Exhibitions

This absorbing book explores the crown jewel of the Isabella Stewart Gardner Museum's collection of rare books and manuscripts : Jean Bourdichon's Boston Hours. As court artist to King François I of France, Bourdichon produced paintings, books and even parade floats for the sovereign and his entourage. This publication accompanies the museum's first ever exhibition dedicated to this spectacular illuminated manuscript. Painter to two kings, Jean Bourdichon remains today one of the most celebrated artists of the French Renaissance. By age twenty-four, he was already serving as "peintre du roy, " a title which Bourdichon held for the rest of his life. His illustrious career at the French royal court led to a wide range of commissions- from portraits to wall maps to stained glass-but he is remembered principally for astonishing illuminated manuscripts. The peerless Grandes Heures for Queen Anne of Brittany remains the touchstone of this group which includes some of the most lavishly painted books of hours ever produced. One of these masterpieces-Bourdichon's Boston Hours-in the collection of the Isabella Stewart Gardner Museum is the subject of this book. Bourdichon's only intact book of hours in the United States was acquired by Isabella Stewart Gardner in 1890 and became the crown jewel of her collection of rare books and manuscripts. Leading scholars Nicholas Herman and Anne-Marie Eze explore its history in depth, shedding new light on the book's patronage and provenance- from the shelves of a wealthy Catholic landowner in Lincolnshire to the shop of a Venetian art and antiques dealer. This book is the latest in the Gardner's Close Up series, each installment focusing on an individual, outstanding work of art in the collection. This publication is the first dedicated to this rare treasure, and precedes an exhibition opening in summer 2022.

Les zombies sont partout, au cinéma, à la télévision, dans nos rues, chez notre libraire. Grotesques et terrifiants, ils pourraient n’être qu’une tendance kitsch, un divertissement à la mode. Derrière sa démarche traînante et ridicule se cache pourtant une figure symptomatique de notre époque. Peur de l’épidémie ou fantasme de la catastrophe, aliénation moderne ou fascination pour la violence : le zombie et le monde apocalyptique qu’il crée nous parlent d’abord, intimement, de nous-mêmes. Par l’obscène exhibition de la mort, l’ultime tabou de la société occidentale, il brise les limites de la condition humaine : celles de la conscience, de la vie, de la civilisation. Mais surtout, il trahit un fantasme émergeant dans notre culture, celui d’en finir.

Qu'il s'agisse des " tracteurs ", du " voltigeur ", du " cornac " ou de la "petite sentinelle ", pour Bernard Laporte, Jo Maso, Jacques Brunel et Bernard Viviés, tous ces joueurs ont quelque chose qui en fait des êtres à part. Aussi, pour mieux nous le montrer, le staff de l'équipe de France a accepté de se livrer à un autre jeu périlleux : parler de ses hommes tels qu'ils sont vraiment. Un exercice délicat qui consiste à évoquer simplement et sincèrement quel homme se cache derrière chaque gaillard drapé de la tunique bleue frappée du coq. Car qui connaît vraiment ces hommes qui défendront nos couleurs à l'automne prochain? Ce livre est là pour vous les présenter, sans prétention ni exhibition mais avec saveur et pudeur.

Ce volume rassemble les articles critiques et théoriques de Jean-Marie Piemme publiés dès 1984 sous le titre Le Souffleur inquiet dans la revue Alternatives théâtrales. Produire et transmettre le meilleur de la pensée, fournir et faire passer les idées les plus exigeantes et les plus aiguës, dans un langage qui, lui, doit demeurer accessible à tous, tel est le paradoxe du « souffleur inquiet », condamné à se faire pédagogue, c’est-à-dire, tout simplement, à se faire entendre. Dans son devoir d’inventaire et de redéfinition, cet essai de Jean-Marie Piemme anononce à bien des égards L’Exhibition des mots (1992) et Le Théâtre est-il nécessaire ? (1997) de Denis Guénoun, ou encore À quoi sert le théâtre ? (2003) d’Enzo Cormann.

