à la fille d'un capi- toul, receveur général de la reine douairière Eléonore d'Autriche, il accéde au Capitoulat en 1552. Dès 1551, il commence à acquérir les terrains nécessaires à la construction d'une "grande maison" . Le 26 mars 1555, il conclut un bail à besogne avec le maître-maçon Jean Castagné et l'architecte sculpteur Nicolas Bachelier pour la construction du corps de logis formé de deux ailes perpendiculaires reliées par un escalier. A la mort de Nicolas Bachelier en 1557, son fils Dominique dirige les travaux du pavillon d'entrée, de la galerie ouverte sur la cour et enfin, de la "coursière" 4 qui anime le mur mitoyen aveugle. En 1761, les descendants de Pierre Assézat vendent l'hôtel au baron de Puymaurin, qui modernise façades et appartements. L'hôtel d'Assézat nous parvient donc après deux campagnes de travaux bien distinctes : l'une, datant de la Renaissance, met en place la composition générale, le dessin des façades, la superposi- tion des ordres dorique, ionique et corinthien, l'importance donnée à tous les éléments d'architecture par l'emploi de la pierre ; l'autre, remontant au xviiie siècle, voit les fenêtres à meneaux remplacées par de grandes fenêtres au premier niveau, pour éclairer les salons nouvellement créés. Au xixe siècle, après avoir été transformé en entrepôts et en bureaux, l'hôtel d'Assézat fut acheté par la banque Ozenne et légué en 1895 à la Ville de Toulouse. C'est au terme d'une étude de plusieurs années qu'a pris forme le projet de réhabilitation de l'édifice et son aménagement en vue d'abriter la collection Bemberg. Les travaux, commencés en 1993, se sont achevés début 1995, et la Fondation Bemberg a ouvert ses portes dans un bâti- ment entièrement rénové et réaménagé en fonction de sa nouvelle vocation culturelle. La Fondation Bemberg a réalisé une première extension et une rénovation de ses espaces en 2001, ce qui a permis d'y intégrer de nouveaux espaces comme l'auditorium, les ateliers pédagogiques, etc. A l'issue de près de 25 ans d'activités, le musée nécessite des aménagements plus adaptés à sa fréquen- tation et aux attentes du public, notamment en ce qui concerne l'accueil. Afin d'offrir la meilleure expérience possible à chacun de ses visiteurs, le conseil d'administration de la Fondation Bemberg a décidé d'un ambi- tieux chantier de rénovation, prévu de la fin de l'année 2020 au début 2022. Ce projet est l'aboutissement d'une réflexion en profon- deur sur les aspects techniques et la conser- vation préventive, ainsi que sur les aspects fonctionnels et notamment sur le parcours, les agencements muséographiques, les systèmes d'éclairage ainsi que les dispositifs de média- tion associés. Différents paramètres sont ainsi intégrés : muséographie, architecture, patri- moine, fonctions, et techniques. La Fondation Bemberg ou l'art de se réinventer... A l'heure où cette dernière a fermé ses portes pour un an afin de de se préparer pour une nouvelle vie, elle consent un prêt tout à fait exceptionnel. En effet, depuis sa création, c'est la première fois que la Fondation Bemberg, en dehors des prêts individuels qu'elle pratique toujours avec joie, prête ici une très large sélection des chefs-d'oeuvre de sa collection de peintures. Nul doute que, européen convaincu et amou- reux des beaux lieux, Georges Bemberg aurait apprécié de voir nombre de ses tableaux favoris dans le cadre attachant et romantique de la Fondation de l'Hermitage, en attendant que le rêve de sa vie fasse peau neuve...

En 1918, Duncan Phillips décide de créer, dans sa maison familiale de Washington, un musée consacré à l'art moderne et à ses origines, où "chaque élément serait posé à sa place, dans une vision d'ensemble" . Du Greco à Picasso, d'Ingres à Kandinsky, de Chardin à Daumier, Bonnard, Cézanne, Braque ou encore Sam Francis et Paul Klee, il n'aura de cesse, jusque dans les années 1960, de parfaire sa collection, avec la couleur pour principal élément structurant. Et de rassembler des oeuvres en fonction de leurs résonances réciproques, révélant ainsi les liens entre l'art de son temps et celui du passé. Outre son oeuvre phare, le célèbre Déjeuner des canotiers de Renoir, la Collection Phillips est aujourd'hui l'une des plus exceptionnelles par sa cohérence et la qualité des oeuvres.

