Odes

Les contours de la poésie sont imprécis. La poésie française est un corpus mouvant, qui embrassait, il y a quelques siècles encore, aussi bien les épopées et le théâtre en vers que les odes ou les sonnets ; qui comprend, depuis l'éclatement du vers à la fin du siècle dernier, des textes indéfinissables et hétérogènes, le plus souvent en prose. Elle désigne donc une partie de la littérature, mais aussi bien la quintessence d'un art qui aurait pour matériau le langage. Interroger la poésie, c'est interroger le foyer de la création littéraire : l'acte de l'écriture, en son origine, en ses pratiques, en ses enjeux. Ce sont ces aspects que la présente étude décline tour à tour : une première partie décrit, telles qu'elles ont été formulées depuis Platon jusqu'aujourd'hui, les explications du phénomène poétique (inspiration. expérience poétique, génie) ; une deuxième partie expose les techniques de la création (les vers et les formes de poèmes) et aborde la spécificité de la parole poétique ; une dernière partie questionne le pouvoir de la poésie à refigurer et donc à réinventer le monde en procurant à la fois plaisir et connaissance.

Auriez-vous pu imaginer ce mardi 18 juin 1940, alors que vous n'aviez pas plus de dix-huit ans, que vous entreriez tous au panthéon de la Résistance, aux côtés de Berty Albrecht, du général Leclerc, de Jean Moulin ? François, Henri, Léon, toi Etienne et vos quarante compagnons d'espérance, vous ignoriez que l'engagement, le combat et le sacrifice emporteraient vingt-et-un d'entre vous qui n'entendraient jamais la liesse d'un 25 août 1944 à Paris ni ne verraient flotter sur les bords du Rhin les trois couleurs de la France accrochées à la flèche d'une cathédrale... Cet ouvrage, Ils avaient de 11 à 18 ans, présente les parcours fulgurants de ces 44 plus jeunes compagnons. Y figurent aussi L'Appel à la Jeunesse de Fred Moore, trois odes de Thierry Catalano célébrant l'idéal de ces jeunes et la lettre poignante d'Henri Fertet adressée à ses parents avant son exécution à l'âge de 16 ans. Ainsi, le livre donne à lire le courage et la grandeur de ces existences dont la valeur et l'éclat ont tracé le sillage lumineux qui éclaire encore notre avenir.

Deuxième recueil de poésie de Joshua Bennett, L'Amérique sera joue habilement avec la notion d'héritage, de dette générationnelle. Qui doit quoi à qui ?? Les odes de Bennett explorent les dettes sentimentales, philosophiques et politiques que Joshua doit aux choses, aux lieux et aux personnages qu'il a croisés au cours de son existence et qui, d'une manière ou d'une autre, ont nourri son imagination ? : le magasin "? tout à 1 ? dollar ? " de son quartier, la chaîne en or de son père, la housse en plastique sur le canapé de sa grand-mère, les caleçons longs portés comme une seconde peau... ces "? objets ? " concrets ont nourri les concepts abstraits que sont l'histoire, l'éducation, la politique et, finalement, la mélodie subversive de sa poésie lyrique. Le pouvoir des mots comme outil de survie sociale. C'est ainsi que nous pourrions définir la poésie de Bennett. Car ce sont bien les blessures que l'Amérique a infligées, les violences et les injustices qu'elle continue de perpétrer que Bennett regarde. Ainsi seulement nous pourrons concevoir de nouveaux imaginaires et découvrir des possibilités pour l'Amérique en particulier et le monde en général.

Architectures, machineries, musiques, odes, lumières, voix et corps en mouvement : pour Léonard de Vinci, la scène aura été le premier lieu de ses inventions et de leur incarnation. Plus encore que pour ses oeuvres picturales, le Quattrocento l'aura célébré pour ses spectacles lyriques sans précédent. Plus d'un siècle avant Peri, Caccini et Monteverdi, ils auront marqué l'avènement des premiers opéras. Ce sont cette invention et cette révolution que révèle ici Olivier Lexa. Quatre années de recherche lui ont été nécessaires pour réunir livrets, notes et croquis, indications de mises en scène de Léonard de Vinci ainsi que les témoignages de ses contemporains. Ces documents inédits, racontés et commentés avec intelligence et sensibilité, nous confrontent à une évidence : l'opéra permet à l'artiste de réaliser ce que la peinture et le dessin lui interdisent. En un temps de renouveau de la théâtralité et du champ des passions, son génie est de rassembler en une totalité visuelle les diverses innovations artistiques et philosophiques de la Renaissance. Alliance remarquable entre découverte scientifique et divulgation culturelle, cet essai inaugural dévoile un pan méconnu mais essentiel de la vie et de la vision du plus universel des esprits humains. A ce point extrême où, avec lui, tout se fait dramaturgie.

" La Brière " est un roman qui appartient au patrimoine littérairefrançais du xxe siècle, à ce titre il mérite d'être sorti de l'exil intellectuel dans lequel " on " tient toujours son auteur aujourd'hui. C. Bily et J.J. Bregeon proposent de redécouvrir le roman en parcourant ce territoire, en sélectionnant des morceaux du texte d'origine, en les analysant et en les photographiant pour restituer au mieux toute la force du récit initial. Alphonse de Châteaubriant, l'auteur du célèbre " Monsieur des Lourdines ", prix Goncourt 1911, est un gentilhomme campagnard qui n'est jamais aussi heureux qu'au contact de la nature. Gravement compromis dans la propagande nazie pendant la Seconde Guerre mondiale, son oeuvre va connaître un lent déclin vers l'oubli. Il demeure, malgré tout, des oeuvres majeures et des odes à la nature comme ce roman " La Brière " publié en 1923. Dans ce roman historique qui se déroule en 1461 dans les marais de Brière, le duc François II de Bretagne a accordé des droits de chasse, pêche, coupe de la motte et du roseau. Ces droits ont été confirmés par le roi Louis XVI en 1784. Aoustin, personnage principal du roman, est à la recherche de celles-ci à la suite de la menace de nationalisation de la Brière.