This book, published in the wake of the "Agua e fogo" - "Water and Fire" - exhibition, highlights the work of French designer Jean-Michel Wilmotte in collaboration with Murano's glassblowers and craftsmen. Wilmotte's " Vessels " collection is a blend of nostalgia and modernity. Its 60 creations (chandeliers, table lamps, wall lamps, vases) are inspired by the designer's childhood memories of contemplating his father's pharmaceutical laboratory. Using the transparency and malleability of glass, each piece is delicate and refined, emphasising symmetry and balance - themes that Wilmotte is very fond of in his work. Alessandra Chemollo's photographs, shot exclusively in Venice, suggest a journey through the city, its craftsmen's workshops and its reflections. Architecture and craftsmanship are thus merged, in a quest for continuity and complementarity.

Panem et circenses, "du pain et les jeux du cirque". Cette expression de Juvénal qui dénonce la plèbe de Rome, dont la seule ambition est la distribution gratuite de blé et la passion des spectacles, traduit assez justement le caractère singulier de la société romaine aux temps des premiers empereurs. Cet ouvrage propose une immersion dans le monde des chasseurs et gladiateurs. Ainsi, ce sont près de 800 ans d'histoire de ces spectacles qui sont ici relatées. D'une "proto" gladiature ethnique (IVe siècle av. J.C.) à une gladiature impériale organisée sous Auguste, des chasses du cirque (milieu du IIIe siècle av. J.C.) aux exhibitions variées de l'amphithéâtre, des empereurs gladiateurs aux auteurs chrétiens dénonçant le sacrilège de l'arène. Fondé sur une documentation archéologique très riche (céramique sigillée, lampes en terre cuite, mosaïque, enduits peints, graffiti, verrerie, statuaire, éléments lapidaires, etc.) et sur de solides sources littéraires, cette étude confronte les recherches historiques les plus récentes sur le sujet afin de proposer une relecture originale de ce prodigieux phénomène de société.

De 1871 à 1936, des débuts de la IIIe République au Front populaire en passant par la «Belle Epoque» et les «Années folles», les Folies-Bergère dominent le monde du music-hall parisien. Elles exploitent l'engouement pour les diversités anthropologiques, en mettant l'accent sur l'étrangeté et sur l'anormalité. On peut y applaudir des exhibitions de curiosités, telles que les femmes-canons, les hercules ou les géants, y découvrir des numéros «circassiens» ou redécouvrir la tradition des fêtes foraines avec la présence de femmes à barbe, de contorsionnistes et d'hommes-troncs. Les danseurs, qui deviennent une partie essentielle du spectacle à partir du début du XXe siècle, apportent à leur tour des pratiques nouvelles, étranges tout autant qu'étrangères Dans ce couple antinomique de fascination et de dégoût se construit l'immense succès des Fores-Bergère et de leur revue à grand spectacle, que l'auteur analyse au prisme de l'attitude de la population vis-à-vis des formes variées de l'étrangeté.

Quand on n'a pas les moyens de payer son loyer, on peut s'entendre avec son proprio pour régler ses impayés par de petits services en nature. Les choses se compliquent quand le loueur est une femme aussi autoritaire que séduisante. Encore que pour le narrateur, ça ne commence pas trop mal. Certes, Hélène, sa propriétaire, lui demande de se livrer à quelques exhibitions humiliantes, mais rien de bien méchant et il garde l'espoir de coucher avec elle. Ce qui semble se concrétiser quand elle l'invite à passer le week-end à la campagne. Et là, il va être pris dans un engrenage infernal : la " maison de campagne " possède des aménagements dignes d'un vrai donjon, et le narrateur n'en sortira plus. Livré à une dominatrice professionnelle et à l'apprentie de cette dernière, sa seule consolation (si on peut dire), c'est que d'autres " pensionnaires " partagent son sort. En leur compagnie, son calvaire sexuel sera riche en péripéties... que nous vous laissons découvrir.

