Stravinsky

De Carmen au Quatuor pour la fin du temps, du siège à l'occupation de Paris, l'espace d'une République - la troisième -, soixante-dix ans de musique ; le temps de Maurice Ravel, l'époque la plus riche en personnalités originales, en talents novateurs, en figures marquantes dans la musique française : Chabrier, Debussy, Dukas, Fauré, Ravel, Roussel, Satie, le groupe des Six et le groupe "Jeune France", avec tous ceux, venus d'ailleurs, aimantés par le faisceau de la ville lumière, les Stravinsky, Albéniz, Prokofiev, Falla, Villa-Lobos... C'est le temps des inventions et progrès techniques en cascade, qui bousculent l'horizon social et artistique de la musique et métamorphosent son champ de diffusion : disque, radio, cinéma sonore... "Belle époque" en effet, traversée par une infernale boucherie de quatre ans qui va la faire basculer du dix-neuvième dans le vingtième siècle. Belle époque musicale, que ce livre, à partir d'images symboliques, inattendues, émouvantes ou cocasses, sillonne à la rencontre de ses figures saillantes et de ses talents cachés, de ses tendances communes et de ses conflits, de ses vents favorables comme de ses courants contraires.

Lorsque György Ligeti commente les travaux de ses étudiants, lorsque Brian Ferneyhough parle des exercices simples qu'il donne à ses apprentis-compositeurs, lorsque Pierre Boulez décrit son désarroi devant le face-à-face pédagogique, on ne fait pas que réfléchir avec eux sur les méthodes de l'enseignement de la composition : on touche du doigt la notion de cohérence musicale telle qu'elle s'est définie au cours de ce siècle ; on la voit à l'œuvre, dans la fabrique de la musique en train de se faire, et au-delà des querelles de style (sériel, répétitif, complexe, aléatoire...). En amont de ces fenêtres sur cours, les essais de Theodor W. Adorno ou Hugues Dufourt situent la constitution du champ de la composition dans l'histoire récente, notamment en revisitant le projet du Bauhaus. Enfin, des musiciens confrontés aux nouvelles technologies (comme Philippe Manoury ou Brice Pauset) réfléchissent sur ce qu'elles déplacent (ou non) de la tradition artisanale du cours d'écriture. Le florilège qui clôt ce volume donne à ce titre des témoignages de Schoenberg, Stravinsky, Dallapiccola, Messiaen, Cage, Huber, Kagel ou Berio...

A la découverte de l'histoire de la musique ! Avec ses puces sonores musicales, ce recueil est unique. Sur chaque page, l'enfant recherche dans l'illustration le petit bouton qui déclenchera la musique. Au fil des pages, c'est une invitation à un voyage musical à travers l'Histoire que nous propose cet ouvrage. On commence avec une musique du Moyen Age (VIe au XVe siècles) avec Adam de La Halle, Entre Adan et Anikiel (XIIe siècle). Vient ensuite la musique de la Renaissance (XVIe siècle) avec Pierre Attaignant, Gaillarde (1529), suivie par la musique baroque (1600-1750) avec la Marche pour la cérémonie des Turcs de Jean-Baptiste Lully (1670). On retrouve ensuite Mozart et sa Symphonie n° 25 en sol mineur en 1773 pour illustrer la musique classique (1750-1800). La Musique romantique (XIXe siècle) avec Chopin et Polonaise " héroïque " (1843) nous amène vers le XXe siècle et la musique moderne illustrée par Stravinsky et son Sacre du printemps (1913). Un programme riche et varié pour éveiller les plus petits à la musique. Les illustrations de Séverine Cordier nous accompagnent ce voyage musical.

En 1939, Maurice Sachs publie à la "Nouvelle Revue Critique" un livre de souvenirs plus ou moins fictifs, "Au temps du Boeuf sur le toit", sous-titré "Journal d'un jeune bourgeois à l'époque de la prospérité". Il y relate sous forme d'un journal ses souvenirs de la vie parisienne effervescente des années 1919 à 1929, chroniquant ses lectures et dressant à travers moult anecdotes les portraits des artistes et intellectuels qui fréquentaient alors le "Boeuf sur le toit" , célèbre cabaret des années folles et épicentre du Paris littéraire et artistique. Le lecteur y croise entre autres Jean Cocteau (dont l'auteur est le secrétaire particulier), André Gide (qui l'emploiera à la "Nrf"), Max Jacob, André Breton, Francis Picabia, Pablo Picasso, Tristan Bernard, Raymond Radiguet, Man Ray, Blaise Cendrars, Louis Aragon, Igor Stravinsky, Erik Satie, Ernest Hemingway, Django Reinhardt, etc, et à travers eux le surréalisme, le cubisme, le jazz, les Ballets russes, l'art nègre, le cinéma, le théâtre et la littérature qui révolutionneront le XXe siècle. Le journal de cette époque aussi festive que créative se termine un jour de 1929 : "Il y a eu hier un krach épouvantable, monstre, à Wall Street".