Un florilège des principaux chefs d'oeuvres de la prestigieuse collection Al Thani, à l'Hôtel de la Marine. L'Hôtel de la Marine, qui ouvrira ses portes pour la première fois en juillet 2020, sera l'écrin des trésors de la collection Al Thani, l'une des plus prestigieuses au monde. Fruit d'un accord de mécénat exceptionnel entre le Centre des monuments nationaux et la Fondation collection Al Thani, l'ancien Garde-Meuble royal reprendra dès son ouverture ses fonctions séculaires de lieu d'exposition en accueillant dans 400 m2 - et pour les vingt prochaines années ! - les richesses historiques de cette collection unique. L'atelier Tsuyoshi Tane Architects a été choisi pour dessiner les nouveaux espaces d'exposition au sein du monument. Ce volume de la collection " Regards " présente les 40 plus belles oeuvres de la collection : composée de plus de 6 000 oeuvres témoignant de nombreuses civilisations de l'Antiquité à nos jours ; elle n'avait jamais été exposée ainsi aux yeux du grand public, dans toute sa diversité. Ivoires assyriens, objets précieux sassanides, ornements moghols, commandes britanniques exceptionnelles du XIXe siècle... une diversité prodigieuse d'objets uniques est ici dévoilée. Historiens et spécialistes font entrer le lecteur curieux comme l'amateur averti dans l'histoire et l'élaboration minutieuse de ces objets.

L'Hôtel de Caumont - centre d'art d'Aix-en-Provence fait voyager ses visiteurs à Venise en présentant une sélection des chefs-d'oeuvre de la collection Cini, l'une des plus importantes collections d'art ancien italien. Les peintures, sculptures, dessins et objets précieux présentés et reproduits dans cet ouvrge, font partie de l'un des plus prestigieux ensembles d'art italien, du XVIe au XVIIIe siècle, réuni par l'entrepreneur et philanthrope Vittorio Cini (Ferrare 1885 - Venise 1977). En 1951, ce dernier crée la Fondation Giorgio Cini, centre de recherche et formation de réputation internationale, intitulé à la mémoire de son fils, décédé prématurément. Aujourd'hui, la collection Cini est répartie entre la Galerie du Palazzo Cini, ancienne résidence du collectionneur sur le Canal Grande, et l'important siège de la Fondation Giorgio Cini, sur l'île vénitienne de San Giorgio Maggiore. A côté des grands noms de la peinture toscane - Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo - et vénitienne, comme Lorenzo et Giandomenico Tiepolo, l'exposition présente des pièces maîtresses de la Renaissance ferraraise. Complétée par une sélection de sculptures, émaux et ivoires, ainsi que par un choix de dessins et enluminures, l'exposition et le catalogue qui l'accompagne rendent compte de toute la variété technique et stylistique d'une époque florissante de l'art italien, ainsi que du goût raffiné de l'un de plus importants collectionneurs italiens du XXe siècle.

L'Italie a influencé toutes les recherches artistiques de la fin du XIXe siècle et des premières années du XXe siècle. L'exposition du musée des Beaux-Arts de Nantes met en lumière les rapports entre l'Italie et les artistes français depuis le voyage de Manet en 1856 jusqu'à celui de Picasso en 1917. Cet ouvrage met en rapport de nombreux artistes qui sont allés en Italie pendant cette période de soixante ans qui voit émerger l'art moderne. L'accent est mis aussi bien sur le voyage (Cross, Manet, Renoir, Maurice Denis, Signac) que sur les figures d'Italiennes (Van Gogh, Henner ou Carpeaux), la couleur locale, la lumière (Maurice Denis ou Kandinsky), mais aussi la copie (Gustave Moreau, Degas), le portrait (Degas, Carolus-Duran), les thèmes littéraires, religieux ou historiques (Paul Baudry, Doré, Merson, Jules-Elie Delaunay) avec une place particulière à Dante - la Divine Comédie illustrée par Rodin.

