Chris Van Allsburg

" Encore une fois, je me laisse aller à faire des étoiles trop grandes " V. Van Gogh Le 20 février 1888, âgé de 35 ans, Vincent Van Gogh, l'homme du nord, s'installe à Arles. C'est l'hiver, mais il découvre la lumière provençale, éclatante de jour comme de nuit. Stupéfait par la limpidité du firmament, ce passionné d'astronomie se laisse gagner par un projet nouveau : peindre le ciel. Et Même s'il est intimidé par le sujet, il veut surtout peindre un ciel étoilé. Parce que " La nuit est encore plus richement colorée que le jour ", écrit-il. Certains de ses plus grands chefs-d'oeuvre naîtront de ce projet : Terrasse de café le soir à Arles, La nuit étoilée sur le Rhône, La nuit étoilée de Saint Rémy de Provence... Les étoiles sont-elles, dans ces toiles, disposées au hasard ou bien correspondent elles à une configuration réelle du ciel nocturne ? Cette question qui anime l'écrivain et astrophysicien passionné des arts qu'est Jean-Pierre Luminet n'est pas seulement une affaire de curiosité biographique, cela touche aussi à la vision fondamentale du peintre. Van Gogh a toujours mis en avant son désir de faire preuve d'un certain réalisme dans la transposition picturale " Cela m'amuse énormément de peindre la nuit sur place... de peindre la chose immédiatement ", écrit-il dans une autre lettre. Ce débat (faut-il peindre d'après nature ou imagination) est si sérieux qu'il a provoqué la brouille entre Gauguin et Van Gogh (et la mutilation de l'oreille et crise de folie qui ont suivi chez ce dernier). Entre biographie, histoire de l'art, science et poésie, se déplaçant sur les lieux précis où Van Gogh a peint, consultant les travaux de certains prédécesseurs (le plus souvent pour les contredire), et recourant à des logiciels de reconstitution astronomique, Jean-Pierre Luminet a mené l'enquête. A force de recoupements, il a pu établir que les portions de ciel représentées dans les tableaux correspondent toujours à une réalité. Mais il lui arrive aussi de rendre les choses plus complexes... pour des raisons purement artistiques. Ainsi Van Gogh, comme l'établit avec une fascinante sagacité Jean-Pierre Luminet, opère parfois des montages, ou mêle observation précise, imagination, mémoire... En cela aussi, il a bouleversé les canons et annoncé les évolutions futures de son art (vers le cubisme, le surréalisme, l'abstraction). Ce n'est pas le moindre mérite de ce passionnant petit livre que de démontrer cela.

Mêlant récit romanesque et enquête historique, chaque auteur raconte l'histoire d'un tableau célèbre. Le Champ de blé aux corbeaux est devenu un tableau mythique. Mais s'il excelle à faire connaître une oeuvre, le mythe obscurcit plus qu'il n'éclaire. Non, cette toile ne fut pas la dernière de Van Gogh, et non, il ne s'est pas suicidé devant. Longtemps, par égard pour les témoins vivants, on a occulté le rôle de Théo et d'autres personnes dans la tragédie d'Auvers-sur-Oise. Ce récit rétablit, par le don de vie du roman, le scénario de la fin. Le Champ de blé aux corbeaux, ainsi remis en perspective, en sort plus poignant. Comme tout chef-d'oeuvre, il est une synthèse de l'art de son auteur par la couleur et par le trait, en adéquation parfaite avec son ressenti de l'instant. Le comprendre le fait d'autant plus aimer.

Vincent Van Gogh, le premier des écologistes ? Gauguin a-t-il trahi ? Le suicide de qui ? Ce petit livre pédagogique explique en quinze textes clairs et concis la portée décisive de l'oeuvre tout en renversant les idées reçues régulièrement véhiculées sur l'artiste. La folie de Van Gogh a marqué sa vie et son oeuvre de façon tragique, et a aussi contribué à cette vision romantique de l'artiste incompris et maudit dont la gloire fut cruellement posthume. De ces pertes de contrôle, le peintre parle très tôt et son instabilité se manifeste dès les années de collège. Mais le jeune homme, lecteur boulimique et affamé d'images, croit aussi aux vertus thérapeutiques de l'art et du monde rural qu'il commence par idéaliser. Très tôt, il sentira le besoin de se rapprocher du monde du travail, afin de soulager les nécessiteux, puis les peindre. C'est d'abord le monde de la mine, où il apporte la parole du Christ, qui passe dans ses dessins, ce sera ensuite celui des travailleurs de la terre. Le peintre Millet domine déjà ses pensées. Mais Van Gogh n'entend pas peindre en suiveur autodidacte, ni se contenter d'une existence marginale. Il va se perfectionner avec une détermination sans faille. D'Anvers à Paris, son cursus est cumulatif, efficace et impressionnant. Maîtrisant parfaitement les données du marché de l'art, il enrôle Theo, son frère cadet, dans un pari sur l'avenir. Vincent sait que l'impressionnisme étant en passe de devenir une valeur marchande, le futur finira par sourire à la génération qui vient après... Le 20 février 1888, il s'installe à Arles qui marque le tournant, le zénith, le point culminant, le plus grand épanouissement de la décennie de l'activité artistique de Van Gogh. Des centaines de tableaux et de dessins naissent alors, plus solaires, plus fervents, plus élaborés et poignants que jamais. Avec l'aggravation de sa schizophrénie, il ne reste plus à Van Gogh que de conquérir Paris. Mais qui, en dehors de Theo et peut-être de Gauguin, peut comprendre le vrai secret de cette peinture qui tend à l'éclat majeur, à la maîtrise d'elle-même entre les crises qui se rapprochent ? En raison de l'incompétence du docteur Gachet, la dernière sera la bonne. Reste les milliers de preuves, devant Dieu, d'un moderne qui aurait tant aimé devenir à la fois le Rembrandt et le Delacroix de son temps... Au-delà des mythes poisseux, cette folie-là reste à comprendre.

