Au-delà du romantisme. Ecrits sur l'art
Extraits
Critique littéraire
Au-delà du romantisme. Ecrits sur l'art
Baudelaire critique d'art ne cesse jamais d'être poète : "Il m'arrivera souvent, écrit-il, d'apprécier un tableau uniquement par la somme d'idées ou de rêveries qu'il apportera dans mon esprit". Autrement dit, il décrit comme il flâne, avec une acuité de perception que seule rend possible une disponibilité parfaite à l'oeuvre contemplée. C'est à ce titre qu'il encense Delacroix, "peintre essentiellement littéraire", et qu'il raille la ligne dure du dessin d'Ingres. Cette connivence entre peinture et poésie revêt des formes multiples : de la relation classique d'une exposition à la définition de "l'art philosophique", en passant par un éloge en règle du dandysme ou du maquillage, ses écrits sur l'art témoignent d'une pensée toujours mobile, insoucieuse des genres et des hiérarchies, fécondée par les correspondances qu'elle décèle. Ce volume contient : Exposition universelle de 1855 - L'Art philosophique Salon de 1859 - Le Peintre de la vie moderne Peintres et aquafortistes - L'Oeuvre et la vie d'Eugène Delacroix - Lettre à Manet du 11 mai 1865.
01/2021
Critique littéraire
Ecrits sur l'art
Eparse, la critique mallarméenne ne découle pas d'une esthétique préétablie. Elle concourt toutefois à en jeter les fondements en ouvrant des perspectives qui semblent étrangères les unes aux autres : l'objet décoratif, la mode, le livre, la peinture, la musique et la danse ont, au même titre, sollicité la réflexion du poète. Celle-ci s'est nouée à l'écart des cénacles artistiques de son temps. Mallarmé a tissé des liens d'amitié partagée avec des peintres (Manet, Whistler, Berthe Morisot...) ; dans sa revue, La Dernière Mode, entièrement conçue et rédigée par lui, il a élaboré peu à peu une esthétique du quotidien, sur laquelle il réglera sa conception de l'image. De la mode à l'impressionnisme, une même logique se déploie, qui gouverne également l'oeuvre poétique : "Evoquer, dans une ombre exprès, l'objet tu, par des mots allusifs, jamais directs, se réduisant à du silence égal, comporte tentative proche de créer."
10/2018
Beaux arts
Ecrits sur l’art
Jean Laude a marqué les esprits par ses positions singulières liées à son parcours original : il est historien de l'art mais également ethnologue poète et enseignant. Comme il aimait les sujets neufs et se méfiait des catégories établies, il sut tisser des liens intelligents et sensibles entre les formes d'art moderne occidentales et les oeuvres d'Afrique noire. Après avoir travaillé au Musée de l'Homme tout en suivant les enseignements déterminants de Marcel Griaule et de Claude Lévi-Strauss, puis de Pierre Francastel et d'Etienne Souriau, il fut à son tour un extraordinaire professeur, qui forma des générations d'historiens et d'historiennes de l'art attachés à son attention aux formes et à tout ce qui fait naître, vivre et mourir les oeuvres d'art dans une société donnée. Au moment où l'on s'intéresse de plus en plus à l'anthropologie des formes, chacun de ses textes vaut pour leçon. Ses écrits sur l'art sont réunis pour la première fois dans ce volume.
09/2019
Ecrits sur l'art
Ecrits sur l'art
Les Ecrits sur l'art rassemblent les articles, préfaces, hommages et études monographiques que Jean Cocteau a consacrés aux artistes qu'il a côtoyés et admirés. Notamment les principaux représentants de l'avant-garde, Gleizes, Picasso, Braque, Dalí, Delaunay, Modigliani, Dufy, Matisse, Lipchitz, Picabia, Man Ray et De Chirico ; tout en y incluant les femmes artistes actives en cette période, Abbott, Krull, Madame d'Ora, Laurencin, Lagut, Fini, Vautier. L'ouvrage contient les éloges aux maîtres du passé qu'il a pris pour modèles : le Greco, le Douanier Rousseau, Watteau, Toulouse-Lautrec, Cappiello, Vermeer, Cézanne, Tiepolo, Rembrandt, de Vinci, Van Gogh, Morisot, Ingres, Delacroix ; ainsi que les témoignages de soutien aux jeunes créateurs qu'il a considérés comme des précurseurs dans leur domaine : Bérard, Harold, Bellmer, Clergue, Buffet, Mathieu, Moretti. Ce volume montre comment Cocteau relie les différentes disciplines artistiques : le dessin, la caricature, la peinture, la décoration d'intérieur, le décor de théâtre, la mode, la photographie, la sculpture, la céramique et la tapisserie. Et révèle ses conceptions sur la création artistique en général, tout en livrant un panorama permettant de saisir l'évolution de l'esthétique dans la première moitié du XX ? siècle.