La collection Thomas Walther du Museum of Modern Art (New York) est un fonds photographique réunissant près de 350 photographies. Elle s'avère unique non seulement au regard de la qualité exceptionnelle des tirages, exclusivement d'époque, mais aussi parce qu'elle reflète un moment clé de l'histoire de la discipline, à travers une centaine de figures emblématiques de l'avant-garde européenne des années 1920 et 1930 comme Berenice Abbott, Manuel Alvarez Bravo, Claude Cahun, André Kertész, Germaine Krull, Alfred Stieglitz, Paul Strand ou Edward Weston, pour ne citer que les plus connues.

Catalogue de l'exposition organisée pour le 50e anniversaire du Musée Paul-Valéry de Sète Le musée a ouvert ses portes en 1970 dans le bâtiment qu'il occupe aujourd'hui face au Cimetière marin. Créé en 1891, le Musée des Beaux-arts de Sète prenait à cette occasion le nom de Musée Paul-Valéry. Mettant à l'honneur le poète, l'écrivain et le penseur qui est au coeur même de l'identité du Musée, l'exposition propose un regard exhaustif sur les relations qui, durant toute sa vie, ont uni Paul Valéry à la peinture. L'exposition se tiendra du 24 septembre 2020 au 10 janvier 2021 et présentera une centaine d'oeuvres de peintres du XIXe et du XXe siècle.

Né a Ajaccio le 15 août 1769, Napoléon Bonaparte et, dans son sillage, les membres de sa famille vont dominer l'Europe, faisant rejaillir leur réussite sur leur ville natale. Aujourd'hui, grâce aux Bonaparte, en particulier Napoléon Ier, Napoléon III et le cardinal Fesch, la ville d'Ajaccio peut véritablement s'enorgueillir d'être une cité impériale - berceau de cette fabuleuse dynastie - dotée d'un patrimoine artistique d'envergure internationale.

Connus dans le monde entier, reproduits sur des milliers de livres, d'affiches, de cartes postales, de calendriers, les chefs-d'œuvre les plus célèbres semblent usés par tant de copies, tant de regards... Croyant les connaître, nous ne les voyons plus, nous ne les regardons plus... Mais que savons-nous réellement de la Joconde de Léonard de Vinci ou des Demoiselles d'Avignon de Picasso ? Pourquoi ces tableaux sont-ils si célèbres ? Pourquoi des millions de gens se pressent-ils dans les musées pour les contempler ? Armés de votre loupe, partez à la découverte des tableaux les plus admirés de la peinture occidentale. Devenez détective de l'art pour percer leur mystère...

Calder, Kelly, Lichtenstein, Marden,Warhol... Le meilleur de l'art américain d'après-guerre, avec pour chaque artiste un ensemble éblouissant. C'est la réunion de deux collections exceptionnelles que les visiteurs du Grand Palais et du musée Granet découvrent en avant-première : celle du San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) et celle que Doris et Donald Fisher ont construite avec passion dans cette ville phare de la côte Ouest, Ce partenariat, formé dans le but de partager ces oeuvres avec le public, les réunira définitivement, à la faveur d'une spectaculaire extension du musée. Carl André, Chuck Close, Richard Diebenkorn, Dan Flavin, Philip Guston, Donald Judd, Sol LeWitt, Agnes Martin, CyTwombly... Ils sont quatorze au total. Tous marqueurs d'un moment de l'esthétique du XXe siècle. L'excellence de la collection Fisher, des innovations de l'abstraction jusqu'aux questionnements du minimalisme, avec un détour coloré par le pop art, fait de San Francisco une destination incontournable pour les amateurs d'art moderne et contemporain, le musée vivant d'une génération, en escale en France pour quelques mois.

Pénétrez au coeur de la peinture par le biais des images. Un schéma de navigation et de nombreux outils vous aideront comprendre la composition de l'oeuvre avant de découvrir qui se cache derrière chaque détail. Du Rouleau de Qingming, de Zhang Zeduan, à l'Athanor, d'Anselm Kiefer, l'auteur propose une sélection originale et représentative de l'histoire de la peinture.

