Rétrospectives

Avec Paris, dernier roman du cycle des Trois Villes, prend fin l'histoire de Pierre Froment. Ce jeune prêtre tourmenté par la perte de la foi, dans lequel Zola a mis beaucoup de lui-même, va trouver à Paris la réponse à ses angoisses, découvrir dans le travail et l'amour de nouvelles raisons de vivre. Mais ce roman est aussi un immense drame social, une chronique exacte et animée de la vie politique française au moment du scandale de Panama et des attentats anarchistes, une peinture foisonnante du Paris moderne dans tous ses lieux, dans tous ses mondes, un hymne à la ville-lumière, reine de l'univers et créatrice de l'avenir. Dans la lignée de Balzac et de Hugo, Zola apporte sa contribution au mythe romantique de Paris, au moment où s'achève le XIXe siècle. La ville est le cadre de la grande révolution qui remet Pierre dans le sens de l'Histoire et le projette vers l'avenir et l'espoir. Elle est le cadre et l'acteur du drame. Pour la première fois, Zola en parle de manière actuelle (et non plus rétrospective, comme dans Les Rougon-Macquart). Il veut montrer comment le mal concourt au bien, au progrès. Il voit en Paris le "cerveau du monde", le "phare dominant la terre".

Rétrospective sur le comportement des escargots. Voici un calendrier retraçant les différentes attitudes de l'escargot dans de multiples lumières et expressions. Un élégant et magnifique ami de nos jardins, que vous pourrez contempler tout au long de l'année. Les calendriers Calvendo sont des produits haut de gamme - avec ces plus qui font la différence : nos calendriers présentent bien toute l'année grâce à leur papier de qualité supérieure et leur reliure à spirales pour une manipulation des pages plus aisée et une tenue parfaitement droite contre le mur. Un film plastique transparent protège la couverture de ces calendriers toujours plus solides, qui se déclinent désormais en cinq langues. Offrez-vous un calendrier Calvendo qui reste beau tout au long de l'année. Ce calendrier à succès a été réédité cette année avec les mêmes images et une grille calendaire mise à jour. PREMIUM-LINIE mit Kunstdrucken im Hochglanzformat in Museumsqualität. Stabile Rückwand mit 2 innovativen Einstecktaschen für eine optimale Präsentation an der Wand EINZELFERTIGUNG mit hochwertigen Materialien in Deutschland (Made in Germany) Damit die Papierbogen glatt an der Wand hängen hat dieser hochwertige Kalender innovative Einstecktaschen. Sie schützen die großen Blätter vor Luftfeuchte-Effekten. Papier ist ein natürliches Material. Die Fasern reagieren auf Raumklimaschwankungen. Die Einsteckecken sollten daher nicht entfernt werden. Dieser erfolgreiche Kalender wurde dieses Jahr mit gleichen Bildern und aktualisiertem Kalendarium wiederveröffentlicht.

Rêver et faire rêver Une rétrospective inédite des plus belles estampes et des plus grands tableaux de Gustave Doré choisis parmi son oeuvre de plus de 10 000 illustrations, commentés par Alix Paré, historienne de l'art et conférencière, et Valérie Sueur-Hermel, conservateur à la Bibliothèque nationale de France. " Gustave Doré est un artiste complet : dessinateur, graveur, peintre et sculpteur. Son génie dans l'illustration littéraire lui vaut d'être passé dans l'inconscient collectif, d'avoir influencé le cinéma, l'animation, la bande-dessinée et la publicité. Il est l'un des plus doués mais aussi des plus prolifiques dessinateurs du XIXe siècle. (...) Doré a touché à tout : à la caricature des hommes de son temps, au reportage de guerre, à la fable, à la poésie, au romanesque mais aussi à l'allégorie et au paysage. Il a livré des caricatures comiques et des images sérieuses, des visions épiques et des vues contemplatives, il a observé le réel tout en étant virtuose dans la fantaisie. Il nous semblait nécessaire de partager ce foisonnement et de révéler cette diversité". Extrait de l'Avant-propos " On appelle ça illustrer un ouvrage : moi, je prétends que c'est le refaire. Au lieu d'un chef-d'oeuvre, l'esprit humain en compte deux. " Emile Zola, à propos des illustrations de Gustave Doré pour Don Quichotte

Cet ouvrage accompagne la toute première rétrospective consacrée au peintre d'histoire Louis Licherie (Dreux, 1642-Paris, 1687). Organisée par le musée Thomas Henry de Cherbourg-en-Cotentin, qui possède l'un des plus beaux tableaux de Louis Licherie, cette exposition permet de redécouvrir l'oeuvre d'un artiste très mal connu et relégué parmi les "suiveurs" du peintre du Roi-Soleil Charles Le Brun. Rédigé par François Marandet, l'ouvrage montre au contraire le cheminement insolite qui fut celui de Louis Licherie. A la différence de ses confrères de l'Académie royale de peinture et de sculpture, il ne fut pas intégré dans les grands chantiers royaux de l'époque quoiqu'il fût doté d'un sens excellent de l'observation. En témoignent ses fonctions de professeur de dessin à la Manufacture royale des Gobelins, assurées dès 1666, tout comme son agrément et sa réception simultanés à l'Académie royale, en 1679, ce qui n'arrivait alors presque jamais. Louis Licherie peignit une majorité d'oeuvres religieuses, mais le plus surprenant reste l'étendue de ses aptitudes. Outre ses grands décors pour de riches particuliers, il fut l'auteur d'illustrations méticuleuses d'almanachs et de vues panoramiques de sites. Les talents de Louis Licherie comme paysagiste, qui resurgissent dans ses peintures d'histoire comme chez Nicolas Poussin, rendent sa personnalité d'autant plus rare et attachante.