"Là - revenu ici je me suis remis au travail - le pinceau pourtant me tombant presque des mains et - sachant bien ce que je voulais j'ai encore depuis peint trois grandes toiles. Ce sont d'immenses étendues de blés sous des ciels troublés et je ne me suis pas gêné pour chercher à exprimer de la tristesse, de la solitude extrême. Vous verrez cela j'espère sous peu - car j'espère vous les apporter à Paris le plus tôt possible puisque je croirais presque que ces toiles vous diront ce que je ne sais dire en paroles, ce que je vois de sain et de fortifi ant dans la campagne". Ouvrage en coédition avec le Musée d'Orsay.

Aujourd'hui mondialement connu, Vincent Van Gogh reste dans l'histoire de l'art l'exemple même du peintre maudit. Mais s'il n'était pas celui que l'on croit ? Car derrière la légende de l'artiste incompris et tourmenté se tient un peintre formé auprès de maîtres hollandais, influencé par François Millet et Edouard Manet, qui séjourne à Anvers, débarque à Paris rejoindre son frère Theo, part à Arles chercher l'éblouissement de la couleur, passe par Saint-Rémy-de Provence, pour enfin vivre une dernière période à Auvers-sur-Oise. Et c'est à travers ces différentes villes emblématiques de sa vie et de son évolution artistique que cet ouvrage choisit d'analyser la frénésie créatrice d'un peintre, dont la légende, toujours vivace et trompeuse, empêche aujourd'hui encore de bien connaître. Un peintre qui témoigne d'une culture littéraire et artistique immense, travaille sans relâche, s'attaquant à tous les sujets, de la nature morte à l'autoportrait jusqu'aux paysages incandescents de la Provence, parsemés de tournesols lumineux, d'amandiers en fleur et d'oliviers argentés. Sans oublier ses derniers mois à Auvers-sur-Oise, une période marquée par un véritable renouveau artistique et la production de quelques-uns de ses plus grands chefs-d'oeuvre. En un peu moins de dix ans d'une activité intense et déterminée, Van Gogh, que rien pourtant ne prédestinait à devenir peintre - lui qui voulait, comme son père, devenir pasteur -, laisse près de neuf cents tableaux et une correspondance d'une richesse inouïe, et s'impose comme l'une des figures majeures du postimpressionnisme, l'un des précurseurs de l'art moderne. La collection L'Art plus grand Cette collection propose une découverte des plus grands artistes de l'histoire de l'art, présentée dans une reliure luxueuse et inédite : composée d'une couverture en vraie toile imprimée dont le motif se prolonge en un jaspage harmonieux, elle crée ainsi une illusion visuelle enveloppante qui donne au livre son caractère précieux et unique. En plus d'une soixantaine d'oeuvres majeures d'un peintre, l'ouvrage reproduit six de ses chefs-d'oeuvre incontournables sous forme de dépliants, qui se déploient en largeur ou en hauteur. Accompagnés d'une notice détaillée, ils permettent de voir l'oeuvre en grand, d'en observer les moindres détails, de s'immerger dans la texture de la matière et dans la touche picturale. Cet ouvrage consacré à Van Gogh propose les six dépliants suivants : Le Semeur, juin 1888 Les Tournesols, été 1888 Les Iris, 1889 La Nuit étoilée, juin 1889 Autoportrait, été 1889 Amandier en fleur, février 1890

Sculpting the Senses offre une vision d'ensemble du travail d'Iris van Herpen au cours des seize dernières années. La créatrice présente ses modèles les plus emblématiques, tout en explorant de manière plus approfondie sa vision de la mode tournée vers l'avenir. A travers 100 de ses robes, Iris van Herpen remet clairement en question notre vision de la " haute couture ". Sculpting the Senses vous plonge dans son univers sensoriel, rassemblant la mode, l'art contemporain, le design et la science autour de neuf thèmes qui constituent l'essence même de l'oeuvre de Van Herpen. " La mode est un instrument de changement, qui nous fait évoluer sur le plan émotionnel. Grâce au biomimétisme, j'observe les forces qui se cachent derrière les formes dans la nature. Ces modèles et ces cycles naturels me guident dans l'exploration de nouvelles formes de féminité pour une mode plus consciente et plus durable pour l'avenir ". Iris van Herpen

L'historien de l'art Christopher Lloyd a examiné les oeuvres sur papier de Van Gogh sous un angle nouveau. En étudiant les dessins par thèmes - des études de figures mûrement réfléchies aux portraits ensorcelants, en passant par les lieux et les paysages majestueusement restitués - il est parvenu à mieux cerner les succès, les échecs, les expérimentations et les déceptions de l'artiste.

