Rétrospectives
Extraits
Monographies
L'ombre de Saturne
La Maison de l'Amérique latine présente la première grande exposition en France de l'artiste chilien Eugenio Tellez " L'ombre de Saturne " . Ce titre fait écho à la rétrospective que le musée national des Beaux-Arts de Santiago du Chili lui a consacrée en 2006 " Le sourire de Saturne " . L'exposition parisienne réunit, du 15 février au 22 avril 2023, une large sélection de ses oeuvres des quinze dernières années, comprenant peintures, collages, dessins, gravures et objets, que l'on retrouve en intégralité dans ce catalogue, accompagnée de textes d'Eugenio Tellez, de Maurizio Serra de l'Académie française, de Justo Pastor Mellado et de Stéphane Guégan. Inspiré par l'Atlas Mnémosyne de l'historien d'art allemand Aby Warburg et l'entrechoc visuel et mémoriel que provoque la superposition des images, Eugenio Tellez est un peintre d'histoire au sens large, qui manipule, décrypte et réordonne les forces en mouvement qui nous absorbent. Fasciné par l'iconographie de la guerre, Tellez se lance " à l'assaut " de la matière picturale, selon une manoeuvre destinée à préparer la surface, comme le ferait un lithographe, comme si par cet acte, il voulait préparer la toile à recevoir la mémoire matérialisée des dessins et des écrits, réalisés avec des techniques empruntées au burin, à la pointe sèche et à l'eau-forte. Le tableau s'imprègne donc en profondeur, pour devenir le support de ce qui lui sera confié en surface, afin de condenser le récit qui sera compris comme une " analyse de la situation concrète " .
Cinéastes, réalisateurs
David Lynch, un marginal à Hollywood
Tout à la fois figure mythique de la culture contemporaine et outsider de l'industrie cinématographique, David Lynch ne cesse d'acculer le spectateur dans ses retranchements. Réalisateur multi-récompensé, son oeuvre entre en résonnance avec le subconscient, les désirs et les peurs les plus enfouies de chacun. Décrié par certains, adulé par d'autres, le travail de ce cinéaste hors-normes ne laisse personne indifférent. Son style novateur et surréaliste a même engendré un nouvel adjectif : "lynchien" . Depuis plus de quarante-cinq ans, le travail de Lynch fascine, déconcerte et provoque les téléspectateurs. De ses courts-métrages expérimentaux des années 1960 à ses longs-métrages comme Eraserhead, Elephant Man, Blue Velvet ou encore Mulholland Drive - sans oublier la cultissime série Twin Peaks - David Lynch a repoussé les limites de la narration. Riche en illustrations, cet ouvrage est autant un portrait de ce "tsar du bizarre" qu'une rétrospective de son travail où film noir, road movie, histoires d'amour, étrangetés et mystères se conjuguent pour donner naissance à des oeuvres uniques et inoubliables. Ponctué d'interviews et d'analyses de sa carrière, ce recueil permet de lever le voile, autant que faire se peut, sur l'une des énigmes du cinéma mondial. Ian Nathan est un spécialiste du cinéma. Ancien rédacteur-en-chef du magazine Empire, il contribue régulièrement aux Cahiers du Cinéma, The Times ou encore The Independant. Il est également l'auteur de Alien : genèse d'un mythe, Guillermo del Toro : Enchanteur du cinéma et Tim Burton : itinéraire d'un enfant particulier, tous disponibles aux éditions Huginn&Muninn.
10/2023
Monographies
L'ombre de Saturne
La Maison de l'Amérique latine présente la première grande exposition en France de l'artiste chilien Eugenio Tellez " L'ombre de Saturne " . Ce titre fait écho à la rétrospective que le musée national des Beaux-Arts de Santiago du Chili lui a consacrée en 2006 " Le sourire de Saturne " . L'exposition parisienne réunit, du 15 février au 22 avril 2023, une large sélection de ses oeuvres des quinze dernières années, comprenant peintures, collages, dessins, gravures et objets, que l'on retrouve en intégralité dans ce catalogue, accompagnée de textes d'Eugenio Tellez, de Maurizio Serra de l'Académie française, de Justo Pastor Mellado et de Stéphane Guégan. Inspiré par l'Atlas Mnémosyne de l'historien d'art allemand Aby Warburg et l'entrechoc visuel et mémoriel que provoque la superposition des images, Eugenio Tellez est un peintre d'histoire au sens large, qui manipule, décrypte et réordonne les forces en mouvement qui nous absorbent. Fasciné par l'iconographie de la guerre, Tellez se lance " à l'assaut " de la matière picturale, selon une manoeuvre destinée à préparer la surface, comme le ferait un lithographe, comme si par cet acte, il voulait préparer la toile à recevoir la mémoire matérialisée des dessins et des écrits, réalisés avec des techniques empruntées au burin, à la pointe sèche et à l'eau-forte. Le tableau s'imprègne donc en profondeur, pour devenir le support de ce qui lui sera confié en surface, afin de condenser le récit qui sera compris comme une " analyse de la situation concrète " .
02/2023
Histoire internationale
Les légitimations de l'esclavage et de la colonisation des Nègres
Pourquoi et comment les crimes des déportations esclavagistes massives et des colonisations commis à l'encontre des Nègres, qui durent depuis le VIIe siècle et se poursuivent encore, ont-ils pu être si facilement occultés et oubliés en Afrique, en Orient et en Amérique, tant par les victimes que par les agresseurs ? Au non-initié, cet ouvrage propose quelques repères essentiels à la compréhension des processus de légitimation de cette mise en esclavage et de cette colonisation des Africains au sud du Sahara et ailleurs. Il questionne le spécialiste sur la pertinence de ses problématiques théoriques, de certains de ses choix stratégiques et épistémologiques, sur sa liberté de chercheur et son " idéologie spontanée " de savant. Il explicite la généalogie et l'enracinement idéologique de l'essentiel de ces légitimations. Dès lors, il devient urgent de démanteler les avatars de ces édifices idéologiques qui aveuglent les consciences et mettent les Nègres en dehors de l'humanité. L'Occident chrétien doit s'extirper de sa " culpabilité rétrospective " et le monde arabo-musulman de son autisme légendaire à propos de leurs dominations impérialistes et esclavagistes sur les Nègres. Tout en reliant le passé et le présent de nos imaginaires, il nous faut pourtant échapper aux pesanteurs de certaines idées du passé, revisiter certains termes comme nigger (Nègre en anglais), abid (esclave en arabe), kuffar (idolâtre), racaille, inassimilables, sauvageons, etc. Une condition sine qua non de la liberté exigée par l'abbé Grégoire, Wilberforce, Césaire, Mandela, Fanon, Cheikh Anta Diop, Sartre, et maintenant Barack Obama...