La Bourse de Commerce accueille la première rétrospective de l'artiste américain Mike Kelley (1954-2012) depuis son décès. Tandis que la rotonde célèbre les Kandors Cities, hommage à Superman et présentées pour la première fois dans leur intégralité, le second étage revient sur le parcours de l'artiste provocateur et décomplexé. Visionnaire, Kelley aura été l'un des grands explorateurs de notions encore aujourd'hui d'actualité : mémoire collective et individuelle, rapports de genres, rapports de classe... La collection invite en parallèle trois autres artistes femmes, de générations différentes, qui ont elles aussi exploré et déconstruit les mythologies américaines : Lee Lozano (1930-1999), Mira Schor (1950-) et Ser Serpas (1995-). Tous les quatre dénoncent avec une ironie critique et féroce les travers de la société américaine telle qu'elle a été forgée depuis l'après-guerre et s'appuient notamment sur les contre-cultures. Ces artistes livrent une oeuvre à la fois intime et collective et dressent ensemble un portrait acerbe de l'Amérique et de ses mythes, avec autant d'autodérision que de profondeur, de dureté que de poésie. Beaux Arts Editions accompagne les quatre expositions, avec une publication qui revient largement sur l'oeuvre de Mike Kelley (pour 2/3) et les parcours et oeuvres de Lee Lozano, Mira Schor et Ser Serpas.

Norman Foster est une figure incontournable de l'architecture internationale, dont l'oeuvre a été récompensée par de multiples prix, dont le prestigieux Pritzker Prize. Sa trajectoire singulière l'aura d'abord conduit de Manchester jusqu'à l'université Yale, où il s'est rapproché de Richard Rogers, l'un des créateurs du Centre Pompidou, avec lequel il va fonder sa première agence. Au fil des années, Norman Foster s'est penché sur tous les types de programmes : maisons, écoles, musées, sièges d'entreprise, gratte-ciel, aménagements urbains, installations maritimes, lignes de métro et aéroports. Au total, ce sont plus de 400 projets qui ont été conçus par son agence, Foster + Partners. Disséminées dans le monde entier, ses réalisations iconiques ont transformé le visage et l'organisation de nombreux espaces urbains. S'il a pu être considéré comme une figure importante du courant high-tech en raison du haut degré d'innovation technologique dont témoignent ses constructions, Norman Foster a privilégié une architecture respectueuse de l'environnement, soucieuse de réconcilier biosphère et technosphère - une architecture vivante, tournée vers un futur résolument écologique. A travers cette grande rétrospective, le Centre Pompidou propose aujourd'hui d'entrer dans l'oeuvre de cet architecte hors norme, attentif aux évolutions du monde et aux façons toujours nouvelles de l'habiter.

Né en 1948, Philippe Vallois est un cinéaste singulier. Sa vie est un roman vitaliste et son oeuvre un labyrinthe. Après des films sortis en salle, dont certains sont devenus des icônes de l'underground homo comme Johan (1976) et Nous étions un seul homme (1979), après des créations pour la télévision comme le portrait-nébuleuse de l'artiste Huguette Spengler (I 984),Vallois n'a jamais cessé de croire en sa bonne étoile de cinémagicien. L'évolution des techniques du cinéma lui a permis, en solitaire quasiment, de faire avec une caméra ce qu'un écrivain fait avec sa plume. Se sont succédé, en DVD et en festival, des films comme Un parfum nommé Sald (2003), Sexus Dei (2006), L'Adieu à Moustafa (2018), Les Guerres de Christine S. (2023) et des rétrospectives en France et à l'étranger. Un Prix Philippe Vallois a été créé et décerné au Festival queer Ecrans Mixtes de Lyon, en mars 2023, récompensant un film de la programmation pour son audace et sa liberté. Dans La Passion selon Vallois, paru chez EO en 2013, Ivan Mitifiot évoquait sa "caméra soleil". Dans ce tome II consacré aux souvenirs de sa "décennie morbide" du sida (1987-1997), la caméra devient "cinéthérapie". Le livre est ici accompagné du DVD du film Dissidence, créé durant le confinement à partir de scènes tournées dans les années 90 et d'interviews avec le professeur Jean-Marie Andrieu, franc-tireur de la recherche contre le sida. Livre et film se font ainsi écho : dissidences sexuelle, médicale et artistique et kaléidoscope en mémoire de Jean, compagnon corps à coeur et âme frère.

Devenu l'un des auteurs emblématiques de la "nouvelle bande dessinée" , et avec plus de 160 livres à son actif, Lewis Trondheim s'est essayé à tous les genres. Il est aussi membre fondateur de l'Oubapo (Ouvroir de bande dessinée potentielle), cofondateur de l'Association, et dirige la collection "Shampooing" aux éditions Delcourt. Il a contribué à la création du SNAC BD (syndicat des auteurs de bande dessinée) et a inventé le "Fauve" devenu la mascotte du festival d'Angoulême, manifestation qui l'a couronné de son Grand Prix en 2006. Cette carrière d'une richesse remarquable le place au carrefour de toutes les évolutions récentes de la bande dessinée. D'habitude peu enclin aux interviews et aux apparitions médiatiques, Lewis Trondheim s'est cette fois longuement entretenu avec Thierry Groensteen, théoricien et historien de la bande dessinée, et ami de longue date. Le texte qui en résulte éclaire non seulement un parcours artistique aux avant-postes de la création contemporaine, mais également une personnalité intègre, un esprit agile et inquiet, un tempérament joueur. Ce recueil d'entretiens, illustré de nombreux documents rares ou inédits fait le bilan - provisoire - d'une carrière étonnamment féconde. Enrichi du témoignage d'une dizaine de proches de Lewis, cet ouvrage paraîtra à l'occasion de l'exposition rétrospective "Lewis Trondheim fait des histoires" présentée au musée de la Bande dessinée d'Angoulême de janvier à mai 2020.