04/2022
Ecrits sur l'art
Ecrits sur l'art
On pourrait dire d'Eugène Carrière (1849-1906) qu'il fut l'homme de son temps et qu'il est par là même, incontestablement, du nôtre. Ami des sculpteurs Rodin et Bourdelle, il fut aussi le proche des plus grands écrivains d'alors, dont il exécuta de fameux portraits : Verlaine, Mallarmé, Daudet... Il lui fallut encore se consacrer à l'enseignement en ouvrant en 1890 l'académie Carrière. Henri Matisse et André Derain, entre autres, y seront ses élèves. Et comme artiste peintre, qui peut encore prétendre ne pas connaître ses toiles étonnantes, comme faites de vague et de pudeur, où dominent des clairs-obscurs aux nuances brunes et grises, où formes et contours semblent tendre au fantomatique et l'évanouissement au profit de l'essence même de la présence ? Enfin, bien sûr, comme s'il pouvait s'agir ici d'une évidence, Eugène Carrière n'a pas manqué non plus d'écrire : sur Rodin, Gauguin, Isadora Duncan, sur l'art antique et sur ses propres conceptions de l'art et de son enseignement. Réunis ici, ces textes ne manqueront donc pas de mettre en lumière cet autre aspect de l'existence et de la création d'Eugène Carrière.
11/2022
Ecrits sur l'art
Écrits sur l'art
Avant de rencontrer "? l'ange terrifiant ? " des Elégies de Duino, achevées en 1922, Rainer Maria Rilke avait croisé le regard énigmatique des anges qui peuplent la peinture italienne, regard faisant signe vers "? le paysage qui brille derrière eux comme une âme qu'ils possèdent en commun ? ". Des deux Lettres de Munich sur l'art en 1897 aux Lettres sur Cézanne en 1907, le poète de langue allemande a éprouvé sa prose au contact des arts visuels, à travers une vingtaine d'études, toutes recueillies dans cette édition, comprenant sept inédits en français. Au cours de cette décennie formatrice, il porta attention tant aux artistes du passé, comme Léonard de Vinci, Fra Bartolomeo, ou Marco Basaiti, qu'aux artistes de son temps, comme Auguste Rodin et Paul Cézanne, mais aussi Heinrich Vogeler et Otto Modersohn, ou, quoiqu'il ne leur consacra directement aucune étude, Clara Westhoff et Paula Modersohn-Becker, qu'il rencontra au sein de la communauté de Worpswede. Ecrire sur les arts, il le dit souvent, c'est avant tout chercher à "? ne pas juger ? ". Etre juste, c'est retrouver dans chaque oeuvre l'étrangeté fascinante de chaque existence singulière, par-delà raisons et fins. "? C'est ainsi que doivent être vues les oeuvres d'art ? : comme de vastes paysages solitaires aux ciels en hautes voûtes, comme de grands arbres sombres, comme des mers s'étendant calmement dans le soir, comme des maisons au loin dans des plaines, comme de beaux enfants qui dorment ou de jeunes animaux qui tètent, comme mille choses de cette vie éternelle et intemporelle que le jour ignore et que l'heure affairée laisse de côté. ? " Dans cette façon étrange qu'ils peuvent avoir de renouer avec la vie cosmique, les arts ont, pour le jeune Rainer Maria Rilke, une portée prophétique, voire messianique. Ils annoncent une vie "? qui ne peut pas encore être vécue aujourd'hui ? ", une vie à venir, une vie nouvelle. En attendant, il reste à faire l'effort, chaque fois, de s'ouvrir à ce qu'on voit, de se défaire du sentiment de peur devant ce qu'on ne comprend pas. "? Nous aurons à nous arrêter souvent devant l'inconnu ? ", dit-il.
10/2023
Beaux arts
Ecrits sur l'art
Ingres, grand peintre, était aussi un pédagogue, et ses maximes prises en note par ses élèves disent ce que fut sa doctrine et ses admirations. A travers ce volume de fragments, rassemblés au XIXe siècle et lu par tous les grands artistes - de Degas à Picasso - le rayonnement de "M. Ingres" a été immense.On retrouve dans ce livre l'éloge de la pureté de la ligne, du dessin, de l'exercice de la main - ainsi que des propos moins attendus sur la couleur, l'émotion en peinture, en somme une philosophie « ingriste » plus nuancée que ce que la postérité a retenu. Ingres, c'est aussi un musicien, qui loue Mozart et Haydn, un admirateur éperdu de Raphaël. La synthèse qu'il tente entre la beauté pure des Grecs et les maîtres de la Renaissance ferait-elle de lui un moderne ? En lisant ce recueil, c'est tout l'esprit de ses élèves dans le plus grand atelier du XIXe siècle, leur culture, leurs références et aussi leurs enthousiasmes que l'on partage.Préface d'Adrien Goetz, historien d'art, spécialiste d'Ingres, auteur de Ingres Collages (2005) et de La Dormeuse de Naples (2004).