Une tombe dans un cimetière de l'Ile-de-France:" Vincent Willem Van Gogh, né à Groot-Zundert (Hollande) le 30 mars 1853, mort à Auvers-sur-Oise (France) le 29 juillet 1890." Ces seules informations laconiques pourraient faire réapparaître la vie de Vincent, celle du pasteur qu'il aurait voulu être, comme son père, comme son grand-père, celle de l'errant qu'il a été, à Bruxelles, Amsterdam, La Haye, à Paris, Arles et Saint-Rémy-de-Provence, à Auvers enfin. Mais là n'est pas l'essentiel. Au-delà d'un récit de doutes, de mécomptes, de misères, de maladies, de solitude, d'exil et de crises... l'univers de Vincent, c'est la peinture. A elle seule il a voué sa vie parce que c'est par elle et pour elle qu'il a lutté contre tous et contre lui-même. Inlassablement, il peignit le soleil. Jusqu'à la fin. Jusqu'au suicide. C'est à la réalité qu'est la peinture que Pascal Bonafoux veut conduire, toujours.

Van, la force de l'Amour : Le titre est éloquent au regard de la vie de ce petit frère vietnamien qui dès sa plus tendre enfance offre des leçons de courage et d'amour pour affronter les tumultes de la vie. Chacun d'entre nous peut puiser dans cette force qui est insufflée tout au long de la lecture de cette bande dessinée. L'originalité du scénario consiste à mettre en parallèle des instants forts de la vie de Marcel Van enfant puis adulte. Ceci permet de mieux comprendre comment certaines situations de la vie se répètent et comment à l'exemple de Marcel Van, habité par cette force de l'amour, nous pouvons «changer la souffrance en bonheur». Les dessins à l'aquarelle, qui illustrent cette histoire vraie, invitent le lecteur à plonger au coeur du Vietnam pour découvrir le pays natal de Van. Ainsi commence un beau voyage spirituel et culturel qui promet d'être inoubliable...

Jules Mimeault, dans Avec Marcel Van, redécouvrons la filiation, souligne à quelle découverte la vie et le message de Van nous invitent. L'auteur démontre qu'aujourd'hui la filiation est reniée. Ce refus est présent dans la culture contemporaine, marquée par l'individualisme, partout où l'autonomie de la liberté individuelle est prise comme un absolu. Il arrive ainsi à la conclusion selon laquelle on pourrait dire que sont à découvrir au quotidien pour chacun de nous : l'appel à la sainteté, la chasteté, la pauvreté et l'obéissance évangéliques, la juste attitude face à la souffrance, la joie chrétienne, la prière comme conversation familière avec Dieu, l'amour filial envers la Vierge Marie. Jules Mimeault insiste sur le fait que Van, initié à la relation filiale envers Dieu à travers son amour pour la Vierge Marie, a découvert sa mission. En tant qu'enfant de Dieu depuis le jours de notre baptême, nous aussi nous devons nous mettre en route sur le chemin de la foi à la suite de Marcel Van.

Une mine d'informations pratiques, de conseils et d'astuces pour aménager son fourgon : organisation des espaces, choix des matériaux et des équipements, mobilier, installation du gaz, de l'électricité, de l'eau... et de tout ce qu'il est nécessaire de faire (et de ne pas faire) pour bien vivre en van en toute autonomie.

Vincent Van Gogh, l'autre, celui qu'on n'a pas vu, pas cru, pas compris. Autour de lui, quelques personnes, toutes bienveillantes ? Qui était-il ? Etait-il ce fou qu'on nous décrit ? Il eut une vie brutale, épistolaire, romanesque. Rejeté par tous, y compris par lui-même. Vincent Van Gogh, c'est aussi l'éternel enfant, le naïf, le généreux qui nourrissait les souris au lieu de s'alimenter et qui s'extasiait devant un orage, trempé jusqu'aux os. Van Gogh pouvait aussi devenir ce volcan qui gonfle, ronfle, entre en éruption. Poussé au bord du gouffre, celui de la déraison, du mépris de soi, il s'est retrouvé immergé dans le chagrin et le désespoir de ne trouver nulle part où aller, nulle part où il serait aimé, compris. Lui qui, sa vie durant, cherchera un nid où se reposer, terminera ses jours dans une petite bourgade près de Paris, un suicide ? Vincent Van Gogh, c'est surtout ce peintre, cet artiste qui peignait ce qu'il ressentait, non pas que ce qu'il voyait. Il aimait peindre ce dont les autres se détournaient, un ouvrier en plein labeur, un amandier tordu et esseulé, lui-même... Nous connaissons toutes et tous Vincent Van Gogh ! En êtes-vous sûr ? Vincent Vallée, tel un archéologue des âmes, est allé chercher une autre vérité et nous l'expose dans ce roman. En couverture, une oeuvre du peintre canadien Mathieu Laca, représentant Vincent Van Gogh dans toute sa brutalité.

Vincent Van Gogh. Le nom d'un artiste dont la vie ne fut qu'errance entre mélancolie et oubli. Le peintre à l'âme tourmentée n'a jamais pu connaître la célébrité à laquelle il a accédé post-mortem. Ne raconte-t-on pas souvent qu'il n'a vendu qu'une seule toile de son vivant ? Cette anecdote résume à elle seule l'existence d'un homme extraordinaire au talent tout simplement hors-norme, guidé de la main de la souffrance et de l'incompréhension. Entrez avec moi dans un monde qui ne vous laissera pas de marbre. Celui de l'inspiration, des souffrances écorchées, des ciels étoilés et des champs jaunis de fin d'été. Nous sommes le 23 décembre 1888, il est 22 h 30, et c'est l'Heure H, de mon histoire.