Devenu l'un des auteurs emblématiques de la "nouvelle bande dessinée" , et avec plus de 160 livres à son actif, Lewis Trondheim s'est essayé à tous les genres. Il est aussi membre fondateur de l'Oubapo (Ouvroir de bande dessinée potentielle), cofondateur de l'Association, et dirige la collection "Shampooing" aux éditions Delcourt. Il a contribué à la création du SNAC BD (syndicat des auteurs de bande dessinée) et a inventé le "Fauve" devenu la mascotte du festival d'Angoulême, manifestation qui l'a couronné de son Grand Prix en 2006. Cette carrière d'une richesse remarquable le place au carrefour de toutes les évolutions récentes de la bande dessinée. D'habitude peu enclin aux interviews et aux apparitions médiatiques, Lewis Trondheim s'est cette fois longuement entretenu avec Thierry Groensteen, théoricien et historien de la bande dessinée, et ami de longue date. Le texte qui en résulte éclaire non seulement un parcours artistique aux avant-postes de la création contemporaine, mais également une personnalité intègre, un esprit agile et inquiet, un tempérament joueur. Ce recueil d'entretiens, illustré de nombreux documents rares ou inédits fait le bilan - provisoire - d'une carrière étonnamment féconde. Enrichi du témoignage d'une dizaine de proches de Lewis, cet ouvrage paraîtra à l'occasion de l'exposition rétrospective "Lewis Trondheim fait des histoires" présentée au musée de la Bande dessinée d'Angoulême de janvier à mai 2020.

Jean-Marie Barnaud (né en 1937) est un poète discret, même s'il est largement reconnu dans le monde de la poésie (prix Apollinaire, prix Georges Perros, exposition rétrospective à la Bibliothèque de Charleville, chroniqueur éminent de remue. net). Il a bâti au fil des décennies, dans la proche parenté de Jaccottet et Bonnefoy, au reste très attentifs à son travail, une oeuvre d'une cohérence et d'une constance rares. Riche de seize livres tous publiés à Cheyne, cette oeuvre poétique, qui s'est accompagnée de romans et récits chez Gallimard et Deyrolle notamment, est toute entière vouée à formuler les arguments de la beauté subsistante au coeur des incessants démentis et des inévitables cruautés de l'existence individuelle et de l'histoire collective. On y entend d'un bout à l'autre une voix sobre, pudique, d'une bouleversante humanité dans sa retenue même et qui parle d'emblée intimement au lecteur. Le geste littéraire ici est étroitement tributaire d'une exigence éthique sans faille, comme la manifestaient un Paul Celan ou un Claude Simon, avec lequel le poète a correspondu. Le présent volume qui reprend des poèmes extraits de plusieurs des recueils majeurs de l'auteur et qui est préfacé par le poète et critique Alain Freixe, doit permettre de mieux distinguer la voix haute et singulière de Jean-Marie Barnaud dans la génération des Noël, Venaille, Bancquart ou Deguy.

Comment les enthousiasmes de Mai 68 ont-ils cédé le pas au désarroi des années 1980 et 1990 puis au fatalisme qui, depuis les années 2000, barre notre horizon politique et intellectuel ? Pourquoi la gauche s'est-elle enlisée dans un réalisme d'impuissance ou dans des radicalités de posture, au point de laisser le souverainisme républicain et le national-populisme conquérir les esprits ? Pierre Rosanvallon se confronte ici à ces questions d'une double manière. En tant qu'historien des idées et philosophe politique, il s'attache à réinscrire les cinquante dernières années dans l'histoire longue du projet moderne d'émancipation, avec ses réalisations, ses promesses non tenues et ses régressions. Mais c'est également en tant qu'acteur et témoin qu'il aborde la lecture rétrospective de la séquence dont Mai 68 a symbolisé l'amorce. Son itinéraire personnel, les entreprises intellectuelles et politiques qui l'ont jalonné et les personnalités qui l'ont accompagné renvoient plus largement à l'histoire de la deuxième gauche, avec laquelle sa trajectoire s'est pratiquement confondue, et, au-delà, à celle de la gauche en général, dont l'agonie actuelle vient de loin. A travers le retour sincère et lucide sur son cheminement, avec ses idées forces et ses doutes, ses perplexités et ses aveuglements, c'est une histoire politique et intellectuelle du présent que Pierre Rosanvallon retrace, dans des termes qui conduisent à esquisser de nouvelles perspectives à l'idéal d'émancipation.

La grande originalité de ce livre, c'est de présenter une synthèse d'ensemble de l'historiographie française contemporaine, sous la forme d'une rétrospective raisonnée sur la discipline historique en l'espace de cinquante ans. Comment la production du savoir historique s'inscrit-elle dans la société ? Sur quelles bases repose la logistique de la recherche ? Quels ont été les grands débats historiographiques ? Comment ont évolué les divers champs du savoir ? Tels sont les problèmes majeurs abordés ici. En même temps, on s'est attaché à apporter une réponse à la question souvent posée : y a-t-il une " crise " de l'histoire en France ? Ce qui renvoie à une autre interrogation : dans quelle mesure peut-on parler d'une " école historique française ", avec ses règles, ses références, ses grands auteurs, son rayonnement ? En fait, ce qui frappe le plus dans ce portrait d'un demi-siècle, c'est moins le caractère foisonnant et prolifique de la production historique que ses capacités de mutation et de renouvellement. De là, dans ce bilan de cinquante années d'historiographie, la large place accordée aux transformations qui ont affecté le métier d'historien et qui ont bouleversé son statut, son rapport au public et jusqu'à son identité. De là aussi l'ambition de cet ouvrage, qui se veut tout à la fois un guide de réflexion et une lecture critique du travail des historiens français entre 1945 et 1995.