01/2010
Photographes
Zanele Muholi
Catalogue de l'exposition rétrospective se tenant à la Maison Européenne de la Photographie en 2021, cet ouvrage présente le travail de la photographe sud-africaine Zanele Muholi (1972). Le catalogue retrace le parcours de l'exposition, qui revient sur la genèse du travail de l'artiste tout en donnant à voir son attachement à octroyer une place, une mémoire, aux personnes noires LGBTQIA+ afin de leur offrir visibilité, respect et reconnaissance. Loin d'une représentation stéréotypée entre déviance et victimisation, ses images puissantes et réfléchies explorent des thèmes tels que le travail, le racisme, l'eurocentrisme et la politique sexuelle. Faisant tomber les frontières des différents styles photographiques, l'artiste travaille aussi bien le portrait traditionnel que le genre documentaire. Si les photographies de Zanele Muholi constituent un travail sans précédent en Afrique du Sud, leur sincérité, la ténacité créative et la maîtrise technique dont elles témoignent ont largement dépassé les frontières et le contexte du pays. L'universalité des sujets abordés par l'artiste ouvre la voie vers une compréhension de son oeuvre par un public des plus larges, s'adressant à un lectorat sensible à ces luttes et à la photographie en général. Les photographies – étant des travaux emblématiques tout comme des oeuvres plus confidentielles – sont accompagnées de plusieurs textes d'auteurs, d'un entretien avec l'artiste, d'une chronologie ainsi que d'un glossaire militant. Cet ensemble permet ainsi au lecteur parcourant l'ouvrage de découvrir l'univers de Zanele Muholi dans son ensemble, à travers une mise en page sobre et élégante.
10/2021
Monographies
Annette Messager. Edition bilingue français-anglais
Annette Messager est née à Berck-sur-Mer, dans le Pas-de-Calais, en 1943. Après des études à l'Ecole nationale supérieure des arts décoratifs (Paris), qu'elle écourte à la veille de mai 1968, elle s'installe en tant qu'artiste plasticienne, photographe, peintre et sculptrice au coeur de la scène artistique parisienne de l'époque. Elle réunit alors ses premières Collections, albums de photographies et sentences extraites de la presse qu'elle annote et modifie. Aujourd'hui, elle est l'une des artistes françaises les plus reconnues sur la scène internationale (Lion d'Or de la Biennale de Venise en 2005, grande rétrospective au Centre Pompidou en 2007 présentée par la suite dans plusieurs autres musées du monde [Tokyo, Séoul... ]). Son travail mêle des techniques très variées (découpage, collage, peinture, photographie, écriture, broderie) et toutes sortes de matériaux insolites (peluches, animaux taxidermisés, tissus, photographies...). Son oeuvre puise dans diverses influences, imagerie populaire, art brut ou art savant, provoquant une subtile dualité, mêlant sans cesse réalisme et fantastique. A l'occasion de son exposition " Comme si " (11 mai-21 août 2022), Annette Messager propose un livre d'artiste intime et singulier. A ses textes - aphorismes, fragments, souvenirs, extraits, reproductions ou encore assemblages - se mêlent ses dessins au trait ainsi que des aquarelles inédites de la série " Tête à tête ", qui semblent prolonger et faire danser ses notes. Un texte de Marie-Amélie Senot, commissaire de son exposition, viendra prolonger cette promenade dans le travail d'Annette Messager.
06/2022
Art du XXe siècle
Les Secrets de Modigliani. Techniques et pratiques artistiques d'Amedeo Modigliani
Comment travaillait Amedeo Modigliani ? Dessinait-il avant de peindre ? Fabriquait-il lui-même ses couleurs ? Le peintre de Montparnasse d'origine italienne fonde une légende d'artiste maudit difficile à briser. Par le prisme de la science et de l'histoire de l'art, le musée du LaM a pourtant décidé d'en gratter le vernis et de partir à la recherche de ce qu'il se cache sous les millimètres de matière de ses oeuvres. Depuis 2018 et consécutivement à la grande rétrospective du peintre présentée en 2016 au LaM, le musée s'est associé avec le CNRS et le C2RMF (Centre de Recherche et de Restauration des Musées de France) pour analyser scientifiquement 28 oeuvres des collections publiques françaises à partir notamment d'examens en fluorescence X et d'imagerie hyperspectrale. A la faveur d'avancées technologiques inédites convoquant physique et chimie, ce projet d'envergure a conduit à l'exposition Les Secrets de Modigliani dont cet ouvrage rend compte. Le lecteur est ici convié à percer les secrets de la pratique de l'artiste, pour découvrir par exemple que Modigliani s'était essayé au paysage plus tôt qu'on ne le pensait, comme le révèle l'analyse du portrait de Viking Eggeling, dont le personnage se trouve être vêtu d'un paysage ! Dévoiler les images sous l'image : voilà l'entreprise exaltante de ce livre qui nous prouve qu'il reste encore beaucoup à apprendre sur l'essence même de la création chez Modigliani et qui permet d'approcher - presque de toucher du doigt - l'artiste au travail.
06/2022
Heidegger
Cassirer et Heidegger. Un siècle après Davos
Bien au-delà de la seule philosophie, le débat à Davos en 1929 entre Cassirer et Heidegger a marqué l'histoire des idées. Il a même donné naissance à des récits passablement légendaires qui négligeaient le contexte historique précis. Un nouveau regard s'impose, à la lumière des oeuvres publiées depuis lors. Les vingt-cinq tomes de l'édition allemande de référence de Cassirer ne sont disponibles que depuis 2007. S'y s'ajoutent les dix-sept tomes du Nachlass depuis 2017. Des 102 volumes de la Gesamtausgabe de Heidegger, édition de référence mais sans garantie scientifique, moins d'une dizaine reste programmée, mais d'ores et déjà la publication des cinq premiers volumes des Cahiers noirs a permis d'engager une relecture critique de l'ensemble. C'est donc à présent seulement que l'on peut véritablement évaluer les projets contrastés des deux auteurs. Leurs enjeux intéressent notamment le statut de la rationalité et des sciences, en particulier celles de la culture, aussi bien que le statut de la technique parmi les formes symboliques. Et tout autant, l'opposition entre la démocratie et la théologie politique ; entre la légitimité du cosmopolitisme et l'ontologie identitaire ; enfin, entre la possibilité même d'une éthique ou son rejet de principe. Tous ces thèmes contradictoires exigent aujourd'hui une révision critique, non seulement rétrospective, mais aussi ancrée dans le présent. Car au-delà même de la philosophie, des courants de pensée et des forces politiques en Europe et dans le monde poursuivent ces deux voies qui s'opposent aujourd'hui.