Paris 1798 Je ne tardai point à m'installer dans l'ancien couvent des Capucines, sur la place Vendôme... Voyons comment ce genre si nouveau d'exhibition fut accueilli du public. L'apparition presque subite de ces ombres, de ces spectres, de ces habitants des sépulcres et des enfers mêmes, au milieu d'une population si légère, si étourdie, d'une imagination si mobile, firent un effet prodigieux. La salle ne désemplit pas, quoique le prix, des places fût fixé à trois et six livres. Les gens du monde accoururent les premiers, et, avides de toutes les émotions nouvelles, s'empressaient de se procurer ces distractions funèbres... Longtemps, de la Monarchie finissante aux troubles révolutionnaires, de l'Empire vainqueur aux années de la Restauration, E.G. Robertson promènera sa silhouette de savant et de montreur d'images à travers l'Europe. Voyageur incroyable, il le sera sur les routes mais aussi dans la pensée et par le regard. Physicien-aéronaute, il fréquente les milieux savants, lance des expériences qui touchent à l'ensemble des sciences expérimentales d'alors - la physique et l'optique, la chimie et la médecine, l'univers tourmenté du magnétisme. Au cœur de ces savoirs encore enthousiastes personne ne lui est inconnu ; à l'affût, il capte les découvertes, interroge, discute, modifie. Expert en mécanique, il utilise les idées de chacun, invente des machines à merveilles. Il s'en prend au monde des images qui deviennent sa passion, conçoit et met en œuvre la fantasmagorie dont lés scènes cocasses ou tragiques confondront les Cours, les Salons et l'ensemble des villes d'Europe. Au hasard du répertoire La Nonne sanglante, Nostradamus et Marie de Médicis, Louis XVI recollant sa tête, l'Apothéose d'Héloïse, le Tsar Paul l- et la métamorphose des bêtes... A chacune de ses randonnées, il s'éprend des paysages et des airs lors de ses exhibitions en ballon aérostatique. Constamment en éveil, il observe les contrées, ici la Russie ou le Danemark, là le Portugal ; note le détail des lieux, relève les coutumes et les mœurs. Il glane d'innombrables anecdotes pour une mise en tableau de ses contemporains. Il aime mener sa vie selon les promesses de son enfance, s'éprend d'une machine nouvelle dont il dessine les plans, s'offusque des violences, de la sottise et de la guerre partout présentes : il sait parler d'une amitié, de ses conversations peu banales, avec Galvani, Napoléon ou le tsar ; il nous confie ses déboires et les derniers moments de sa petite fille. Peu d 'angoisse, mais une folie certaine des objets ; pas de déception, mais la visite constante et troublante des simulacres. Ces Mémoires nous disent tout cela. Mélange nerveux de descriptions, d'imagination et d'humour, ils constituent un document inestimable sur ces années d'innovations et d'incertitudes. A l'orée du XIXe siècle, ils nous présentent un récit en images de ces temps-là et choisissent, à leur manière, d'en traduire l'impact et la gravité par des jeux d'ombres et des effets de couleur.

Accompanying an exhibition at the Courtauld Gallery, London, Frank Auerbach : The Charcoal Heads presents a remarkable series of hauntingly beautiful largescale drawings by the artist. The catalogue includes a new piece of writing on one of the drawings from critically acclaimed novelist Colm Tóibín. This catalogue explores one of Frank Auerbach's most remarkable bodies of work - a series of large-scale portrait heads made in charcoal, produced during his early years as a young artist in postwar London. Auerbach (b. 1931) spent months on each drawing, working and reworking them during numerous sessions with his sitters. This prolonged and vigorous process of creation is evident in the finished drawings, which are richly textured and layered. Auerbach would sometimes even break through the paper and patch it up before carrying on. His heads thus emerge from the darkness of the charcoal with burning vitality, born of an artistic as well as a physical struggle with the medium. The process of repeated creation and destruction, of which these images bear the visible scars, speaks profoundly of their times, as people rebuilt their lives after the ruination and upending of the war. The exhibition will be the first time Auerbach's extraordinary drawings, made in the 1950s and early 1960s, have been brought together as a comprehensive group. They will be shown together with a selection of paintings he made of the same sitters ; for the artist, painting and drawing have always been deeply entwined. The accompanying catalogue - by Deputy Head of The Courtauld Gallery, Barnaby Wright, and with an essay by one of the greatest contemporary voices in the English language, Colm Tóibín - is the first publication to explore in depth this magnificent series. Tóibín spent several hours one afternoon in front of Auerbach's Self-Portrait (1958), which features on the front cover of the book, looking closely and taking notes. His essay is an account of his experience and offers new insights into the work and the nature of self-portaiture.

From October 2018 to January 2019, Mark SaFranko, an American writer, painter and musician from New Jersey, was the first author in residence at Université de Lorraine in Nancy. During his four-month residence, Mark took part in numerous academic, public and media events in Nancy and the Grand Est region. This volume provides insights into some of these events and displays various aspects of the work carried out during this very active period - from interviews about his literary creation and its critical reception, to personal or collective translation projects around his works, and an exhibition of his pictorial self-portraits. These variegated fragments of creative endeavours will allow readers of this volume to grasp the warm and open personality of a multitalented artist, a jack of all trades who offers first-hand testimony and candid reflections on the practice of his arts.