À travers une sélection de rares peintures, le parcours  de cette exposition sur l'art et l'enfant retrace l'évolution du statut de l'enfant du xve au xxe siècle et s'interroge, in fine,  sur le rôle du dessin enfantin sur les avant-gardes du début du siècle passé.Provenant de collections particulières et de prestigieux musées français et étrangers, une centaine d'œuvres signées Le Nain, Champaigne, Fragonard, Chardin, Greuze, Corot, Millet, Manet, Monet, Morisot, Renoir, Cézanne, Matisse, Picasso… composent une fresque inédite. Une invitation à découvrir sous un jour nouveau des chefs-d'œuvre tel L'enfant au toton de Chardin, La béquée et La leçon de tricot de Millet, Le Clairon d'Eva Gonzalès, Le petit marchand de violettes de Pelez, Promenade à Argenteuil de Monet, Eugène Manet et sa fille Julie de Berthe Morisot, Les enfants de Martial Caillebotte et La Leçon de Renoir, Le ballon de Vallotton, Le portrait de Pierre par Matisse et Le peintre et l'enfant de Picasso.

Chef-d'oeuvre. Quand ce très vieux mot du Moyen-Âge utilisé pour l'artisanat a-t-il commencé à être appliqué à la littérature ? Y a-t-il un critère du chef-d'ouvre littéraire ? Mieux, une recette ? Comment être sûr qu'un livre est un chef-d'ouvre ? Un chef-d'ouvre est-il éternel ? La postérité est-elle le bon juge ? Crée-t-on encore des chefs-d'ouvre aujourd'hui ? Comment définir le chef-d'ouvre ?C'est à toutes ces questions que tente de répondre ce livre. Parcourant les grands livres, de Homère à Heine et de Boccace à Beckett, il propose une analyse inattendue de l'ouvre de James JOyce aussi bien que des considérations sur ce que l'on peut penser des Aristochats de Walt Disney. Charles Dantzig montre encore une fois que l'on peut associer le brillant et la réflexion, la virtuosité et la profondeur, l'érudition et l'esprit.

Pablo Picasso est l'un des artistes les plus célèbres et les plus fascinants au monde. Il a laissé une quantité impressionnante de peintures, de dessins et de lithographies. De ses fameuses guitares en papiers collés jusqu'à l'incontournable Guernica, il fut un novateur dont l'oeuvre intrigue autant que sa vie. Pourquoi aborde-t-il autant de styles picturaux, du réalisme extrême au surréalisme en passant par le cubisme dont il fut l'incontestable chef de file ? Comment comprendre les périodes bleue et rose ? Quels liens tissa-t-il avec ses contemporains ? Quelle place l'engagement tient-il dans son oeuvre ? Ce livre propose un décryptage inédit de l'artiste et de son incroyable parcours à travers ses plus grandes oeuvres !

Dans le cadre des travaux engagés dans l'appartement du Roi, le château de Versailles prête, pour la première fois et de manière exceptionnelle, un ensemble de six peintures provenant de la chambre de Louis XIV, au musée de Picardie à Amiens. Les six peintures seront ensuite présentées, à partir du printemps 2023, dans les appartements de Madame de Maintenon, au château de Versailles. Saint Matthieu, Saint Luc, Saint Jean, Saint Marc et le Denier de César, peints par Valentin de Boulogne (1591-1632), Agar et l'ange par Giovanni Lanfranco (1582-1647) ornent de nos jours l'attique de la chambre du Roi, témoignage essentiel du goût de Louis XIV pour la peinture caravagesque. Accrochés habituellement à plus de dix mètres du sol, ces tableaux d'une immense qualité picturale seront présentés à portée du regard, occasion unique de les voir ensemble, qui plus est, après avoir été restaurés.