Le développement demeure un enjeu considérable dont les perspectives à l'horizon 2050 s'annoncent très différenciées géographiquement. Si la récente pandémie interroge la façon de concevoir un cheminement de développement et interpelle la façon d'aborder le temps, plus que jamais pourtant, la construction prospective semble nécessaire pour guider l'analyse et l'action. Pour y parvenir, il est indispensable de tenir compte de l'histoire longue des sociétés étudiées.
Les sentiers historiquement parcourus sont à l'origine de structures et de comportements qui pèsent fortement sur les évolutions à venir. Pour les identifier, il faut donc procéder à une analyse rétrospective avant de dessiner les scénarios susceptibles de se réaliser dans le futur. Cette dernière étape de l'analyse prospective s'appuie sur l'identification des variables et institutions essentielles du développement.
Certaines, comme la démographie, l'éducation, le rôle de l'Etat, ont été depuis longtemps mises en avant par les économistes du développement. Dans le contexte de la mondialisation actuelle, de nouveaux facteurs jouent un rôle décisif. Cet ouvrage, qui mobilise une vaste expertise, interroge l'avenir du développement. Les trois premiers chapitres conduisent une analyse prospective pour les trois grandes régions que sont l'Afrique subsaharienne, l'Amérique latine et l'Asie.
Ils sont complétés dans les chapitres suivants par des études prospectives plus fines sur les évolutions de la démographie, du secteur agricole et du monde rural.

Cette monographie rétrospective est une tentative de dire l'oeuvre d'Henri Cueco dans son ensemble, depuis les premières toiles exposées au Salon de la Jeune Peinture jusqu'à la disparition de l'artiste en 2017, et dans sa diversité, à la fois oeuvre peinte, dessinée, mais aussi installations, tapisseries, décors de théâtre... Dès les années 60, Cueco développe une peinture figurative qui s'interroge sur les corps, sur l'ambiguïté des désirs et la violence des rapports humains, sur la tension entre la place de l'homme dans la nature et son occupation des espaces urbains. Toutes ces thématiques, essentielles, sont fondatrices de toute l'oeuvre à venir. Cueco est un artiste travaillant en séries, épuisant un thème, une figure pour passer à une autre, mais capable d'y revenir, l'air de rien, des années après. Son oeuvre se tient sans cesse entre ordre et désordre, entre articulation et désarticulation, autour d'une grande question qui est essentiellement celle de notre rapport à la nature. Si Cueco a peint et dessiné de nombreux animaux, moutons, cochons, serpents... , ce sont, parmi les figures animales, les chiens qui reviennent le plus régulièrement dans son oeuvre. S'il s'intéresse plastiquement aux chiens, dont les formes et les lignes le fascinent, c'est bien leur proximité avec l'humain qui l'intéresse et le pousse à faire, souvent, du chien un double métaphorique de l'homme, entre domestication et sauvagerie, entre nature et culture.

De ses liens avec l'histoire de l'art à sa dimension sociale et politique, Viva Varda ! parcourt les grands thèmes de l'oeuvre polymorphe d'Agnès Varda (1928-2019). La photographe, cinéaste et artiste a déployé sur soixante-dix ans une oeuvre personnelle et fondamentalement ancrée dans le temps. Sa filmographie compte plus de quarante courts et longs-métrages naviguant entre fiction et documentaire, dont les incontournables Cléo de 5 à 7 (1962), Sans toit ni loi (1985), Les Glaneurs et la Glaneuse (2000) et Visages Villages (2017). Précurseuse de la Nouvelle Vague, elle est l'une des rares femmes de sa génération à avoir fait carrière en tant que réalisatrice. Globe-trotteuse et artiste de conviction, Varda témoigne aussi d'une grande attention au monde et aux bouleversements sociaux. Son oeuvre, traversée par les thèmes du féminisme et de la marginalité, demeure d'une très grande actualité. Ce livre, sous la direction de Florence Tissot, accompagne la première exposition rétrospective d'Agnès Varda, conçue par la Cinémathèque française. Il regroupe des textes de spécialistes français et anglo-saxons, ainsi qu'une filmographie commentée par de nombreuses personnalités. Préfacé par Costa-Gavras, il est illustré de plus de 300 documents (archives, images de films, oeuvres d'art, photographies, etc.), dont de nombreux inédits, provenant en grande partie des archives personnelles d'Agnès Varda conservées à Ciné-Tamaris, la société familiale qu'elle a créée, gérée par Rosalie Varda et Mathieu Demy.

"La peinture réduite à elle-même : des couleurs sur une surface, l'absolu de la peinture et une peinture absolue. Silencieusement. Le matériau porté à l'incandescence. Le symbolique pur de toute signification, objet, image. Quelques plages de couleurs : la lumière qui en émane, irradie d'elles comme l'obscurité qui les hante, inconnue, inconnaissable". Tels sont les premiers mots de ce bref et lumineux essai, qui en contiennent déjà tout le propos, à l'heure où s'ouvre à la Fondation Vuitton une grande rétrospective consacrée à Rothko. On comprend que cette oeuvre splendide ait fasciné Ishaghpour. Elle incarne l'impossible mariage entre une tradition juive intériorisée qui interdisait les images et la peinture dont l'histoire même magnifie l'image. Rothko, né Rothkowitz à Dvinsk, dans l'actuelle Lettonie, en 1903, venu à l'âge de dix ans à Portland en Oregon, n'était pas destiné à devenir peintre. Son initiation à la peinture prend la forme d'un parcours de misères. Mais ses rencontres avec Newman, Still, De Kooning, dans une Amérique en quête d'affirmation par rapport à la peinture européenne, lui permettront de réaliser sa recherche d'absolu en créant une épiphanie visible de la lumière qui n'est pas avant les couleurs mais en elles. Un essai grandiose, indispensable, qui ne cherche pas tant à lever "le voile" sur une peinture profondément tragique qu'à le rendre visible.