05/2013
Beaux arts
Ecrits sur l'art
«Je hais les cuistres qui nous régentent, les pédants et les ennuyeux qui refusent la vie. Je suis pour les libres manifestations du génie humain. Je crois à une suite continue d'expressions humaines, à une galerie sans fin de tableaux vivants, et je regrette de ne pouvoir vivre toujours pour assister à l'éternelle comédie aux mille actes divers. Autant de sociétés, autant d'ouvres diverses, et les sociétés se transformeront éternellement. Mais les impuissants ne veulent pas agrandir le cadre ; ils ont dressé la liste des ouvres déjà produites, et ont ainsi obtenu une vérité relative dont ils font une vérité absolue. Ne créez pas, imitez. Et voilà pourquoi je hais les gens bêtement graves et les gens bêtements gais, les artistes et les critiques qui veulent sottement faire de la vérité d'hier la vérité d'aujourd'hui. Ils ne comprennent pas que nous marchons et que les paysages changent.»Emile Zola.
07/2000
Beaux arts
Écrits sur l'art
Les écrits historiques de Goethe occupent une place décisive dans l'histoire de la culture allemande, à la charnière entre classicisme et romantisme, à l'aube de la modernité ; leur influence est considérable, à l'intérieur comme à l'extérieur de l'Allemagne.
La présente anthologie n'a pas d'équivalent en langue française. Le lecteur y trouvera des textes ayant trait à la littérature, la peinture, la sculpture, l'architecture, la musique et le théâtre. Ils ne rendent pas simplement compte de l'évolution de Goethe ; ils traduisent également l'exceptionnelle richesse de la réflexion d'un auteur dont l'ambition était d'être un homme universel.
04/1996
Beaux arts
Ecrits sur l'art
Marcel Proust, le mondain " petit Proust ", a écrit sur tous les arts confondus. Dans ses notes de lecture, souvenirs de salons, portraits, poèmes, pastiches, on cherchera en vain une hiérarchie esthétique ou une prétention théorique. Ce qui gouverne cet ensemble de textes, qui mêle maîtres anciens et artistes contemporains, Beethoven et Gallé, chefs-d'œuvre et pièces sans conséquence, La Comédie humaine et Le Prince des cravates, littérature, peinture et musique, c'est le goût de l'association, l'examen du fragment, l'instant de la vision. Visiter une exposition, raconter un concert, déceler le tableau dans le livre ou encore désosser le style de Flaubert, c'est dépouiller l'idolâtrie, permettre, donc, " à la manière des oculistes ", l'éducation du regard.
08/1999
Ecrits sur l'art
Écrits sur l'art
" Je crois sincèrement que la meilleure critique est celle qui est amusante et poétique ; non pas celle-ci, froide et algébrique, qui, sous prétexte de tout expliquer, n'a ni haine ni amour, et se dépouille volontairement de toute espèce de tempérament ; mais, - un beau tableau étant la nature réfléchie par un artiste, - celle qui sera ce tableau réfléchi par un esprit intelligent et sensible. (...) Pour être juste, c'est-à-dire pour avoir sa raison d'être, la critique doit être partiale, passionnée, politique, c'est-à-dire faite à un point de vue exclusif, mais au point de vue qui ouvre le plus d'horizons. " Baudelaire, ainsi, est tout entier présent dans ces Ecrits sur l'art qui sont l'autre versant de son œuvre et, en effet, selon son vœu, ouvrent bien plus d'horizons. Car dans ces pages écrites de 1845 à ses dernières années, ce n'est pas simplement le critique d'art des Salons que l'on découvre, mais le théoricien du romantisme et de l'imagination, du beau et du comique dans l'art, et finalement l'écrivain de cette modernité qu'il définit - et qui pour nous s'ouvre avec lui.
03/1999
Ecrits sur l'art
Ecrits sur l'art
Pendant trente ans, Gustave Moreau (1826-1898) nota pour lui-même et pour sa mère des réflexions sur son travail, les sujets qu'il traitait, les oeuvres qui le touchaient, ses lectures, ses rencontres, ses rêves. Ayant interdit la publication de ces textes, il s'y permet une sincérité totale et on y trouvera non seulement des jugements féroces sur ses contemporains les plus illustres, mais surtout les fantasmes du peintre symboliste le plus secret, controversé et troublant de son temps. L'ensemble est établi par Peter Cooke, universitaire anglais, à partir des manuscrits originaux conservés au Musée Moreau, et préfacé par Geneviève Lacambre, ancienne directrice du musée. La première partie du volume rassemble les écrits du peintre sur lui-même et sa propre oeuvre, toute imprégnée par les mythes antiques et les récits bibliques ; la seconde, ceux du Moreau théoricien et critique d'art.