"En artiste, je recherche la beauté dans les objets et j'apprécie l'insolite" . Ceil Pulitzer Ceil Pulitzer a entamé son parcours de collectionneuse d'art africain il y a plus de trente ans. Son esprit artistique l'a conduite vers toutes les formes de culture et d'expression humaines, sans limites spatiales ou temporelles. En peintre consciencieux, elle n'a cessé d'aiguiser son regard en étudiant l'art et l'histoire de l'art, et en collectionneuse d'art moderne, elle comprit que l'art africain avait influé sur la trajectoire de l'art du XXe siècle. Par la suite, à Paris, elle fit la connaissance de Charles Ratton, expert vénérable et légendaire marchand d'art africain. Lors d'une brève rencontre, il lui déclara : "Vous avez l'oeil". Cette rencontre nourrit sa passion et sa quête de l'excellence en matière d'art africain classique. La Fondation Ceil and Michael Pulitzer a initié et soutenu nombre d'initiatives philanthropiques en Afrique et au sein des grandes institutions qui promeuvent l'art africain et les actions humanitaires sur le continent noir.

Le musée Maillol met à l'honneur la collection exceptionnelle de l'industriel Emil Georg Bührle (1890-1956) qui a rassemblé, entre 1936 et 1956, près de 600 oeuvres. Présenté pour la première fois en France, cet ensemble d'une soixantaine de chefs-d'oeuvre parcourt plusieurs courants de l'art moderne : impressionnisme (Manet, Monet, Pissarro, Degas, Renoir, Sisley), postimpressionisme (Cézanne, Gauguin, Van Gogh, Toulouse-Lautrec), Nabis (Bonnard, Vuillard), Fauves (Braque, Derain, Vlaminck), Ecole de Paris (Modigliani), pour finir avec Picasso. Leur confrontation soulignera les liens et les filiations entre les courants artistiques à travers les époques, tout en illustrant l'apport personnel de chacun des peintres à l'histoire de l'art.

Claude Monet, le plus célèbre des peintres impressionnistes, fut aussi le plus secret de leurs collectionneurs. Les chefs-d'oeuvre qu'il a réunis tout au long de sa vie constituent pourtant un ensemble aussi rare qu'exceptionnel. Pour la première fois, le musée Marmottan Monet lève le voile sur cette passion privée et organise, du 14 septembre 2017 au 14 janvier 2018, une exposition inédite intitulée "Monet collectionneur" dont cet ouvrage rend compte mais surtout qu'il complète. Signés Delacroix, Corot, Boudin, Jongkind, Manet, Renoir, Caillebotte, Cézanne, Morisot, Pissarro, Rodin ou encore Signac, peintures, dessins, sculptures révèlent une part cachée de la vie de Claude Monet. L'ouvrage reconstitue cette collection présentant des oeuvres conservées dans les plus grands musées mais aussi au sein de prestigieuses collections particulières. Il offre l'occasion unique de découvrir ce qui fut le panthéon sentimental et artistique du chef de file des impressionnistes. Une exposition et un livre événement !

Un aperçu exceptionnel des chefs d'oeuvres de la galerie vénitienne Giorgio Franchetti alla Ca' d'Oro, l'une des plus fascinantes collections vénitiennes, présentée au sein des galeries Al Thani, à l'Hôtel de la Marine. Cette nouvelle exposition organisée au sein des galeries Al Thani, à l'Hôtel de la Marine, présente les chefs d'oeuvres de la galerie vénitienne Giorgio Franchetti alla Ca' d'Oro, dont la fermeture temporaire donne l'opportunité au public parisien de découvrir un ensemble exceptionnel. Le catalogue permet au lecteur d'explorer l'art et l'histoire de la Sérénissime. Peintures, sculptures et objets d'art évoquent tous le faste exceptionnel et la virtuosité artistique de la ville, à travers le regard d'un amoureux de l'art, Giorgio Franchetti. Une première partie est consacrée à l'histoire de ce magnifique palais vénitien du XVe siècle, qui ouvre sur le Grand Canal, dans le sestiere de Cannareggio, délabré quand le baron Giorgio Franchetti le transforma en musée. Le riche mécène y installe sa collection, trente ans après l'avoir acquis. Issu d'une famille de banquiers et d'entrepreneurs fortunés, Franchetti se passionnait pour la musique et pour l'art, et ses goûts l'avaient conduit à parcourir l'Europe entière. L'ensemble présenté ici réunit une cinquantaine des plus grands artistes italiens, essentiellement vénitiens, tels que Pietro Lombardo, Gentile Bellini, Jacopo Sansovino, Mantegna, Titien, Tintoret ou Le Bernin.

