Chefs-d'oeuvre d'Afrique dans les collections du musée Dapper

Des pièces majeures, qui pour certaines d'entre elles n'ont pas d'équivalent dans le monde, sont réunies pour la première fois dans un ouvrage de référence publié en hommage à Michel Leveau, le fondateur du musée Dapper. Un de ses articles, "La découverte des figures de reliquaire dites kota" (Gabon), est réédité ici. Nombre de ces objets ont appartenu auparavant à des grands noms ayant marqué la reconnaissance des arts non occidentaux au début du XXe siècle - Paul Guillaume, Jacob Epstein, Charles Ratton... Remarquables par leur qualité esthétique, les quelque cent trente oeuvres reproduites - masques, statues, statuettes, insignes et parures - témoignent de la richesse des pratiques artistiques de l'Afrique subsaharienne. Leurs fonctions politiques, sociales et religieuses sont éclairées par les analyses de spécialistes reconnus, anthropologues, ethnolinguistes ou historiens de l'art Alain-Michel Boyer, Jean-Paul Colleys, Christiane Falgayrettes-Leveau, Christiane Owusu-Sarpong, Anne van Cutsem-Vanderstraete et Jean-Pierre Warnier. Chaque auteur a rédigé pour ce catalogue, qui s'articule en deux grandes sections - Afrique centrale et Afrique de l'Ouest -, un texte de présentation général suivi de notices dans lesquelles il a résumé l'essentiel de ses connaissances sur le sujet. Ce livre permettra à chaque lecteur, spécialiste, simple amateur ou néophyte, d'entreprendre un voyage riche de découvertes à travers l'univers des formes et des spiritualités que les cultures africaines nous proposent en partage.

L'exposition "Monet - Chefs-d'oeuvre du musée Marmottan Monet", proposée à l'occasion de l'ouverture du Musée Mer Marine de Bordeaux, présente un ensemble d'oeuvres pour beaucoup restées inédites du vivant de l'artiste. En 1883, Monet loue une maison à Giverny avec Alice Hoschedé et leurs enfants. Toujours en quête de motifs, le peintre parcourt la France mais aussi l'Europe. En 1890, il acquiert la maison de Giverny qu'il aménage à son goût. Durant des années, sa peinture se mêle à sa passion pour l'horticulture : il aménage un jardin plantureux et coloré, et ne cesse de le représenter sur ses toiles. En 1899, il commence une série consacrée au Bassin aux nymphéas, dont il déclinera le thème jusqu'à la fin de sa vie. En 1927, quelques mois après sa mort, le musée de l'Orangerie inaugure l'installation des panneaux des Nymphéas. Le legs de Michel Monet au musée Marmottan en 1966 constitue un éventail, devenu fameux, des explorations artistiques du peintre. Les oeuvres présentées dans cette exposition forment un ensemble qui témoigne d'un Monet intime, saisi depuis ses caricatures d'enfant jusqu'à ses oeuvres ultimes.

L'Hôtel de Caumont - centre d'art d'Aix-en-Provence fait voyager ses visiteurs à Venise en présentant une sélection des chefs-d'oeuvre de la collection Cini, l'une des plus importantes collections d'art ancien italien. Les peintures, sculptures, dessins et objets précieux présentés et reproduits dans cet ouvrge, font partie de l'un des plus prestigieux ensembles d'art italien, du XVIe au XVIIIe siècle, réuni par l'entrepreneur et philanthrope Vittorio Cini (Ferrare 1885 - Venise 1977). En 1951, ce dernier crée la Fondation Giorgio Cini, centre de recherche et formation de réputation internationale, intitulé à la mémoire de son fils, décédé prématurément. Aujourd'hui, la collection Cini est répartie entre la Galerie du Palazzo Cini, ancienne résidence du collectionneur sur le Canal Grande, et l'important siège de la Fondation Giorgio Cini, sur l'île vénitienne de San Giorgio Maggiore. A côté des grands noms de la peinture toscane - Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo - et vénitienne, comme Lorenzo et Giandomenico Tiepolo, l'exposition présente des pièces maîtresses de la Renaissance ferraraise. Complétée par une sélection de sculptures, émaux et ivoires, ainsi que par un choix de dessins et enluminures, l'exposition et le catalogue qui l'accompagne rendent compte de toute la variété technique et stylistique d'une époque florissante de l'art italien, ainsi que du goût raffiné de l'un de plus importants collectionneurs italiens du XXe siècle.