04/2024
Beaux arts
Ecrits sur l'art (1867-1905)
Cette édition rassemble pour la première fois l'ensemble des écrits sur l'art que Huysmans publia entre 1867 et 1905, dont 40 textes jusqu'alors inédits en volume. Découvreur de l'Impressionnisme et révélateur de nombreux talents, Huysmans contribua, par sa critique d'art, à l'évolution des idées esthétiques au tournant des XIXe et XXe siècles et à l'émergence de la peinture moderne. Le premier, il a su percevoir l'avenir du courant impressionniste, apprécier ses couleurs vivres et saisir le rôle nouveau conféré à la lumière, comprendre enfin la révolution qui s'opérait brutalement dans la peinture. De l'art flamand et hollandais des XVIIe et XVIIIe siècles (Bosch, Brueghel, Van Dyck, Hals, Rembrandt...) à l'Impressionnisme (Monet, Manet, Degas, Pissarro, Caillebotte, Gauguin, Cézanne, Seurat...), puis du Symbolisme (Whistler, Moreau, Redon, Rops...) à la redécouverte des artistes primitifs (Grünewald, Van der Weyden...), la critique d'art de Huysmans est une promenade à travers les plus riches heures de l'Histoire de l'art. Peintre du langage, Huysmans pulvérise la pensée au delà de toute notion de genre. A la frontière de la critique d'art et de la littérature, ses écrits esthétiques prennent place aux côtés de ceux de Diderot, Stendhal ou Baudelaire et constituent le témoignage singulier d'un esthète du XIXe siècle sur la peinture, en même temps qu'une invitation à relire son oeuvre de romancier à la lumière de sa conception picturale personnelle, à la fois moderne et hors du temps.
11/2019
Pléiades
Ecrits sur l'art. Tome 2
Plus de cinquante années d'écriture, ponctuées de livres majeurs, Les Voix du silence en 1951, les trois tomes de La Métamorphose des dieux en 1957, 1974, 1976. Une vision globale de la création artistique, née d'expériences personnelles, fondée sur un savoir dominé (et vertigineux), guidée par des conceptions fortes, le Musée imaginaire, la métamorphose. « Ce n'est pas plus une histoire de l'art que La Condition humaine n'est un reportage sur la Chine », écrit Malraux. Connaître, en effet, n'est pas tout. Malraux ne nous « apprend » pas l'art ; il nous le fait aimer et nous permet d'en faire à notre tour l'expérience. Dans son Musée imaginaire, les ouvres, métamorphosées, échappent à leur époque, deviennent présentes, exercent sur nous tout leur pouvoir. Dans cette sorte de Musée imaginaire de la littérature qu'est la Pléiade, ses Écrits sur l'art, reproduits avec leur illustration, trouvent enfin la place centrale qui leur revient.
10/2004
Beaux arts
Ecrits sur l'art 1934-1969
Lettres à ses amis peintres - Barnett Newman, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb -, récits de voyage en Europe, notamment à Paestum où Rothko affirme qu'il a " toujours peint des temples grecs sans le savoir ", descriptions d'étés en famille dans les campus américains où il donne cours, cahiers de notes dans lesquels Rothko parle de l'importance du surréalisme, de Picasso ou de Miro, confessions amères sur le règne des marchands et des critiques d'art, manifestes et réponses à des conservateurs et à des critiques, ces Ecrits sur l'art rassemblent les textes de Mark Rothko depuis ses débuts, en 1934, jusqu'en 1969, un an avant son suicide. Confiés à des musées américains ou conservés par ses enfants, ces écrits étaient jusqu'alors inédits. Ils nous révèlent l'ambition de l'un des plus grands peintres du XXe siècle: " Les tableaux doivent être miraculeux : à l'instant où l'un est achevé, l'intimité entre la création et le créateur est finie. Ce dernier est un étranger. Le tableau doit être pour lui, comme pour quiconque en fait l'expérience plus tard, la résolution inattendue et sans précédent d'un besoin éternellement familier. "
03/2009
Beaux arts
Ecrits sur l'art. L'Art moderne ; Certains ; Trois primitifs
Huysmans a publié trois ouvrages de critique d'art : L'Art moderne (1883), Certains (1889) et Trois Primitifs (1905), composés à partir d'articles parus dans la presse. Après s'être essayé, dans L'Art moderne, au compte rendu de la visite des salons officiels et des expositions impressionnistes, il propose, dans Certains, l'inventaire de ses goûts personnels, en s'attachant à l'étude de peintres - Pierre Puvis de Chavannes, Gustave Moreau, Odilon Redon, Félicien Rops... - et de thèmes particuliers : " Le fer ", " Le monstre ", etc. Dans Trois Primitifs, enfin, il s'attarde sur des artistes jusque-là négligés : constitué d'une monographie de Grünewald et du récit de la visite de l'Institut Staedel de Francfort, ce texte apparaît comme un retour sur l'origine même de son intérêt pour les arts plastiques. Souvent ironiques et pleins de verve, ces écrits présentent un double intérêt : outre qu'on y découvre les peintres de prédilection de Huysmans - de Degas à Caillebotte, en passant par Renoir, Monet et Hokusai -, ils éclairent aussi, par ricochet, ses romans et la fonction singulière qu'y assument les oeuvres d'art.