Centenaire de Victor Hugo : concert du 27 février 1902 à l'Hôtel de ville : [programme] : Les Djinns [les Orientales]... Chanson d'ancêtre [l'Art d'être grand-père]... Chanson de grand-père [l'Art d'être grand-père]... Viens, une flûte invisible [Contemplations]... Les Adieux de l'hôtesse arabe [les Orientales]... Les Enfants pauvres [l'Art d'être grand-père]... La Lyre [Odes et ballades]... Paris [Voix intérieures]... Le Poète [les Rayons et les ombres]... Date de l'édition originale : 1902 Sujet de l'ouvrage : Hugo, Victor (1802-1885) -- Anniversaires Le présent ouvrage s'inscrit dans une politique de conservation patrimoniale des ouvrages de la littérature Française mise en place avec la BNF. HACHETTE LIVRE et la BNF proposent ainsi un catalogue de titres indisponibles, la BNF ayant numérisé ces oeuvres et HACHETTE LIVRE les imprimant à la demande. Certains de ces ouvrages reflètent des courants de pensée caractéristiques de leur époque, mais qui seraient aujourd'hui jugés condamnables. Ils n'en appartiennent pas moins à l'histoire des idées en France et sont susceptibles de présenter un intérêt scientifique ou historique. Le sens de notre démarche éditoriale consiste ainsi à permettre l'accès à ces oeuvres sans pour autant que nous en cautionnions en aucune façon le contenu.

"Le bonheur d'expression de Clairières est dans cette alliance fragile et toujours sauvegardée où Jammes situe son chant en demi-teinte. Comme il est dans une poésie qui dédaigne la métaphore pour une comparaison de forme élémentaire ("Comme un insecte, la faucheuse mécanique", "Son clocher, comme un épi blanc", etc), qui accepte les adjectifs les plus conventionnels ("l'odeur des roses est terrible", et ainsi de suite), mais qui s'épanouit dans la complicité aux choses et aux êtres, qui se satisfait de leur simple dénomination et de leur énumération, qui ne raffine pas sur la sensation, qui la dit dans sa fraîcheur première, comme elle dit les joies et les peines telles qu'elles arrivent. Le sommet est atteint avec le "Rosaire", où l'enfance, les simples, les animaux sont convoqués à l'élan de la prière qui s'élève vers Marie. Jammes ou la vie immédiate, Jammes ou l'évidence poétique. Au moment où Claudel entreprend ses Odes, il suit avec Clairières dans le Ciel une voie certes plus modeste, plus familière, mais comparable en fin de compte : n'est-ce pas, de part et d'autre, la même expérience d'une aventure spirituelle assumée par la poésie" ? Michel Décaudin

A travers quelque cent soixante-dix textes, ce volume célèbre le sport dans toute sa diversité et montre comment l'exploit physique est toujours consacré par le récit littéraire qui le transmet. Il n'est pas de beau geste sans le poète qui le chante, pas de héros sans narration, pas de record sans témoin. Que seraient les premiers Jeux sans les odes de Pindare ? Le Tour de France sans Antoine Blondin ? De la perfection du modèle du corps dans l'Antiquité aux tournois du Moyen Age, de l'homme de la Renaissance prenant plaisir au jeu à celui des Lumières mesurant la performance, du sportif né à l'ère industrielle au champion médiatisé de l'époque contemporaine, le sport n'a cessé de s'inventer, dans les techniques, les pratiques, mais aussi dans l'art. Il offre une très riche matière qui a inspiré, à toutes les époques, les meilleurs auteurs : par la puissance de l'écrit, ils en ont construit la légende et l'ont hissé au rang des grandes mythologies modernes. Première anthologie d'une telle ampleur à en retracer le parcours, ce livre révèle le sport pour ce qu'il est : un objet culturel riche et passionnant, le miroir de nos civilisations.

Segalen, médecin de la Marine, ausculte le monde comme un grand corps. Faire de ce monde une part de soi, tel est pour lui l'enjeu de la littérature. Plus que d'autres, il a le don de percevoir la multiplicité du visible, l'instabilité des choses, la variété du sensible. L'exotisme est son affaire, mais pour en aborder les thèmes il a soin, précaution rare en son temps, de se débarrasser du poncif "palmier - chameau - casque colonial". Son appétence pour le divers n'est pas d'ordre ethnographique. Ce qu'il vise, c'est "une Esthétique du Divers". A sa mort à quarante et un ans, en 1919, trois livres seulement avaient paru : Les Immémoriaux, Stèles et Peintures. Des milliers de feuillets manuscrits attendent éditeurs et lecteurs. Les efforts d'Annie Joly-Segalen font peu à peu sortir de l'ombre cet édifice virtuel, "poésie encore ignorée et au sein de laquelle vit un mystère" (Pierre Jean Jouve, 1955). C'est sans doute cette lente maturation qui a fait de l'oeuvre de Segalen notre contemporaine inattendue. La nature des manuscrits, lieu d'un dialogue de l'auteur avec soi-même, interroge la notion même d'oeuvre et rend illusoire toute idée d'exhaustivité. Les genres, fiction, poésie, journal, essai, sont soit combinés, comme dans Le Fils du Ciel, projet d'art total, soit déjoués : "J'étouffe dans le Roman ! "En respectant comme jamais la présentation des documents autographes (images comprises), la présente édition ne renouvelle pas seulement la lecture du Fils du Ciel ou de l'Essai sur l'exotisme ; elle rend aux textes leur mouvement propre, celui d'une marche vers l'idée grandiose, et chimérique, que l'auteur se faisait de l'oeuvre à laquelle il les destinait.