Lamiel est la dernière grande fiction de Stendhal, laissée en plan (s) par la mort de l'auteur en 1842. Lamiel, dont l'intrigue se déroule dans les dernières années de la Restauration et le début de la monarchie de Juillet, est aujourd'hui encore un roman très méconnu, et pour des raisons qui ne tiennent pas seulement à son inachèvement. C'est à une réévaluation de cette oeuvre déconcertante que s'attache la présente étude. Beaucoup moins réaliste que Le Rouge et le Noir, Lamiel, rétrospective " chronique " des temps assez peu historique, conte la destinée d'une héroïne qui monte de Normandie à Paris, sans daigner écouter les innombrables sermonneurs qui lui veulent du bien. Tôt affranchie par le singulier et lucide docteur Sansfin, amorale, avant tout respectueuse de sa sacro-sainte liberté - " Ne suis-je pas maîtresse de moi ? " est la phrase qui résume son credo existentiel et éthique -, Lamiel emprunte des chemins non balisés, fait scandale parce qu'elle trace sa propre route. De là à faire de cette rebelle une féministe avant l'heure, il n'y avait qu'un pas, souvent allègrement franchi. A tort ou à raison ? Les réponses sont dans le (s) texte (s). Obstinément attaché à la lettre, s'interdisant soigneusement toute " textrapolation " inspirée, se gardant de toute dérive historique, thématique ou symbolique, dans un langage délibérément simple, Stendhal littéral, Lamiel se veut une (re) lecture précise, rigoureuse, contrôlable, de l'ultime grand roman de Stendhal.

Dès le IVème siècle avant JC. Pytheas, originaire de Massalia (l'antique Marseille), avait mentionné l'existence de ces terres où "le soleil ne se couchait jamais". Il faudra attendre douze siècles et l'épopée des navigateurs Vikings pour aller au-delà de la mythique "TULE ", mais ce n'est qu'à partir de la fin du XVème siècle, cinq ans après la découverte de l'Amérique, que l'on peut parler d'une amorce d'exploration "des Contrées du Grand Nord". Au cours de la seconde moitié du XVIème siècle, on dénombre cinq expéditions successives, tandis que pendant chacun des deux siècles suivants se déroulèrent respectivement trois missions. L'expansionnisme du XIXéme verra l'organisation de vingt et une expéditions, dont certaines s'achevèrent tragiquement. Le XXème siècle verra naitre la revendication de la conquête du Pèle par deux Américains, Peary et Cook qui, de façon contradictoire en avril 1908, prétendirent l'avoir atteint sans preuve incontestable de l'un ni de l'autre. Finalement cet exploit sera avéré en mai 1926, grâce à Roald Amundsen et Umberto Nobile, qui s'y posèrent à bord du dirigeable Norge... étant précisé que le premier homme à avoir, sans conteste, atteint le Pèle Nord à pied avec des traïneaux à chiens fut le britannique Wally Herbert le 6 avril 1969 ! (trois mois avant la première marche sur la lune). La présente rétrospective illustrée retrace l'une des grandes aventures de l'Humanité qui dura vingt-cinq siècles.

" Il y a de ces trucs qui vous donnent envie d'arrêter tout, puis de prendre la décision irrévocable de quitter votre pays natal pour ne jamais y revenir. Plaquer père et mère, frères et sours, tant le dégoût est insurmontable. Alors que les gens naissent avec le cour sur la main, ils finissent par grandir l'estomac dans les talons, nuit et jour. Par suite, on en arrive même à perdre la foi, quelque pieuse et dévote eût été notre éducation. " Dans un tumulte permanent, aussi violent que les sentiments qui se télescopent dans sa tête chamboulée par l'usage abusif de substances illicites, le narrateur retrace le chemin, aussi tragique et complètement délirant fût-il, qui l'a conduit par des paliers de plus en plus brinquebalants à tomber sous les balles de son propre géniteur, d'une arme qu'il lui avait achetée comme avec le secret espoir que ce dernier en ferait usage contre lui le jour venu, puisque tel était le destin tristement évident de cet homme, le narrateur Marvin Gaye de son nom, et tel était également le sort funeste qui l'attendait. L'auteur, Georges Monny, à travers cette rétrospective romancée, essaie de suivre du début à la fin le parcours difficultueux qui lui fut imposé depuis sa plus tendre enfance à la notoriété malgré les signes jamais trompeurs d'une mort annoncée de longue date par les fins observateurs en direct de ce mélodrame fou.

Par sa démesure, sa durée et sa brutalité, la bataille de Verdun représente à elle seule toute  l'horreur et toute l'absurdité de la Première Guerre mondiale. Engagée par les Allemands le 21 février 1916, l'offensive durera toute l'année sur un terrain que l'artillerie transforme en antichambre de l'enfer. Bilan : Plus de 300 000 morts et un traumastisme national incurable. Georges Blond raconte en historien l'héroïque boucherie, mais en historien qui s'attache aux hommes plus qu'aux dates. Il semble, à le lire, qu'il a vécu avec les poilus les heures sombres dont les coteaux de Verdun, labourés par les obus et irrigués par le sang des hommes, ont été le théâtre. "Des secondes passent. Encore quelques grenades, mais à l'extérieur. Une mitrailleuse tire sur l'entrée, on entend les balles crever les sacs de terre et  même la toile des sacs s'enflamme, une fumée âcre et noire pénètre. Personne ne bouge. Des minutes. Plus de grenades. Plus de mitrailleuses. On entend toujours le bombardement et les éclats de 75, mais rien d'autre. Les hommes collés au sol et  le long des murs recommencent à bouger." Le récit est accompagné d'un autre, tout aussi célèbre, La Marne, rétrospective d'une autre bataille, victoire de légende dont il convient aujourd'hui de restituer les faits, au-delà de l'image bleu-blanc-rouge qu'on a longtemps trouvée dans les manuels.