11/2019
Beaux arts
Du Romantisme à l'Art Déco. Lectures croisées
Les textes réunis dans le présent recueil traitent de domaines ou de questions chers à Jean-Paul Bouillon, à qui l'on doit bien des études marquantes sur l'art des XIXe et XXe siècles, tant par l'ouverture de champs négligés avant lui que par la qualité de ses propositions méthodologiques. On ne s'étonnera donc guère d'y trouver des contributions relatives au dialogue et à la synthèse des arts, à la figure de l'artiste, à la critique d'art, au marché de l'art comme à la notion de "modernité". Les auteurs ont eu à coeur de s'interroger sur la couleur comme sur la relation entre sculpture et musique, de revenir sur des artistes emblématiques tels que Baudelaire, Edmond de Goncourt, Zola, Maurice Denis, Degas, Cézanne ou Kandinsky, d'apporter un éclairage neuf sur des figures moins consacrées aujourd'hui telles que le peintre et théoricien Alexandre Séon, le critique Guillaume Janneau ou le marchand Léon Gauchez. Mais, au-delà de la découverte d'objets ou de relations nouvelles, d'artistes méconnus ou d'autres inédites, il s'agit aussi de porter la réflexion sur l'histoire de l'art elle-même, sur la définition de ses objets de recherche, sur les modèles historiographiques "lettré" ou scientifique, sur l'idée ambiguë d'"ordre" ou celle de hiérarchie artistique, le tout suivant les principes méthodologiques dont Jean-Paul Bouillon s'est fait le défenseur. Ne convient-il pas, à cet égard, de tenter de clarifier la notion même de mouvement artistique pour, avant d'en user ou d'en abuser, saisir celle-ci dans son historicité ? Cette mise au point passe d'abord par la solidité de références que ne déforment plus les a priori dogmatiques ou les schèmes figés d'une histoire de l'art soumise aux diktats "progressistes". L'histoire de l'art retrouve ainsi une pleine légitimité pour traiter du néo-impressionnisme ou du cubisme, du décor religieux comme des Prix de Rome de l'entre-deux-guerres, en marge du récit orthodoxe de la modernité.
04/2011
Musicologie
Le Principe d'incertitude. Ecrits sur l'art
L'édition des écrits de Bernard de Vienne offre au musicien, au mélomane, à l'élève instrumentiste, tout comme à un large public, l'accès, au sein d'un même recueil, à un ensemble de textes de longueurs et de contenus très divers. Leur écriture s'inscrit elle-même dans des contextes variés et a des visées multiples : pédagogiques, esthétiques, historiques, techniques. Ces témoignages des préoccupations d'un compositeur au fil de la création, si l'on peut dire, révèlent sous des lumières changeantes comment ce dernier explore théoriquement et affectivement sa contemporanéité : dans une pleine conscience du poids de la tradition qui n'est jamais réduite à une simple chronologie d'oeuvres et d'hommes, tout d'abord, mais dont il sait extraire les éléments de nature à nourrir son inventivité et son sens de la forme, des moments saillants, incandescents parfois, associés par exemple à des noms comme Carl Philipp Emanuel Bach ou Arnold Schönberg, pour citer deux jalons d'une lignée qui lui est chère.
03/2023
Littérature française
Delf a2. DELF A2: ComprEhension Ecrite
En 2001, c'est le Conseil de l'Europe (CE) a fait publier un recueil essentiel nommé Le Cadre Européen Commun de Référence pour les Langues (CECRL) sous l'objectif d'élaborer et soutenir l'apprentissage et l'enseignement des langues étrangères dans les pays européens. De plus, les trois utilisateurs et 6 niveaux de langues : le premier utilisateur nommé Utilisateur Indépendant réunit A1 (Niveau Introductif ou de Découverte) et A2 (Niveau Intermédiaire ou de Survie), le second utilisateur appelé Utilisateur Indépendant rassemble B1 (Niveau Seuil) et B2 (Niveau Avancé) et le troisième utilisateur nommé Utilisateur Experimenté rassemble C1 (Niveau Autonome) et C2 (Niveau Maîtrise). En somme, ce livre contient des documents de A2 tels que des méls, cartes postales, lettres, textes courts, brochures, etc...
01/2022
Pléiades
Ecrits sur l'art. Tome 1, Oeuvres complètes 4
Plus de cinquante années d'écriture, ponctuées de livres majeurs, Les Voix du silence en 1951, les trois tomes de La Métamorphose des dieux en 1957, 1974, 1976. Une vision globale de la création artistique, née d'expériences personnelles, fondée sur un savoir dominé (et vertigineux), guidée par des conceptions fortes, le Musée imaginaire, la métamorphose. « Ce n'est pas plus une histoire de l'art que La Condition humaine n'est un reportage sur la Chine », écrit Malraux. Connaître, en effet, n'est pas tout. Malraux ne nous « apprend » pas l'art ; il nous le fait aimer et nous permet d'en faire à notre tour l'expérience. Dans son Musée imaginaire, les ouvres, métamorphosées, échappent à leur époque, deviennent présentes, exercent sur nous tout leur pouvoir. Dans cette sorte de Musée imaginaire de la littérature qu'est la Pléiade, ses Écrits sur l'art, reproduits avec leur illustration, trouvent enfin la place centrale qui leur revient.