Tandis que l'Art déco, admiré de tous à l'Exposition internationale des arts décoratifs de 1925, continue à se diffuser, jusqu'à la fin des années 30, conjointement aux mouvements modernistes et cubistes dans les arts décoratifs, les Beaux-Arts et l'architecture, de nombreux peintres de l'entre-deux guerres tels que Boutet de Montvel, Courmès, La Patelière, Souverbie ou Despiau s'attachent à redonner au réalisme un nouveau visage, en phase avec son temps. La ville de Boulogne-Billancourt est au coeur de cette créativité bouillonnante. Attirés par des terrains aux prix abordables, de grands industriels comme Renault et Dassault, les Studios de Boulogne pour le cinéma et des artistes tels que Paul Landowski, Marc Chagall ou Juan Gris s'installent dans cette ville naissante. Les "Dimanches de Boulogne" de Daniel-Henry Kahnweiler, en réunissant de nombreux artistes cubistes, participe à faire de la ville un centre culturel de premier plan. Témoin privilégié de cette époque foisonnante, le musée des années 30 conserve dans ses collections plusieurs centaines de chefs-d'oeuvre, dans des domaines aussi variés que la peinture, la sculpture, avec les frères Martel, Jouve, Janniot ou Bernard, les arts décoratifs, avec des ensembles exceptionnels de Ruhlmann, Leleu, Follot, Sue et Mare, Printz, Herbst, Sognot, Mallet-Stevens, les arts graphiques ou l'architecture. A rebours d'une modernité trop longtemps cantonnée au cubisme, à l'abstraction et à l'art conceptuel, il offre un regard singulier sur cette période encore méconnue.

L'exposition qui se tient du 28 septembre 2019 au 23 février 2020 au Musée de Lodève et le catalogue qui l'accompagne invitent à un cheminement sensible sur les sentiers de l'art belge à travers une sélection de quatre-vingt-dix chefs-d'oeuvre des collections du Musée d'Ixelles-Bruxelles. Ce panorama offre un éclairage sur les principaux courants développés en Belgique de la fin du XIXe siècle au lendemain de la Seconde Guerre mondiale et illustre la densité, la richesse et la singularité de cette épopée artistique. Oscillant entre des influences internationales et des caractéristiques spécifiquement locales, entre un profond attachement à l'égard du réel et une propension féconde à l'imaginaire, l'art belge se révèle telle une ode à la modernité, à la liberté et au non-conformisme.