Le 15 juin 1968, John Lennon et Yoko Ono réalisent leur premier happening commun lors de la National Sculpture Exhibition. Ils créent une sculpture conceptuelle, une oeuvre en gestation : deux glands de chêne (acorn) plantés dans la terre, l'un orienté vers l'est, l'autre vers l'ouest, symbolisant leur amour, l'union de l'Orient et de l'Occident, leur désir de paix entre les deux hémisphères et la nécessité d'une prise de conscience écologique. 50 ans après la publication de son premier ouvrage, Pamplemousse. Yoko Ono a souhaité reprendre son travail avec Acorn, en y ajoutant ses propres dessins. Ce livre est à l'image de son auteur et fonctionne comme des incantations zens, des exercices d'élévations à répéter chaque jour pour mieux vivre, communiquer et appréhender notre monde, avec toujours ce même message de paix.

Depuis plus de dix ans, Caroline de Diesbach alias son clown Vroum, se rend dans les EHPAD, les hôpitaux, les services de soins de suite ou palliatifs. Ce livre, sous forme de petites vignettes, est un hommage aux personnes âgées rencontrées au fil des ans, Claude, Elena, Erneste, Paul, Georgette, Claudine... Un témoignage poétique du temps passé aux côtés de personnes Alzheimer ou souffrant de maladies apparentées, où l'artiste, dans sa singularité et l'exhibition paroxystique de son corps, vient éveiller des émotions, des souvenirs et du vivant. Cette tentative de réanimer quelque chose du désir est aussi désir d'écriture, telle une plongée dans un réel, aussi bien du côté de l'innommable de la vieillesse en institution, que de celui de la mort et du deuil en écho à l'expérience intime de l'auteur.

Robert, écrivain qui boit un peu trop, va revoir Hélène, dans sa maison du Languedoc. François, le mari d'Hélène, est malade, en clinique. Que cherche Robert ? Retrouver le passé. Quand François revient chez lui, il est toujours là. Le malade reste assez agressif pour démasquer le désordre, l'ivrognerie, l'impuissance créatrice de l'écrivain, qui fut son ami, et aussi l'amant d'Hélène. Bilan amer de ce que la vie a fait de trois êtres.
Ou bien ont-ils été toujours ainsi ? "Les nuits changent, et nous ne changeons pas". Le Singe, qui a pour héros l'homme chargé de balayer la cage d'un chimpanzé, est une métaphore de la condition des vaincus de la vie. Et peut-être aussi, pour peu que l'on soit attentif, le singe en cage représente-t-il assez bien l'artiste, condamné à l'exhibition perpétuelle.

Gareth, un combattant aguerri, vient chaque semaine à la Fosse, un club en dehors de Savannah, pour déployer ses talents dans la cage de freefight. Il aime se battre, la foule qui vient le regarder et également se faire un peu d'argent à chaque exhibition. Chase, jeune étudiant en galère, accepte le job de serveur à la Fosse pour subvenir aux besoins de sa famille. Il était venu pour travailler, pas pour tomber sur l'impressionnant et irrésistible Gareth ! Entre eux l'attirance est indéniable, mais pour Gareth qui a dû mal à lire entre les lignes de Chase et ce dernier qui n'a jamais connu personne avant lui, les choses ne sont pas gagnées. Ensemble, ils apprendront que se battre ne se fait pas toujours dans une cage et que la vie, à laquelle ils aspirent, mérite, elle aussi, de se battre.

George Stubbs (1724-1806) produced exceptional images of animals and people throughout his career. These were a product of his keen scientific eye and uncommon sense of compassion. Rather than trust to history and the untested example of his precursors, he championed doing as a way of thinking and deployed picture-making in pursuit of reality. On the title page of The Anatomy of the Horse, his groundbreaking publication that rewrote our understanding of equine biology, Stubbs confirmed that everything that followed was "all done from Nature" - meaning that it all derived from his own painstaking analysis of the subject in front of him. This book accompanies a major exhibition of Stubbs's work at MK Gallery in Milton Keynes and the Mauritshuis in The Hague and includes new writing on the artist by Nicholas Clee, Martin Myrone, Martin Postle, Roger Robinson, Jenny Uglow and Alison E. Wright.