Catalogue officiel de l'exposition "Les Impressionnistes en privé" au Musée Marmottan Monet du 14 février 2014 au 5 juillet 2014. Ouvert pour la première fois au public en 1934, le musée Marmottan Monet célèbrera son 80e anniversaire en 2014. Durant près d'un siècle, le musée a bénéficié de legs et de donations d'une envergure sans égale faisant de lui le dépositaire du premier fonds mondial d'oeuvres de Claude Monet et de Berthe Morisot. Sans la générosité des collectionneurs et des descendants d'artistes, il ne serait pas devenu un haut lieu de l'impressionnisme. Conscient de cet héritage, le musée souhaite débuter les cérémonies de son anniversaire en rendant hommage aux collections privées et en leur dédiant une exposition. Du 14 février au 5 juillet 2014, le musée Marmottan Monet présentera, une exposition réunissant exclusivement des oeuvres en provenance de collections particulières du monde entier. Pour cette manifestation intitulée, quatre-vingt chefs-d'oeuvre retraceront la genèse du mouvement et ses développements à travers des oeuvres de Boudin, Jongking, Manet, Monet, Renoir, Caillebotte, Degas, Cézanne, Morisot notamment. Ces ouvres inconnues du public rendront hommage aux principaux représentants de l'impressionnisme dont la renommée doit beaucoup à l'engagement de leurs collectionneurs.

Des pièces majeures, qui pour certaines d'entre elles n'ont pas d'équivalent dans le monde, sont réunies pour la première fois dans un ouvrage de référence publié en hommage à Michel Leveau, le fondateur du musée Dapper. Un de ses articles, "La découverte des figures de reliquaire dites kota" (Gabon), est réédité ici. Nombre de ces objets ont appartenu auparavant à des grands noms ayant marqué la reconnaissance des arts non occidentaux au début du XXe siècle - Paul Guillaume, Jacob Epstein, Charles Ratton... Remarquables par leur qualité esthétique, les quelque cent trente oeuvres reproduites - masques, statues, statuettes, insignes et parures - témoignent de la richesse des pratiques artistiques de l'Afrique subsaharienne. Leurs fonctions politiques, sociales et religieuses sont éclairées par les analyses de spécialistes reconnus, anthropologues, ethnolinguistes ou historiens de l'art Alain-Michel Boyer, Jean-Paul Colleys, Christiane Falgayrettes-Leveau, Christiane Owusu-Sarpong, Anne van Cutsem-Vanderstraete et Jean-Pierre Warnier. Chaque auteur a rédigé pour ce catalogue, qui s'articule en deux grandes sections - Afrique centrale et Afrique de l'Ouest -, un texte de présentation général suivi de notices dans lesquelles il a résumé l'essentiel de ses connaissances sur le sujet. Ce livre permettra à chaque lecteur, spécialiste, simple amateur ou néophyte, d'entreprendre un voyage riche de découvertes à travers l'univers des formes et des spiritualités que les cultures africaines nous proposent en partage.