“Dieu que c'est beau ! C'est un des plus grands chefs-d'oeuvre de la musique moderne” s'exclamait Igor Stravinski le 23 février 1912 en découvrant "la Tragédie de Salomé" de son ami Florent Schmitt (1870-1958), déjà célèbre par son Psaume qui avait stupéfié les premiers auditeurs, habitués aux fluidités impressionnistes. Ce compositeur lorrain, si joué à son époque et qui a tenu une place particulière dans la brillante Ecole française de la IIIe République, présente une personnalité très indépendante, au langage à la fois romantique et moderne. Sa vie s'apparente à un roman fait de voyages, d’humour, d’anecdotes et de provocations. Il a écrit dans presque tous les domaines, notamment des pages symphoniques qui offrent un émerveillement de richesses sonores. Cet ouvrage est l’occasion de découvrir un compositeur majeur du début du XXe siècle (au même titre que son ami Ravel, Debussy ou Roussel) ainsi qu’un répertoire français flamboyant et injustement délaissé.

Un ouvrage capital, un témoignage à la fois scientifique et passionné, une véritable somme renouvelant l'opinion musicale vis-à-vis du musicien français et mettant à jour des données essentielles, biographiques et esthétiques. Gilbert Amy, Encyclopedia Universalis On se fera une idée claire de ce que fut Ravel comme homme et comme compositeur français en lisant le magnifique ouvrage de Marcel Marnat. Jacques Drillon, Le Nouvel Observateur A lire pour la patiente érudition. A lire pour le travail exhaustif du catalogue. A lire pour comprendre un musicien que l'on croyait connaître. Michel Cachot, Diapason Né en 1933, auteur d'ouvrages sur Moussorgsky, Michel-Ange, Vivaldi, D. H. Lawrence, Marcel Marnat fut, de 1978 à 1992, l'un des responsables des programmes de France-Musique. Il a publié depuis un recueil de souvenirs où Manuel Rosenthal raconte Ravel, ainsi que deux essais, l'un sur Stravinski et l'autre consacré à Haydn.

Après des études d'ingénieur imposées par son père, Edgard Varèse (1883-1965) travaille la musique avec d'Indy, Roussel, Widor, R. Strauss et Busoni. Emigré en 1915 aux Etats-Unis où il devient un pionnier de la musique électronique, il crée en 1954 Déserts, qui suscite un scandale comparable à celui du Sacre du Printemps de Stravinski en 1913. Il aura mis 15 ans pour accoucher de lui-même, 18 pour écrire la plupart de ses oeuvres (d'Amériques à Density 21, 5), 14 de traversée du désert et 15 autres pour terminer son oeuvre et signer sa postérité (Déserts, Poème électronique, Nocturnal). Hormis une quinzaine d'oeuvres abouties, la vie de Varèse est une véritable quête balisée par une succession de projets inachevés ou inaboutis. Pour autant, une imagination fertile et débordante alliée à une force de travail impressionnante, lui ont permis de réaliser une oeuvre singulière, fulgurante et d'une modernité sans faille, qui continue, à juste titre, de fasciner le public.

C'est son adolescence que notre siècle nous aura donné, à nous Français, le meilleur de la récolte. Et le meilleur témoin en est cette Nouvelle Revue française où Gide et Valéry, Proust et Claudel, Martin du Gard et Malraux manifestaient une multiple fécondité culturelle. A cet extraordinaire orchestre de grands solistes, il fallait un chef. C'est le plus jeune qui fut choisi. A trente-trois ans, à peine revenu de la guerre, Jacques Rivière fut chargé non seulement de faire jouer à l'unisson Claudel et Gide, Debussy, Stravinski et Cézanne, mais d'ouvrir les voies nouvelles vers le surréalisme, le cubisme et la paix. Jean Lacouture rend cette fois justice à l'un des grands oubliés de la littérature contemporaine, à un pionnier qui fut l'ami, le confident, le conseiller de Proust et de Gide, de Claudel, de Mauriac et de Saint-John Perse, l'un des " accoucheurs " de notre culture vivante.

Le Roman de l'âme slave propose une balade dans le temps et dans l'espace, de Saint-Pétersbourg à Paris, de Moscou à New York, éclairée par des guides étonnants. Vladimir Fédorovski y dévoile, à travers des histoires peu connues ou inédites, les facettes insolites de l'âme slave, ses contradictions, ses allées sombres et ses éclats. Chanel et Stravinski, Diaghilev et Nijinski, Matisse et Lydia, Olga et Picasso, Anna et Modigliani, Tchekhov, Cocteau, Soljenitsyne... Grands aventuriers, hommes d'Etat calculateurs, amoureux passionnés ou artistes désespérés, ces illustres protagonistes traversent les pages de ce " roman russe " comme une traînée de poudre d'or, mêlant la politique à la poésie, le théâtre à la littérature. Russes, Polonais, Espagnols, Français, ils étaient jeunes, ils se cherchaient, ils s'aimaient. Ils se retrouvaient souvent en France, réunis par les fameuses Saisons russes lancées il y a cent ans à Paris. Ils inventèrent l'art moderne, changeant le cours du XXe siècle...