Véritable cosmopolite d'autrefois, et homme de culture de toujours, Georges Bemberg est l'héritier d'une vieille famille vivant depuis longtemps entre l'Ancien et le Nouveau Monde. Si c'est en 1841 que le banquier Charles-Juste Bugnion achète la campagne de l'Hermitage, située sur une colline dont la vue superbe sur la cathédrale de Lausanne et le lac avait déjà été immortalisée par Camille Corot en 1825, c'est peu d'années plus tard que la famille Bemberg quitte Cologne, en Allemagne, et traverse l'Atlan- tique pour y commencer une nouvelle vie. Georges Bemberg aurait pu être pianiste, compositeur, écrivain, ou encore auteur de théâtre mais, avec une discrétion et un sens du secret qu'il érige en règle de vie, c'est en collectionneur qu'il se consacra à l'art. Jusqu'à ses derniers jours, il partage son temps entre Paris où il réside le plus souvent, New York dont il aime l'énergie et les hivers, et Buenos Aires auquel il garde un attache- ment profond. Né en Argentine en 1915 dans une famille luthérienne d'industriels, il grandit en France. Pianiste talentueux envisageant un temps de devenir compositeur, il choisit Harvard pour ses études afin de rejoindre Nadia Boulanger et côtoyer toute l'élite des compositeurs du xxe siècle. Finalement, il renonce à la carrière musicale, trop exclusive à son goût, pour se lancer dans la création littéraire. Diplômé en littérature comparée anglaise et française, il devient alors un familier des cercles d'écrivains et de poètes de la Nouvelle-Angleterre et rencontre de grands auteurs comme John Dos Passos ou Edmund Wilson. Il publie différents ouvrages et certaines de ses pièces sont jouées avec succès off-Broadway. En Argentine, il fréquente les milieux intellectuels sud-améri- cains et sa cousine Victoria Ocampo lui ouvre sa fameuse revue littéraire SUR. En France, ses nouvelles et poèmes au style subtil et sensible sont favorablement accueillis par la critique. Néanmoins, au-delà de la multiplicité de ses talents, il consacre sa vie à sa passion pour les beaux-arts. De sa famille, généreux mécène à qui l'on doit la Maison de l'Argentine à la Cité universitaire de Paris, et plus particulièrement d'un oncle, élève de Picasso, Georges Bemberg hérite de l'amour de la peinture. C'est à New York, alors âgé d'une vingtaine d'années, qu'il fait l'acquisition d'une gouache de Pissarro, remarquée chez un marchand et obtenue pour 200 dollars. "C'est pour un musée" dit-il, pour cacher sa timidité et anticipant inconsciemment son désir profond. Aux Etats- Unis, puis en France après la guerre, Georges Bemberg se familiarise avec le marché de l'art et parcourt les ventes. A Paris, il est ébloui par Bonnard et va constituer, au fil des ans, un des plus grands ensembles de ce peintre, riche de plus de trente toiles. Il le complètera par un nombre important d'autres signatures de la fin du xixe et du début du xxe siècle, impression- nistes, nabis et fauves. Il réunira également près de deux cents tableaux anciens, du xvie au xviiie siècle, dont des portraits de Clouet, Benson et Cranach. Son amour pour Venise le pousse à collectionner les maîtres vénitiens tels que Canaletto et Guardi. Toutes les formes d'expression artistique le passionnent. Ainsi, de remarquables bronzes de la Renaissance, de splendides reliures, une foule d'objets précieux ou encore des meubles de grands ébénistes viennent s'ajouter à sa collection, qu'il ne va jamais cesser d'enrichir. Dans les années 1980, Georges Bemberg recherche un lieu où abriter sa collection et la partager avec le public, considérantque les beaux objets doivent finir dans un musée pour être vus par tous. C'est ainsi que lui vient l'idée de créer une Fondation, seul moyen de préserver sa collection dans son intégrité, tout en la rendant accessible. La splendeur de l'Hôtel d'Assézat que la municipalité de Toulouse lui propose de mettre à sa disposition, le convainc d'installer sa collection dans la ville. Le voeu du collectionneur peut se réaliser : abriter les oeuvres et les objets témoignant d'une vie tout entière consacrée à la recherche artistique dans un lieu hors du commun. Investi dans la mise en scène de l'oeuvre de sa vie, il crée un décor semblable à celui d'une noble maison particulière, renouant ainsi avec la vocation première de l'hôtel d'Assézat. Ce qui distingue la collection Bemberg et qui en fait tout le charme et la personnalité, c'est qu'elle n'est rien d'autre que le reflet fidèle du goût et du tempérament de son auteur. Celui-ci a choisi chaque tableau, chaque objet, pour la seule beauté et l'émotion que leur contem- plation éveillait en lui. Régulièrement, dans le plus grand anonymat, Georges Bemberg venait voir ses oeuvres installées dans l'écrin qu'il leur avait choisi et, toujours sans se faire connaître, se plaisait à écouter les commen- taires élogieux des visiteurs. Lieu d'exception s'il en est, l'hôtel d'Assézat appartient depuis plus de cent ans à la Ville de Toulouse. Sa construction, qui remonte à la seconde moitié du xvie siècle, est due à Pierre Assézat, négociant ayant fait fortune dans le pastel, plante tinctoriale dont le commerce était alors florissant. Venu d'Espalion, en Aveyron, au début du xvie siècle pour rejoindre ses frères aînés déjà associés à ce commerce, Pierre Assézat en devient l'héritier et le successeur en 1545. Marié à la fille d'un capi- toul, receveur général de la reine douairière Eléonore d'Autriche, il accéde au Capitoulat en 1552. Dès 1551, il commence à acquérir les terrains nécessaires à la construction d'une "grande maison" . Le 26 mars 1555, il conclut un bail à besogne avec le maître-maçon Jean Castagné et l'architecte sculpteur Nicolas Bachelier pour la construction du corps de logis formé de deux ailes perpendiculaires reliées par un escalier. A la mort de Nicolas Bachelier en 1557, son fils Dominique dirige les travaux du pavillon d'entrée, de la galerie ouverte sur la cour et enfin, de la "coursière" 4 qui anime le mur mitoyen aveugle. En 1761, les descendants de Pierre Assézat vendent l'hôtel au baron de Puymaurin, qui modernise façades et appartements. L'hôtel d'Assézat nous parvient donc après deux campagnes de travaux bien distinctes : l'une, datant de la Renaissance, met en place la composition générale, le dessin des façades, la superposi- tion des ordres dorique, ionique et corinthien, l'importance donnée à tous les éléments d'architecture par l'emploi de la pierre ; l'autre, remontant au xviiie siècle, voit les fenêtres à meneaux remplacées par de grandes fenêtres au premier niveau, pour éclairer les salons nouvellement créés. Au xixe siècle, après avoir été transformé en entrepôts et en bureaux, l'hôtel d'Assézat fut acheté par la banque Ozenne et légué en 1895 à la Ville de Toulouse. C'est au terme d'une étude de plusieurs années qu'a pris forme le projet de réhabilitation de l'édifice et son aménagement en vue d'abriter la collection Bemberg. Les travaux, commencés en 1993, se sont achevés début 1995, et la Fondation Bemberg a ouvert ses portes dans un bâti- ment entièrement rénové et réaménagé en fonction de sa nouvelle vocation culturelle. La Fondation Bemberg a réalisé une première extension et une rénovation de ses espaces en 2001, ce qui a permis d'y intégrer de nouveaux espaces comme l'auditorium, les ateliers pédagogiques, etc. A l'issue de près de 25 ans d'activités, le musée nécessite des aménagements plus adaptés à sa fréquen- tation et aux attentes du public, notamment en ce qui concerne l'accueil. Afin d'offrir la meilleure expérience possible à chacun de ses visiteurs, le conseil d'administration de la Fondation Bemberg a décidé d'un ambi- tieux chantier de rénovation, prévu de la fin de l'année 2020 au début 2022. Ce projet est l'aboutissement d'une réflexion en profon- deur sur les aspects techniques et la conser- vation préventive, ainsi que sur les aspects fonctionnels et notamment sur le parcours, les agencements muséographiques, les systèmes d'éclairage ainsi que les dispositifs de média- tion associés. Différents paramètres sont ainsi intégrés : muséographie, architecture, patri- moine, fonctions, et techniques. La Fondation Bemberg ou l'art de se réinventer... A l'heure où cette dernière a fermé ses portes pour un an afin de de se préparer pour une nouvelle vie, elle consent un prêt tout à fait exceptionnel. En effet, depuis sa création, c'est la première fois que la Fondation Bemberg, en dehors des prêts individuels qu'elle pratique toujours avec joie, prête ici une très large sélection des chefs-d'oeuvre de sa collection de peintures. Nul doute que, européen convaincu et amou- reux des beaux lieux, Georges Bemberg aurait apprécié de voir nombre de ses tableaux favoris dans le cadre attachant et romantique de la Fondation de l'Hermitage, en attendant que le rêve de sa vie fasse peau neuve...