11/2021
Formation
Formation et socialisation organisationnelle. 63
Ce nouveau numéro de la revue Savoirs comprend une note de synthèse portant sur la formation et la socialisation organisationnelle. Les autrices, Nathalie Delobbe et Charlotte de Boer, présentent une rétrospective historique de cette thématique, en distinguant quatre étapes : les travaux ethnographiques pionniers, la phase confirmatoire analysant les pratiques organisationnelles et les contenus de la socialisation, le tournant interactionniste insistant sur les comportements proactifs individuels et les travaux récents mettant l'accent sur l'expression de soi. Trois approches théoriques éclairant le processus de socialisation organisationnelle sont ensuite développées : la théorie sociale cognitive de l'apprentissage, l'approche identitaire de la socialisation et la théorie de l'échange social et du contrat psychologique. Le numéro se poursuit avec trois articles de recherche. Le premier, d'Albert Temkeng, pose la question de "l'éducation des adultes et les enjeux des sciences et technologies pour tous face aux défis de la catégorisation scolaire au Cameroun" . Il est amené à s'interroger sur les modalités de transgression de cette classification. A l'inverse, Nicolas Divert et Sophie Augagneur, en étudiant la "difficile reconnaissance des faisant-fonctions aides-soignantes par les jurys de VAE" , constatent les limites des pratiques d'apprentissage par l'expérience "brute" du travail de ces salariées. Enfin, Emmanuelle Jouet, posant le récit de vie en santé mentale comme "une enquête sur soi et de soi" , analyse en quoi cette pratique développée dans une communauté d'apprentissage de formateurs consacre "une ère nouvelle de reconnaissance de sens donné à leur expérience et de légitimité de leurs activités par les cadres institutionnels" .
12/2023
Beaux arts
David Diao. Edition bilingue français-anglais
Né en Chine en 1943, David Diao est installé à New York depuis 1964. Il accède à la notoriété comme jeune peintre abstrait, enseigne à Hampshire College, Cooper Union et au programme de formation d'artistes du Whitney Museum of American Art. Après une rupture volontaire dans sa carrière au début des années 1980, il revient en 1984 sur la scène internationale avec une peinture critique, qui utilise des photographies historiques, des documents d'archive, des données chiffrées, des oeuvres d'autres artistes... Reconnu comme l'une des principales figures de l'abstraction conceptuelle, il travaille aussi à partir de documents relatifs à sa propre carrière d'artiste, ou à sa propre histoire d'exilé chinois. Il le fait souvent avec certaine ironie, toujours avec une peinture à la facture travaillée et aux couleurs subtiles qui résonne avec les données brutes des documents utilisés. Ses oeuvres sont présentes dans les fonds publics français et les musées à l'international (Canada, Etats-Unis, France, Hong Kong). Une importante rétrospective s'est tenue à Pékin en 2015, au Ullens Center for Contemporary Art (UCCA). Cet ouvrage, l'un des plus complets sur le travail de Diao à ce jour, comprend 120 illustrations couleur ; un texte d'introduction qui retrace le parcours de Diao et analyse les enjeux artistiques et critiques de son travail ; huit essais inédits, écrits par Hélène Chouteau-Matikian, Michael Coriis, Jean-Marc Huitorel, Melanie Marino, Stéphane Mroczkowski, Alexandra Pignol, Heinz Peter Schwerfel. Chacun se focalise sur un aspect spécifique de la peinture de Diao.
06/2020
Beaux arts
Magnelli, les estampes
De 1934 à sa mort en 1971, Alberto Magnelli (né en 1888 à Florence, venu vivre à Paris en 1931 )
a réalisé près d’une centaine d’estampes qui donnèrent lieu en 1980 à une rétrospective à la
Bibliothèque nationale de France. Le catalogue sommaire publié à l’époque était toutefois loin de rendre compte de la variété des moyens mis en oeuvre (eau-forte, lithographie, sérigraphie, utilisation de gaufrage…) et surtout de témoigner du travail de recherche nécessité par chacune de ces impressions. Ce premier catalogue raisonné reproduit évidemment en couleurs toutes les estampes de Magnelli, mais il présente aussi toutes les variantes connues (également reproduites en couleurs) de chaque planche. Chacune de celles-ci est accompagnée d’un descriptif technique, d’un historique de sa réalisation et de la liste des collections publiques qui la possède. Cet ouvrage est aussi l’occasion de découvrir les remarquables collaborations de Magnelli tant avec des éditeurs d’exception comme Iliazd (pour Poésie des mots inconnus ou Rogelio Lacourière pêcheur de cuivres) ou Max Bill (10 Origin publié en 1942) qu’avec des artistes comme Arp, Sonia Delaunay ou Sophie Taeuber avec lesquels il réalisa, réfugié dans le Midi de la France pendant les années de guerre, une série d’oeuvres communes quatre mains » devenues après-guerre un exceptionnel album de lithographies. Ce livre est ainsi à la fois la référence, compte-tenu de sa précision scientifique, pour les musées, les galeries et les collectionneurs, mais il est aussi, pour les amateurs, une source de découvertes et de plaisir.
04/2011
Beaux arts
Louise Bourgeois. Géométries intimes
Louise Bourgeois constitue une monographie sans équivalent en France. Ecrit par l'un des meilleurs spécialistes de l'artiste, l'ouvrage somme propose une vision transversale et complète de son oeuvre grâce à une structure originale qui dresse à la fois un portrait intime de la femme et déploie un examen approfondi de l'oeuvre à travers plus de 900 illustrations. Louise Bourgeois (1911-2010), sculptrice et plasticienne française naturalisée américaine, est une des artistes majeures de la fin du xxe et du début du xxie siècle. Arrivée à New York en 1938, elle croise le surréalisme, importé par les artistes européens en exil, puis les grands courants de l'art américain d'après-guerre, créant un oeuvre basé sur la mémoire et l'intimité des émotions. Entièrement autobiographique, son langage personnel intègre tous les matériaux et toutes les formes, touchant aux pratiques les plus contemporaines. Après des périodes successives de succès et de retraits, Louise Bourgeois accède à la notoriété en 1982 lors de sa rétrospective au Museum of Modern Art. Tout au long d'une carrière de près de soixante-dix ans, elle a créé un corpus d'oeuvres riche et toujours innovateur. Bien que la peinture, le dessin, la gravure et la performance aient aussi leur place dans son oeuvre, l'artiste est surtout connue pour ses sculptures, qu'elles soient intimes (Femme-maison, Fillette) ou monumentales (Maman, Spider). Aujourd'hui collectionnée dans les plus grands musées du monde, l'oeuvre complexe et protéiforme de Louise Bourgeois continue de fasciner la jeune génération d'artistes et la critique.