Les poètes de la Négritude ont particulièrement glorifié la femme noire. Et si les vers en son honneur n'apparaissaient que par bribes, depuis les années 2000, en Côte d'Ivoire notamment, ce sont des recueils entièrement consacrés à l'amour qui voient le jour. A l'ère nouvelle, on note un flagrant contraste entre l'amante et la mère : la première, égérie des poètes, incarne la beauté physique et ouvre les portes à un érotisme de plus en plus accentué ; tandis que la seconde, pudique et discrète, demeure la garante de la morale et des vertus. Toutefois, au-delà des éloges et des critiques à l'endroit de la femme, les poètes de la post-négritude réfléchissent sur la nature du poète et dénoncent les travers de la société. Par-dessus tout, ils élèvent et valorisent l'Afrique, à travers l'exhibition de ses richesses naturelles et culturelles.

En couverture : Saveurs du Japon, le meilleur du manga culinaire avec un dossier, et les interviews de Masayuki Kusumi (Le Gourmet solitaire), Yarô Abe (La Cantine de minuit) et Tetsu Kariya (Oishinbo). Couverture en hommage à Jirô Taniguchi, disparu en 2017. Au sommaire notamment : Nous avons rencontré Yumi Tamura, autrice majeure à qui lon doit notamment les formidables Basara, 7 Seeds. et plus récemment le thriller Don't Call It Mystery. Tsutomu Takahashi, auteur de Black-Box, nous explique comment renouveler le genre du manga de boxe. Une enquête illustrée par Léa Murawiec sur lévolution du marché du manga en France et sa récente explosion. Visite guidée de lexposition haute en couleur The Great Art Exhibition de Kazuo Umezz dans un portfolio avec propos exclusifs de l'auteur. Ainsi que notre incontournable Cahier critique, pour tout savoir des nouveautés les plus intéressantes du printemps !

Sur les routes du plaisir, il existe des chemins de traverse pour échapper à l'assoupissement du désir, Lise et Marc les empruntent souvent. Mais cette quête perpétuelle les entraîne chaque fois un peu plus loin dans la réalisation de leurs fantasmes. Lassé des rencontres banales des clubs échangistes, Marc se lance à corps perdu dans la fréquentation des sites spécialisés du net et propose à Lise, au gré de ses contacts, des scénarios où elle peut satisfaire sa libido sans tabou ; soirées à trois, séance particulière de relaxation chez un kiné très adroit de ses mains, rencontre d'un groupe adepte des jeux d'exhibition et de domination, etc. Chaque fois, il espère secrètement trouver la limite que Lise n'osera pas franchir, mais contre toute attente, elle dépasse toujours la frontière... En lisant ce livre d'Alain Sival, vous vous souviendrez du mythe de l'apprenti sorcier...

L'obsession de la " race " et la peur du mélange " racial " qu'exprimait Disraeli au XIXe siècle se retrouvent au fil des ans, tant en Grande-Bretagne qu'en Australie, en Amérique ou en Afrique du Sud. La " race " est théorisée, mise en spectacle (comme dans les exhibitions londoniennes dignes de la Vénus noire ou lors du carnaval de la Nouvelle-Orléans) ; elle est étudiée fiévreusement (par exemple le " gène aborigène " quand on découvre avec horreur que ces " sauvages noirs " sont des Caucasiens, au même titre que les Britanniques) ; elle est mise en avant pour justifier toutes les injustices, et enfin elle est souvent croisée avec des critères de genre. Elle s'exprime aussi dans l'antisémitisme qui s'exacerbe au début du XXe siècle et que les femmes britanniques, rarement étudiées sur cette question, défendent ou attaquent selon qu'elles appartiennent à l'Union britannique des fascistes ou qu'elles en soient de virulentes opposantes. Les onze contributions de ce volume illustrent bien les débats passionnés qui font rage du XIXe siècle à nos jours autour des questions de sexe, de race et de mixité.