En 1918, Duncan Phillips décide de créer, dans sa maison familiale de Washington, un musée consacré à l'art moderne et à ses origines, où "chaque élément serait posé à sa place, dans une vision d'ensemble" . Du Greco à Picasso, d'Ingres à Kandinsky, de Chardin à Daumier, Bonnard, Cézanne, Braque ou encore Sam Francis et Paul Klee, il n'aura de cesse, jusque dans les années 1960, de parfaire sa collection, avec la couleur pour principal élément structurant. Et de rassembler des oeuvres en fonction de leurs résonances réciproques, révélant ainsi les liens entre l'art de son temps et celui du passé. Outre son oeuvre phare, le célèbre Déjeuner des canotiers de Renoir, la Collection Phillips est aujourd'hui l'une des plus exceptionnelles par sa cohérence et la qualité des oeuvres.

10 célèbres tableaux et sculptures du musée d'Orsay présentés en deux doubles pages : Sur la première double, une présentation générale à gauche (histoire de sa création et de sa réalisation, le descriptif de l'oeuvre et un résumé de la vie de son créateur, etc.) et une photo grand format du tableau/de la sculpture à droite, accompagnée de repères et d'anecdotes. Sur la seconde double, un approfondissement de la description de l'oeuvre pour une visite guidée à distance ! Plusieurs zooms sur les détails importants, drôles ou étonnants à ne pas manquer et des infos complémentaires sur les techniques utilisées, des anecdotes, une BD sur un détail historique concernant cette oeuvre. Les 10 chefs-d'oeuvres sont : L'Angélus de Jean-François Millet, Le Déjeuner sur l'herbe d'Edouard Manet, La Petite danseuse de 14 ans d'Edgar Degas, Les Coquelicots de Claude Monet, Le Bal du moulin de la Galette d'Auguste Renoir, La Chambre de Van Gogh à Arles de Vincent Van Gogh, Les Joueurs de cartes de Paul Cézanne, Le Cirque de Georges Seurat, L'Ours blanc de François Pompon.

Les plus célèbres romans de H. G. Wells, l'auteur de La Guerre des Mondes, réunis en un album relié. Un classique à offrir ou à s'offrir idéal pour les fêtes de fin d'année ! Récit d'une invasion extraterrestre, La Guerre des mondes (1898) est l'un des premiers chefs-d'oeuvre de l'anticipation. Imprégné de darwinisme et de culture scientifique, H. G. Wells (1866-1946) ne se contente pas du probable : l'impossible est son domaine. En quelques années, de 1895 à 1901, il conçoit ses romans les plus fameux : La Machine à explorer le temps, qui présage l'extinction de l'humanité ; L'Homme invisible, l'aventure d'un savant dépassé par son invention ; L'Ile du docteur Moreau, qui met en scène la révolte de monstres hybrides ; et Les Premiers hommes dans la lune, qui décrit l'exploration de notre satellite, peuplé d'insectes évolués... La veine sociale de Wells est plus sensible dans Une histoire des temps à venir et dans Miss Waters, tandis qu'Au temps de la comète rêve d'une humanité purgée de ses travers par la collision d'un astre gazeux. Moraliste et visionnaire, Wells a même anticipé l'apocalypse mondiale dans La Guerre dans les airs (1908)... Tels sont les neuf romans rassemblés dans ce volume qui offre un portrait complet du maître de la science-fiction. Depuis 2014, sous le label " Bibliothèque des classiques " et regroupés en un volume relié, paraissent les chefs-d'oeuvre d'auteurs de premier ordre à prix accessible. Ces recueils, à offrir ou à s'offrir, ont leur place dans toutes les bibliothèques.