09/2016
Revues de cinéma
Cahiers du cinéma N° 790, septembre 2022
Exceptionnellement, nous revenons en couverture de ce numéro sur un film qui est déjà en salles depuis un mois, Nope de Jordan Peele. Rarement un film, un "blockbuster de l'été" aura autant divisé, autant suscité des interprétations, des critiques, des débats. Il nous semblait indispensable d'y revenir pour proposer différentes visions sur un film aussi clivant et, pour nous, aussi important. Jordan Peele lui même livre quelques secrets dans l'entretien qu'il nous accorde, où il approfondi dans sa vision du film, sa conception, sa fabrication, mais aussi sur l'accueil qu'il a provoqué. Nous sommes persuadées qu'entre autres, on se souviendra de 2022 comme l'année de Nope, mais cela ne nous fait pas oublier d'autres grands films qui arrivent en salle ce mois-ci, comme Chronique d'une liaison passagère d'Emmanuel Mouret (qui se livre dans nos pages à un jeu de références cinéphiliques qui vont de Lubitsch à Woody Allen) ou Juste sous vos yeux de Hong Sang-soo. Joe Dante et Joao Pedro Rodrigues sont aussi parmi les cinéastes qui s'expriment dans ce numéro, tout comme un texte très émouvant du jeune réalisateur espagnol Jonás Trueba sur l'oeuvre de Jonas Mekas. Finalement, un long dossier sur Douglas Sirk, l'un des plus grands cinéastes hollywoodiens, étudie son oeuvre américaine et allemande (quand il s'appelait encore Detlef Sierck) à l'occasion d'une grande retrospective à la Cinémathèque française qui sera sans doute l'un des moments forts du cinéma de cette rentrée.
09/2022
Biographies
Pierre Corneille en son temps et en son oeuvre. Enquête sur un poète de théâtre au XVIIe siècle
Un nom célèbre, un auteur ignoré, une œuvre inconnue : Corneille est le continent perdu de notre littérature. On lui associe, au mieux, une demi-douzaine de pièces alors qu'il en a écrit trente-deux. On connaît Le Cid, Horace, Cinna, Rodogune, mais on a oublié Héraclius, Attila, Suréna... La chronologie elle-même a été comme écrasée par la rétrospective historique : lorsque Molière et Racine commencent de porter leurs œuvres sur la scène, vers 1660, Corneille a déjà près de soixante mille vers à son actif, dont plus de quarante mille pour le théâtre. L'auteur n'est pas mieux connu: l'officier de justice, père de sept enfants, semble s'être appliqué à ne laisser que ses vers comme vestige de son passage. Qui sait qu'il habita sa maison natale jusqu'à l'âge de cinquante-six ans, qu'il fut avocat du roi, que ses pièces ont triomphé à Paris? Qui sait encore qu'il fut nommé procureur des états de Normandie par Mazarin en 1650, pendant la fronde, et qu'il perdit cette charge dès l'année suivante? Dans son enquête, André Le Gall fait apparaître le portrait vivant d'un " poète de théâtre " dont l'œuvre, fondatrice en son temps, garde toute son actualité. Grandeur de courage et nostalgie du héros: c'est la part de Corneille dans le chœur des poètes. Mais ce n'est pas la seule: Corneille est aussi l'auteur des Stances à Marquise Thérèse Du Parc, le poète ébloui et désinvolte de la femme.
05/2006
XIXe siècle
Rosa Bonheur, le regard des animaux
A l'occasion du bicentenaire de la naissance de Rosa Bonheur, le musée des Beaux-Arts de Bordeaux, sa ville natale, et le musée d'Orsay, organisent une importante rétrospective de son oeuvre. Evénement majeur sur le plan national et international, cette manifestation met à l'honneur une artiste hors norme, novatrice et inspirante. Véritable icône de l'émancipation des femmes, Rosa Bonheur plaça le monde vivant au coeur de son travail et de son existence. Elle s'engagea pour la reconnaissance des animaux dans leur sigularité. Plaçant l'animal au coeur de sa création artistique, elle peint de véritables portraits, que par sa maîtrise technique, elle rend vivants à la fois dans l'anatomie que dans la psychologie. Rosa Bonheur a su créer une oeeuvre expressive, dénuée de sentimentalisme et d'un grand réalisme, nourrie des découvertes scientifiques et de l'attention nouvelle portée aux espèces animales de terroirs, remettant en cause la hiérarchie entre les espèces. Rosa Bohneur se mesura aux plus grands maîtres du genre animalier, et se confronta à des formats monumentaux, conférant à ses oeuvres la grandeur de la peinture d'histoire. Cette exposition permet de faire (re)découvrir au public la puissance et la richesse de son art, ainsi que sa vie de femme libre, devenue mythique, et de son oeeuvre, formidablement populaire aux Etats-Unis et en Grande-Bretagne. Expositions : MuMa de Bordeaux (18 mai - 18 septembre 2022) - musée d'Orsay (17 octobre 2022 - 15 janvier 2023). 2. 11. 0. 0
10/2022
Sciences politiques
Extrémismes européens et mondes arabo-musulmans. Rapprochements stratégiques et convergences idéologiques
Le 22 octobre 2020, peu après la décapitation de Samuel Paty, le ministre de l'Education Jean-Michel Blanquer évoquait les "complicités intellectuelles du terrorisme", précisant : "Ce qu'on appelle l'islamo-gauchisme fait des ravages". Cinq ans auparavant, quelques semaines après les attentats meurtriers commis contre la rédaction de Charlie-Hebdo, le Premier ministre Manuel Valls invitait à "combattre cet islamo-fascisme, puisque c'est ainsi qu'il faut le nommer". Depuis 1979, la visibilité internationale de l'islam a conduit à incorporer cet acteur jusqu'ici négligé à un imaginaire politique occidental structuré de longue date. Soit pour l'assimiler à des forces honnies, vaincues et condamnées par l'Histoire, soit afin de délégitimer des adversaires recherchant des accommodements toxiques avec une religion politique conquérante. Les textes réunis dans cet ouvrage sont issus du colloque "Extrémismes ouest-européens et monde arabo-musulman. Rapprochements stratégiques et convergences idéologiques, de l'entre-deux-guerres à nos jours" organisé à Grenoble en 2011 par le Centre de recherches et d'histoire de l'Italie et des pays alpins (Grenoble-II) et l'Institut d'études politiques de Grenoble. Il entendait apporter quelque profondeur de champ dans un débat trop souvent marqué par le déni ou, pour reprendre un terme démonétisé, l'amalgame. Ces textes écrits il y a une décennie n'ont pas été retouchés : pour citer la formule de Jean-François Revel, "la lucidité rétrospective et le courage rétroactif sont l'une des formes de la connaissance inutile".