A travers l'histoire du magazine automobile le plus connu au monde, découvrez la naissance du hot rod et son évolution. HOT RODT - 75 ans est la rétrospective officielle de l'histoire de ce magazine que vénèrent les passionnés de voitures du monde entier. En rendant compte de tout ce qui touche à la performance automobile, ce magazine est devenu la référence en matière de roadsters, d'architecture "en lance-pierres", de Funny cars, de coupés, de customisation, de courses terrestres, d'abaissement d'assiette, de muscle cars, de Pro Touring et de Street cars les plus rapides d'Amérique. L'auteur, Drew Hardin, nous guide au fil de ces années où l'équipe imaginative de HOT RODT a su capter l'attention de tous les férus d'automobile. Mais les voitures ne sont pas tout, c'est pourquoi ce livre met en avant les personnalités qui ont construit le mythe : les pionniers Alex Xydias, Vic Edelbrock et Wally Parks, les pilotes Don Garlits et Don Prudhomme, les légendes du hot rod Tommy Ivo et Norm Grabowski, les journalistes réputés Gray Baskerville et David Freiburger et les constructeurs précurseurs que furent Boyd Coddington, Pete Chapouris et Chip Foose, pour ne citer que ceux-là. Et ce n'est là que la partie émergée de l'iceberg. Vous rencontrerez des dizaines d'autres personnalités aux côtés de plus de trois cents photos extraites des archives du magazine.

Robert Ross est l'homme qui passe pour avoir fait connaître l'amour homosexuel à Oscar Wilde, alors qu'il était à Cambridge et Wilde, déjà un adulte. Cette anecdote n'aurait que peu d'intérêt si leur brève liaison ne s'était transformée en une amitié indéfectible, fondée sur une rare affinité élective. Alors que Wilde était abandonné de tous après sa condamnation, Ross est celui qui s'est avancé vers son ami amené par la police et a baissé son chapeau sur son passage. Un autre ami de Wilde, aux relations beaucoup plus compliquées avec lui, est Aubrey Beardsley. Jeune prodige du dessin, il invente son style très jeune, un style unique qui l'a mené dans les plus grandes collections du monde (rétrospective au musée d'Orsay en 2020 - illustration en frontispice). Dans ce bref et brillant essai pour la première fois traduit en français, Ross retrace la fulgurante carrière d'un brillant jeune homme tué par la tuberculose à 25 ans. Remarqué par Wilde, il illustre sa pièce de théâtre Salomé - illustrations parmi les plus glorieuses de son oeuvre. Il sera emporté par l'affaire Wilde. Dans une longue préface, " Le naufrage du paquebot Wilde, de ses passagers et de l'orchestre " , Charles Dantzig, également traducteur de l'ouvrage, montre combien la terreur a régné à Londres après le procès Wilde, lequel a malgré lui entraîné dans sa chute plusieurs artistes, et une liberté esthétique.

Avec RetroNews, découvrez l'histoire à partir des grands articles publiés dans les journaux depuis trois siècles. Au programme de ce deuxième numéro, trois grandes thématiques : Elections, Migrations et Boxe, ainsi que des archives et photos exceptionnelles. Le dossier Elections vous fera redécouvrir les campagnes de dénigrement contre Clemenceau en 1893, l'arrivée des sondages en France, ou encore la propagation de l'affichage électoral. Puisque l'actualité brûle autour de la question des Migrations, le deuxième dossier propose une grande rétrospective sur la vie des Arméniens d'Alfortville dans les années 1920, la détresse des réfugiés polonais du Havre, le quotidien de misère des ouvriers marocains de Paris à l'orée de la Seconde Guerre mondiale et un reportage à Ellis Island, "l'île des pleurs" , en 1930. Enfin, que serait la boxe sans la littérature, le journalisme et la photographie ? A travers les articles d'époque, vous pourrez revivre minute par minute le combat dantesque de Marcel Cerdan, futur champion du monde, et ce soir où le Franco-Sénégalais Battling Siki a terrassé le légendaire Georges Carpentier. Autour de ces grands dossiers, de nouvelles rubriques voient le jour, des articles d'époque In Extenso, de la photographie et des formats courts : une interview au long cours de Staline par l'écrivain H. G. Wells, un portrait de Huysmans fraîchement converti au catholicisme, ainsi qu'une série de photos et de caricatures rares illustrant la grande messe électorale à travers l'histoire.

La chorégraphe belge Anne Teresa De Keersmaeker s'entretient ici avec la théoricienne du spectacle et musicologue Bojana Cvejic, afin de détailler les principes chorégraphiques de ses quatre premières ouvres (1981-1986). L'analyse rétrospective qui s'élabore au fil des questions permet ainsi de dévoiler les méthodes et les intuitions des années de formation de cette grande artiste de la danse. D'où naissent les premiers mouvements, les premiers gestes d'une chorégraphie ? Comment des structures complexes se dessinent-elles, pour permettre l'invention joyeuse de principes de composition et de styles performatifs inédits ? Anne Teresa De Keersmaeker fait appel à la précision de sa mémoire pour évoquer les motivations et les mille événements qui ont orienté le choix des mouvements, de la musique, de l'éclairage et de l'architecture spatiale dans ces quatre créations. Elle s'efforce de mettre en lumière ce qui guide "l'organisation des corps et des énergies dans l'espace et le temps", jetant ainsi les bases de son oeuvre chorégraphique. Cherchant a restituer le riche matériau dont chaque chorégraphie est constituée, Anne Teresa De Keersmaeker et Bojana Cvejic ont ainsi imaginé un ensemble de partitions pour Fase, Rosas danst Rosas, Elena's Aria et le Quatuor a cordes n° 4 de Bartok. Chacune de ces partitions associe un compte rendu détaillé de la chorégraphie, illustré de nombreux dessins, schémas, photographies et documents sur le spectacle, à des demonstrations dansées d'Anne Teresa De Keersmaeker.