Le modèle de L'Origine du monde dévoilée. Scandalisé par L'Origine du monde, oeuvre taboue de Gustave Courbet que son riche commanditaire ottoman dissimule dans sa salle de bain mais montre à tous ses invités, l'écrivain Maxime Du Camp se lance à la recherche de la vérité sur la femme qui a accepté de poser pour cet inconvenant et inconcevable "portrait". Qui était-elle ? Pourquoi avoir posé avec tant d'impudeur ? Par ignorance ? Par appât du gain ? Ou alors ... par conviction ? Ce roman historique de Cécile Cerf est une véritable enquête : le narrateur interroge une mosaïque de personnages dont les récits composent un véritable jeu de piste. A la clef : les secrets du modèle de Courbet et la raison d'être du tableau. C'est aussi un ensemble de portraits imbriqués les uns dans les autres : celui d'une femme, qui prend forme chapitre après chapitre, mais aussi celui de l'Opéra, de ses danseuses, et enfin du Paris de la fin du XIXe siècle. Les fans d'histoire de l'art s'amuseront des interventions des grands artistes, modèles et collectionneurs de l'époque : Théophile Gautier, Alexandre Dumas fils, l'antiquaire Antoine de La Narde, la demi-mondaine Apollonie Sabatier ... D'autres apprécieront les descriptions érotiques et les odes au désir de l'homme pour la femme.

Marot, poète de cour, admiré de François Ier, qui savait en vers brillants et drôles obtenir l'argent des princes et la faveur des dames. Marot, le bon vivant, que ses frasques ont conduit en prison et ses imprudences en exil. Cinq cents ans après sa naissance ses coq-à-l'âne nous renvoient encore l'écho de ce rire malicieux du XVIe siècle. Derrière la légende d'amuseur il y a l'homme. Dans les luttes qui déchirèrent la chrétienté de son temps, il opta pour le parti de la contestation. Protégé par Marguerite de Navarre, la soeur du roi, Marot choisit de combattre l'intolérance et lutta pour la liberté de pensée. Du coup, les théologiens de la Sorbonne le traquèrent toute sa vie. En 1542, au sommet de la gloire et des honneurs, il continua à militer pour une spiritualité rénovée : l'"oiseau du ciel", comme il se nommait lui-même, y gagna d'être banni définitivement. Marot léger et goguenard ? Oui par son tour inimitable dans la satire. Mais celui qui se cachait sous cette apparente facilité fut aussi un grand novateur littéraire. Il adapta plusieurs genres poétiques, et notamment l'épigramme. Avant les Odes de Ronsard, sa traduction des Psaumes contient les premiers accents d'un grand lyrisme nouveau dans la langue française.

Un poète méconnu que ce Christofle Du Pré, sieur de Passy en Brie, dont le nom n'évoque en général que le titre qu'il a choisi pour son recueil poétique. On sait que les autres membres de sa famille appartiennent au Parlement de Paris, et lui-même, sans que l'on puisse préciser la nature de ses liens avec le Parlement, contribue par une odelette à La main d'Etienne Pasquier, recueil collectif de pièces composées à l'occasion des "Grands Jours de Troyes" de 1583. Un des sonnets liminaires des Larmes funebres nous apprend qu'il s'est rendu à Constantinople après la Saint-Barthélemy, peut-être missionné dans le cadre de fonctions au Parlement. De retour de Constantinople, il épouse une veuve, Antoinette de Faucon ; quatre ans plus tard, en juillet 1577, elle meurt. Cette tragédie personnelle inspire à Du Pré Les larmes funebres, soixante-quinze sonnets et trois odes en mémoire de la disparue qui font de leur auteur, Passy, le Passionné par excellence, au sens christique du mot. Ce canzoniere très particulier est aussi une prise de position en faveur de l'amour conjugal — singularité revendiquée haut et fort, au moment même où Amadis Jamyn publie Le misogame et où Philippe Desportes, le poète à la mode, donne à lire des stances contre le mariage.

Dire ce qui est caché vaut autant pour l'auteur de ces homélies que pour ses textes, offerts au partage public de la lecture et de la méditation. Personnalité intempestive ou inactuelle, contre ce temps, sur ce temps, au profit d'un temps à venir, Jean Foubert a opté pour l'intemporel et l'invariant d'une spiritualité forte, non pour une actualité volatile. Il attire aujourd'hui par l'insistance de son appel à la conversion de l'être, du regard, de l'attitude. Il communique par irradiation un élan vers ce qui dépasse et transfigure les limites de l'homme. Il convie à s'ouvrir à Plus Grand que soi, sans raideur, effort ou volontarisme. Il déjoue toute tentative d'orgueil, d'enfermement ou d'annexion. Il érige, sans discontinuer, un nouveau rapport à soi, à autrui, à Dieu, indissolublement liés. Les homélies de 1966-1980 tracent un chemin de type mystique, dépassant les frontières des identités confessionnelles, ouvrant sur un Universel en acte, qui habite souterrainement tout homme. Hors les conformismes de tous bords, Jean Foubert livre ici des odes à l'Amour, mêlant harmonieusement, en l'homme, comme en Dieu, l'éros et l'agapê. Rien de ce qui est humain n'est étranger à Dieu qui en incarne l'assomption, de l'origine à la fin des temps. A. B.