En 2024, la Fondation de l'Hermitage fête ses 40 ans et présente une exposition exceptionnelle en partenariat avec le Museum Langmatt de Baden. Constituée des trésors - majoritairement impressionnistes - rassemblés pour l'essentiel entre 1908 et 1919 par le couple de collectionneurs Sidney et Jenny Brown, cette somptueuse collection, habituellement montrée à la Villa Langmatt, fera escale à l'Hermitage pour sa première présentation hors-les-murs. Quarante ans après son exposition inaugurale L'impressionnisme dans les collections romandes, la Fondation a ainsi le privilège de dévoiler l'une des plus prestigieuses collections impressionnistes de Suisse allemande. Cette présentation-événement permettra aussi de fêter un autre anniversaire, les 150 ans de l'impressionnisme, qui s'est cristallisé en 1874 autour de la première exposition collective d'un groupe de jeunes artistes indépendants, adeptes d'une "nouvelle peinture" . Tous deux issus de familles de grands entrepreneurs basés à Baden et Winterthour, Sydney Brown et Jenny Sulzer se marient en 1896. C'est pendant leur voyage de noces à Paris qu'ils achètent leur première oeuvre, un paysage d'Eugène Boudin dépeignant des lavandières près de Trouville. Ce tableau scelle d'emblée un attrait pour la peinture française, et en particulier pour la couleur et les effets de lumière. Au tournant du 20e siècle, les Brown effectuent maints voyages pour découvrir la création de leur temps et soutenir des artistes. Dominée par les paysages et les natures mortes, la collection réunit des oeuvres de Pierre Bonnard, Eugène Boudin, Mary Cassatt, Camille Corot, Paul Cézanne, Edgar Degas, Henri Fantin-Latour, Paul Gauguin, Henri Matisse, Claude Monet, Camille Pissarro, Odilon Redon, Pierre-Auguste Renoir, ou encore Alfred Sisley. Ces chefs-d'oeuvre sont désormais conservés à la Villa Langmatt, que le couple a fait construire entre 1899 et 1901. La demeure, inspirée de l'architecture rurale anglaise, est actuellement fermée pour d'importants travaux de rénovation. L'exposition de la collection Langmatt à la Fondation de l'Hermitage réunira 67 oeuvres parmi les plus remarquables de cet ensemble : une occasion unique d'admirer ces trésors hors de leur écrin habituel.

Un florilège des principaux chefs d'oeuvres de la prestigieuse collection Al Thani, à l'Hôtel de la Marine. L'Hôtel de la Marine, qui ouvrira ses portes pour la première fois en juillet 2020, sera l'écrin des trésors de la collection Al Thani, l'une des plus prestigieuses au monde. Fruit d'un accord de mécénat exceptionnel entre le Centre des monuments nationaux et la Fondation collection Al Thani, l'ancien Garde-Meuble royal reprendra dès son ouverture ses fonctions séculaires de lieu d'exposition en accueillant dans 400 m2 - et pour les vingt prochaines années ! - les richesses historiques de cette collection unique. L'atelier Tsuyoshi Tane Architects a été choisi pour dessiner les nouveaux espaces d'exposition au sein du monument. Ce volume de la collection " Regards " présente les 40 plus belles oeuvres de la collection : composée de plus de 6 000 oeuvres témoignant de nombreuses civilisations de l'Antiquité à nos jours ; elle n'avait jamais été exposée ainsi aux yeux du grand public, dans toute sa diversité. Ivoires assyriens, objets précieux sassanides, ornements moghols, commandes britanniques exceptionnelles du XIXe siècle... une diversité prodigieuse d'objets uniques est ici dévoilée. Historiens et spécialistes font entrer le lecteur curieux comme l'amateur averti dans l'histoire et l'élaboration minutieuse de ces objets.

Né a Ajaccio le 15 août 1769, Napoléon Bonaparte et, dans son sillage, les membres de sa famille vont dominer l'Europe, faisant rejaillir leur réussite sur leur ville natale. Aujourd'hui, grâce aux Bonaparte, en particulier Napoléon Ier, Napoléon III et le cardinal Fesch, la ville d'Ajaccio peut véritablement s'enorgueillir d'être une cité impériale - berceau de cette fabuleuse dynastie - dotée d'un patrimoine artistique d'envergure internationale.

Dans cet ouvrage passionnant, Stéphane Guégan renouvelle notre regard sur l'un des artistes les plus reconnus de tous les temps : Pablo Picasso. A travers une biographie artistique, il nous raconte son parcours de l'Espagne à la France, dans un langage accessible mais au contenu rigoureusement étudié. Le lecteur pourra également découvrir ou redécouvrir 100 chefs-d'oeuvre de l'artiste provenant des plus grands musées du monde, pour certains déjà extrêmement célèbres, et d'autres pour lesquels ce livre permettra d'en apprécier toute la " nouveauté ". L'occasion de rendre hommage à la polyvalence de Pablo Picasso en présentant ses peintures, mais aussi ses sculptures, céramiques et autres objets artistiques. Des photographies connues comme inattendues viendront compléter ce panorama dense, qui apportera sans nul doute un nouvel éclairage sur cet artiste de génie décédé il y a tout juste 50 ans.

Catalogue officiel de l'exposition "Les Impressionnistes en privé" au Musée Marmottan Monet du 14 février 2014 au 5 juillet 2014. Ouvert pour la première fois au public en 1934, le musée Marmottan Monet célèbrera son 80e anniversaire en 2014. Durant près d'un siècle, le musée a bénéficié de legs et de donations d'une envergure sans égale faisant de lui le dépositaire du premier fonds mondial d'oeuvres de Claude Monet et de Berthe Morisot. Sans la générosité des collectionneurs et des descendants d'artistes, il ne serait pas devenu un haut lieu de l'impressionnisme. Conscient de cet héritage, le musée souhaite débuter les cérémonies de son anniversaire en rendant hommage aux collections privées et en leur dédiant une exposition. Du 14 février au 5 juillet 2014, le musée Marmottan Monet présentera, une exposition réunissant exclusivement des oeuvres en provenance de collections particulières du monde entier. Pour cette manifestation intitulée, quatre-vingt chefs-d'oeuvre retraceront la genèse du mouvement et ses développements à travers des oeuvres de Boudin, Jongking, Manet, Monet, Renoir, Caillebotte, Degas, Cézanne, Morisot notamment. Ces ouvres inconnues du public rendront hommage aux principaux représentants de l'impressionnisme dont la renommée doit beaucoup à l'engagement de leurs collectionneurs.