Mariska a mis des années à enfermer ses démons dans une boîte qu'elle croyait hermétique. Jusqu'à ce qu'elle revienne se confronter au passé pour y mettre un point final. Enfin, c'était le plan initial, mais deux gangs de bikers rivaux vont perturber la donne. D'un côté son ex, Shooter, un Blood psychopathe et incontrôlable et de l'autre Chris, mystérieux mais tellement sexy, décidé à implanter un chapitre Steel sur ce territoire ennemi. Les bikers tatoués et dangereux, elle a déjà donné. Armée de sa seule détermination, et dotée d'un caractère explosif, rien ne l'effraie, même pas Chris qui se retrouve constamment sur son chemin. Dans ce tumulte, il pourrait bien s'avérer être son seul allié... Ou celui qui la brisera définitivement.

Une petite fille au nez pointu et rigolo, une fée dodo, un pantin vert, un cirque étonnant et des robots... Il n'y a pas à dire, Les contes de Chris sont décalés et étonnants ! Pour sûr qu'ils amuseront les enfants, petits et grands.

Dans ce roman, le lecteur suit pas à pas Jésus de Nazareth en Galilée et en Judée. Si la vie de Jésus se déroule selon les Evangiles, ce dernier est entouré de personnages historiques et fictifs qui, au travers d'aventures romanesques, nous entraîne dans une époque où la vie quotidienne et les bonheurs simples sont souvent brisés par la violences ou les émeutes. Ce livre est un roman qui, entre réalisme, romantisme et surnaturel, respecte la liberté qui s'attache au genre. La psychologie des personnages est sciemment moderne ; l'homme, au-delà du temps et de la culture, restant identique à lui-même.

LE LIVRE Entre la fin du XIVe et le milieu du XVIe siècle, les Pays-Bas s'imposent comme l'une des principales scènes artistiques du monde occidental. Dans cet opus, Jan Blanc recontitue brillamment les conditions et les raisons pour lesquelles l'art des anciens Pays-Bas s'est progressivement imposé sur la scène internationale, en inventant de nouvelles manières, profondément modernes, de penser l'art et son rapport au monde, sans pour autant renoncer aux liens étroits qui l'unissent aux formes inventées à la fin du Moyen-Age. De l'avènement de Philippe II le Hardi (1384) à la scission des Pays-Bas en 5181, ce vaste parcours aborde les grands maîtres de la peinture (Jan van Eyck, Petrus Christus, Rogier van der Weyden, Hans Memling, Jan Gossaert, Joachim Patinir, Jan van Scorel, Pieter Bruegel I), mais également l'enluminure, le dessin, la gravure, l'architecture, la sculpture et la tapisserie - autant de domaines où les artistes néerlandais ont excellé durant cette période. Une somme abondamment illustrée qui complète parfaitement, sur le plan chronologique et thématique, Le Siècle d'or hollandais du même auteur (Citadelles & Mazenod, 2019) ; celui-ci commençant là où s'achève L'Art des anciens Pays-Bas.

Il a traversé un demi-siècle de cinéma français, tournant avec Godard, Barbet Schroeder, Rivette ou encore Lelouch, Truffaut et Chabrol. Après des débuts au théâtre, Jean-Pierre Kalfon a fait le choix d'un cinéma exigeant et éclectique, loin des sentiers battus. Pourtant, rien ne le destinait à une carrière aussi détonante : il a été enfant de choeur, ses parents n'avaient ni télévision ni tourne-disques. Adolescent, il fugue pour découvrir les caves du Quartier Latin : Le Tabou, Le Caveau de la Huchette, Les Trois Mailletz... Bientôt naît son goût pour la scène : il sera le premier à repérer l'inoubliable Pierre Clémenti. Nombreux sont ceux dont il croisera la route : Pierre Brasseur, Jacques Brel, Annie Girardot, Romain Gary, Alain Delon, Lauren Bacall... A la télévision, on le verra dans des téléfilms et séries à succès (Maigret, Navarro, La Rivière Espérance, Mafiosa...) Le théâtre et le cinéma ne sont pas ses seules passions. Ce fou d'Elvis et des Doors a fondé le "Kalfon Roc Chaud" et "Black Minestrone", collaborant avec Bob Marley, les New York Dolls, Serge Gainsbourg... A quatre fois vingt ans, Jean-Pierre Kalfon ne se prend toujours pas au sérieux : il signe des souvenirs filousophiques d'un humour et d'une vivacité réjouissants !

Toen het Jenevermuseum hem in 2019 vroeg een tentoonstelling en publicatie samen te stellen met als thema het Belgisch emailbord en sterkedrank, had Jan De Plus, gepassioneerd expert, maar één twijfel : bestaan er wel genoeg emailborden over dit thema voor een volledige expo en boek ? Gaandeweg stelde het probleem zich andersom. Er werd zoveel materiaal gevonden dat selecteren nodig was ! Dit boek is het resultaat van nauwgezet opzoekingswerk : na een samenvatting van de verschillende emailleertechnieken volgen een beschrijving van de vele Belgische emaillerieën die deze borden produceerden en een overzicht van de verschillende stokerijen en merken, zowel binnen- als buitenlands, die gretig gebruik maakten van het emailbord als reclamemiddel. Yves Segers, historicus, geeft een verhelderend inzicht in het succes van buitenlandse aperitiefmerken in België, in een context van toenemend toerisme en groeiende belangstelling voor de cocktailcultuur. In de catalogus, het hart van het boek, belicht Karl Scheerlinck, kunsthistoricus en specialist van het Belgisch affiche, de beeldtaal en ontwerpers. Hier vindt de lezer ook uitleg over datering, fabrikant, afmetingen, vorm, technieken en, indien gekend, de ontwerper. Het boek wil een zo volledig mogelijk overzicht geven van alle Belgische borden voor sterkedrank en tegelijkertijd verder onderzoek stimuleren en... hopelijk ook leiden tot nieuwe ontdekkingen !