Tiepolo in Milan : The Lost Frescoes of Palazzo Archinto brings together preparatory drawings and paintings, as well as documentary photographs, to commemorate an extraordinary fresco cycle by the Venetian painter Giambattista Tiepolo (1696-1770). Painted for Palazzo Archinto in Milan, the frescoes were destroyed in a bombing during World War II. The catalogue accompanies an exhibition at The Frick Collection. In 1730-31, Tiepolo undertook his first significant project outside the Veneto, frescoes for five ceilings in Palazzo Archinto in Milan. The paintings were commissioned by Count Carlo Archinto (1670-1732), likely in honor of the marriage of his son, Filippo, to Giulia Borromeo. Tiepolo's mythological and allegorical scenes-Triumph of Arts and Sciences ; Apollo and Phaëton ; Perseus and Andromeda ; Juno, Fortune, and Venus ; and Nobility-were painted in some of the largest rooms of the palazzo. Unfortunately, the palazzo was bombed during World War II and its interior completely destroyed. Only a series of black-and-white photographs, taken between 1897 and the late 1930s, preserves the frescoes' appearance, but a number of preparatory drawings and paintings provide precious information, including three painted sketches (Triumph of Arts and Sciences, the Museu Nacional de Arte Antiga, Lisbon ; Apollo and Phaëton, Los Angeles County Museum ; and Perseus and Andromeda, The Frick Collection). Three drawings from the British Museum in London, the Museo Civico in Trieste, and the Sinebrychoff Art Museum in Helsinki are the only related graphic works. These-along with other drawings and prints by Tiepolo and some books- have been reunited for the first time in order to bring to life these extraordinary works of art. On view at The Frick Collection from April 16 to July 14, 2019, the exhibition is curated by Xavier F. Salomon, Peter Jay Sharp Chief Curator at the Frick, with Andrea Tomezzoli, Professor at the University of Padua, and Denis Ton, Curator of the Musei Civici in Belluno. Included in the publication are essays on Tiepolo's work in Palazzo Archinto (Salomon), on the role of the frescoes in Tiepolo's career (Tomezzoli), on the intellectual world of the Archinto family (Ton), and on the architectural history of the palace (Kluzer).

Les villes européennes vont-elles vers des explosions à l'américaine dans leurs quartiers défavorisés ? Les facteurs de convergence sont visibles : déréliction, délinquance, drogue, bandes, violence individuelle, affrontements collectifs avec la police... Cette violence au premier regard apparaît comme une ressource de groupes minoritaires : la politisation de l'exhibition de la violence civile se produit par le truchement des médias utilisés comme voix des exclus et moyen de pression sur les autorités. Pour autant, les désordres qui font la " une " des journaux télévisés procèdent-ils de la même logique que la rage - type Malcolm X - exprimée par les Noirs américains quand ils brûlent le drapeau américain ? Seule une approche comparative permet de répondre à ces questions. Dans chacun des pays étudiés - Etats Unis, Royaume-Uni et France -, l'analyse des configurations socio-politiques spécifiques et des outils dont disposent les gouvernants, tant à l'échelon national que local, révèle, en effet, de fortes divergences très éclairantes sur le fonctionnement de nos démocraties.

Neverland s'apparente à une rêverie, une traversée fantasmatique autour de la figure mythique de Michael Jackson. La pièce, construite comme un kaléidoscope, est centrée sur la relation entre deux jeunes adolescents, Jimmy et Mikaël, relation ambiguë qui flirte entre la réalité des faits et leur basculement dans l'imaginaire. Autour d'eux, évoluent de nombreux "sosies", doubles, enfants ou adultes, fascinés par le chanteur icône tandis qu'une voix vient régulièrement analyser ; dans un langage scientifique drolatique, qui fut Michael. L'ombre paternelle et l'enfance meurtrie hantent également ce texte. David Léon aborde ici la question de l'abus sur les enfants (déjà présente dans Un Batman dans ta tête ou Sauver la peau) et celle du corps comme lieu de la souffrance, de la tendresse et de l'amour, de l'exhibition et de l'offrande, de la quête de soi. Racisme, troubles de l'identité, sexualité traversent aussi la pièce qui peut être entendue comme un requiem profane et funk.