10/2004
Beaux arts
Une attention aimante. Ecrits sur l'art (1944-1971)
Cet ouvrage rassemble les textes de critique d'art que Jean Grenier a fait paraître de 1944 à sa mort dans divers journaux, magazines et revues. Il donne accès à un ensemble de textes difficiles à consulter à force de dispersion et qui constituent des sources passionnantes concernant l'histoire de l'art français de l'après-guerre. Il permet aussi de compléter la connaissance d'un philosophe, d'un romancier et d'un intellectuel qui a notamment été le professeur de philosophie d'Albert Camus. Tenant la chaire d'esthétique à la Sorbonne et ami des peintres, collaborateur assidu de Combat, L'Express, La N.R.F., Les Lettres françaises, Preuves, La Nef ou de L'Œil, Jean Grenier explore avec intelligence et profondeur, dans un style littéraire particulièrement élégant, l'ensemble du champ de la peinture de son temps, commentant des artistes de premier plan (dont Braque, Chagall, de Staël) autant que des figures moins connues. Il déploie une pensée esthétique d'ensemble qui, sans être systématique ou précisément conceptuelle, est philosophiquement originale. On lui doit d'avoir signalé quelques-unes des difficultés majeures de la création contemporaine, en particulier la question complexe de l'art abstrait.
04/2008
Beaux arts
Romantisme et réalisme. Mythes de l'art du XIXe siècle
Les artistes romantiques nous ont laissé croire que leur art était en conflit permanent avec la tradition. Par la suite, les grands peintres réalistes ont transmis l'image de l'artiste d'avant-garde comme celle d'un héros romantique, et les générations successives n'ont cessé de s'interroger sur le sens de la modernité. Charles Rosen et Hénri Zerner nous proposent ici, une redéfinition de l'art d'avant-garde comme de l'art officiel, et montrent que les relations entre les deux, toujours dynamiques et troublantes, sont si profondément ancrées dans la pensée et dans l'art du XIX siècle qu'il est impossible de les exorciser, voire simplement de les passer sous silence. Dans les articles sur Caspar David Friedrich, Thomas Couture, Thomas Bewick et maints autres artistes, les auteurs indiquent comment il conviendrait de réexaminer et de repenser la mythologie conventionnelle de l'art du XIX siècle. Un second thème conducteur des huit articles qui composent Romantisme et Réalisme est que la distinction fréquemment établie entre le grand art et les autres - art mineur, art populaire, art commercial ou arts appliqués - masque certains des événements les plus intéressants et les plus importants de la création plastique, et au XIX siècle plus particulièrement, rend tout simplement inintelligible l'évolution du "grand art". On trouvera dans cette analyse du romantisme et du réalisme la caricature, la photographie, l'illustration et le dessin de presse - et tous montrent avec suffisamment d'éloquence combien l"art romantique à son plus haut niveau a exigé l'abolition des distinctions traditionnelles entre les genres majeurs et mineurs, entre la tragédie et la comédie, entre le sublime et l'ordinaire, entre Fart, la nature et l'homme.
10/1986
Philosophie
Philosophie de l'art (1912-1914). Premiers écrits sur l'esthétique
Au carrefour de la phnomnologie, du kantisme et de l'existentialisme naissant, intgrant les observation des artistes, des historiens d'art, esquissant une mtaphysique de l'histoire, l'esthtique du jeune Lukcs est un des projets les plus ambitieux que l'on ait entrepris depuis l'idalisme allemand pour explorer l'essence de l'art en toutes ses dimensions. Sa nouveaut rside dans la proximit de l'auteur par rapport la production artistique et dans le fait qu'il n'impose l'art aucune norme, mais qu'il s'efforce de le faire parler lui-mme en se soumettant sa propre logique. Publi en Allemagne aprs la mort de l'auteur, ce livre modifie considrablement l'image de l'uvre lukcsienne et la place qu'il faut lui accorder dans la philosophie du dbut du sicle. La rdaction de l'ouvrage se situe entre l'me et les Formes (1911) et la Thorie du roman (1916), ces deux grands livres de jeunesse dont il dvoile certains fondements systmatiques. En introduisant les concepts de malentendu (l'autonomie de l'uvre par rapport aux sujets crateurs et rceptifs), de la dissonance au coeur des formes artistiques, et de leur historicit, il montre en Lukcs l'un des principaux initiateurs de l'esthtique du xxe sicle. R. Rochlitz
03/1981
Science-fiction
ARC. Au-delà du voile
Une vie même des plus banales peut cacher des aventures extraordinaires : c'est ce que découvre de manière singulière, Céleste, jeune mère célibataire, lorsqu'elle reçoit d'un être immatériel des instructions en langues anciennes. Ces paroles énigmatiques, qu'elle ne comprend pas de prime abord, signent le soudain retour en mémoire de ses incarnations passées. Pan-zu la servante du temple sumérien; Ash,la conceptrice de Sirius; Inn l'Etoile captive: autant de figures incarnées du même être qui se cherche mais qui n'a pas tout oublié de ses origines et de nos origines. Là où l'âme se perd dans un dédale sans fin, Céleste sera guidée par le lien qui l'unit au mystérieux Aya. Et si l'A.R.C était la réponse ultime à tous ses questionnements?