Obsessio (lat.) : "blocus, siège d'une cité". Le point focal de tout ce qui nous définit, nous raffine, nous change irrémédiablement, nous exalte, nous détruit et à la fin nous maudit ou nous sauve pourrait être aussi simple que... Le prix à payer pour un éventail signé par Oscar Wilde ; la glissade d'une repentie sur un vol de papillons ; la reptation du péché dans l'arrondi d'une bouteille ; l'ombre d'un objet manquant, dans une galerie de portraits ; le staccato de la vengeance dans un pistolet de tatouage ; une course éperdue vers un amour d'enfance ; l'e-mail d'une rock-star à sa fan n°1 ; les sacs entassés des courriers de Noël, dans des hangars sous la neige ; un carnet d'anecdotes, transmis de vies en vies... L'alphabet de nos grandeurs et dérives pourrait parfois tenir en une forme, une lettre, une ellipse ininterrompue : O Oméga capital du cercle des cercles. Léa Silhol, architecte protéiforme des univers de Vertigen, Frontier et des livres-puzzles du concept Error_Type prête ici, encore une fois, sa voix et son calame aux funambules, aux chasseurs de mirages impénitents et aux affamés d'orages. 340 mps déplie les facettes qui jointent le désir au point de rupture, le temps de neuf histoires qui sont autant d'odes tendres et grinçantes aux archétypes de la démesure.

La Paix ! Un monde de Paix humaine et naturelle est-il possible aujourd'hui ? Les Tombes Amoureuses est un assemblage des poèmes noirs, des chants des peuples décapités, disparus sous l'horreur des machettes dans la ville de BENI à l'Est de la République Démocratique du Congo. Ce sont des odes funèbres de nos familles, des litanies des tombes inconnues, des familles perdues entre horreurs et malheurs, des enfants militarisés, des filles violées, des jeunes abattus dans les grandes rues des villes africaines et mondiales au nom sacré de la Démocratie sans oublier le massacre continu de notre nature. Ce sont nos tombes de l'amour. Les malheurs en zones de guerre sont identiques entre peuples, les répressions démocratiques, les violations de la liberté, les mauvaises conditions de vie, la culture de la haine et la mauvaise gouvernance. Ces situations sont éternelles, visibles et justifiées dans nos sociétés. Ce livre est un témoignage oculaire du génocide que nous vivons à BENI, des tombes infinies qui, dorénavant, chantent des cantiques de Paix pour un monde de Paix, pour une politique responsable face à la nature. De ces tombes aux visages faméliques, se lèvent d'aubades de peuples forts, une enfance maternelle, une jeunesse transformatrice, une digne maternité et une politique humaniste. Ce livre est enfin un appel à la protection de nos valeurs globales : la femme, la nature, l'enfance, les droits de l'homme... C'est le rêve du peuple universel qui proclame la Paix.

Prier pour le roi, l'empereur, l'État, c'est à chaque fois le bénir en espérant sa protection inspirée par l'Éternel. C'est estimer que seule cette alliance peut protéger de la vindicte populaire qui verserait aisément dans l'antisémitisme. Contre les pogroms, les exactions constantes, bien des Juifs s'en remettent ainsi traditionnellement à l'alliance royale, en dépit de sa dimension souvent mythique puisque le roi, l'empereur ou même l'État s'associent parfois, en réalité, aux menées antisémites. Dans ce livre, Pierre Birnbaum publie un grand nombre de ces prières inédites, de ces odes, de ces hymnes récités avec ferveur, de Louis XIV à nos jours. Les prières en faveur des Bourbons surprennent par la passion qui s'en dégage de même que celles, innombrables, en faveur de Napoléon Bonaparte, Louis XVIII, Charles X, Louis-Philippe ou encore Napoléon III. L'avènement de la Révolution française, de la révolution de 1848 et surtout, de la IIIe République remettent pourtant en question l'alliance royale : dorénavant, c'est pour la nation, le peuple et la République que l'on prie, en dépit, à nouveau, de bien des désillusions. Dans le difficile contexte contemporain où resurgissent les menaces, nombre de Juifs s'engagent dans la recherche d'une alliance horizontale malaisée et cependant indispensable du fait du recul contemporain de l'État-nation, à l'heure aussi de la construction européenne.

"Les anciens racontent que les éléphants ont écrit des sentences en grec et que l'un d'eux, même, a parlé. Il n'y a donc rien d'invraisemblable à ce que l'éléphant blanc dont il s'agit ici, le fameux Iravata, si célèbre dans toute l'Asie, ait pu écrire ses mémoires. L'histoire de sa longue existence, tantôt glorieuse, tantôt misérable, à travers le royaume de Siam, l'Inde des maharajahs et des Anglais, est d'ailleurs pleine d'imprévu et des plus curieuses". Judith GAUTIER Réédition d'un conte paru en 1894, avec les illustrations d'Alfons Mucha et Pierre Ruty 35 illustrations noir dont 7 gravures pleine page de Mucha 5 aquarelles inédites 29 en-têtes de Pierre Ruty Romancière célèbre à la fin du 19eâsiècle, à ce jour presque totalement oubliée, Judith Gautier (1845-1917) a marqué son temps par ses récits, véritables odes à l'ailleurs. Elle fut la première femme membre du jury de l'académie Goncourt. Universellement reconnu, le tchèque Alfons Mucha (1860-1939) renouvela l'art de l'affiche imprimée en couleurs. Il fut également, on le sait moins, illustrateur de livres, ce qu'il démontre magistralement dans "Mémoires d'un éléphant blanc". Pierre Ruty (1868-1937) dessina les en-têtes des chapitres de "Mémoires d'un éléphant blanc", en parfait accord avec le travail de Mucha. Il participa de manière déterminante à l'émergence de l'Art Nouveau.