Une femme, égérie des sixties, attend un homme dans un hôtel. Depuis qu'elle n'est plus vraiment célèbre, attendre est devenu son lot. Un homme d'affaires s'oublie sous substances chimiques dans des boîtes de nuit saturées de disco. Un pilote automobile est à l'agonie dans son bolide détruit, les images du crash tournent en boucle devant des téléspectateurs ébahis. Les personnages de cette fiction en sept tableaux sont lancés dans une course folle, en proie à des expériences extrêmes et addictives (la célébrité, la drogue, la vitesse, l'exhibition). Mais nous, qui désirons toujours davantage d'infos, qui rêvons d'en savoir plus, de quoi sommes-nous dépendants ? Media Machine Muzak désigne le bruit des médias, la machine infernale, irrésistible, qui défile sur nos écrans et dans nos esprits. Dans ce texte fort et hypnotique, Patrick Bouvet braque une lumière crue sur la toile médiatique et ses illusions.

Que reste-t-il du sexe après la révolution sexuelle ? Et quelles sont les conséquences de l'usage des nouvelles technologies et des réseaux sociaux sur la vie intime des personnes ? La première réponse est paradoxale : la fin des tabous, l'affirmation du droit à une vie sexuelle, l'exhibition de la désinhibition et la transgression institutionnalisée se sont traduites en un appauvrissement du désir et de la sexualité à l'intérieur comme à l'extérieur du couple. La seconde réponse est que les personnes (et il ne s'agit pas seulement des jeunes et des très jeunes) semblent de plus en plus attirées par le cybersexe, qu'il s'agisse de la consommation de pornographie en ligne ou des chat de rencontres virtuelles, rencontres qui peuvent se traduire dans la réalité mais qui débouchent difficilement sur des rapports réellement satisfaisants. Ces comportements, lorsqu'ils n'aboutissent pas à un recours exclusif au sexe solitaire, finissent par conditionner ou menacer la vie de couple et sa sexualité.

J'avais envoye? [a? l'exposition du Boulevard des Capucines en avril 1874] une chose faite au Havre, de ma fene?tre, du soleil dans la bue?e et au premier plan quelques ma?ts de navire pointant... On me demande le titre pour le catalogue, c?a ne pouvait vraiment pas passer pour une vue du Havre ; je re?pondis : " Mettez Impression. " On en fit impressionnisme et les plaisanteries s'e?panouirent. / I sent a work that I painted in Le Havre to [the exhibition in Boulevard des Capucines in April 1874]. It's a view from my window, withthe sun in the mist and, in the foreground, some ships' masts... I was asked to provide a title for the catalogue. But the work couldn't really be considered as a view of Le Havre itself. "Well," I said, "let's make it Impression". So it became "impressionism", and the quip did the rounds. Maurice Guillemot, " Claude Monet ", La Revue Illustre?e, 15 mars 1898

Nous rendons hommage en couverture à JIRÔ TANIGUCHI, et évoquons sa collaboration avec MASAYUKI KUSUMI, scénariste notamment du Gourmet solitaire, en compagnie de ce dernier D'autres savoureuses rencontres vous attendent, avec YARÔ ABE, auteur de la très fréquentée Cantine de minuit, et TETSU KARIYA, auteur du révolutionnaire Oishinbo, ainsi qu'un dossier pour tout savoir du gourmet manga de sa création à nos jours Au sommaire également : une interview de l'autrice majeure YUMI TAMURA, une autre de TSUTOMU TAKAHASHI sur sa vision du manga de boxe, mais aussi un dossier sur l'évolution du marché du manga, illustré par la talentueuse LEA MURAWIEC, un autre sur le manga Neon Genesis Evangelion de YOSHIYUKI SADAMOTO et un portfolio sur l'exposition The Great Art Exhibition de KAZUO UMEZZ Et enfin, le Cahier critique, qui offrira une sélection des nouveautés les plus intéressantes du printemps Profitez aussi de contreparties gourmandes exclusives à la campagne

Les strip-teaseuses de l'Old Opera ne vont pas se laisser marcher sur les pieds. Que cette soi-disant princesse Nirvena, danseuse vaguement russe débarquée d'un bastringue de Toledo les snobe, passe encore. Mais qu'elle sème le chaos dans le programme et fasse son strip en enlevant tout, au mépris du règlement de la boîte, c'est trop. Que peuvent bien faire les autres après ça ? Leur numéro est fichu. Sans compter que ce genre d'exhibition attire toujours un tas d'empoisonnements. Car, aussi bizarre que ça paraisse, tout le monde n'aime pas les femmes nues... Gypsy Rose Lee, narratrice géniale et sulfureuse, nous emmène dans les coulisses d'un double meurtre au coeur d'un cabaret burlesque du New York des années 1940. Une plongée violente et sensuelle dans un monde où les femmes gagnent leur argent à coups de déhanchés et n'ont rien à cacher, à part leur passé.