Pour Sniper, graffeur au talent exceptionnel et mondialement reconnu, l'art véritable ne peut en aucun cas être confondu avec une marchandise. Son travail sur les murs, les autobus, les wagons de métro, les bâtiments historiques, est une façon violente d'exprimer ses positions "antisystème". De Madrid à Lisbonne, Vérone, Rome et Naples, celui dont personne n'a jamais vu le visage et dont la signature est la mire d'un fusil organise avec des graffeurs du monde entier des performances stupéfiantes et illégales. Certaines d'entre elles, particulièrement périlleuses, ont coûté la vie à plusieurs de ses compagnons. C'est le cas de Holden, un jeune graffeur, fils d'un puissant homme d'affaires espagnol, tombé d'un toit en essayant de mener à bien une réalisation artistique. Le père de Holden a mis la tête de Sniper à prix. Alejandra Varela, la narratrice du roman, historienne de l'art urbain, a été chargée par un important éditeur de trouver Sniper afin de lui proposer une grande rétrospective de son oeuvre au MoMA et d'éditer un livre sur lui. Elle le traque en Espagne puis en Italie et va très vite être prise dans un piège mortel en comprenant quels sont les véritables objectifs de cet artiste radical. Ce splendide et passionnant thriller, véritable réflexion sur l'art de la rue, pose aussi la question des rebellions d'aujourd'hui contre nos sociétés soumises aux lois de la finance.

Yayoi Kusama est née en 1929 à Matsumoto, au Japon. L'infini, l'image de soi, la sexualité et la répétition compulsive sont des thèmes dont elle s'empare dès la fin des années 1950, avec les premières itérations de ses peintures Infinity Nets, de grandes toiles couvertes d'un interminable motif constitué de petits points. Ces oeuvres, que l'artiste qualifie d'"obsessionnelles", résultent de l'instabilité psychologique dont elle souffre. Elle part vivre à New York de 1958 à 1973, où elle parvient à s'imposer sur la scène artistique grâce à des créations dans l'air du temps, entre happenings, révolution sexuelle et manifestations contre la guerre du Vietnam. Entre Orient et Occident, ses oeuvres combinent le psychédélisme et la pop culture américaine des années 1960 à d'envahissants motifs répétitifs. Ses installations sont souvent de véritables performances, où elle recouvre le moindre espace de pois, de protubérances phalliques, ou d'un jeu de miroirs infini. Yayoi Kusama est considérée comme une artiste unique en son genre sur la scène contemporaine et ses oeuvres sont exposées par les musées les plus prestigieux à travers le monde. En 1993, elle représente le Japon à la 45e Biennale de Venise. En 1998-1999, une grande rétrospective intitulée Love Forever. Yayoi Kusama 1958-1968 est présentée aux Etats-Unis et au Japon (au Los Angeles County Museum of Art, au Museum of Modern Art de New York, au Walker Art Center à Minneapolis, et au Musée d'art contemporain de Tokyo). En 2012, son travail fait l'objet d'une nouvelle rétrospective à la Tate Modern de Londres, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia à Madrid, au Centre Pompidou à Paris et au Whitney Museum of American Art, à New York. Elle a reçu de nombreuses récompenses et décorations, comme le prix Asahi en 2001, l'Ordre des Arts et des Lettres en 2003, le Praemium Imperiale, prix de peinture décerné par l'Association japonaise des Beaux-Arts en 2006, et l'Ordre du mérite culturel du gouvernement japonais en 2016. Laura Hoptman, historienne de l'art et conservatrice au MoMA, détaille dans son essai le parcours de Yayoi Kusama, entre peintures, performances et installations, tout en précisant le contexte artistique de chaque époque. Poète et critique d'art, Akira Tatehata aborde dans un entretien avec l'artiste la relation avec ses propres oeuvres et leur réception en Asie, en Europe ou aux Etats-Unis. L'historien de l'art Udo Kultermann fait de son côté le point sur Driving Image (1959-1964), une installation fondamentale qu'il a eu l'occasion d'exposer en 1966 à Essen, en Allemagne. Yayoi Kusama a également sélectionné des poèmes de Takuboku Ishikawa, célèbre poète ayant, comme elle, fait preuve d'une grande innovation formelle pour exprimer ses souffrances. Plusieurs écrits de Yayoi Kusama sont également présentés dans cet ouvrage, avec des interviews, des notes inédites sur ses happenings des années 1960 à New York, son manifeste de 1975, ainsi qu'une conversation avec Damien Hirst. Enfin, Catherine Taft se penche sur les créations les plus récentes de Yayoi Kusama, et sur la manière dont elles s'inscrivent avec toujours autant de pertinence dans le discours de l'art contemporain.

