Censure et tabou

Que vous ayez ou non des enfants, entre dans la catégorie des livres à posséder, à partager et à conserver sans durée tant il est intemporel, précieux, presque magique et assurément capable d'émouvoir un large public, bien au-delà de la jeunesse.

Surtout, ne le lisez pas sans le disque. Comme il est d'ailleurs conseillé en exergue, écoutez le cd dès votre première lecture. C'est presque un choc, une surprise très sensible et inattendue.

Vous allez voir (ou plutôt entendre) : après le récit, la chanson populaire "A la claire fontaine", va vous paraître magnifique et moderne; vous allez vous surprendre, la reprendre parole après parole, furtivement d'abord,  puis sentir le rythme des percussions, le tambour Gwo Ka* vous entraîner, et  alors, vous allez élever doucement votre voix, taper vos mains contre vos cuisses, osciller la tête et le corps, vous mettre en mouvement et en joie. Une joie pure.

C'est certain, il est impossible de résister, de rester indifférent à cette œuvre artistique épurée et intense.

Dans un deuxième temps, ce sont les images de Piotr Barsony, artiste français, à la fois peintre, architecte et urbaniste, illustrateur et romancier, qui vont vous désarmer, caresser votre cœur, notamment à travers ses visages expressifs, tantôt réalistes, tantôt plus proches des masques africains traditionnels.

Et l'histoire racontée enfin, subtil mélange d'innocence, de tristesse d'enfant, d'apprentissage presque initiatique et de sombres souvenirs de la période esclavagiste, illustrés en noir et blanc.

Un graphisme éclectique et métissé, au regard des différentes émotions qui traversent l'ouvrage mais toujours harmonieux. Si certains passages sont graves, un peu inquiétants, l'ensemble est empreint d'espoir, de liberté.

Si, comme Marie, l'écolière, vous n'arrivez pas à chanter, faites confiance à Donga, le musicien-conteur et laissez-vous guider par le tambour d'Edmony Krater, percussionniste guadeloupéen.

Ce livre a reçu le prix Octogone 2001 du livre jeunesse, le prix de la Francophonie de l'Education nationale. Il est réédité en partenariat avec l'Association des librairies spécialisées jeunesse. Surtout, ne le laissez pas passer.

Accessible dès 7 ans.

* Le Gwo Ka vient d'être répertorié dans l'inventaire du patrimoine culturel immatériel de la France pour une inscription à la liste de l'UNESCO fin 2014.

Ce nouveau documentaire que publient les Editions aborde le sujet inépuisable et récurrent de l'adolescence mais, par sa conception graphique déjà, semble vouloir se démarquer un peu. Léger, drôle et sans gravité apparente, la couverture  et le titre de l'ouvrage annoncent la tonalité : . C'est un passage incontournable pour devenir adulte, plein de changements, de découvertes inattendues, parfois déconcertantes ou déstabilisantes mais jamais insurmontables et surtout pas hors-normes.

Ainsi la finalité de ce guide, élaboré à partir de plus de 70 questions, est de s'épanouir, de se révéler en tant qu'homme ou femme, de prendre confiance en soi, en comprenant pourquoi et comment notre corps se transforme. Sans tabou, de manière objective et instructive, le livre éclaire sur les doutes, rassure sur les peurs et inquiétudes, apaise le sentiment de honte ou de culpabilité fréquents chez l'ado, participe à son émancipation dans le respect de la loi, sans le contraindre autrement. Ni morale, ni jugement, ni direction imposés : l'ado est libre d'agir comme il l'entend, avec les informations qu'il a reçues, s'en départir ou s'en servir pour grandir et se construire, parvenir à être en accord avec la vie qu'il mène, au mieux avec ses choix.

A la fois sérieux et drôle, bienveillant et doucement provocateur, il est une aide utile non seulement pour les jeunes mais également pour les parents, parfois désarmés pour répondre à certaines questions, devenus eux-mêmes souvent amnésiques face à leurs propres angoisses d'ado et peut créer l'opportunité d'échanges nouveaux moins complexés, moins maladroits entre ces générations.

A l'origine allemand, ce documentaire, rédigé par la journaliste indépendante Antje Helms a été adapté pour la France par Jessie Mangana, auteure des Mots indispensables pour parler du Sexisme (Syros) et est illustré dans la bonne humeur par des photographies représentant 30 jeunes en mouvement et plutôt gais, très contemporains, vifs et expressifs, à l'opposé des caricatures amorphes et taciturnes de l'ado mal dans sa peau.