Romancier fêté, cinéaste admiré, poète méconnu, dramaturge et dessinateur d'exception, Cocteau est l'un des créateurs les plus féconds du XX ? siècle. Doté d'une rare aptitude à changer de style et de forme, à mourir à soi pour ressusciter autrement, il évoque par son caractère protéiforme ces deux géants - Picasso et Stravinsky - qui furent ses proches, et parfois ses collaborateurs. Véritable baromètre du climat parisien, il incarna tous les courants et chaque art, l'architecture exceptée : au Cocteau proustien succéda un Cocteau avant-gardiste, puis dadaïste, surréalisant et néoclassique, enfin féerique ; bref, cet auto-fictionneur en actes donnait l'impression de faire de lui ce qu'il voulait : jeune homme, il se voyait même en demi-dieu. Aucune biographie d'envergure n'avait paru en France depuis trente ans ; nulle n'avait eu pour ambition de replonger ce météore durable dans sa constellation d'origine, de la France de l'affaire Dreyfus à celle de Johnny Hallyday, en passant par cet âge d'or que furent les années 20 et les années sombres de l'Occupation. Avec cette biographie inspirée, Claude Arnaud a fait le roman vrai de tous les Cocteau qu'abritait ce créateur hors pair, "brillant comme une larme", mort il y a quarante ans cette année.

Si le nom d'André Boucourechliev demeure attaché principalement à la série des Archipels, " œuvres ouvertes " emblématiques, ses partitions vocales et de musique de chambre permettent de découvrir d'autres aspects d'une forte personnalité qui a marqué plus de quarante ans du paysage musical français. C'est pour le piano, le quatuor et la voix (mélodies et opéra) qu'il laisse des œuvres majeures. Pianiste arrivé de Bulgarie, devenu compositeur en passant par l'Italie, Boucourechliev est devenu une figure essentielle grâce aux concerts du Domaine musical et du Festival de Royan. Engagé dans les combats de sa génération, il aura toujours su conserver une attitude personnelle et libre, que ce soit à propos de la musique électronique, du sérialisme, de l'aléatoire ou des manifestations du postmodernisme. Compositeur majeur de son époque, Boucourechliev est aussi un " écrivain de musique " qui a livré sa réflexion sur les musiciens auxquels le liaient des affinités (Beethoven, Schumann, Stravinsky, Chopin, Debussy), et dans des articles qui constituent une chronique de la création de son temps. Son enseignement universitaire, sa présence radiophonique ou télévisuelle ont guidé dans la connaissance de la musique bien des auditeurs curieux et séduits par la chaleur avec laquelle il transmettait son érudition.

De Béla Bartok, compositeur fondamental de la première moitié du XXe siècle aux côtés de Debussy, Schönherg ou Stravinsky. Claire Delamarche propose ici une monographie de référence. Elle présente clans toute sa richesse cette oeuvre qui aborde une grande variété de genres (l'opéra avec Le Château de Barbe-Bleue ; le ballet ; la musique de chambre avec six quatuors qui constituent le sommet de ce répertoire au XXe siècle ; le piano ; la musique vocale et chorale ; l'orchestre et la musique concertante...) et s'ancre dans la musique populaire d'Europe centrale (dont Bartok a recueilli les mélodies et les rythmes en une démarche ethnographique). L'auteur dépeint le contexte familial, amical et social, démêle l'écheveau géopolitique de l'Europe centrale, présente les acteurs majeurs de la vie artistique et culturelle hongroise en s'appuyant sur un large choix de textes, lettres et témoignages publiés pour la première fois en français. Elle donne ainsi la pleine mesure d'un compositeur qui. selon Zoltan Kodaly, "menait son travail artistique de créateur et d'interprète avec la précision et le soin méticuleux d'un savant" et "vivifiait l'exactitude et la précision nécessaires à son travail scientifique par son intuition d'artiste".