05/2021
Histoire de l'art
Des visages entre les draps. La ressemblance inquiète, II
La ressemblance, particulièrement à l'époque de la Renaissance, n'est souvent qu'un mythe : à la fois une opération "légendaire", littéraire, et un "bricolage", un montage technique destiné à réunir dans le concret des ordres de pensée au de réalité tout à fait hétérogènes. C'est ainsi que le fameux "portrait de Dante" par son "ami Giotto" - qui a fixé jusqu'à aujourd'hui notre image du poète - n'aura été qu'une invention rétrospective destinée à fonder, au XVIe siècle, l'idée d'une Renaissance tout entière ordonnée par la conquête des ressemblances optiques et picturales... et à refouler de notre culture historique l'importance des ressemblances par contact en usage dans maints objets florentins du Trecento et du Quattrocento. Une réflexion sur un célèbre portrait en buste, moulé et modelé en terre cuite, poursuit ce parcours critique : à travers son destin dans le discours de l'histoire de l'art - chef-d'oeuvre de Donatello ou, au contraire, oeuvre indigne du qualificatif même d'"artistique" ? - on verra émerger quelques présupposés théoriques majeurs de la discipline elle-même qui, trop souvent, ignore qu'elle regarde aussi avec ses... mots. Dans l'autoportrait "christique" de Dürer, enfin, nous aurons à découvrir que l'image peinte n'avait rien, pour lui, d'une simple conquête virtuose sur le monde visible. Envisagée au prisme de son inquiétude religieuse, elle s'imposait plutôt comme un drame de la ressemblance : ainsi dans la hantise de visages disparaissant sous le blanc des linceuls.
04/2024
Beaux arts
Renoir. Peintre du bonheur
Les tableaux de Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) au charme intemporel n'évoquent qu'amour, bonheur et beauté. Issue de notre édition grand format, qui formait la rétrospective la plus complète jamais consacrée à l'oeuvre du peintre, cet ouvrage analyse de près l'histoire et la passion cachées derrière la légende. Bien qu'il ait commencé sa carrière par des paysages de style impressionniste, Renoir n'a vraiment développé son propre style qu'après avoir commencé à peindre des portraits qui l'ont conduit à se détacher complètement de l'impressionnisme. On l'a souvent mal compris ou critiqué, et pourtant Renoir demeure l'un des peintres les plus aimés de l'Histoire, grâce, sans doute, à la chaleur et à la joie de vivre qui émanent de ses tableaux. Dans son texte éclairant qui revient sur l'intégralité de la carrière de l'artiste en retraçant son évolution artistique, Gilles Néret montre comment Renoir a réinventé la femme en peinture, à travers ses déesses de la vie quotidienne bien rondes, à la poitrine et aux hanches généreuses. Cette dernière phase de l'oeuvre de Renoir, au cours de laquelle il en est revenu au plaisir simple de peindre des nus féminins dans sa série consacrée aux baigneuses, est sans doute de loin la plus novatrice, celle qui a le plus inspiré d'autres artistes comme Matisse et Picasso. Avec sa chronologie, sa bibliographie et son index très complets, ses superbes reproductions couleur, ainsi que des photos et des croquis illustrant la vie et l'oeuvre de Renoir, ce livre est l'un des ouvrages de référence incontournables sur ce grand maître de la peinture.
01/2020
Cinéma
Notre caméra analytique. Mise en catalogue des images et objets
Depuis plus de quarante ans, les artistes italiens Yervant Gianikian et Angela Ricci Lucchi traversent le monde et embrassent le xxe siècle depuis leur atelier milanais qui a tout d'un laboratoire d'alchimiste. Les images qu'ils nous adressent régulièrement, films, vidéos et installations, sont bien plus que des nouvelles : ce sont des révélations. A partir de documents d'archives aussi bien que de films amateurs de la première moitié du XXe siècle, dénichés et collectés précieusement, Yervant Gianikian & Angela Ricci Lucchi recadrent, déplacent, resserrent, colorisent, ralentissent. Libérées du regard et de l'idéologie de leurs auteurs, désaliénées, les images de notre passé font retour mais autrement, comme si nous les voyions pour la première fois. Les artisans de cette révélation ont pris pleinement acte de la révolution opérée par le cinéma et ses dérivés, qui se sont imposés en arts de notre temps. Avec eux, le siècle devient simultanément vécu, filmé et regardé. Ses images persistent et reviennent. A travers la colonisation, le fascisme, l'impérialisme ou la guerre, les artistes créent une continuité inédite entre passé, présent et futur. Mystérieusement, par un effet duel de ce sortilège, le temps retrouvé fait à nouveau histoire tout comme ses images font poème, rendues à leur liberté sauvage et à leur pouvoir de sidération. A l'invitation du Centre Pompidou et en association avec le Festival d'Automne, Yervant Gianikian et Angela Ricci Lucchi présenteront la rétrospective intégrale de leurs cinquante films et un inédit commandé pour l'occasion, avec une exposition consacrée à leurs installations, la première en France après la Biennale de Venise, le MoMA de New York ou le Hangar Bicocca à Milan.