Divorcée et mère d'une petite fille, Gillian Forrester, jeune styliste de renom, rencontre Chris Matthews, brillant photographe. Elle quitte alors New York pour refaire sa vie à San Francisco. Charmée et amoureuse, elle ne se doute pas que Chris est loin d'être l'homme idéal qu'elle s'imaginait.

Julien VERMEULEN : Hugo Claus à New York (1959) In 1959-1960, Hugo Claus spent six months in the US, Mexico and Cuba. In the course of his trip he wrote down a number of impressions and experiences which he later turned into a cycle of poems, entitled "Reportage" (1961). In terms of contents and style these poems differ from his previous work. Claus now uses a style which is less hermetical : apart from this remarkable transparency, a wide range of ironic expressions, ambivalent idioms, contrasting registers and playful characterisations constitute a lexicological diversity. The great number of assonances and the use of non-literary text registers also characterize these poems. In this way this cycle anticipates later work in which Claus systematically applies diverse collage techniques. The poems "N. Y. 1" and "N. Y. 2" are also an exceptional testimony of the feelings of isolation and vulnerability of the lyrical "I". In 1959-1960 bracht Hugo Claus zes maanden door in de VS, Mexico en Cuba. Tijdens zijn verblijf noteerde hij enkele indrukken en ervaringen die hij later in de gedichtenreeks "Reportage" (1961) uitwerkte. Inhoudelijk en stilistisch wijkt deze poëzie af van zijn vroeger werk. Claus hanteert hier immers een stijl die minder hermetisch is : naast een opmerkelijke transparantie constateren we ook lexicografische diversiteit met allerlei ironische en ondermijnende dubbele bodems, kritische en contrastieve registers, ludieke en spottende typeringen. Ook het grote aantal assonanties en het gebruik van niet-literaire tekstregisters karakteriseren deze gedichten. In die zin anticipeert deze cyclus op zijn later werk waarin hij talrijke collagetechnieken op een systematische wijze toepast. De openingsgedichten "N. Y. 1" en "N. Y. 2" getuigen ook op een uitzonderlijke wijze van het isolement en de kwetsbaarheid van de ik-figuur. Sarah BEEKS : Masscheroen ou trois messieurs nus. L'engagement artistique de Hugo Claus dans les années soixante In the spring of 1968 Hugo Claus was officially charged with public indecency. The fact that he had staged three naked men in his play Masscheroen, could not be tolerated by to the conservative judiciary in Flanders. The lawsuit caused a great fuss within the artistic milieu : art and literature had regularly been censored and something had to be done. Inspired by the activist élan of May '68, Claus and his colleagues chose to act upon their artistic commitment. Through cheerful happenings and poetic protest evenings they fought for the autonomy of art and literature. In het voorjaar van 1968 werd Hugo Claus aangeklaagd wegens openbare zedenschennis. In zijn toneelstuk Masscheroen had hij drie naakte mannen laten optreden en dat kon volgens de conservatieve rechterlijke macht in Vlaanderen niet door de beugel. De zaak leidde tot veel ophef binnen het artistieke milieu : kunst en literatuur werden eind jaren zestig veelvuldig gecensureerd en dat werd niet langer geaccepteerd. Aangestoken door het activistische elan van mei '68 besloten Claus en zijn collega's zich artistiek geëngageerd te tonen. Door middel van vrolijke happenings en poëtische protestavonden bevochten zij de autonomie van kunst en literatuur. Pieter VERSTRAETEN : Le corps du Christ. Le roman A propos de Dédé et le catholicisme Hugo Claus's short novel Omtrent Deedee [With regard to Deedee], which appeared in 1963, can be read in a variety of ways. In general, two slightly antagonistic interpretative models have been dominant so far : whereas the early literary analysis by Julien Weverbergh focuses on the symbolic dimension of the story, a commentator such as Bert Vanheste emphasizes the novel's connection with contemporary social discussions, such as the debates on the democratization of Catholic faith in the context of Vaticanum II (1962-1965). In this article I want to further develop the latter perspective by reading the book primarily as a commentary on Catholic faith, understood in its institutional as well as its ideological dimensions. In particular, I focus on the kind of priesthood the main character Deedee is embodying, on the relation between the priest Deedee and the young homosexual Claude, who seems to represent an alternative kind of priesthood, and on the process of transubstantiation, which plays a major role in all this. Finally, I relate the motif of transubstantiation to Claus's conception of meaning and symbolism. It appears that the religious sacrament as well as the signifying process are based on the interaction between the concrete and material on the one hand and the abstract and ideal on the other. In the end, in Omtrent Deedee, both categories are unmasked as mere social constructs, failing to do what they promise : restoring an original, sacral union or wholeness. Van Hugo Claus' korte roman Omtrent Deedee, verschenen in 1963, zijn heel verschillende interpretaties mogelijk. Grosso modo staan daarbij twee verschillende lectuurmodellen tegenover elkaar. Terwijl de vroege analyse van Julien Weverbergh vooral inzet op de symbolische dimensie van het verhaal, vraagt iemand als Bert Vanheste expliciet aandacht voor de betrokkenheid van de roman op contemporaine maatschappelijke problemen, zoals de discussies rond de democratisering van het katholieke geloof die plaatsvinden in de context van Vaticanum II. In dit artikel wil ik dat tweede perspectief verder uitwerken door Omtrent Deedee in de eerste plaats te lezen als een commentaar op het katholieke geloof, zowel op de institutionele als op de ideologische dimensie ervan. Ik focus daarbij op de aard van het priesterschap van het hoofdpersonage Deedee, op de relatie tussen de geestelijke Deedee en de jonge homoseksueel Claude, die een alternatieve priesterrol op zich neemt, en op het sacrale proces van de transsubstantiatie, dat bij dit alles een cruciale rol lijkt te spelen. Tenslotte verbind ik het motief van de transsubstantiatie met Claus' visie op betekenis en symboliek. Zowel het religieuze sacrament als het proces van betekenisgeving zijn immers gebaseerd op de interacties tussen het concrete en materiële enerzijds en het abstracte en ideële anderzijds. Finaal worden beide categorieën in Omtrent Deedee ontmaskerd als louter sociale constructies die er niet in slagen hun belofte waar te maken en een oorspronkelijke, sacrale eenheid en heelheid te herstellen. Tom SINTOBIN : Raconter en bafouillant, bafouiller en racontant. Traumatisme et narrativité chez Hugo Claus In this article two novels by Hugo Claus are analysed from the perspective of Trauma theory : Desire (1978) and The sorrow of Belgium (1983). Trauma destroys an individual's life-narrative and results in a Post Traumatic Stress Disorder. In Desire it is Didi that seems to suffer from it : she lost her human identity and her awareness of time, she is barely able to speek - which means that she has lost the plot that can give her life meaning and coherence. The reader is never told what exactly is the matter : all he gets are flashes, which are not sufficient to tell him the whole story. Moreover, he is confronted with the fact that the language of the novel is very ambiguous. These two characteristics - the unability to get to a fullblown story and the loss of language - the reader shares with a PTSD-patient, which suggests that this novel has a performative aspect : the reader lives through the same drama as that of the characters. In The sorrow of Belgium, uncle Omer is confronted with a malfunctioning language and ability to narrate. His problem manifests itself in repetition and in misunderstandings due to the ambiguity of words. The reader encounters exactly the same problem at the end of the novel, when a passage that seemed rather superficial at first sight in reality turns out to be full of meaning. However, there are characters in this novel whom one would expect to be traumatised that nevertheless do not show the typical characteristics. Above all the father, Staf, talks endlessly about the terrible things that happened to him, even so much that the members of his family are no longer interested. The feeling of the "surplus" of narratives, that are as a consequence not healing any more but aim at hiding something, is a feeling shared by the reader while he is reading this strange novel, which gets in its turn a performative aspect. In dit artikel worden twee romans van Hugo Claus, Het verlangen (1978) en Het verdriet van België (1983) bestudeerd vanuit het perspectief van traumastudies. Daarbij wordt een trauma gedefinieerd als datgene wat het levensnarratief van een individu vernietigt, met een Post Traumatic Stress Disorder tot gevolg. In Het verlangen blijkt Didi's pathologie daar nogal wat kenmerken van te hebben : ze is haar menselijke identiteit kwijt, haar tijdsbesef is ontregeld, ze kan amper nog spreken - zij heeft dus niet langer de beschikking over een levensnarratief dat haar bestaan zinvol en coherent kan maken. De lezer verneemt echter nooit precies wat er aan de hand is : hij krijgt slechts flitsen te zien en komt niet tot een sluitend verhaal. Bovendien wordt hij ermee geconfronteerd dat de taal van de roman wel heel meerzinnig wordt. Deze beide kenmerken - het onvermogen om tot een verhaal te komen en het verlies van taal - deelt de lezer met een PTSD-patiënt, zodat het verhaal in overdrachtelijke zin performatief is geworden : de lezer ondervindt het drama van de personages aan den lijve. Ook in Het verdriet van België komt er een personage voor wiens taal en verhalend vermogen hapert : Nonkel Omer. Zijn aandoening uit zich onder meer in herhaling en in misverstanden door dubbelzinnige woorden en blijkt ook de lezer parten te spelen wanneer die zich tegen het einde van de roman met een ogenschijnlijk anekdotische maar in werkelijkheid uitermate beladen passage geconfronteerd ziet. Nochtans zijn er ook personages waarvan men zou kunnen aannemen dat ze getraumatiseerd zijn zonder dat ze de kenmerken van een PTSD vertonen : vooral vader Staf vertelt honderduit over wat hem is overkomen, zelfs in die mate dat zijn verhalen niet meer interessant gevonden worden door zijn huisgenoten. Het gevoel van de overdaad aan verhalen, die niet langer heilzaam zijn maar iets verbergen, maakt zich ook van de lezer meester bij zijn lectuur van deze vreemde roman. Het verdriet van België heeft zodoende op zijn beurt iets performatiefs. Dirk VAN HULLE : Claus et la narratologie exogénétique. La cognition externe (extended mind) et les notes de lecture autour du Chagrin des Belges This article combines genetic criticism with a post-Cartesian approach to cognitive narratology, notably to the examination of literary evocations of the fictional mind. The case study is the genesis of Hugo Claus' novel Het verdriet van België. The exogenetic analysis of two extant notebooks shows how the author's reading notes contribute not just to the fictional cosmology of the novel, but also to the cognitive cosmology of the characters' 'extended' minds. The article argues that for Claus, as for many twentieth-century authors, the materiality of the avant-texte served as a cognitive model for the evocation of the workings of the fictional mind. Dit artikel combineert tekstgenetisch onderzoek met een post-Cartesiaanse benadering van de cognitieve narratologie, in het bijzonder het onderzoek naar vormen van literaire bewustzijnsrepresentatie. De gevalstudie is de genese van Hugo Claus' roman Het verdriet van België. Uit de exogenetische analyse van twee bewaard gebleven notitieboeken blijkt hoe de lectuurnotities bijdragen, niet alleen tot de fictionele kosmologie van de roman, maar ook tot de cognitieve kosmologie van personages en hun "extended mind" . Het artikel argumenteert dat voor Claus, net als voor heel wat twintigste-eeuwse auteurs, de materialiteit van de avant-texte heeft gefungeerd als cognitief model voor literaire bewustzijnsrepresentatie. Malgorzata DUBROWSKA : Die mythische Welt Anna Seghers'. Literarische Bilder aus dem französischen Exil Alongside her journalistic undertakings, literary works by Anna Seghers left trajectories of her residence as an immigrant in France between the years 1933-1941. In her literary works, the writer often depicted in a metaphorical way the world of immigration experiences : Sense of instability, isolation, life intimidations and also consciousness of replication of the immigrant' destiny. She brought a universal literary vision that corresponded to the biblical tradition and the world of the Greek and Roman mythologies. The author of this article, based on the selected literary works of Anna Seghers that were created in France, catalogues the universal experiences of the existence of the human kind, that in Seghers' works become mythical. Les textes littéraires d'Anna Seghers, qui complètent son activité publicistique, où elle décrit d'une manière métaphorique ses expériences d'expatriée, en disent long sur les années de son exil en France (1939-1941). La précarité, l'isolement, le danger de mort et la conscience de réitération de l'existence d'exilé font naître une vision littéraire universelle qui puise tant dans la tradition biblique que dans les mythologies grecque et romaine. A travers les textes littéraires retenus, issus de la période française, l'auteur de la présente contribution tente de concrétiser cette expérience atemporelle de l'existence humaine à laquelle Seghers donne une dimension mythique.