Les Mémoires du violoniste Nathan Milstein, écrites à la fin de sa vie, retracent un parcours exceptionnel : quatrième d'une famille juive de sept enfants, il est né à Odessa en 1903. A treize ans, il fut présenté à l'éminent professeur Leopold Auer à Saint-Pétersbourg et intégra sa classe, en compagnie notamment de Jascha Heifetz et Toscha Seidel. En 1921, il fit la connaissance de Vladimir Horowitz avec qui il noua une amitié indéfectible. C'est ensemble qu'ils quittèrent la Russie en 1925. Milstein reata plusieurs années en Europe, notamment à Paris, et forma avec Horowitz et le violoncelliste Gregor Piatigorsky le trio des " Trois Mousquetaires ", dont aucun enregistrement n'a malheureusement subsisté. Installé aux Etats-Unis en 1934, il y mena une carrière prodigieuse, avant de s'établir à Londres où il résida pendant les vingt-cinq dernières années de sa vie, tout en continuant à se produire dans le monde entier. Cette vie cosmopolite au contact d'autres très grands musiciens fournit la matière de nombreux portraits, mêlant parfois l'art et la politique : Stravinsky, Rachmaninov, Toscanini, Kreisler, Prokofiev, Furtwängler, Karajan, Oistrakh, Kagan. Seize pages de photos, provenant des albums personnels de Milstein, illustrent cette époque extraordinaire sur le plan musical.

Le centenaire de la fondation des Ecoles d'art américaines de Fontainebleau est l'occasion de célébrer une relation féconde entre les Etats-Unis d'Amérique et la France. Les Ecoles témoignent de la valeur universelle de la musique et de l'architecture, arts en mouvement qui s'enrichissent de la diversité des apports des cultures du monde. Ce livre bilingue français et anglais, conçu et illustré grâce à leurs archives, retrace leur riche histoire jusqu'à la période la plus récente. Les Ecoles d'Art américaines de Fontainebleau répondent à l'engagement du gouvernement américain de promouvoir, juste après la 1ère Guerre Mondiale, les échanges culturels avec la France. Elles sont alors installées dans l'aile Louis XV du château de Fontainebleau et offrent aux jeunes musiciens le meilleur de l'éducation musicale française avec des enseignants prestigieux (Ravel, Saint-Saëns, Dutilleux, Stravinsky... etc). En 1923 une école des beaux-arts s'ajoute à l'école de musique avec un enseignement en peinture, architecture et sculpture favorisant les échanges entre les disciplines artistiques. A partir de 1949, l'empreinte de Nadia Boulanger marque profondément l'organisation des enseignements : elle développe des méthodes originales d'apprentissage et demeure un des piliers de l'école jusqu'à la fin des années 1970.

A la parution du Coq et l'Arlequin en 1918, Jean Cocteau dédie ce texte à Georges Auric, un des jeunes musiciens du « groupe des Six » avec lequel il partage le rejet d'héritages artistiques tels que le debussysme ou le wagnérisme. Dans la préface qu'il rédige en 1978 lors de la réédition du livre, Georges Auric écrit qu'il y retrouve « plusieurs des pensées qui, auprès de Satie, [les] préoccupaient tous, mais exprimées avec une acuité, un "brio" très exactement éblouissants », à propos de Stravinsky notamment, et du Sacre du Printemps que Cocteau considère comme « un chef-d'oeuvre » qui « nous cogne en mesure sur la tête et sur le cœur ». Au-delà d'une réflexion sur la création musicale, « ces "notes autour de la musique" apparaissent en même temps comme des notes autour des années où elles étaient rédigées », écrit Georges Auric. « Il me suffit d'en entrouvrir les pages : en marge de chacune, avec le binocle de notre "bon maître" d'Arcueil, avec son rire, ses mauvaises humeur, avec les coulisses de Parade, les exégèses de leur auteur et nos longues discussions, c'est également toute la vie quotidienne d'une époque que je pouvais croire pour toujours abolie qui ressuscite pour moi. »

" Ah ! comme je suis mal fait pour ma part, si j'ose ainsi parler de moi mais je ne parle pas de moi ou je ne parle pas que de moi, parce que nous sommes tous mal faits. " Cette phrase tirée d'Une main exprime la complexité du rapport que Ramuz entretient avec l'écriture autobiographique. Aux yeux de l'écrivain, sa trajectoire personnelle et les événements qui la jalonnent ne sont pas dignes d'être confiés au public. Sa vie individuelle lui apparaît comme anecdotique, et il se refuse à attribuer à son parcours une qualité exceptionnelle, en dépit des personnalités qu'il a fréquentées et du rôle qu'il a joué dans l'histoire littéraire : " Toute sa vie, on va, on fait : et c'est toujours comme si on n'avait pas avancé, comme si on n'avait rien fait ", écrit-il encore dans Une main. Mais malgré ces allégations, Ramuz parle souvent de lui, et utilise volontiers la première personne pour justifier sa vision, ainsi qu'en témoignent ses essais des années 1930. À l'exception notable de Découverte du monde, sa pratique de l'autobiographie obéit au principe de généralisation qui régit sa démarche d'essayiste. Dans Souvenirs sur Igor Strawinsky et dans René Auberjonois, la remémoration n'est pas le support d'une évocation de relations amicales, mais l'occasion de développer un discours sur la condition de l'artiste et son statut d'élection. Dans Vendanges comme dans Une main ou dans Paris (notes d'un Vaudois), l'expérience individuelle n'est abordée que dans la mesure où elle possède une valeur exemplaire, et qu'elle peut être partagée avec le lecteur : d'où le recours à des figurations de soi qui placent la sphère intime à distance. Plus que les vecteurs d'un discours introspectif ou psychologique, le " petit Vaudois " de Paris (notes d'un Vaudois) et le " petit garçon " de Découverte du monde sont les incarnations d'une relation au réel que Ramuz tend à son public comme il le ferait d'un miroir. Le volume contient les six récits autobiographiques que Ramuz a publiés en volume, Vendanges (1927), Souvenirs sur Igor Strawinsky (1928), Une main (1931), Paris (notes d'un Vaudois) (1938), Découverte du monde (1939) et René Auberjonois (1943), ainsi que dix-sept textes, dont huit inédits, au genre proche de celui de l'écriture intime.