09/2015
Thèmes photo
Yes
A la fois photographe, cinéaste, graphiste et peintre, William Klein est l'un des artistes les plus importants et productifs de ces soixante-quinze dernières années. Alors qu'il faudrait toute une vie pour maîtriser chacune de ces techniques, Klein a produit une oeuvre transversale dans laquelle chaque médium fait écho à un autre. Considéré comme l'un des grands créateurs d'images du xxe siècle, il a développé une oeuvre protéiforme, qui a profondément influencé de nombreux artistes, tant photographes que cinéastes. William Klein - Yes, publié à l'occasion de sa grande exposition rétrospective à l'International Center of Photography (ICP), à New York, retrace la carrière de l'artiste dans un livre référence : près de 400 pages et environ 250 images permettent de découvrir ou de redécouvrir le travail photographique et cinématographique, mais également l'oeuvre picturale, à la base de sa pratique. A ce titre, la publication s'ouvre sur ses premières peintures, avant de dérouler, de manière chronologique, ses différentes séries : des plus célèbres comme les photos de rue de New York ou Tokyo, en passant, entre autres, par Paris, Rome, ou Moscou, jusqu'à ses oeuvres plus récentes et ses films. Ultime ouvrage monographique, William Klein - Yes est complété d'un long essai de David Campany, directeur de l'ICP et commissaire d'exposition de renommée internationale. Campany évoque le parcours de Klein, comment il est devenu l'artiste qu'il est aujourd'hui. Cette introduction est richement illustrée de documents qui viennent éclairer la relecture de l'oeuvre. A l'instar de toutes ses publications, cet ouvrage, à la mise en pages très graphique, a été conçu en étroite collaboration avec Klein.
01/2023
Religion
Athos, la Sainte Montagne
Située en Grèce, la presqu'île de l'Athos est un des lieux les plus étonnants du monde par sa sauvage beauté et la fidélité à une tradition spirituelle qui remonte à l'époque byzantine. Cette République autonome dédiée à la Vierge est tout entière un site monastique où vivent plus de 2000 moines originaires des différents pays orthodoxes, et dont les visiteurs ne peuvent être que des hommes. Ferrante Ferranti s'y est rendu à six reprises. Au cours de ses pérégrinations, il séjourne dans de nombreux monastères dont certains sont bâtis sur des pitons qui dominent la mer. Il nous fait découvrir les symboles de la liturgie. Il établit des dialogues confiants avec plusieurs moines qui lui livrent les raisons de leur vocation et leur regard sur le monde contemporain. Le livre culmine avec l'ascension emblématique du sommet de l'Athos. Après son ouvrage de photographies (Mont Athos, les chemins de l'Infini) avec un texte de Jean-Yves Leloup, son itinéraire littéraire est une réflexion sur le visible qui se transforme en un pèlerinage initiatique au-delà des apparences pour tenter de saisir l'invisible. Ferrante Ferranti est architecte de formation et photographe. Ses oeuvres sont exposées dans le monde entier et la Maison européenne de la photographie à Paris lui a consacré en 2013 sa première rétrospective. Ses photographies ont été publiées dans de nombreux ouvrages dédiés aux ruines, au baroque, à la Méditerranée ou à l'ensemble des expériences religieuses comme Empreintes du sacré en 2012 (La Martinière). Passionné par l'expression du sacré à travers les pierres, il a écrit un livre avec le frère Philippe Markiewicz : Les pierres vivantes (Philippe Rey).
10/2015
Philosophie
Le cahier bleu. et Le cahier brun
Ce volume rassemble deux textes qu'on associe traditionnellement depuis leur publication posthume conjointe. S'ils ont en commun d'appartenir à la période intermédiaire du travail de Wittgenstein, entre le Tractatus logico-philosophicus (1921) et les Investigations philosophiques (achevé en 1949), ainsi que d'avoir été dictés en anglais à des étudiants de Cambridge, ils n'ont cependant pas le même statut. Le Cahier bleu (dicté en 1934) est la première formulation complète de la seconde philosophie de Wittgenstein. Agé de quarante-cinq ans, le philosophe y reprend à la lumière du " jeu de langage " l'ensemble des problèmes qui l'ont toujours préoccupé. Il montre en quoi cette notion permet d'échapper aux apories du sens, du solipsisme, et, plus généralement, de la métaphysique. Malgré certaines lacunes qu'on peut y déceler à la lecture rétrospective des Investigations, cet ouvrage se présente comme définitif. Wittgenstein le dicta d'ailleurs à ses élèves alors qu'il envisageait de quitter Cambridge pour s'installer en Union soviétique où il aurait voulu exercer un métier manuel.
Quant au Cahier brun (dicté en 1935), il constitue sans équivoque le premier jet des Investigations philosophiques. Il ne 'agit plus seulement d'indiquer de manière générale les pouvoirs thérapeutiques des jeux de langage, mais d'en proposer une série concrète. A ce titre, le Cahier brun se présent à la fois comme un manuel d'exercices philosophiques et comme une réflexion sur leur usage. Y sont examinés des problèmes aussi divers que la ressemblance, le suivi des règles, l'infini, etc., qui relèvent tous d'une attitude métaphysique dont Wittgenstein veut montrer la vanité.