Grâce à un langage courant accessible, des explications souvent concises et directes, l'ouvrage aborde avec beaucoup de naturel, différentes problématiques relatives à la puberté, aux différences fille-garçon, au sentiment amoureux, au sexe et à la reproduction et alterne questions académiques (Comment se manifeste la puberté ? A quelle fréquence surviennent les règles ? Les préservatifs sont-ils fiables ? Qu'est-ce qu'un orgasme ?) et questions plus inattendues ou plus intimes (Est-ce que c'est grave de se raser ou de s'épiler dès 11-12 ans ? Les tampons font-ils mal ? Comment on embrasse ? Combien de fois par semaine peut-on se masturber ? Ai-je le droit de regarder des films pornos sur mon téléphone ?)

Les réponses apportées sont volontairement libérées des contraintes de langage, évitent tout conformisme ou jugement moral, s'efforcent d'être le plus objectives et explicatives possible, préviennent des risques éventuels et rappellent la loi, le cas échéant, mais ne condamnent ni ne blâment. L'essentiel est d'atténuer un éventuel désarroi (Que faire quand quelqu'un m'aime et que je ne l'aime pas ? Est-ce que toutes les filles saignent la 1ère fois ?), relativiser certains changements corporels (Que faire contre les boutons d'acné ?) ou émotions exacerbées (Pourquoi se sent-on plus fort qu'avant ?) et d'aider de manière concrète le jeune parfois confronté à certaines épreuves plus difficiles (Que faire si on est enceinte et qu'on ne veut pas le dire à ses parents ? Que faire si mon amoureuse est enceinte ?)

Un ouvrage qui devrait libérer la parole, lever des tabous, percer quelques mystères.  Rassurant, respectueux et tolérant  mais sans excentricité. A mettre entre toutes les mains dès 11 ans.

Sans un mot, Patrice Killoffer déroule sous nos yeux ébahis le quotidien émouvant, tantôt routinier et banal, tantôt festif d'un dessinateur et de son robot domestique : cette intelligence artificielle sur pattes est le meilleur ami de l'homme, semble-t-il. Mais comme le disent les philosophes (on les paie mal pour ça, d'ailleurs) : rien n'est éternel en ce bas monde : le robot passe la carte-mère à gauche et le pauvre dessinateur est d'un coup saisi par un étrange sentiment de solitude et de vacuité. Il faut qu'il trouve à nouveau l'âme sœur digitale...

Tour de force visuel En chair et en fer publié par Casterman poursuit le travail d'auto-exploration graphique entrepris par le dessinateur-scénariste dans 676 apparitions de Killoffer ou Killoffer tel qu'en lui-même enfin (tous deux à L'Association, en 2002 et 2015), confrontant à présent le double de l'auteur à la technologie et à la robotique. Pas besoin de paroles pour raconter en détail les liens subtils que peuvent tisser l'homme et la machine, pour exposer les problèmes de communication et les troubles de l'humeur...

Plus magistral que jamais, Killoffer s'en donne à cœur-joie pour dessiner les câbles et les rayonnages, les contours de meubles et les encadrements de portes. Le petit intérieur de son appartement habité par les robots se transforme en macrocosme qui boucle sur lui-même, entre rêve, itération et réalité, alors que chaque case tire une force incroyable du contraste exploité dans toute sa pureté entre le noir et le blanc.

Inspiré par l'essai Machines insurrectionnelles de Dominique Lestel que le dessinateur avait illustré, ce récit comique, malin, profond et touchant invite les lecteurs à plonger, en robe de chambre et scrotum à l'air, dans le petit monde bedonnant des machines qui s'humanisent et des humains qui se... comprennent enfin, dans la contemplation de leur double cybernétique.

Un album bluffant.

Pablo est un jeune garçon très remuant. A tel point que pour son anniversaire il reçoit comme cadeau... une chaise. Sa famille espère qu'il se tiendra ainsi enfin un peu tranquille. Fâché, Pablo s'enferme dans sa chambre. Mais ce n'est pas une simple chaise qui va changer son tempérament : au bout d'une heure il se balance sur le siège, deux heures plus tard il tient en équilibre sur les mains et, à la fin de la journée il est devenu funambule-de-dossier-de-chaise. Quelques jours après, il quitte les siens, la chaise fixée sur le dos. C'est ainsi qu'il traverse le pays, s'arrêtant dans les villages pour présenter son spectacle. Le succès est vite au rendez-vous, les salles sont pleines, le monde entier l'acclame. Jusqu'au jour où il décide de refaire le même trajet en sens inverse...

nous fait suivre le périple de Pablo, un jeune garçon qui choisit de quitter  – provisoirement – sa famille qui ne le comprend pas afin de devenir lui-même. Parce que l'entourage n'est pas forcément de bon conseil et n'est pas toujours apte à juger des compétences de ses proches. En effet, pourquoi vouloir canaliser quelqu'un, alors que le laisser aller au bout de ses rêves et de ses envies est probablement le seul moyen de le voir se poser un jour ? Car ne pas tenir en place peut être signe de talent.