Je vais déplier le drap qui commence par demain, nous dit Emmanuelle Sordet dans son premier livre. Livre où alternent contes rimbaldiens, aphorismes, élégies rilkéennes, odes et chants - comme autant de fragments d'une méditation toujours recommencée, au prisme d'une écriture dense et souple, précise et sinueuse, cruelle et fluide, le murmure très doux d'une guitare inassouvie. Dans ces pages brûlées de soleil, des ombres passent, furtives. Présences lucides, compagnons secrets, elles accompagnent notre courage et nos hésitations. Elles nous murmurent de lever les yeux, de regarder les paysages sans mémoire auxquels nous donnons sens. Mais si l'Histoire nous roule de vagues de sang en disparitions - amis déchiquetés, cités rasées, civilisations détruites, enfants engloutis -, si nous nous levons chaque jour Ulysse oublieux, pourquoi donner voix au poème ? Si jamais. S'il était encore possible de croire et d'accepter, nous regretterions d'avoir laissé s'éteindre le pouvoir heureux de la lumière et se taire la musique. Nous devons prendre le risque du poème, de sa démesure. "Le combat spirituel est aussi brutal que la bataille d'hommes" , nous prévient Rimbaud dans Une saison en Enfer. De ce combat, le recueil d'Emmanuelle Sordet porte témoignage. "Un livre qui passe de l'immédiat au lointain, de l'intime au collectif, qui les mêle avec le plus grand naturel, et c'est si rare qu'il faut y insister". Pierre Dhainaut (préface)

La poésie a toujours été l'art privilégié des Arabes - selon Ibn Khaldnn, le célèbre historien du XIVe siècle, elle constituait même "leurs archives, renfermant leur science, leur Histoire et leur sagesse." Parmi la longue liste de leurs poètes passés à la postérité, depuis la période préislamique jusqu'au Moyen-Age, quelques-uns revendiquaient fièrement leur teint noir, parfois associé à leur bédouinité, mais surtout à leurs origines africaines. En effet, le monde arabe a de tout temps été en contact avec l'Ethiopie d'abord, le reste de l'Afrique ensuite. Ce livre fera découvrir au lecteur les vers de poètes célèbres comme Antara ibn Shaddad - valeureux guerrier d'avant l'islam, fils d'une esclave éthiopienne devenu quelques siècles plus tard le héros d'une grande épopée - et de poètes moins connus comme Sulayk le brigand, voire anonymes, mêlant poésie guerrière et poésie d'amour, louange et satire, amertume et fierté, résilience et résistance. Au-delà de leur indéniable beauté, ces poèmes - allant de quelques vers seulement à de véritables odes - constituent un réel témoignage de l'intérieur à propos de la condition sociale des Africains dans la société arabe à travers les siècles, les séquelles de l'esclavage étant l'un des sujets qu'ils abordent de manière récurrente, sans pour autant s'y limiter. D'une certaine manière, ils répondent aux autres poètes qui tantôt les moquent, tantôt les vantent, en créant leur propre sensibilité, leurs propres métaphores, leur propre humour.

La terre et ses rivières, le souffle et la parole, le temps et la mort, Agni et Soma (le feu et la liqueur du sacrifice), l'irruption dans le corps des facultés sensibles, l'émerveillement de l'homme devant sa propre pensée, tels sont quelques uns des sujets qui passent dans les poèmes védiques. Ces hymnes spéculatifs accompagnaient les sacrifices et soutenaient la prière. La puissance et la simplicité de ces images, la gravité des sujets auront-elles un peu de cette vertu magicienne qu'on reconnaissait aux hymnes de l'Atharvaveda ? Nous aideront-elles à nous guérir du monostique, et du poème éclaté ? Espérons. Avec non moins d'émerveillement que les auteurs de ces textes, voyons en tout cas les idées spéculatives tenter de se dégager des spéculations magiciennes, sans toujours y parvenir ; cela se passait voilà trente ou quarante siècles. Le poète alors se voulait "faiseur d'éloges" et comptait bien, déjà, participer à maintenir l'ordre de son monde. Peu différent du Claudel des Grandes Odes et du Saint-John Perse des Eloges (si deux voix aujourd'hui retiennent un peu ou beaucoup de l'inflexion védique, ce sont les leurs). Mais qui jamais a chanté, qui jamais chantera mieux que cet homme védique les beautés de la terre ? Mieux que Yami et Yama en leur dialogue amoureux, qui jamais dira l'inquiétude des deux premiers adolescents, frère et soeur, chargés de perpétuer l'espèce tout en condamnant la future notion d'inceste ? Et ces grenouilles, qui sont un peu des brâhmanes, ébauchent-elles, ou non, le sourire du sceptique ?