S'aimer pourrait leur coûter la vie ! 2170. Un siècle auparavant, les humains, en voie d'extinction n'ont eu d'autre choix que de quitter la Terre pour une exoplanète, Elfira, la plus hospitalière du système Polarys. Les Guerriers InterGalactiques, les GIG, soldats d'élite triés sur le volet assurent la sécurité extérieure d'Elfira. Le Commandant Marko Stravinski fait partie des GIG et est celui que le néo-gouvernement de coalition recrute pour des missions secrètes. Lorsqu'on le sollicite pour garantir la sécurité de la présidente, Alexane Spencer, sa vie va prendre un tournant inattendu. Entre eux rien n'est possible, mais c'est sans compter cette attraction qui irrésistiblement les pousse l'un vers l'autre au mépris de tous les dangers. Entre complots et mensonges, Alexane et Marko réussiront-ils à sauver leur monde et à trouver le bonheur auquel ils aspirent ? Après La Voix de l'Ange, retrouvez le nouveau roman d'Ava Król en autoédition, Forbidden Desire, une romance futuriste sur fond de dystopie. Histoire intégrale. Pour public adulte

Dans cette biographie de Debussy - la plus importante à ce jour - Edward Lockspeiser s'est attaché à pénétrer les recoins les plus secrets de l'œuvre univers mental de Debussy. Le compositeur est ici reconsidéré à la lumière de tous les grands courants artistiques et littéraires qui ont façonné sa sensibilité et développé son imagination. En une suite de passionnants chapitres, très documentés, l'auteur éclaire les rapports de Debussy avec certains de ses contemporains les plus illustres : Mallarmé, Wilde, Gide, d'Annunzio, Romain Rolland, Proust, Ravel, Mahler, Strauss, Stravinski..., traite de sa fascination pour l'univers d'Edgar Poe, et met en lumière les correspondances avec les peintres de son temps : Turner et Monet. Originale dans sa conception, pertinente par ses intuitions, l'entreprise d'Edward Lockspeiser constitue une contribution capitale à la connaissance du compositeur le plus important du XXe siècle. L'ouvrage est complété par une analyse musicale d'Harry Halbreich de l'ensemble des compositions de Debussy, mettant plus particulièrement en valeur la modernité du compositeur.

Guillaume de Machaut est un des plus grands écrivains du Moyen Age français, un écrivain de la stature de Pétrarque, dont il est l'exact contemporain. C'est aussi un très grand musicien, salué comme tel à notre époque par Stravinski, Schoenberg, Berg, Boulez. Le Voir Dit (Dit véridique) est son œuvre la plus célèbre et la plus émouvante. Ce texte à deux voix, mêlant récit en vers, pièces lyriques et musicales, lettres en prose, se donne pour une histoire vraie, celle des amours d'un poète illustre et vieillissant avec une toute jeune fille, son admiratrice. Il pose avec subtilité la question de l'autobiographie et est à ce titre souvent mentionné et invoqué. Mais il était jusqu'à ce jour très peu lu, faute d'être accessible. Ce volume en offre la première édition critique et la première traduction en français moderne. L'une et l'autre sont l'œuvre posthume d'un grand savant. Elles ont été revues et sont présentées par la meilleure spécialiste actuelle de Guillaume de Machaut et de la poésie française du XIVe siècle.