Septembre 2008, la jeunesse fête la fin de l'été le soir sur la plage à Saint-Quay. Cette nuit-là une tornade traverse la baie et, au matin, les corps de Tom et Julie sont découverts sur les rochers. Chris, fou amoureux de Julie est totalement dévasté. Treize ans plus tard, Chris croit apercevoir Tom dans un pub parisien. Cette rencontre va chambouler sa vie et réveiller en lui des fantômes ! Dès lors, aidé de Bruno Van Nuys, il va enquêter pour découvrir ce qu'il s'est passé cette terrible nuit. Qui était l'inconnu aux côtés de Julie ? Etait-ce un accident, comme l'avaient conclu les gendarmes, ou alors un crime ? Et pourquoi ? Et lui, Chris, qu'a-t-il réellement fait cette nuit-là ? Tant de questions qui vont tourmenter Chris qui n'aura de cesse de mettre à jour tous les détails de cette terrible soirée, ce qui lui permettra peut-être de se libérer de ses fantômes et de commencer enfin à vivre.

Le père Louis Pelletier nous invite à une rencontre personnelle et intime avec Jésus. En nous enracinant dans le Christ, notre vie intérieure d'enfants de Dieu devient semblable à la sienne, nous grandissons harmonieusement et portons des fruits d'amour. A l'école du Christ est à la fois théologique et spirituel, concret et facile à lire : nous sommes saisis dans toutes les dimensions de notre vie. Nourri des Saintes Ecritures et de l'enseignement de l'Eglise, le père Louis Pelletier nous offre une oeuvre majeure pour notre conversion et la nouvelle évangélisation.

Jésus a-t-il passé une partie de sa vie en Inde, durant ces dix-huit années de son existence -entre 12 et 30 ans- dont la Bible ne fait aucune mention ? Si personne à ce jour n'a jamais été en capacité de vérifier les propos de l'auteur, lui qui dit avoir vu dans un monastère Bouddhiste du Ladakh des parchemins dans lesquels le passage de Jésus en Orient est clairement mentionné, il n'en reste pas moins que la thèse défendue par Notovitch reste des plus intrigantes. Ce sujet fit l'objet maintes fois de vives polémiques au point que la publication de l'ouvrage fut interdite à la fin du XIXe siècle par l'Eglise catholique. Faut-il dès lors y voir la volonté de cacher une vérité dérangeante ? Et si les documents cités par l'auteur étaient véritables ? Cette probabilité mérite d'autant plus d'être envisagée que d'illustres intellectuels, dont Nicolas Roerich qui fut Prix Nobel de la Paix en 1929, corroborent les propos de Notovitch et témoignent de l'existence de ces fameux parchemins. On imagine avec aisance les implications qu'une telle découverte pourraient avoir...

Comment sont conçus les bateaux ? Quels sont les meilleurs moyens pour communiquer en mer ? Qui sont les plus célèbres capitaines ? Cet ouvrage encyclopédique répond à toutes les questions des navigateurs en herbe et est idéal pour découvrir des navires extraordinaires, les expéditions maritimes, les techniques de pointe... Les petits navires et les gros paquebots n'auront plus de secrets pour les lecteurs. Un beau livre à lire en famille. Un documentaire encyclopédique Classé en 3 grandes parties (conception d'un bateau ; communication et navigation maritime ; expéditions et superstitions), ce livre est un ouvrage de référence pour les passionnés, petits et grands. Un beau livre adapté aux jeunes lecteurs Les dessins méticuleux et élégants de Jan Van der Veken, dans la mouvance de la bande dessinée belge, entraînent le lecteur sur les eaux et facilitent la lecture.