Cette thèse apporte une solide contribution à l'Humanisme et à l'histoire des idées. Sur le plan littéraire et musical, elle souligne les diverses manifestations de l'idéal humaniste, soucieux de recréer l'étroite union de la poésie et de la musique, elle illustre les genres musico-littéraires issus de la tradition médiévale des scansions chantées en latin jusqu'aux textes cultivés par les Réformateurs et les pédagogues au XVIe siècle en latin classique (odes, épodes, poésies), en néo-latin (psaumes, hymnes, chœurs et mélodies scolaires), en allemand et en français "mesurés à l'Antique". Le Livre Premier : La recherche du style mesuré propose une vue d'ensemble sur l'Humanisme hors d'Allemagne et dans les Pays Rhénans. Le Livre Deuxième étudie Le style mesuré et son Répertoire. La conclusion résume les apports de ce mouvement (apports littéraire, musical, théâtral, hymnologique, prosodique et rythmique). Accompagné d'une importante chronologie, de plusieurs appendices et Index, d'une bibliographie raisonnée, de nombreux exemples musicaux et de scansions, ce livre — conçu dans une optique pluridisciplinaire — associe l'Histoire générale, l'histoire des littératures (latine, néo-latine, allemande...), la métrique et la prosodie, la pédagogie, l'hymnologie protestante et catholique, l'histoire du théâtre scolaire. Il situe la poésie et la musique mesurées dans leur véritable contexte (Humanisme, Réforme) et montre l'« interdépendance de l'histoire littéraire et de l'histoire musicale ». Il s'adresse aux musicologues, aux philologues, aux métriciens, aux historiens des idées, des littératures et de la pensée religieuse au XVIe siècle.

L'auteur présente, sous la forme de tableaux synoptiques et de plusieurs index, un répertoire de pièces scolaires dont l'ampleur a été sous-estimée jusqu'ici. Conçu dans une optique pluridisciplinaire (historique, littéraire, musicale, sociologique) et comme un ensemble, ce travail - résultat de dépouillements patients et minutieux - , explore l'implantation et la diffusion du théâtre latin et allemand, de 1470 jusque vers 1700, le long de la Vallée du Rhin (Suisse, Alsace, Pays de Bade, Wurtemberg, Hesse, Nassau, Westphalie, Rhénanie et Pays-Bas). Le recensement comprend environ 370 auteurs et 900 titres. Il souligne l'évolution de cet imposant répertoire : comédies, tragédies, drames, jusqu'à sa disparition au profit du Singspiel et l'opéra d'une part, de la comédie, de la comédie-impromptu (Stegreifkomödie) et de la tragédie française en Alsace d'autre part. Trois mouvements d'idées sont abordées : l'Humanisme, la Réforme, la Contre-Réforme. Ce théâtre se place au service de l'école et de l'Eglise protestante, puis de l'Eglise catholique (jésuite). Les maîtres l'utilisent comme moyen pédagogique et comme moyens de propagandes religieuse et politique. Elaborés dans la perspective du "retour à l'Antiquité" , ces drames comportent des choeurs à la fin des actes (chorus loquens, chorus canens), des interludes instrumentaux et des danses. Ces interventions musicales procèdent directement de la "musique mesurée à l'antique" et reprennent le "style note contre note" , comme les adaptations musicales d'Odes d'Horace par les humanistes en Allemagne et en France. Elles annoncent (notamment dans la production strasbourgeoise) le Singspiel naissant.

Une anthologie des plus célèbres poèmes de Ronsard, suivi d'une anthologie sur la poésie amoureuse. En complément, un cahier photos d'histoire des arts. L'oeuvre " Ode à Cassandre " , " Amours " pour Marie, " Sonnet pour Hélène " : Pierre de Ronsard, grand poète de la Pléiade, célèbre sous toutes ses formes la poésie autant que l'amour. Le recueil proposé ici rassemble, dans un ordre chronologique, ses poèmes les plus connus, allant de ses Odes, publiées en 1550, à son dernier recueil, paru en 1578. Il met ainsi, à portée du lycéen, un panorama de l'oeuvre complète de cet auteur majeur de la Renaissance. L'anthologie et le cahier Histoire des arts - Les poèmes de Ronsard sont suivis d'une anthologie sur la poésie amoureuse. 12 textes, de Du Bellay à Gainsbourg, pour illustrer, sur un mode poétique, les bonheurs et les tourments de la passion amoureuse. - En complément : un cahier en couleurs pour étudier le thème de l'amour dans la peinture. Le dossier Avec toutes les ressources utiles au lycéen pour étudier l'oeuvre : - un guide de lecture au fil du texte - des repères et des fiches sur l'oeuvre - un corpus thématique : " La femme, entre muse et objet poétique " - des sujets types pour l'écrit et l'oral du bac - des lectures d'image Et un guide pédagogique Sur www. classiques-et-cie. com. En accès gratuit réservé aux enseignants, il propose une séquence de cours sur l'oeuvre et les corrigés des sujets de type bac.

Le Shijing est un monde. Dans cette anthologie classique de poésie chinoise, on croise des amoureux et des fondateurs de dynastie, des plantes exotiques et des animaux légendaires, des reines machiavéliques et des conseillers qui chuchotent, des montagnes gravies par des chevaux puissants, des châteaux assaillis et des empires qui s'écroulent. Ces poèmes relèvent, pour certains, de la comptine populaire, pour d'autres de l'épopée guerrière, ou encore de la poésie de cour, de l'idylle pastorale ou des formules magiques. Une poésie tour à tour amoureuse, botanique, historique, politique, chamanique, qui synthétise la pensée de toute une civilisation : Le Shijing est non seulement la source première de toute la littérature chinoise, mais aussi l'un des cinq classiques fondateurs du corpus confucéen. Retranscrit "Cheu King" au temps des Jésuites, que l'on rend généralement en français par "Livre des odes", parfois "Canon de la poésie" ou "Classique des vers", Le Shijing est la première anthologie de poésie que la Chine ait connue. Elle renferme trois cent cinq poèmes qui, selon la tradition, auraient été compilés par Confucius lui-même (entre 551 et 479 av J.-C.), et remontent à une période antérieure de plusieurs siècles qui s'étend du début de la dynastie des Zhou (vers - 1100), pour les plus anciens, à l'époque des Royaumes combattants (entre 840 et 620 av J.-C.). La traduction présentée ici par le poète Pierre Vinclair est une prouesse : dans des vers dont l'élégante concision réinvente pour le français contemporain un équivalent du chinois classique, il nous propose, pour la première fois, une expérience véritablement poétique de ce monument de la littérature universelle.