A l'occasion d'une rétrospective de son travail dans une galerie, Elaine Risley, une artiste-peintre controversée, retourne à Toronto sur les lieux de son enfance. Hier puritaine et grise, aujourd'hui éclatante de la lumière des néons, la ville provoque chez Elaine un choc qui fait rejaillir les souvenirs de son enfance. Pendant la semaine qu'elle y passe, l'attention d'Elaine, et celle du roman, se concentrent sur le passé et sur l'introspection. Et au milieu des images diverses qui remontent à la surface de sa mémoire, revient celle qui a peut-être le plus pesé sur son destin : l'image de Cordelia, son amie d'enfance, sa tourmenteuse, son double. Entre passé et présent, la vie de la narratrice se dévoile et l'on suit les premières années de son arrivée à Toronto. Là, Elaine rencontre Carole, Grace et Cordelia. Ensemble, les petites filles mettent en place un monde à elles, loin des préoccupations des adultes et où se jouent des tragédies silencieuses, des drames étouffés. Puis les années passent et Elaine continue son chemin, mais garde en elle le souvenir de cette période étrange, où s'enracine sa mémoire et ses oublis, et qui est le terreau dans lequel s'inscrit son art. Avec ce magnifique roman de formation, Margaret Atwood fait tourner devant nous son œil-de-chat, cette bille fétiche, où se trouve reflétée la vie de toutes les femmes, de toutes les petites filles qu'elles ont été.

Moderniste anglais alliant fascination pour la paysage naturel et vision très personnelle du monde réel et imaginaire, Paul Nash a créé une oeuvre extraordinaire qui le classe parmi les plus importants artistes britanniques du XXe siècle. Méconnu en France, l'oeuvre de Paul Nash est façonné par une approche multidisciplinaire mais aussi par l'intérêt de l'artiste pour des sujets allant des poètes mystiques à l'archéologie, en passant par la photographie et le design. Inspirée par la nature, transformée par les deux guerres mondiales vécues au plus près et influencée par une prise de conscience croissante de sa condition mortelle, la perspective originale de Paul Nash s'exprime à travers des explosions visuelles puissantes, telles que celles se manifestant dans la série Sun & Sunflower (Soleil et tournesol). Première rétrospective en France, l'exposition présentée à la fondation Vincent van Gogh Arles sera l'occasion de découvrir une trentaine d'oeuvres de Paul Nash mais aussi des documents complémentaires. Photographies et archives mettrons ainsi en lumière un aspect peu étudié de l'artiste : l'influence du Sud de la France et des peintres français (comme Paul Cézanne et Jean Lurçat) sur Paul Nash lors de ses différents séjours dans les années 1920 et 1930, dont un bref passage à Arles. Ce catalogue, premier en français consacrée à l'artiste britannique, permettra de découvrir l'oeuvre de Paul Nash à travers les textes éclairants de Simon Grant, commissaire d'exposition travaillant à la Tate et spécialiste du moderniste anglais, et de Michael Bracewell, romancier anglais déjà publié en France.

Le Travail , la lutte et les passions. Tels sont les thèmes des quatorze bronzes décoratifs belges récemment offerts au musée de Roubaix par Philippe et Françoise Mongin, généreux couple de collectionneurs parisiens. Présentée pour la première fois au public de La Piscine, cohérence avec la rétrospective consacrée à Jules Adler. le "peintre des humbles" cette donation constitue le coeur d'une exposition-dossier et de cette publication. De Constantin Meunier (1831-1905) à Joseph Witterwulghe (1883-1967) en passant par Jef lambeaux (1852-1908), ce sont trois générations de sculpteurs qui sont évoquées. Les sujets réalistes liés au monde du travail et des travailleurs y côtoient une veine plus légère, autour de l'amour et des bacchanales, tandis que se mêlent les héritages du romantisme, du naturalisme et de l'exubérance de la peinture flamande du Siècle d'or. Dans les collections de La Piscine où elles rejoignent les oeuvres de Rémy Cogghe. mais aussi de Philippe Wolfers, Georges Higuet ou Georges Mime, ces pièces soulignent un tropisme belge ancien et fondateur pour la ville de Roubaix et pour son musée. La proximité géographique et les besoins considérables de main d'oeuvre d'une industrie textile (lainière notamment) en pleine expansion ont en effet alimenté au XIXe et au début du XXe siècles une très importante immigration flamande dans toute la métropole lilloise, et notamment dans les villes de Roubaix et Tourcoing on la thèse de l'art social défendue par un artiste comme Constantin Meunier trouve un écho évident.

Sur les routes de l'Espagne pour résoudre l'énigme d'un tableau et celle d'un ami disparu. Quand Yves Harté aperçoit le très célèbre tableau du Greco, El caballero de la mano en el pecho (Le Chevalier à la main sur la poitrine), lors d'une rétrospective à Tolède, une chose l'intrigue : la note qui accompagne le portrait diffère d'une autre qu'il a lue autrefois. La première assurait que le modèle était un notable sage et obscur, celle-ci affirme qu'il s'agit d'un aventurier du Siècle d'or, espion et courtisan de Philippe II. Laquelle est vraie ? L'auteur décide de mener l'enquête en Espagne. Plus il progresse au coeur du pays, plus lui revient en mémoire le souvenir d'un ami avec qui il avait déjà voyagé sur ces terres : Pierre Veilletet, écrivain et journaliste, qui l'aida à ses débuts. Comme l'un des deux modèles évoqués pour le portrait, cet aîné extravagant, drôle et affabulateur cherchait une reconnaissance qui ne venait pas, jusqu'à ce qu'un jour il décède dans la solitude. Son absence pèse à l'auteur. Au fil des routes ensoleillées et poussiéreuses d'une Espagne qui change, la figure du caballero et de l'ami se superposent au point de se confondre. Dans ce récit sensible à l'écriture éblouissante, Yves Harté livre une réflexion intime sur l'amitié masculine et les rêves des hommes, qui meurent parfois de ne pas les atteindre.