01/1996
Histoire internationale
MESSAGER EUROPEEN N7
Alain Finkielkraut, Le crime d'être né Karel Kosik, Le Printemps de Prague, la «fin de l'Histoire» et le Schauspieler (Entretien) - Le sourire et la bouche - Victoire de la méthode sur l'architectonique Les chancelleries, le droit des peuples, le sang des hommes Paul Garde, Bosnie-Herzégovine : la spirale de la capitulation Ivan Lovrenovic, Les Croates et la Bosnie Drazen Budisa, «Que la haine n'ait pas le dernier mot dans l'histoire de la Bosnie-Herzégovine» (Entretien) Drazen Katunaric, Marsyas à Paris Roger Rotmann, Comment être munichois Alain Finkielkraut, Le miracle, non l'idylle Communautés de destin Michael Löwy, La nation comme communauté de destin : actualité d'Otto Bauer Jean Larose, Une crise de province Elisabeth de Fontenoy, Quatre-vingt-treize, quatre-vingt-quatorze ou La désolation républicaine Georges Clemenceau, Discours prononcé à La Roche-sur-Yon en octobre 1906 Hommes dans de sombres temps : Simon Doubnov Renée Poznanski, Simon M Doubnov, un historien dans son temps Simon Doubnov, Les pogromes d'octobre et «Les leçons de ces journées terribles» (1905-1906) Le détour par la musique Rémi Stricker, Musique. Mémoire. Machine Enrica Lisciani-Petrini, Philosophie du «charme» de la musique Jacques Dewitte, Obscurité, fidélité et lumière (Sur le Fidelio de Beethoven) Béatrice Berlowitz, An die Musik Hans Jonas, Philosophie. Rétrospective et prospective à la fin du siècle Chroniques Jacqueline Rousseau-Dujardin, A propos de la psychanalyse. Réponses aux questions du Messager européen à propos du symbolique François Ricard, A propos d'un jeune président Elisabeth Altschull, «Europe is back» (L'Europe est de retour) Jean-Noël Gaudy, L'école, les Tartuffes et la modernité
11/1993
Littérature étrangère
En gagnant mon pain
En gagnant mon pain (1916) est le volume central d'une trilogie contrastée, commençant par Enfance (1913-14) et se terminant par Mes universités (1923). Même si la dimension autobiographique assure la cohérence de l'ensemble, les conditions de la rédaction façonnent nettement la vision rétrospective. Le premier livre a été conçu à Capri, dans le temps d'un exil glorieux : le suivant, écrit en Russie, où l'auteur est rentré après une amnistie proclamée par le tsar, a été marqué par la guerre et l'installation du régime soviétique, enfin, le dernier volet est mis au point à l'étranger alors que l'homme entretient une relation ambivalente avec la jeune révolution, est simultanément en amitié et en intimité avec Lénine. La visée de la critique sociale n'a donc plus la même pertinence, et l'histoire elle-même ne se déchiffre ni ne s'interprète selon les mêmes critères. L'adolescence décrite dans En gagnant mon pain, laborieuse, impécunieuse, sentimentalement aride, est éclairée par la découverte de la littérature, récits populaires, ou récits plus substantiels comme ceux de Balzac et de Flaubert. L'ensevelissement dans les textes devient le moyen d'échapper à la souffrance quotidienne, détermine en outre le désir d'écrire. Orphelin depuis longtemps, l'écrivain a pu dire " Les livres, dans ma vie, ont remplacé ma mère ". Cet investissement traduit une curiosité qui sera continuellement contrecarrée par la nécessité : travailler, travailler pour survivre. Si Enfance constitue une véritable référence, il n'en va pas ainsi des autres romans : cette publication tâche de restituer une œuvre dans son mouvement complexe, afin de battre en brèche certains jugements liés à l'indéfinition du fragment.
Descartes
Discours de la Méthode suivi de la Dioptrique, les Météores, la Géométrie et le traité de Mécanique
Le Discours de la Méthode, sous titré : "Pour bien conduire sa raison, et chercher la vérité dans les sciences" est un texte philosophique publié anonymement par René Descartes en juin 1637. Il devait à l'origine servir d'introduction générale aux traités scientifiques écrits par l'auteur, à savoir, la Dioptrique, les Météores et la Géométrie. Il s'agissait pour Descartes "d'en dire assez pour faire juger que les nouvelles opinions, qui se verraient dans dans la Dioptrique et les Météores, n'étaient point conçues à la légère". Toutefois, la célébrité du texte est devenue telle, qu'il est maintenant souvent publié seul, comme un essai indépendant. Il est reconnu comme l'une des oeuvres de la philosophie occidentale. Dans ce discours, Descartes expose son parcours intellectuel de façon rétrospective, depuis son regard critique porté sur les enseignements qu'il a reçus, jusqu'à sa création d'une philosophie nouvelle quelques années plus tard. Il y propose aussi une méthode, basée sur quatre règles pour éviter l'erreur et y développe une philosophie du doute, visant à reconstruire le savoir sur des fondements certains, en s'inspirant de la certitude exemplaire des mathématiques. La célèbre phrase "je pense dons je suis" (cogito, ergo sum), permet à Descartes de sortir du doute et lui servira à ce titr de premier principe. Les mathématiques suivent donc cette méthode et sont le modèle idéal qui doit être appliqué à toutes les sciences. Dans ce livre, le Discours de la Méthode est suivi de la Dioptrique, les Météores, la Géométrie et le Traité de Mécanique. Vous retrouverez également les 134 dessins qui accompagnent les démonstrations de Descartes. Bonne lecture.
09/2022
Art contemporain
Vera Molnar. Pas froid aux yeux
Catalogue de l'exposition monographique à l'Espace de l'Art Concret du 30 janvier au 31 mai 2021 puis au musée des Beaux-arts de Rennes du 9 octobre 2021 au 9 janvier 2022, cet ouvrage présente le travail de l'artiste Véra Molnar. Cette exposition est une première collaboration entre deux institutions culturelles françaises qui ont comme point commun une vraie spécialité dans le domaine de l'art abstrait après 1945 et de l'art concret en particulier. Artiste prolifique encore en activité à l'aube de ses 97 ans, Véra Molnar place sa pratique entre art concret, art construit et art conceptuel. Elle est également considérée comme une pionnière du dessin par ordinateur, ayant contribué à partir des années 1960 au mouvement de l'art numérique. L'exposition, sans pour autant se placer comme une rétrospective, vise à présenter les multiples visages de Véra Molnar en proposant des oeuvres créées entre les années 1960 et aujourd'hui (tout en évoquant brièvement les prémices des années 1940). Le catalogue s'appuie sur une sélection des oeuvres des deux expositions, structurée autour d'une problématique principale qui pose la question de l'usage de la machine dans le processus créatif de Véra Molnar. Un regard particulier sur les apports de cette artiste majeure de l'art abstrait au champ particulier de l'art numérique peut ainsi constituer un fil conducteur. L'ouvrage s'accompagne des textes de Vincent Baby , historien de l'art spécialiste du travail de Véra Molnar et de Francesca Franco, historienne de l'art et auteure de l'ouvrage The Algorithmic Dimension sur l'art numérique.
04/2021
BD tout public
Astérix de A à Z
Par Toutatis, Astérix est à la BnF ! Eté 1959, Albert Uderzo et René Goscinny, attablés à la terrasse d'un café, cherchent une idée pour le premier numéro de l'hebdomadaire de bandes dessinées Pilote. Après avoir d'abord songé au Roman de Renart et à la préhistoire, Goscinny et Uderzo fixent finalement leur choix sur les Gaulois. La suite est connue : les aventures d'Astérix et Obélix connaissent un succès immédiat, qui ne s'est jamais démenti depuis. Les 33 aventures (bientôt 34) ont été traduites en 107 langues et dialectes et vendues à plus de 350 millions d'exemplaires à travers le monde. En mars 2011, le dessinateur Albert Uderzo a fait don à la Bibliothèque nationale de France de cent vingt planches originales de la série. La BnF lui rend aujourd'hui hommage en organisant une exposition événement. Le catalogue de cette grande rétrospective est construit en forme d'abécédaire. D' "Amitié" à "Wouhouhou ! " de "Châtaigne" à "Running gag" , d' "Idéfix" à "Tour du monde" , en passant par "Mythe gaulois" , "Résistance" ou "Sanglier" , les meilleurs spécialistes et les plus proches témoins de cette incroyable aventure éditoriale livrent tous les secrets de cette bande dessinée extraordinairement populaire. Sont notamment analysés le parcours des deux créateurs, l'évolution graphique et les traits de caractère des personnages, le succès planétaire ou ses ingrédients, tels que les célèbres jeux de mots - "Il ne faut jamais parler sèchement à un Numide" , "Passe-moi le Celte" , "Tous les étés, les Ibères... " , etc. L'ouvrage reproduit également des passages d'entretiens vidéo avec des célébrités, réalisés pour l'exposition, qui racontent comment elles aussi sont tombées dedans quand elles étaient petites !