" Je sais ce que je vaux, et crois ce qu'on m'en dit ", écrit Corneille, en 1637. Ce fils de notables rouennais est le premier professionnel de la littérature. Brillant dans ses comédies (La place royale, Le menteur), altier dans ses tragédies (Horace, Cinna, Nicomède) grand amateur de complexités dans ses intrigues (L'illusion comique, Héraclius), il sait aussi parfaitement représenter, dans son théâtre, les chassés-croisés amoureux et financiers (La Veuve, La Suivante), les méandres de la politique (Sertorius, Othon), les dangers de la passion (Médée, Rodogune) ou les combats de l'honneur et du cœur (Le Cid, Suréna). Mais Corneille est encore un excellent technicien en matière de poésie religieuse (L'Imitation de Jésus-Christ), de billets galants et d'odes à la gloire des grands qui le protègent. Bourgeois anobli veillant à ses intérêts, ce Normand virtuose s'installe au tout premier plan de la scène littéraire parisienne, s'oppose, puis s'allie à Molière, tente de résister au succès de Racine, plie parfois devant le pouvoir, mais sait toujours se battre pour ses droits. Christian Biet brosse le portrait d'un homme de lettres sûr de lui, un éditeur scrupuleux - de ses textes, un poète, un dramaturge dont l'œuvre a traversé les siècles. De Rouen à Paris, des jeux de paume au théâtre du Marais, de la politique culturelle de Richelieu au pouvoir absolu de Louis XIV, des triomphes à la scène aux succès d'édition, de la diversité des publics aux querelles littéraires, de la magistrature à l'Académie française, 130 documents pour retracer le parcours du premier auteur " moderne".

Comme certains de ses grands devanciers, comme Hugo, comme Whitman, Pablo Neruda a créé, non seulement un monde poétique, mais aussi une "image" du poète ou, pour parler comme Ezra Pound : une personne. Cette personne poétique est et n'est pas Neftali Ellecér Reyes, nom du poète selon l'état civil. On peut dire que, si la pulsion poétique et l'appétit vital naissent de l'homme Neftali, l'insatiable curiosité en face du monde appartient à "Pablo Neruda", c'est-à-dire au masque du poète, d'où sort la voix qui parle dans chaque poème. "Je suis un autre", avait dit Rimbaud. Les autres, dans la poésie de Pablo Neruda, sont une foule de poètes. De l'adolescent solitaire du Crépusculaire à l'éternel amoureux de La Barcarolle, du héros de la recherche intérieure qui signe Résidence sur la terre au militant acharné d'Espagne au coeur, et plus tard du chantre des grandeurs du Nouveau Monde Nouveau, de l'inépuisable narrateur des Odes élémentaires au poète drolatique de Vaguedivague et au mémorialiste de l'Ile Noire. Dans tous ces avatars, Neruda est autre et le même. Ce voyageur, qui n'est pas seulement le rénovateur de la poésie de langue espagnole au XXe siècle, mais aussi l'auteur d'une e des oeuvres les plus monumentales de la poésie universelle, aura vécu sous toutes les latitudes du monde ; mais il ne cesse d'être ancré dans une substance unique, de se retrouver immobile dans le seul espace de sa passion d'enfant du sud pluvieux et froid du Chili : il est le "Voyageur immobile".

L'Europe a traversé au XXe siècle une suite de bouleversements terribles — révolutions, guerres, gens odes, totalitarismes — ayant fait vaciller les principes moraux les phis élémentaires. Malgré le tragique et l'absurde apparents, de tels phénomènes prennent toutefois tout leur sens si on les examine à l'aune de ce que Nietzsche a qualifié de nihilisme, compris comme dépréciation des suprêmes valeurs, et révélé à travers un évènement fondamental dont les conséquences n'ont pas été pleinement saisies à son époque : la mort de Dieu. Cet essai, composé de deux tomes, se propose de montrer en quoi une telle mort de Dieu, perte du suprême fondement, a conduit à une crise de légitimité de l'ordre politique, donnant lieu a sine lutte entre conceptions du monde antagonistes, rythmant de manière souterraine l'histoire politique depuis deux siècles. C'est dans le cadre d'une telle "guerre des dieux" que pourra être éclairée l'émergence d'une forme de domination inédite, le totalitarisme, qui, en entendant fonder un nouvel ordre à partir d'idoles de remplacement, va chercher à surmonter le nihilisme par des moyens eux-mêmes nihilistes, conduisant au final à une négation effrénée de tout ce qui pourrait lui faire obstacle. Par-delà cette séquence historique aujourd'hui révolue —qui ne signifie pas pour autant la disparition du nihilisme en tarit que tel, mais sa mutation sous une autre forme plus douce — c'est au final le processus d'autonomisation qui se voit interrogé à nouveaux frais, et plus largement le devenir de le culture européenne, en un age qualifié de post-métaphysique.