Certaines choses devraient rester cachées pour l'éternité... En 1935, au fin fond de l'Australie, le Pr Nathaniel Peaslee recherche avec frénésie les traces d'une civilisation inconnue. Il ne comprend pas pourquoi, mais il connaît ces lieux, comme si un autre avait implanté des souvenirs en lui. Il sait que quelque chose d'aussi mystérieux que terrifiant se tapit, là, dans les profondeurs du sable du désert... Son monde a été chamboulé près de 30 ans plus tôt. A l'époque, il enseigne à la prestigieuse université de Miskatonic. Il mène une vie paisible, entouré de sa femme et de ses enfants... jusqu'au jour où il s'effondre en plein cours. A son réveil, personne ne le reconnaît. Il a toujours la même apparence, mais semble avoir perdu la raison ! Il parle un dialecte inconnu et se comporte comme un étranger. Pire, il se prend de passion pour les sciences occultes, allant même jusqu'à se plonger dans l'étude du Necronomicon, ouvrage maudit entre tous... Gou Tanabe reprend la plume pour offrir une nouvelle adaptation d'un chef-d'oeuvre de H. P. Lovecraft ! Dans l'abîme du temps est une référence de la science-fiction, combinant avec maestria deux de ses thèmes majeurs : le voyage dans le temps et le transfert de personnalité. Mais surtout, l'auteur y crée un vaste univers oppressant et fantastique, où l'homme n'est pas le seul à être terrifié par l'inconnu...

A la suite de l'exposition "Guernica", le Musée national Picasso-Paris consacre l'année 2018 à la célébration de chefs-d'oeuvre de Pablo Picasso. L'exposition "Picasso. Chefs-d'oeuvre !" réunit des icônes venues du monde entier, dont certaines sont présentées à Paris pour la première fois. Collaborations exceptionnelles, campagnes de restauration inédites ou prêts d'institutions amies : les chefs-d'oeuvre exposés font écho aux événements et aux partenariats qui rythment la vie du Musée national Picasso-Paris.

Quel sens a la notion de chef-d'oeuvre pour Pablo Picasso ? L'exposition "Picasso. Chefs-d'oeuvre ! " répond à cette question en réunissant des oeuvres maîtresses, pour certaines présentées à Paris pour la première fois. L'ensemble réuni propose une nouvelle lecture de la création picassienne, grâce à une attention particulière portée à la réception critique. Le parcours revient ainsi sur les expositions, les revues et les ouvrages qui ont accompagné chaque oeuvre et qui ont contribué, au fil des années, à forger leur statut de chefs-d'oeuvre. Illustré de ces chefs-d'oeuvre de Picasso, mais aussi de photographies de Brassaï, David Douglas Duncan, Dora Maar et bien d'autres, ce catalogue revient en détail sur l'histoire de chaque création. Il offre également un regard sur l'oeuvre de l'artiste espagnol dans son ensemble, à travers le prisme de la photographie, de la presse et de l'histoire des expositions.

On a amplement célébré les différentes facettes de Roland Topor, ses romans et ses nouvelles, ses pièces de théâtre, ses films d'animation, ses dessins, sans oublier ses affiches. Il est temps aujourd'hui de présenter ce qui constitue l'épine dorsale de son oeuvre : ses dessins les plus accomplis, qui sont aussi les plus intemporels. Après avoir publié en 2019 le volume Chefs-d'oeuvre I, consacré à ses dessins en noir et blanc, les Cahiers dessinés s'attachent à réunir dans ce deuxième volume ses chefs-d'oeuvre en couleurs, dont de nombreux inédits, où l'on retrouve ses thèmes de prédilection : le corps malmené, l'hallucination cauchemardesque, les tourments de l'éros... Et cet humour grinçant qui a fait sa marque de fabrique. Dans sa préface, l'écrivain, psychanalyste et anthropologue Patrick Declerck donne au lecteur les clefs de cette plongée aussi graphique que fantasmatique dans les facéties de l'inconscient. Né en 1938 dans une famille juive d'origine polonaise, Roland Topor est caché en Savoir durant l'Occupation. A vingt ans, il publie son premier dessin de presse, puis collabore à Hara-Kiri avant de délaisser le dessin d'humour pour se consacrer à un art total. Dans cette perspective, il fonde en 1962, avec Fernando Arrabal, Alejandro Jodorowsky, Olivier O. Olivier et d'autres, le mouvement Panique, en référence au dieu Pan. Chansonnier, nouvelliste, romancier, illustrateur et affichiste prolifique, il met également son talent au service du cinéma, participant, entre autres, au Casanova de Fellini, ainsi qu'au Marquis d'Henri Xhonneux, dont il écrit les dialogues et assure la direction artistique. En 1976, Roman Polanski adapte son roman Le Locataire chimérique. Toujours avec Henri Xhonneux, il crée en 1983 le programme télévisé Téléchat, qui connaît un succès étourdissant. En 1990, il est lauréat du Grand Prix de la Ville de Paris. Après sa mort en 1997, il est admis au Collège de 'Pataphysique à titre posthume.