Les plus célèbres romans de H. G. Wells, l'auteur de La Guerre des Mondes, réunis en un album relié. Un classique à offrir ou à s'offrir idéal pour les fêtes de fin d'année ! Récit d'une invasion extraterrestre, La Guerre des mondes (1898) est l'un des premiers chefs-d'oeuvre de l'anticipation. Imprégné de darwinisme et de culture scientifique, H. G. Wells (1866-1946) ne se contente pas du probable : l'impossible est son domaine. En quelques années, de 1895 à 1901, il conçoit ses romans les plus fameux : La Machine à explorer le temps, qui présage l'extinction de l'humanité ; L'Homme invisible, l'aventure d'un savant dépassé par son invention ; L'Ile du docteur Moreau, qui met en scène la révolte de monstres hybrides ; et Les Premiers hommes dans la lune, qui décrit l'exploration de notre satellite, peuplé d'insectes évolués... La veine sociale de Wells est plus sensible dans Une histoire des temps à venir et dans Miss Waters, tandis qu'Au temps de la comète rêve d'une humanité purgée de ses travers par la collision d'un astre gazeux. Moraliste et visionnaire, Wells a même anticipé l'apocalypse mondiale dans La Guerre dans les airs (1908)... Tels sont les neuf romans rassemblés dans ce volume qui offre un portrait complet du maître de la science-fiction. Depuis 2014, sous le label " Bibliothèque des classiques " et regroupés en un volume relié, paraissent les chefs-d'oeuvre d'auteurs de premier ordre à prix accessible. Ces recueils, à offrir ou à s'offrir, ont leur place dans toutes les bibliothèques.

On a amplement célébré les différentes facettes de Roland Topor, ses romans et ses nouvelles, ses pièces de théâtre, ses films d'animation, ses dessins, sans oublier ses affiches. Il est temps aujourd'hui de présenter ce qui constitue l'épine dorsale de son oeuvre : ses dessins les plus accomplis, qui sont aussi les plus intemporels. Après avoir publié en 2019 le volume Chefs-d'oeuvre I, consacré à ses dessins en noir et blanc, les Cahiers dessinés s'attachent à réunir dans ce deuxième volume ses chefs-d'oeuvre en couleurs, dont de nombreux inédits, où l'on retrouve ses thèmes de prédilection : le corps malmené, l'hallucination cauchemardesque, les tourments de l'éros... Et cet humour grinçant qui a fait sa marque de fabrique. Dans sa préface, l'écrivain, psychanalyste et anthropologue Patrick Declerck donne au lecteur les clefs de cette plongée aussi graphique que fantasmatique dans les facéties de l'inconscient. Né en 1938 dans une famille juive d'origine polonaise, Roland Topor est caché en Savoir durant l'Occupation. A vingt ans, il publie son premier dessin de presse, puis collabore à Hara-Kiri avant de délaisser le dessin d'humour pour se consacrer à un art total. Dans cette perspective, il fonde en 1962, avec Fernando Arrabal, Alejandro Jodorowsky, Olivier O. Olivier et d'autres, le mouvement Panique, en référence au dieu Pan. Chansonnier, nouvelliste, romancier, illustrateur et affichiste prolifique, il met également son talent au service du cinéma, participant, entre autres, au Casanova de Fellini, ainsi qu'au Marquis d'Henri Xhonneux, dont il écrit les dialogues et assure la direction artistique. En 1976, Roman Polanski adapte son roman Le Locataire chimérique. Toujours avec Henri Xhonneux, il crée en 1983 le programme télévisé Téléchat, qui connaît un succès étourdissant. En 1990, il est lauréat du Grand Prix de la Ville de Paris. Après sa mort en 1997, il est admis au Collège de 'Pataphysique à titre posthume.

Faisant suite et complément à ses essais déjà traduits sous le titre Questions d'art, les études sur la peinture française qui composent De Monet à Picasso sont en réalité le premier ouvrage théorique à avoir été publié en 1913 par Max Raphael (1889-1952). Ce tenant d'une théorie matérialiste de l'art, au regard infatigablement fixé sur la matière des oeuvres, tente d'y faire parler les formes et d'y esquisser une "science empirique de l'art" . Marquant une manière de dépassement définitif du subjectivisme impressionniste, il décrit ainsi à la veille de la Première Guerre mondiale la mutation de la peinture moderne. Et cela, après avoir découvert Cézanne puis rencontré, à Paris, Rodin, Matisse ainsi que Picasso, ce dernier l'ayant occupé toute sa vie. A la fois pionnier et critique de la modernité, Max Raphael y remet également en perspective l'histoire de l'art traditionnelle non sans tenter une audacieuse refondation de l'esthétique. C'est assez dire la lacune que vient combler la traduction de ce livre qui apparaît aujourd'hui comme une féconde et radicale percée philosophique au sein de la psychologie de la création. Et de nous permettre de mieux apprécier l'importance, dans le panorama si riche de la réflexion sur l'art en Allemagne, de l'oeuvre considérable de son auteur surgie à l'époque difficile de la République de Weimar puis déracinée par le nazisme.