Un nom impossible à prononcer, un personnage mythique mais mal connu : l'un des plus éminents chefs d'orchestre russes du XXe siècle, Guennadi Rojdestvensky (1931-2018) s'est confié, au cours d'un quart de siècle de conversations, à Bruno Monsaingeon. Des échanges qui, lorsqu'ils étaient filmés, firent l'objet de plusieurs documentaires, et qui constituent ici la substance infiniment plus vaste d'un livre. On y trouve de nombreux éléments biographiques, depuis l'enfance misérable, les débuts à l'âge de vingt ans au Bolchoï, et l'évocation, pleine d'humour, de fabuleuse drôlerie et d'émotion, des figures de Chostakovitch, Prokofiev, Schnittke et Stravinsky, dont il fut l'ami et le champion le plus éminent, et dont il a créé de nombreuses oeuvres écrites à son intention ; l'édification progressive d'un répertoire symphonique d'une ampleur sans équivalent. On y trouve aussi un tableau saisissant de la vie artistique en régime soviétique. L'oppression des consciences, les tracasseries bureaucratiques, les ruses déployées pour les déjouer, sont relatées de façon captivante, par un grand musicien qui connut le système de l'intérieur, de sa période la plus féroce jusqu'à son agonie lénifiante et lugubre. Un livre qui est non seulement la chronique pittoresque d'une vie, mais aussi celle, émouvante, de tout un peuple et d'une histoire tragique.

La prospérité des 30 glorieuses continue mais on commence à sentir les premières turbulences financières... Crises géopolitiques en Asie, les guerres dans la péninsule indochinoise sont contestées par une jeunesse pacifiste, des groupes terroristes palestiniens font leurs premières victimes et en Afrique s'installe des dictatures sanglantes. Alors que la situation dégénère en Irlande du Nord, la Grande-Bretagne rejoint l'Europe des Six. La France est dirigée par Georges Pompidou et Jacques Chaban-Delmas pendant que François Mitterrand prend les rênes du parti socialiste. Dans les salles américaines sort un film choc : Orange Mécanique tandis qu'en France, Romy Schneider et Michel Piccoli brillent dans Max et les Ferrailleurs et Gérard Oury réjouit la France entière avec La Folie des grandeurs qui réunit Louis de Funès et Yves Montand. 1971, c'est aussi la mort de Coco Chanel, de Fernandel, de Louis Armstrong, Jim Morrison et Igor Stravinsky. En sport : Eddy Merckx remporte son 3ème tour de France et Jean-Claude Bouttier est sacré champion de boxe d'Europe. Aux Etats-Unis, les missions Apollo se succèdent alors que la mission soviétique Soyouz se termine tragiquement. Enfin, du côté de la communication et de l'informatique se déploie le réseau Arpanet : l'ancêtre d'Internet et un ingénieur américain parvient à envoyer les premiers courriers électroniques de l'histoire... La révolution informatique est en marche !

En retournant vivre sur sa terre natale, le Pays basque, dans une Villa dangereusement perchée face à l'océan, la belle Sophie n'imaginait pas à quel point sa vie serait bouleversée. Avec son époux, Maurice, brillant entrepreneur, elle s'enivre d'abord des fastes et fantaisies des Années Folles. Biarritz est alors plus flamboyante que jamais et le rendez-vous des mondains et des artistes de toute l'Europe : Sophie y rencontre, entre autres, Ravel, Stravinsky et Chanel. Mais tout bascule lorsque Maurice, au mépris des lois basques, décide de bâtir une demeure à l'intérieur du pays. Orkatz Garay, gardien des traditions, veut lui barrer la route. Alors que Sophie découvre d'étranges secrets sur son mari et comprend qu'elle est enfermée dans une cage dorée, elle se prend de passion pour Orkatz. Une passion violente. Le Basque aura-t-il le courage de s'opposer aux siens pour vivre ses sentiments ? Déchirée entre deux hommes, deux visions du monde, Sophie va devoir se libérer, trouver la force de devenir elle-même. L'histoire d'une terre, l'émancipation d'une femme et l'éternel conflit entre progrès et traditions se mêlent dans ce roman, porté par une écriture énergique, empreint de secrets et porteur de courage, d'espoir, d'amour et de liberté.

En 2019, de retour d'une tournée musicale en Europe de l'Est, Daniel Gilaudeau, violoniste virtuose spécialiste de Stravinsky, meurt dans des conditions aussi brutales que suspectes dans la région de Rouen. Avant son décès, il avait confié certains renseignements troublants à Paul Klow, son meilleur ami, qui tient absolument à participer à l'enquête pour honorer une promesse vis-à-vis du défunt. Paul trouve de l'aide auprès d'Irena Progorio, responsable d'un programme de lutte contre la maltraitante des êtres humains. En août 2020, ils se rendent ensemble dans la région lilloise pour tenter de découvrir le repaire de malfaiteurs. Diane, la veuve de Daniel, qui vit seule avec son chat Igor, se sent démunie face à l'entêtement de Paul et assiste en spectatrice impuissante à sa perte. La question sous-jacente de ce roman concerne la valeur des engagements qui lient les vivants aux morts. Une promesse survit-elle à celui à qui elle a été faite ? Jusqu'à quel point les vivants peuvent-ils être tenus responsables de l'échec de leurs engagements vis-à-vis de ceux qui ont quitté le plan terrestre ? Ce roman est aussi celui des trahisons : celles que l'on peut pardonner et celles qui restent à jamais ineffaçables. C'est aussi celui de la force de l'amour présente en chacun de nous.