Cette édition présente une révision de la traduction et est enrichie d'une postface de Roberto Masiero. Stonehenge, Guizèh, le Parthénon, Teotihuacan au Mexique, la Mezquita à Cordoue, Tikal au Guatemala, le quadrilatère des Nonnes à Uxmal, l'église des Jacobins à Toulouse, la mosquée Selimiye à Edirne, l'église Sant'Ivo à Rome, Notre-Dame-du-Haut à Ronchamp, la Neue Nationalgalerie à Berlin. Douze textes sur autant d'architectures que Livio Vacchini reconnaît comme des chefs-d'oeuvre, c'est-à-dire des oeuvres intemporelles qui, disposées chronologiquement, nous rapprochent toujours plus de l'idée de perfection. Un livre nécessaire, un livre essentiel, un livre fondamental.

Avec sa maison de Santa Monica et le musée Guggenheim de Bilbao, Frank Gehry a laissé à travers le monde des édifices déterminants pour l'architecture contemporaine, dont la présence a transfiguré les villes où ils ont été édifiés. Inclassable, en dépit des tentatives pour faire de lui un artiste égaré chez les architectes, un nihiliste ou un iconoclaste, il a su répondre avec finesse aux défis des programmes les plus complexes et des tissus urbains les plus délicats. Pionnier dans l'usage de l'ordinateur, il a su le dompter pour imaginer des formes surprenantes et poétiques. Dans un parcours sillonnant continents et océans, Jean-Louis Cohen s'appuie sur sa longue familiarité avec l'architecte pour présenter une quarantaine d'édifices spectaculaires, du Walt Disney Concert Hall à la Fondation Louis Vuitton et de la salle Pierre Boulez à la Fondation Luma.

Des Asiatiques décapités et vidés de leur sang, des femmes assassinées représentant des tableaux célèbres. Ces deux affaires ne seraient-elles pas liées ? La Capitaine Marchand est chargée d'élucider ces deux enquêtes. Depuis la dernière crise sanitaire due au Covid, cette policière à la sensibilité d'écorchée vive et aux idées très arrêtées est devenue cynique, emportée et complotiste. Malgré ses théories bancales sur divers sujets sociétaux (médecins, enseignement, fonctionnaires, immigration...) et aidée de Valéry, son adjoint autiste, elle saura avec son ironie mordante répondre à toutes les questions qu'elle se posait.

La collection Thomas Walther du Museum of Modern Art (New York) est un fonds photographique réunissant près de 350 photographies. Elle s'avère unique non seulement au regard de la qualité exceptionnelle des tirages, exclusivement d'époque, mais aussi parce qu'elle reflète un moment clé de l'histoire de la discipline, à travers une centaine de figures emblématiques de l'avant-garde européenne des années 1920 et 1930 comme Berenice Abbott, Manuel Alvarez Bravo, Claude Cahun, André Kertész, Germaine Krull, Alfred Stieglitz, Paul Strand ou Edward Weston, pour ne citer que les plus connues.

Chef-d'oeuvre. Quand ce très vieux mot du Moyen-Âge utilisé pour l'artisanat a-t-il commencé à être appliqué à la littérature ? Y a-t-il un critère du chef-d'ouvre littéraire ? Mieux, une recette ? Comment être sûr qu'un livre est un chef-d'ouvre ? Un chef-d'ouvre est-il éternel ? La postérité est-elle le bon juge ? Crée-t-on encore des chefs-d'ouvre aujourd'hui ? Comment définir le chef-d'ouvre ?C'est à toutes ces questions que tente de répondre ce livre. Parcourant les grands livres, de Homère à Heine et de Boccace à Beckett, il propose une analyse inattendue de l'ouvre de James JOyce aussi bien que des considérations sur ce que l'on peut penser des Aristochats de Walt Disney. Charles Dantzig montre encore une fois que l'on peut associer le brillant et la réflexion, la virtuosité et la profondeur, l'érudition et l'esprit.

Le XXe siècle a sans doute été l'une des période les plus fécondes dans tous les champs de la création. Cet ouvrage présente un condensé de ses oeuvres les plus emblématiques. Le lecteur retrouvera les figures majeures qui ont marqué leur temps et ouvert des voies nouvelles, restées parfois longtemps incomprises. Dans le cadre du dernier accrochage avant la fermeture du Centre Pompidou prévue en juin 2025, les éditions du Centre Pompidou proposent une nouvelle version de son ouvrage sur les chefs-d'oeuvre, introduit par un texte sur l'histoire de la collection par Christian Briend.