Delphine Perret aborde un sujet sérieux avec une finesse que l'on retrouve également dans ses illustrations au trait, ponctuées par-ci par-là d'à-plats de couleurs.

Un album initiatique pour apprendre à rester soi-même et ne pas se laisser influencer par son entourage.

C'est en 2008, lors d'une réception après spectacle du Festival d'Avignon que le dessinateur est présenté à la chorégraphe par un ami commun. L'auteur de bande dessinée veut apprendre à danser, la danseuse l'invite plutôt à venir dessiner son travail. C'est ainsi qu'est née « Mathilde, danser après tout », un épais volume de grand format publié chez Denoël Graphic. Dans les 176 pages de ce livre, à partir d'entretiens, le bédéiste raconte le parcours chorégraphique qui a permis à la jeune danseuse fauchée, qui dansait à New York sans trop savoir ce qu'elle faisait, de diriger aujourd'hui un Centre chorégraphique national et de figurer parmi les chorégraphes les plus reconnues de la scène française.

L'ouvreur qui voulait brûler les planches les dessine

Conquis par le travail de la chorégraphe depuis la période où il bossait comme ouvreur au Théâtre de la Ville, Olislaeger tente de transcrire en dessins à la fois les intentions de la chorégraphe et les émotions qui peuvent naître dans le corps des danseurs et celui des spectateurs. Il cherche aussi par moments à révéler une vérité plus intime de la danseuse, mais l'exercice est périlleux quand on sait que le livre a bénéficié pour sa publication du soutien du Centre national de la danse et que, pour réaliser ce livre, le dessinateur a séjourné à Montpellier et été accueilli dans les bureaux de la chorégraphe. Difficile de mordre la main qui vous a nourri.

Pourtant, ce n'est que lorsque la BD révèle les fêlures de la chorégraphe que le projet se met à avoir un sens : lorsqu'au bout du fil son ancien partenaire, Jean-François Duroure avoue qu'il ne peut témoigner pour le livre, car c'est trop dur pour lui encore aujourd'hui d'évoquer le travail de son ancienne complice, qui a poursuivi seule le travail qu'ils avaient imaginé à deux (et que la maladie empêchait alors Duroure de continuer), lorsque l'on comprend à travers les aveux de Mathilde Monnier elle-même que son travail, toujours intuitif, sensitif, instinctif, a parfois du mal à s'expliquer au travers des mots ou à se justifier de façon cohérente, si ce n'est par le retour biographique sur des blessures d'enfance.

Dessiner l'invisible

Olislaeger cherche un langage graphique pour transcrire les corps en mouvement. Un langage fait de répétitions, de positionnement des croquis dans l'espace de la page : tantôt avalanche, tantôt apparition singulière, très souvent bandeau répétitif qui rappelle les dessins des zootropes, ancêtres du cinéma. Étonnamment, on ne parle presque jamais de musique dans les pages du livre, comme si la bande-son de toutes ces pièces dansées n'était qu'un support mineur. La musique de Katerine est réduite à ses textes, celle de plusieurs spectacles est tout simplement passée... sous silence. En revanche, alors que les pages d'entretiens et de rencontres s'étalent sur de grandes images noir et blanc, les chorégraphies sont retranscrites avec de petits dessins qui envahissent l'espace, dans des pages chargées de corps en déséquilibre et en mouvement, alignés à l'infini, et ponctués par des à-plats de couleurs.

Bien que le boulot de François Olislaeger soit considérable, je suis resté un peu en marge de ce projet. Ni iconoclaste, ni vulgarisateur, il semble parler à ceux qui ont déjà vu les spectacles évoqués et qui connaissent bien les personnages dont il est question. Certes, Philippe Katerine et Christine Angot ne sont pas des inconnus, mais l'album ne les présente pas, considérant que le lecteur, cela va de soi, connaît ces artistes comme il connaît sans doute le travail de Mathilde Monnier. À quoi bon alors lui raconter tout cela dans un livre ? Ne suffit-il pas de l'inviter à boire un verre à la fin d'un spectacle, où l'on croisera forcément ces pipoles artistiques, venus échanger des félicitations avec la chorégraphe.

Mathilde Monnier semble avoir parcouru bien du chemin depuis qu'elle dansait dans sa chambre à New York, en kilt, avec un complice et qu'ils étaient inséparables. On s'étonne que ce passage de la contre-culture à la reconnaissance institutionnelle, ce grand écart entre le programme artistique instinctif et le rôle de cerbère officiel de la danse contemporaine ne soient pas présentés comme un paradoxe. Est-ce juste le passage du temps et des modes ou la présence au bon endroit et au bon moment ? Est-ce l'effet d'un renoncement, d'un hasard ou d'un travail d'infiltration des lieux du pouvoir chorégraphique ? Le livre ne répond pas à ces questions, car il ne peut évidemment pas les poser.