Naguère taxé de conservatisme et d'élitisme, malgré sa réelle popularité, l'opéra n'en fut pas moins, tout au long de son histoire, le véhicule d'une pensée sociale et politique bien moins inféodée qu'on ne le croit à la pensée dominante. Il s'imposa ainsi comme la principale caisse de résonance des mouvements esthétiques, littéraires et philosophiques accompagnant son développement en même temps que le vecteur d'idées nouvelles, subversives ou révolutionnaires. Le renouveau de la mise en scène lyrique au XXe siècle a permis de mesurer le rôle important joué par l'opéra en tant que témoin de la modernité en faisant apparaître son discours critique sur les institutions, l'individu, le couple, la famille, le pouvoir, l'argent, le rapport à la nature et à la spiritualité - parmi bien d'autres aspects. Traversé de nombreuses innovations, le répertoire vingtièmiste, qui jette un regard souvent décapant sur les métamorphoses et les dérives de notre civilisation - et en particulier celles qu'imposent l'économie libérale - est particulièrement fécond. Ce travail analytique entrepris par les metteurs en scène contemporains est ici repris et prolongé en considérant ce qu'une cinquantaine d'opéras représentatifs du XXe siècle disent de notre temps. On y trouvera aussi bien Poulenc que John Adams, Puccini, Stravinsky Richard Strauss, Chostakovitch et Britten, entre autres.

Pour donner aux formes de la musique occidentale tout leur relief, ce Guide a choisi de multiplier les angles de vue, conjuguant éclairage historique, stylistique, esthétique et expressif. Chaque notion est systématiquement reliée au répertoire dans lequel elle s'incarne, tandis que les sections En pratique proposent des modèles d'application à partir de quelques pièces reproduites en partition. Son contenu embrasse les formes les plus variées, celles de la suite, les formes sonate-baroque, sonate classique, rondo, rondo-sonate ou lied, mais aussi les formes contrapuntiques, médiévales, celles des chansons et des Lieder, sans oublier les plus récentes, notamment les formes à processus, les formes ouvertes et les formes différées. Plusieurs index et renvois complètent l'ouvrage, donnant une liste des oeuvres analysées (de Léonin à Stravinsky et aux Beatles, en passant par Monteverdi, Bach, Haydn, Beethoven ou Debussy), rattachant les formes aux genres, tout en proposant un index des structures musicales. Bénéficiant de l'expérience pédagogique de ses auteurs - celle qui a déjà fait de leur précédent Guide de la théorie de la musique un ouvrage de référence en son domaine - ce guide est destiné en premier lieu aux étudiants des classes d'analyse, de musicologie, de préparation au baccalauréat et aux grands niveaux des classes de formation musicale. Par sa clarté et son ouverture, il devrait également concerner le mélomane et l'interprète.

La musique dans l'exil, et la musique de l'exil. Comment l'éloignement contraint de leur terre d'origine a-t-il affecté les oeuvres des musiciens qui ont vécu cette épreuve ? C'est à cette question qu'Etienne Barilier tente de répondre dans cet ouvrage, en scrutant les oeuvres qui expriment, voire thématisent l'exil. Selon le contexte historique (insurrection polonaise, révolution russe, stalinisme, nazisme...) ou l'"issue" de leur exil, il évoque ceux pour qui cela n'a pas eu apparemment grande conséquence sur la puissance créatrice (Stravinsky, Schönberg, Milhaud) et ceux chez qui il tarit peu ou prou la veine créatrice (Rachmaninov, Bartók) ; le retour peut être plus ou moins catastrophique (Prokofiev ou, dans des circonstances tout autres, Korngold). Un exil intérieur peut être contraignant jusqu'à la mort (Chostakovitch, Weinberg, Feinberg) ; il a été aussi prélude à l'assassinat en camp d'extermination, et suscitant des oeuvres de résistance (Ullmann, Schulhoff). Zemlinsky, Hindemith, Kurt Weill et bien d'autres illustreront ici comment le plus immatériel des arts, la musique, peut incarner le déchirement, la séparation et la permanence d'une identité. De cette fracture intime que le XXe siècle a lestée de sa douleur propre, Etienne Barilier développe des enjeux de civilisation qui, bien au-delà de la musique, touchent durablement notre époque.