01/2020
Essais
Ecrits sur l'image
Ancien rédacteur en chef des Cahiers du Cinéma, Alain Bergala est critique de cinéma mais aussi un enseignant, pédagogue et grand spécialiste de l'image fixe. Il a écrit de nombreux textes critiques sur la photographie depuis 1976. L'objectif de cet ouvrage est de rassembler et de rendre accessible à nouveau, une sélection de textes importants parus dans les Cahiers du Cinéma et les Cahiers de la photographie de 1976 à 2020 choisis par l'auteur lui-même avec la complicité d'Agnès Sire. Alain Bergala a créé notamment la collection Ecrit sur l'image aux Cahiers du Cinéma associant un écrivain à un photographe. Parmi les contributions les plus marquantes, elle a donné lieu au premier ouvrage de Sophie Calle, Suite vénitienne, en 1983. Alain Bergala a écrit de nombreux textes pour cette collection tels que Les absences du photographe (1984) à propos de Raymond Depardon, véritable tournant dans l'histoire du médium photographique. L'ouvrage comprendra également d'autres contributions parues dans plusieurs revues et monographies sur des photographes contemporains depuis les années 1980 jusqu'à aujourd'hui parmi lesquels Marie Bovo, Robert Frank, William Klein, Sergio Larrain, Bernard Plossu, Denis Roche, Weegee... Ces textes seront répartis selon trois axes thématiques : l'image absente, l'acte photographique et la relation au modèle, ainsi que les liens entre photographie et cinéma. Cette dernière partie sera principalement constituée d'entretiens à bâtons rompus avec des cinéastes notamment un long et remarquable échange avec Wim Wenders, ainsi qu'une sélection d'essais sur plusieurs réalisateurs dont Abbas Kiarostami. Son approche du médium photographique à travers les prismes de l'image fixe et de l'image mouvement, ouvre sur des points de vue inédits. Avec l'éclairage des connaissances actuelles, ces écrits soulèvent de nombreuses questions qui résonnent encore aujourd'hui fortement dans la pratique des photographes contemporains.
10/2021
Ouvrages généraux
Ecrits sur l'Asie
1922. Peu après son retour d'Union soviétique, Albert Londres, bien décidé à rester "journaliste au long cours", embarque pour le Japon. Pour le grand public de l'entre-deux-guerres l'Orient est "compliqué", mais l'Extrême-Orient, presque inconnu. A Tokyo dans la cité "née de l'union d'un typhon et d'un tremblement de terre", le reporter de L'Excelsior et du Petit journal capte la fascinante étrangeté du pays du Mikado, et se lie d'amitié avec Claudel, alors ambassadeur de France au Soleil-Levant. Puis en 1925, c'est le départ pour "la Chine en folie" : en rendre compte, c'est dépeindre son effervescence, son bouillonnement, son chaos : les villes de l'empire du Milieu sont comme des théâtres d'ombres où s'affrontent seigneurs de guerre et mercenaires, nationalistes et communistes, bandits et trafiquants d'opium. En Inde, le Raj britannique est lui aussi en proie à l'instabilité ; la revendication monte. Hostile aux Anglais, Albert Londres y suit attentivement les futures voix de l'indépendance, Nehru, Gandhi, Rabintranath Tagore. Loin du bruit et de la fureur du nord, la péninsule indochinoise semble elle baigner dans une torpeur coloniale trompeuse. Car à Saigon bruisse déjà la rumeur de l'agitation naissante : quelques décennies plus tard, Albert Londres y aura ses successeurs, des milliers de journalistes et écrivains venus couvrir la guerre du Vietnam. Son regard, d'une modernité déconcertante, nous donne dans ces écrits un éclairage unique sur l'Asie du début du XXe siècle. Né en 1884, Albert Londres a débuté sa carrière de journaliste en 1906 au quotidien Le Matin. Plus tard, il écrira pour Le Petit journal et L'Excelsior. Ses reportages en URSS, en Amérique du Sud et en Asie ont fait de lui un véritable symbole de la profession de reporter. Créé en 1932 peu après la disparition de Londres dans le naufrage du paquebot Georges-Philippar, le prix qui porte son nom récompense chaque année les "meilleurs reporters francophones".