This fascinating book tells the story of Thomas Hardy's Wessex. Accompanying a multi-venue exhibition, it explores Hardy's life and work. Internationally-acclaimed writer Thomas Hardy (1840-1928) is best known for his evocative depictions of the West Country landscape and its people, a region that he called 'Wessex'. What is less well-known is that this landscape also inspired him in many other aspects of his life, from campaigning for animal welfare to questioning the way society viewed women. This publication accompanies a blockbuster, multi-venue exhibition of the largest collection of Thomas Hardy memorabilia ever to be displayed at once. Hardy was born in the West Country, a few years after Queen Victoria came to the throne, and spent most of the rest of his life among its landscapes and people. When he turned writer, these landscapes and people re-emerged as his 'partly-real, partlydream country' of Wessex, in novels like Tess of the d'Urbervilles, Far from the Madding Crowd and Jude the Obscure. 'Hardy's Wessex' now conjures up a range of mental images : from raging seas on the coast to haunting ancient monuments, Victorian towns packed with life to peaceful hillsides grazed by sheep. However, through Hardy's 87-year life span, the West Country changed dramatically. Ideas of the role of women, humans' responsibility to animals, the realities of war, love and courtship, superstition, social structure, religion and how people related to the world around them altered fundamentally. Through his stories and campaigning, Hardy was keen to show not only the rural idyll, but also the tensions and diffi culties that lay beneath these views. These dramatic landscapes were the lens through which Hardy presented his worldview to his readership. From the tragedy of a woman saying farewell to her sailorlover on the end of Portland Bill, to a shepherd losing his flock and facing ultimate ruin on the chalky hills. The landscapes shape his characters, whose stories in turn convey his messages of social change to his readers. This publication will explore the impact that Wessex had on Hardy's works, and how living there shaped his views on the often divisive social issues of the period. Uniting beautiful landscape imagery with a selection of personal items from Hardy's life, this book will show you the man behind the literature.

This catalogue accompanies the first exhibition devoted to a fascinating group of drawings by the Anglo-Swiss Henry Fuseli (1741-1825), one of eighteenth-century Europe's most idiosyncratic, original and controversial artists. Best known for his notoriously provocative painting The Nightmare, Fuseli energetically cultivated a reputation for eccentricity, with vividly stylised images of supernatural creatures, muscle-bound heroes, and damsels in distress. While these convinced some viewers of the greatness of his genius, others dismissed him as a charlatan, or as completely mad. Fuseli's contemporaries might have thought him even crazier had they been aware that in private he harboured an obsessive preoccupation with the figure of the modern woman, which he pursued almost exclusively in his drawings. Where one might have expected idealised bodies with the grace and proportions of classical statues, here instead we encounter figures whose anatomies have been shaped by stiff bodices, waistbands, puffed sleeves, and pointed shoes, and whose heads are crowned by coiffures of the most bizarre and complicated sort. Often based on the artist's wife Sophia Rawlins, the women who populate Fuseli's graphic work tend to adopt brazenly aggressive attitudes, either fixing their gaze directly on the viewer or ignoring our presence altogether. Usually they appear on their own, in isolation on the page ; sometimes they are grouped together to form disturbing narratives, erotic fantasies that may be mysterious, vaguely menacing, or overtly transgressive, but where women always play a dominant role. Among the many intriguing questions raised by these works is the extent to which his wife Sophia was actively involved in fashioning her appearance for her own pleasure, as well as for the benefit of her husband. By bringing together more than fifty of these studies (roughly a third of the known total), The Courtauld Gallery will give audiences an unprecedented opportunity to see one of the finest Romantic-period draughtsmen at his most innovative and exciting. Visitors to the show and readers of the lavishly illustrated catalogue will further be invited to consider how Fuseli's drawings of women, as products of the turbulent aftermath of the American and French Revolutions, speak to concerns about gender and sexuality that have never been more relevant than they are today. The exhibition showcases drawings brought together from international collections, including the Kunsthaus in Zurich, the Auckland Art Gallery in New Zealand, and from other European and North American institutions.