10/2013
Travail social
Quand les murs se font scène en milieux carcéral et hospitalier
Combien d'ateliers en arts du spectacle (théâtre, danse, musique, cirque, etc.) se sont-ils tenus dans les établissements pénitentiaires et hospitaliers en France entre 2014 à 2019 ? Pour quels publics ? Avec quels intervenants ? Selon quels protocoles d'action et quels processus créatifs ? Avec quelles finalités, difficultés, attentes ? Combien d'ateliers en arts du spectacle (théâtre, danse, musique, cirque, etc.) se sont-ils tenus dans les établissements pénitentiaires et hospitaliers en France entre 2014 à 2019 ? Pour quels publics ? Avec quels intervenants ? Selon quels protocoles d'action et quels processus créatifs ? Avec quelles finalités, difficultés, attentes ? Cette étude sociologique contextualise ces questions par une mise en perspective historique au sein de chaque secteur : réalisation d'entretien avec les intervenants et recueil de données auprès des directions régionales de la culture, la justice et la santé afin d'établir une cartographie de ces ateliers. Une enquête qui vient combler un manque et qui permettra aux artistes, aux coordinateurs culturels, aux administrateurs, aux partenaires, aux enseignants de parcours spécialisés de disposer d'une vue rétrospective et prospective de la place des arts dans les milieux carcéral et hospitalier. Jérôme Dubois est maître de conférences au département théâtre de l'université Paris 8. Ses recherches portent notamment sur les arts du spectacle des Premières Nations de l'est du Canada, mais aussi sur les arts du spectacle hors des murs du théâtre. Vincent Clavel est docteur en sociologie, enseignant à l'université Clermont Auvergne. Il mène actuellement une recherche sur la symbolique du corps, le lien entre l'image du corps et la construction sociale de la notion d'humanité.
06/2024
Littérature russe
En gagnant mon pain. Suivi de Ma vie
En gagnant mon pain (1916) est le volume central d'une trilogie contrastée, commençant par Enfance (1913-14) et se terminant par Mes universités (1923). Même si la dimension autobiographique assure la cohérence de l'ensemble, les conditions de la rédaction façonnent nettement la vision rétrospective. Le premier livre a été conçu à Capri, dans le temps d'un exil glorieux : le suivant, écrit en Russie, où l'auteur est rentré après une amnistie proclamée par le tsar, a été marqué par la guerre et l'installation du régime soviétique, enfin, le dernier volet est mis au point à l'étranger alors que l'homme entretient une relation ambivalente avec la jeune révolution, est simultanément en amitié et en intimité avec Lénine. La visée de la critique sociale n'a donc plus la même pertinence, et l'histoire elle-même ne se déchiffre ni ne s'interprète selon les mêmes critères. L'adolescence décrite dans En gagnant mon pain, laborieuse, impécunieuse, sentimentalement aride, est éclairée par la découverte de la littérature, récits populaires, ou récits plus substantiels comme ceux de Balzac et de Flaubert. L'ensevelissement dans les textes devient le moyen d'échapper à la souffrance quotidienne, détermine en outre le désir d'écrire. Orphelin depuis longtemps, l'écrivain a pu dire " Les livres, dans ma vie, ont remplacé ma mère ". Cet investissement traduit une curiosité qui sera continuellement contrecarrée par la nécessité : travailler, travailler pour survivre. Si Enfance constitue une véritable référence, il n'en va pas ainsi des autres romans : cette publication tâche de restituer une œuvre dans son mouvement complexe, afin de battre en brèche certains jugements liés à l'indéfinition du fragment.
04/2024
Critique littéraire
Le genre humain N° 54 : Alain Fleischer, écrivain
Lorsque qu’en compagnie de Jean-Pierre Vernant, Jacques Le Goff, François Jacob et d’autres, Maurice Olender crée en 1981 la revue "Le Genre Humain", il précise d’emblée que, si dans cette série de volumes collectifs on pourra lire des textes de scientifiques (historiens, sociologues, ou biologistes, démographes et statisticiens), on y découvrira aussi des écrivains et des poètes. C’est ainsi que Georges Perec publiait dans la revue Le Genre humain son célèbre texte "Penser/classer" (dernier texte publié de son vivant, en février 1982). M. Olender avertit ses lecteurs dans l’ouverture du volume (n°1) intitulé La Science face au racisme : "C’est entre science et société que l’on pourra découvrir régulièrement un texte d’écrivain, de poète, qui explorera les arcanes de la langue, grande révélatrice des représentations sociales et laboratoire des catégories de la pensée". Ainsi, peut-on lire dans les volumes du Genre humain des pages inédites de Paul Celan, Yves Bonnefoy, Nancy Huston et tant d’autres. Après avoir consacré un numéro à Jean Pierre Vernant, ce nouveau volume porte sur un homme dont l’oeuvre protéiforme surprend quelquefois la critique tant sa richesse est inhabituelle dans le paysage international aujourd’hui : en effet, Alain Fleischer est un cinéaste (plus de 300 films avec des rétrospectives programmées sur les cinq continents), photographe (innombrables expositions) et plasticien qui a répondu aux commandes de l’architecte Jean Nouvel avec qui il travaille régulièrement. Le présent volume est consacré à Alain Fleischer écrivain, où la mémoire, l’oubli et les "angles morts" de la Shoah sont omniprésents. Découvert comme écrivain par Denis Roche, Alain Fleischer a publié une cinquantaine de livres dont une douzaine de titres importants au Seuil, notamment dans la collection « Fiction & Cie » : La Femme qui avait deux bouches (1999) ; Les Angles morts (2003), La Hache et le Violon (2004), L’Amant en culottes courtes (2006).
08/2013