Tous les moments marquants de l'histoire la plus exaltante de l'humanité - l'histoire de la musique - sont relatés dans cet ouvrage exubérant, coloré et documenté. Tout est là : la musique de l'âge de pierre, le chant grégorien si rigoureux, les mélodies enchanteresses des troubadours, la polyphonie de l'époque médiévale, la diversité musicale de la Renaissance, le génie de Bach, la fécondité de Haendel, la divine magie de Mozart, l'âme prométhéenne de Beethoven, le chant patriotique de Verdi, le lyrisme blessé de Puccini, les rythmes primitifs (retour aux sources chez Stravinski), les expériences peu orthodoxes de Cage... Ce livre nous promène le long d'un chemin jalonné d'aventures diverses et passionnantes, toutes présentées au travers de dessins qui nous amusent en même temps qu'ils nous informent. Les auteurs de cette histoire n'ont pas fondé d'empires, ni même découvert de terres inconnues... Ils n'ont pas traversé l'océan décha,lné ni exploré les bas-fonds du système solaire, mais avec passion, tendresse, dévouement, ils ont ouvert une porte sur l'univers le plus beau et le plus profond qui soit... La musique !

Le jour de ses 75 ans, en 1912, Théodore Dubois (1837-1924) commence la rédaction d’un journal intime qu’il tiendra presque jusqu’à la fin de sa vie. Les premières pages retracent le récit du quotidien tranquille d’un musicien adoubé par les milieux officiels mais dont la notoriété artistique est en perte de vitesse ; un compositeur « romantique » bientôt submergé par les sacs et ressacs des modernités éprouvantes de Ravel, Stravinski ou Milhaud. Avec le déclenchement de la Première Guerre mondiale, ce journal prend une tout autre tournure. Rythmé par des nouvelles du front (déformées selon le prisme d’une presse de propagande) ainsi que par des préoccupations personnelles et matérielles, le texte de Dubois livre désormais le regard attentif et inquiet de son auteur sur un conflit aux proportions et aux enjeux inédits. Au fil des pages, le compositeur témoigne aussi de pratiques, d’institutions et de sociabilités musicales qui naissent et s’organisent avec la Grande Guerre. Héros d’un passé révolu, le compositeur du Paradis perdu analyse les événements d’après-guerre (jusqu’en 1923) avec ce même point de vue : lucide, désabusé et souvent passéiste.

La France connaissait surtout le magnifique dramaturge de Meurtre dans la Cathédrale. On découvrira ici, dans toute son amplitude, une figure majeure de la modernité artistique. Souvent comparé à Joyce, Picasso, Stravinski, admiré de Borges, Faulkner, Valéry, proche de Russell, ami de Pound, mentor de Auden, l'auteur de La Terre vaine s'apparente, dans la littérature occidentale, à Dante ou Shakespeare dont il réinventa par ailleurs la lecture. Mais qui fut-il vraiment ? Comment un Américain de Saint Louis débarque-t-il à Paris en 1910 avant de gagner la Grande-Bretagne, d'y devenir anglais, anglican, d'y fonder la revue The Criterion, d'y illustrer la résistance de l'esprit sur les ruines de la Seconde Guerre mondiale ? Et pourquoi ce génie, moderne parce que classique, mais longtemps condamné à la méfortune avec les femmes, ne se voulut-il jamais qu'un simple paroissien ? Restituant une trajectoire énigmatique à travers un monde en poussières, ce sont les débats philosophiques, littéraires, politiques de notre proche passé que ressuscite Stéphane Giocanti. La première biographie en langue française pour dire que l'heure d'Eliot est venue.

Démarche d'un poète est un ouvrage de critique que Cocteau a publié en Allemagne en 1953, mais jamais en France. Le livre est constitué d'un ensemble de réflexions sur les diverses formes de création, dont bien sûr la littérature, mais aussi la peinture, le dessin, le cinéma et même la tapisserie. Il s'interroge sur ce qui fait les oeuvres. Leur auteur est-il le seul à être leur auteur ? Qu'en est-il de "cette passion qu'on observe sur la figure des enfants qui peignent, recroquevillés dans l'oeuf de la minute présente, et tirant la langue d'un air farouche ?". Cocteau se décrit lui-même dans ce qui est aussi une autobiographie esthétique. Il évoque sa rencontre avec Stravinsky (qui lui "enseigna cette insulte aux habitudes sans quoi l'art stagne et reste un jeu") et Picasso (qui lui apprit "à courir plus vite que la beauté"), sa fascination pour Radiguet, ses visites au chevet de Marcel Proust écrivant A la recherche du temps perdu en pyjama, son "cache-cache de réconciliations et de brouilles" avec André Gide, ou encore sa rupture avec les surréalistes. Le livre des pensées et des confessions d'un grand poète, d'un homme toujours blessé par la vulgarité des temps qui prennent le rêve pour un mensonge. Voici Cocteau à son meilleur, qui jongle pour nous avec les étoiles dont il complétait avec tant d'à-propos sa signature.