This beautifully illustrated catalogue presents a selection of exceptional seventeenth-century Dutch drawings from the Peck Collection in the Ackland Art Museum at the University of North Carolina at Chapel Hill. Featuring many previously unpublished and rarely exhibited works, the catalogue brings together examples by some of the best-known artists of the era such as Rembrandt, Jacques de Gheyn II, Samuel van Hoogstraten, and Frans van Mieris. The collection was donated to the museum in 2017 by the late Drs. Sheldon and Leena Peck. The transformative gift is comprised of over 130 largely seventeenth- and eighteenth-century Dutch and Flemish drawings, establishing the Ackland as one of a handful of university art museums in the United States where northern European drawings can be studied in depth. Drawn to Life presents around 70 works from this exceptional and diverse group of drawings amassed by the Pecks over four decades. Featuring new research and fresh insights into seventeenth-century drawing practice, the catalogue and accompanying exhibition celebrates the creativity and technical skills of Dutch artists who explored the beauty of the natural world and the multifaceted aspects of humanity. The catalogue features a broad selection of scenes of everyday life, landscapes, biblical and historical scenes, portraits, and preparatory studies, forming a dynamic and representative group of Dutch drawings made by some of the most outstanding artists of the period, including Abraham Bloemaert, Jacob van Ruisdael, Esaias van de Velde, Bartholomeus Breenbergh, Pieter Molijn, Aelbert Cuyp, Adriaen van Ostade, Ferdinand Bol, Nicolaes Maes, Jan Lievens, Gerard ter Borch, Adriaen van de Velde, Nicolaes Berchem, and Cornelis Dusart. Key sheets of remarkable quality by lesserknown artists such as Guillam Dubois, Herman Naiwincx, Willem Romeyn, and Jacob van der Ulft, also comprise a core strength of the collection, and serve as a testament to the visual acuity of the Pecks as collectors. At the heart of the Peck Collection are several sheets by Rembrandt, including the sublime Noli me Tangere ; a beautifully rendered late landscape, Canal and Boats with a Distant View of Amsterdam ; and the superbly charming Studies of Women and Children, which was the last of Rembrandt's seventeen known drawings with an inscription in his own hand to reach a public collection. Meticulously researched and written by Robert Fucci, Ph. D. , Drawn to Life introduces both scholars and drawings enthusiasts to the depth and beauty of the Peck Collection at the Ackland Art Museum.

Elle pensait lui avoir échappé, il ne l'a jamais oubliée. Le nouveau thriller du lauréat 2020 du Prix Bête noire des libraires Au Royaume des cris, nul ne peut sortir indemne... Diane est au sommet de sa gloire. Actrice à la beauté renversante, elle est la femme idéale, celle dont tout le monde rêve, mais que personne ne connaît vraiment. Promise à un brillant avenir au sein de la brigade criminelle, Esperanza voit quant à elle sa vie se briser quand sa fille est kidnappée. Deux destins aux antipodes. L'une vit sous les feux des projecteurs, l'autre est plongée dans les ténèbres. A chacune, des hommes ont arraché ce qu'elles avaient de plus cher. Où puiser encore de la force quand ce qui vous fait vivre vous a été enlevé ? " Quelqu'un surtout, note, observe et tire les ficelles... " - Geneviève BenMeziane, librairie Fnac Ternes " Une écriture cinématographique qui fait frisonner le corps et happe l'esprit. " - Arno Will, librairie La Griffe noire " les protagonistes sont malmenés d'une main de maître par le prince du polar... " - Jérôme Toledano, librairie Les Cyclades

Colette Peignot naît en 1903 dans une famille d'illustres typographes français. Adulte, elle rompt avec son milieu bourgeois et conservateur, fréquente Jean Bernier qui collabore à l'Humanité. Après un séjour de 1930 à 1931 en URSS pour partager le quotidien des moujiks, elle devient membre du Cercle communiste démocratique de Boris Souvarine, écrit des articles pour la Critique Sociale qu'elle finance partiellement. Dans les dernières années de sa vie, elle participe à l'aventure de la société secrète Acéphale. A sa mort en 1938, ses proches découvrent dans ses papiers l'existence de nombreuses lettres, fragments, poèmes et un récit autobiographique ("Histoire d'une petite fille"). L'année suivante, choisissant pour elle le pseudonyme de Laure, Georges Bataille et Michel Leiris décident, sans autorisation, de publier hors-commerce un premier recueil : le Sacré. Trois autres suivront : écrits de Laure (1971), écrits retrouvés (1987), Une rupture. 1934 (1999). Les Cris de Laure rassemblent ses derniers textes inédits. - N. D. E

Les récits de ce recueil résonnent des cris retentissants ou sous-jacents que le lecteur pourra entendre dans les situations de handicap relatées ici, à partir d'un vécu authentique, mais modifié dans des circonstances fictives. C'est aussi, au coeur de chaque événement, le passage d'une enfance innocente à une adolescence en devenir, qui souffre d'un écart de vie de plus en plus sensible avec les autres, le handicap, dans des moments où se nouent les premières expériences de violence des mots, des gestes et des choses.

L'Homme, nous apprend la Genèse, a été fait à l'image de Dieu : "Homme et femme Il le fit". Or Dieu est amour car, étant Trinité, Il est Famille. Par ailleurs, la sensibilité divine de Dieu, émanation de son amour, se manifeste par sa tendresse. Ne dit-on