07/2022
Pédagogie
Ecrits sur l'éducation
Considéré l'une des plus importantes figures intellectuelles du XXe siècle, Bertrand Russell a écrit sur de nombreux sujets, parmi lesquels l'éducation occupe une place de choix. Dans cette anthologie, la première du genre en français, Normand Baillargeon et Chantal Santerre ont réuni 18 textes qui présentent les principaux aspects de la vision de l'éducation développée par Russell et son rôle central pour toute société démocratique. Pour Russell, nous devrions éduquer les enfants afin de leur donner le savoir et les habitudes d'esprit nécessaires à la formation d'une opinion indépendante. Favoriser l'esprit de liberté, en respectant la personnalité de l'enfant et en stimulant "l'amour de la pensée aventureuse". Qu'il soit question des finalités de l'éducation, du curriculum, de rôle de l'université ou encore des liens de l'éducation avec le politique ou la pensée critique, les écrits rassemblés dans ce recueil reflètent la grande cohérence des idées défendues par le célèbre mathématicien et philosophe anglais. Des décennies plus tard, il est frappant de découvrir la grande pertinence et l'actualité de ses réflexions, que ce soit concernant les pratiques éducatives, la formation de la personnalité des jeunes enfants, l'éducation intellectuelle, la délicate question de la discipline et de l'autorité, la compétition, l'éducation à la sexualité ou encore les rapports entre éducation et économie.
02/2019
Littérature française
Mort au romantisme
Une observation précise des oreilles conduit le narrateur à méditer jusqu'à l'hallucination sur le silence ; du sucre répandu sur une table évoque un monde secret ; l'immobilité d'une jeune fille pendant des heures à une terrasse de café ; les rites funèbres d'un club érotique barcelonais ; un dictateur se décompose physiquement pendant l'audition de la symphonie de Franck ; pourquoi les Japonaises ont la peau blanche ; une nuit dans la maison de Frida Kahlo ; l'art d'un faiseur de bulles ; une nageuse unijambiste, et bien d'autres anecdotes, choses vues ou entendues, rêves, réflexions, redéfinitions du réel, etc.
03/2009
Beaux arts
Lettre à Henri Matisse. Et autres écRits sur l'art
"Je vous écris assis sur un tas de ruines. Le vent venu de l'Est fait trembler les chênes hauts dans le ciel. Il soulève une poussière d'or et des platanes aux racines meurtries. Le vent et des hommes de plus en plus jeunes à califourchon sur un muret. La mer, là-bas. Blanche, verte, bleue. Une chevelure dérangée par les caprices de la lune. Les bruits de la ville se retirent laissant au vent sa musique sans harmonie. Quelque chose de moderne. Des gifles, des claques, des draps gonflés se déchirent. Tanger tangue. Des têtes retenues par les mains. Le ciel est d'un bleu inquiétant. Ce bleu-là, vous allez l'adopter".
10/2013
Beaux arts
La peinture me regarde. Ecrits sur l'art, 1974-2019
Il n'est pas anodin que la première question de l'entretien disposé par Christian Prigent en préambule de ses écrits sur la peinture soit la suivante : "Qu'appelez-vous 'poésie' ? " Lui-même n'en cache pas la raison : "Je ne suis pas un critique d'art. Je regarde la peinture à partir de ce qui m'obsède : le langage poétique. C'est peut-être une façon de ne pas voir comme il faudrait. Mais c'est une façon de voir. Il y a des précédents". "Peinture comme poésie" : tel est donc le mot d'ordre que le lecteur trouvera richement décliné au fil de ces quelques cinquante textes écrits entre 1974 et aujourd'hui. Issues de diverses revues et réparties en plusieurs sections, ces analyses critiques concernent tantôt les peintres de Supports/Surfaces (Dezeuze, Viallat, Arnal, Boutibonnes...), tantôt des phénomènes de la peinture ancienne revus par l'oeil moderne (anamorphoses, motifs non figuratifs du Livre de Kells...), tantôt la peinture de grands peintres du siècle dernier (Twombly, Bacon, Hantaï...), tantôt celle de contemporains et "amis" de l'auteur (Pierre Buraglio, Mathias Pérez...), tantôt enfin d'autres disciplines artistiques à l'origine de questionnements semblables (la gravure, l'image pornographique, la photographie...). Loin cependant d'accumuler des analyses disparates, le livre les enserre dans une armature conceptuelle. Ce qui les apparente, c'est en effet cette même expérience qui fonde aux yeux de Christian Prigent l'identité de la poésie et de la peinture : celle d'un "désarroi" de la représentation, dans lequel la moindre forme se désigne elle-même comme insuffisante en regard du réel informe. Or cette expérience n'est pas uniquement un constat critique, elle est la sensation même dont l'auteur déclare partir lorsqu'il écrit : "Je crois que ce qui fait écrire, c'est la conscience à la fois douloureuse et jouissive de cette 'différence' entre la polyphonie inaraisonnable de l'expérience et le monologue positivé et médiatisé". . Ces essais sur la peinture ne sont donc en rien des à-côtés de l'oeuvre, mais le révélateur du questionnement d'un écrivain pour qui, non moins que peinture et poésie, poésie et critique sont intimement liés.
08/2020
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