Dans cet ouvrage, Marlène-Michèle Biton a tenté de mener une enquête sur un plateau de divination provenant des côtes de Guinée, importé il y 350 ans à destination du cabinet de curiosités d'un marchand d'Ulm, Christoph Weickmann. Il s'agit d'abord de replacer cet objet dans son contexte historique et culturel originel et de retrouver les conditions de son arrivée en Europe, à partir de rares témoignages de l'époque du royaume d'Allada et de ses voisins immédiats. Une comparaison avec un ensemble de plateaux plus récents permet d'en saisir les aspects singuliers. L'auteur entreprend également une analyse plastique précise des divers éléments du plateau ouvrant des perspectives sur les modalités de représentations utilisées et l'accès à une mythologie foisonnante. Cette analyse est accompagnée d'hypothèses concernant la date de création de l'objet et de prémices d'une détermination du «style alladien» du XVIIe siècle. L'enquête nous éclaire sur les mises en oeuvre et les significations véhiculées par ce plateau de divination, léguées par un artiste inconnu à travers un luxe de représentations.

Comment une oeuvre de 38 tonnes peut-elle disparaître de l'un des plus prestigieux musées du monde ? Une enquête haletante, une fiction littéraire inspirée de la disparition réelle d'une sculpture de Richard Serra au musée Reina Sofía en 2006.

Calder, Kelly, Lichtenstein, Marden,Warhol... Le meilleur de l'art américain d'après-guerre, avec pour chaque artiste un ensemble éblouissant. C'est la réunion de deux collections exceptionnelles que les visiteurs du Grand Palais et du musée Granet découvrent en avant-première : celle du San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) et celle que Doris et Donald Fisher ont construite avec passion dans cette ville phare de la côte Ouest, Ce partenariat, formé dans le but de partager ces oeuvres avec le public, les réunira définitivement, à la faveur d'une spectaculaire extension du musée. Carl André, Chuck Close, Richard Diebenkorn, Dan Flavin, Philip Guston, Donald Judd, Sol LeWitt, Agnes Martin, CyTwombly... Ils sont quatorze au total. Tous marqueurs d'un moment de l'esthétique du XXe siècle. L'excellence de la collection Fisher, des innovations de l'abstraction jusqu'aux questionnements du minimalisme, avec un détour coloré par le pop art, fait de San Francisco une destination incontournable pour les amateurs d'art moderne et contemporain, le musée vivant d'une génération, en escale en France pour quelques mois.

Catalogue officiel de l'exposition De Cézanne à Picasso : La collection Thannhauser du Guggenheim à l'hôtel de Caumont du 1er mai au 29 septembre 2019. Depuis 1909, Heinrich Thannhauser et son fils Justin ont été les mécènes, les amis et les promoteurs des artistes novateurs qui, entre la fin du XIXe et la première moitié du XXe siècle, ont bouleversé le panorama artistique occidental. Sans successeur, dans les années 1960, Justin et sa deuxième épouse, Hilde, décidentde léguer les oeuvres principales de leur collection au Solomon R. Guggenheim de New-York, dont ils partagent la philanthropie et l'esprit moderne. Pour la première fois, un choix d'oeuvres majeures issues de cette prestigieuse collection, ou ayant fait partie de son histoire, sort aujourd'hui du musée new-yorkais pour une exposition extraordinaire en Europe. Sous la direction de Megan Fontanella, conservatrice du Guggenheim et commissaire de l'exposition, ce catalogue retrace l'histoire de la collection, des galeries Thannhauser et des chefs d'oeuvre qui ont fait la grande renommée de cette famille de marchands et collectionneurs parmi les plus influents d'Europe.

Selon les plus brillants chercheurs, il aurait fallu quelque chose comme cinquante mille tasses de café bien serré pour que Balzac rédige sa Comédie humaine ; monument d'écriture dont il demeure souvent très difficile, à moins d'en être un spécialiste, de dire exactement ce qu'il contient. Bien sûr, et notamment grâce à l'école et l'adaptation cinématographique, quelques titres ont pu sortir de ce lot prodigieux. Peut-être Le Père Goriot, Le colonel Chabert, ou encore Eugénie Grandet, les Illusions perdues, et disons Le Lys dans la vallée. Voilà qui est bien peu, très peu, trop peu. Alors que la variété, la diversité et la multitude des récits qui constituent le corps même de cette oeuvre inclassable invitent inconstestablement aux plus belles aventures. Aussi, est-ce dans le sens de ces belles découvertes que le présent volume a regroupé cinq récits appartenant à l'immense continent de La Comédie ; cinq récits qui demeurent encore extrêmement confidentiels et dont il est toujours très difficile de faire l'acquisition hors les oeuvres complètes. Cinq récits afin de saluer, s'il le fallait encore, le talent prodigieux de Balzac, afin, comme il se doit, d'honorer Honoré.

Qu'est-ce qu'un chef-d'oeuvre ? Pourquoi certaines bandes dessinées deviennent des classiques ? A travers l'analyse de vingt-deux cas emblématiques, de Tintin à Jimmy Corrigan en passant par Les Passagers du vent, From Hell ou Corto Maltese, ce livre analyse les techniques, sources et influences qui ont présidé à leur création. Une somme incontournable afin de mieux percer tous les secrets du 9e art.