Impression, soleil levant, la toile qui a donné son nom à l'impressionnisme et qui est le fleuron des collections du musée Marmottan Monet, est l'une des peintures les plus célèbres au monde. Cette oeuvre n'a pourtant pas fait l'objet d'une étude approfondie jusqu'à ce jour. Dans le cadre du 80e anniversaire de l'ouverture du musée Marmottan au public et à l'occasion du 140e anniversaire de la première exposition d'Impression, soleil levant, le musée Marmottan Monet a choisi d'organiser la première exposition jamais dédiée à l'oeuvre fondatrice de l'impressionnisme. Autour d'Impression, soleil levant, l'ouvrage présente une sélection rigoureuse de 25 Monet, 55 Delacroix, Courbet, Boudin, Jongking, Turner, Morisot, Stevens, Renoir, Pissarro, Sisley, des photographies anciennes par Gustave Le Gray, Emile Letellier, ainsi qu'une vingtaine des documents d'époques dont beaucoup sont inédits. Les oeuvres proviennent des plus grands musées français et étrangers et de collections particulières. La bibliothèque nationale, la bibliothèque historique de la ville de Paris, les archives de la Seine, la bibliothèque et les archives du Havre se sont également activement associés au projet. L'ouvrage retrace l'histoire du tableau avec en premier lieu les origines de la création et la genèse d'Impression, soleil levant : les grands modèles tels Delacroix, Courbet, Boudin, Jongkind puis Turner que Monet découvre à Londres en 1870-1871. Est ensuite présenté un ensemble unique de vues du port du Havre, contemporaine d'Impression, soleil levant parmi lesquelles l'oeuvre exceptionnelle L'Avant-Port du Havre, effet de nuit de Monet, un rarissime nocturne. Trois autres vues du Grand Quai, des différents bassins du port peints par Monet entre 1872 et 1874 et six Boudin entre 1870 et 1892 sont également reproduits en regard de photographies, plans et documents anciens. Ces peintures et ces documents ont permis de mener la première étude iconographique d'Impression, soleil levant. Pour cela, il a fallu reconstituer le port du Havre en 1872, identifier précisément le lieu représenté par Monet : une vue ouverte de l'écluse des Transatlantiques, en déduire le moment de la journée représenté sur la toile et plus encore la date d'exécution du tableau. Cette étude combinant données topographiques, météorologiques, astronomiques - menée par des équipes française et américaine - a permis de confirmer définitivement que le tableau de Monet représente bien un soleil levant. En analysant notamment la position du soleil sur la toile, les horaires d'ouverture de l'écluse et celles des marées, et l'orientation du vent en 1872 et 1873, le 13 novembre 1872 apparaît comme la date d'exécution la plus probable. L'ouvrage s'intéresse ensuite à la première exposition impressionniste évoquée à travers deux chefs-d'oeuvre de Monet présentés aux côtés d'Impression, soleil levant en 1874 : Le Déjeuner (Städel Museum, Francfort-sur-Main) et Le Boulevard des Capucines (Nelson Atkins Museum, Kansas City). A peine exposée, l'Impression fut, achetée par Ernest Hoschedé, puis par Georges de Bellio : l'ouvrage présente dix-neuf peintures issues de ces deux seules collections où figura Impression, soleil levant (plusieurs Monet, Berthe Morisot, etc.). Il révèle ensuite une page tout à fait inconnue de l'histoire d'Impression, soleil levant en retraçant les circonstances de l'entrée du tableau dans les collections du musée Marmottan. L'ouvrage se termine autour de Soleil couchant sur la Seine à Lavacourt (Paris, musée du Petit Palais) qui illustre la pérennité du thème chez Monet et des premiers ouvrages de l'après-guerre qui érigèrent Impression, soleil levant au rang d'oeuvre fondatrice de l'impressionnisme. Un symbole est né. Coédition avec le musée Marmottan Monet.