Louis Aguettant, professeur de littérature aux Facultés catholiques de Lyon, est surtout connu aujourd'hui grâce à ses deux grands ouvrages sur La Musique de piano des origines à Ravel et Victor Hugo, poète de la nature, ainsi que par ses deux volumes d'analyse poétique consacrés à Verlaine et à Baudelaire. Ce nouveau livre recueille des études, publiées de son vivant, où se révèlent tout son charme, son génie critique et son style, qui le rendaient irrésistible auprès de ses étudiants, aussi bien que des auditeurs de ses conférences. On le voit ici tout proche de ses contemporains, de Valéry, de Claudel, de Gabriel Fauré, ravis de découvrir à Lyon (la Province paraissait bien loin, en ce temps-là, aux Parisiens !) l'amitié d'un esprit aussi souverain, dont les études sur Eupalinos, les Cinq Grandes Odes, La Bonne Chanson, faisaient leur admiration. Leurs lettres reproduites dans ce livre en portent un témoignage non équivoque. Louis Aguettant se serait sans doute réjoui que ce volume lui permette de rendre " vie " à son plus vieil ami, le poète Louis Mercier, dont une petite anthologie illustre la vertu franciscaine ou le vaste lyrisme. Les deux derniers articles de Louis Aguettant montrent deux aspects fondamentaux de sa personnalité : son classicisme, son attachement à la tradition française, son catholicisme fervent, à travers un éloge d'Emile Mâle, exégète des cathédrales de France, et, d'autre part, l'exquise sensibilité, la fantaisie, la prose flexible, de cet amoureux fou de la poésie, dans ce Monologue sur Marcel Ormoy, où c'est lui-même qu'il semble dessiner d'un pinceau si léger au moment de disparaître. Un an plus tôt, il avait payé sa dette à la poésie anglaise qui l'avait accompagné et enchanté toute sa vie, en traduisant un grand poème de Robert Browning, Abt Vogler, " une magnifique expression d'optimisme transcendant ", disait-il.

" L'homme qui épouse son époque doit s'attendre à devenir rapidement veuf ", disait Joseph Brodsky. Le poète n'est pas seulement contemporain de son époque, il est contemporain de la nuit des temps. Lucio Mariani est né à Rome en 1936. Mais si le monde actuel affleure ou fait même durement saillie dans ses poèmes, cette contemporanéité n'occupe pas à elle seule l'espace de sa vision, de sa sensibilité et de son imaginaire. C'est l'un des traits les plus remarquables de cette poésie : elle condense une énorme continuité temporelle. À maints égards, Lucio Mariani est aussi proche de nous qu'il peut l'être d'un poète de l'Antiquité romaine : Catulle pour l'élégance et la perfection du vers, Martial pour les aiguillons acérés d'une satire épigrammatique, Virgile pour l'extrême sensibilité au paysage méditerranéen, Horace surtout, dans une oscillation entre stoïcisme et épicurisme, dans la sereine distance prise avec le monde environnant, dans les accents de la grâce comme dans ceux de la véhémence, et parce que l'on pourrait dire de Lucio Mariani ce que Nietzsche affirmait à propos du poète des Odes : " Cette mosaïque de mots où la force rayonne à la fois par l'ensemble et par le son, la place, le sens de chaque mot, ce minimum dans le choix et le nombre des signes, ce maximum dans l'énergie atteinte - tout cela est romain et, qu'on veuille bien me croire, la distinction par excellence. " Dans son élégance et sa luminosité toute méditerranéenne, la poésie de Lucio Mariani sait exalter la splendeur secrète de l'instant présent, tout comme elle peut affronter, dans leur trivialité et jusque dans leur horreur, les aspects les plus inquiétants du monde contemporain. Si le poète ressemble alors à Cassandre annonçant des issues funestes, il est aussi Orphée, dont le chant d'espérance ne saurait se résoudre à la mort.

Un professeur de l'Ecole Pratique des Hautes Etudes, ayant accès aux rayons de la Bibliothèque de la Sorbonne, garde ce souvenir datant des années 1980 : "L'un des murs de l'étage des thèses était couvert d'un rayonnage rempli de livres reliés en bleu azur. C'étaient les thèses de l'Université de Lund. Cette surface d'un bleu azur parfait était troublée, toutefois, par un volume devenu noir et littéralement hirsute à force d'avoir été manipulé : c'était un volume que je connaissais bien, La parole et le marbre". Rédigée en français, la thèse de doctorat que Jesper Svenbro a soutenue en avril 1976 à l'Université de Lund (Suède) a connu une diffusion certaine grâce aux pratiques d'échange entre universités. Epuisée depuis longtemps, elle renaît maintenant de ses cendres. De quoi s'agit-il ? Svenbro se propose d'y dresser la généalogie du poète ou, plus précisément, de répondre à la question de savoir pourquoi les Grecs ont choisi le terme poietes pour désigner l'auteur de chants ou de "poèmes" , étant donné que ce terme signifie normalement "producteur, artisan" . Comme si les poètes grecs anticipaient la formule de Walter Benjamin, "der Autor als Produzent" . Pour mener son entreprise à bien, Svenbro procède à une enquête sur la façon dont les Grecs se sont représentés l'origine du chant ou du poème, d'abord chez Homère, où l'aède ne se considère pas comme l'auteur de son chant, qui lui vient d'une divinité. Pour le poète choral - qu'il s'appelle Simonide ou Pindare -, composant ses odes sur commande et exigeant une rémunération en récompense, il devient en revanche urgent de se poser comme leur auteur au sens juridique du terme afin de pouvoir figurer comme partie du contrat établi entre commanditaire et poète. C'est dans cette perspective que Svenbro nous invite à comprendre les métaphores artisanales de la poésie chorale comme les traces d'une situation où le poète devient l'artisan de ses compositions et, en tant que tel, digne d'une rémunération. La poésie, langage désormais savamment travaillé, n'est pas une effusion spontanée mais un objet fabriqué, une architecture, un monument - à l'instar du Trésor des Athéniens à Delphes.