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Joseph BRISTOW : Oscar Wilde, Ronald Gower, and the Shakespeare Monument Le mercredi 10 octobre 1888, Oscar Wilde figurait parmi les orateurs qui prononcèrent l'éloge de Sir Ronald Gower (1845-1916) lors de l'inauguration de l'imposant monument, érigé en l'honneur de Shakespeare à Stratford-upon-Avon et conçu par Gower. Cet événement, moment le plus connu où Wilde et Gower apparaissent ensemble en public, met en évidence un aspect important de l'intérêt porté par Wilde aux arts plastiques. Comme le note Roger Fry, qui le rencontra à Venise en 1891, l'aristocrate au physique avantageux est "le modèle de Lord Henry dans Dorian Gray" . Au début de sa carrière, Gower fut parfois menacé par des scandales liés à sa préférence sexuelle pour les hommes, les militaires en particulier. Il est intéressant de noter le contraste entre la manière dont Gower sut habilement se défendre contre les allégations diffamatoires à son encontre et le destin tragique de Wilde au cours des procès de 1895, suite auxquels l'écrivain fut condamné à purger une peine de prison de deux ans pour "outrage aux bonnes moeurs" . En 1898, Gower, qui avait mis un terme à sa carrière artistique après l'érection du monument en l'honneur de Shakespeare, adopta Frank Hird, son amant âgé de vingt-cinq ans. Michael Patrick GILLESPIE : The Branding of Oscar Wilde Bien qu'au cours de sa vie, Oscar Wilde ait été entouré par un certain nombre de personnages flamboyants, il se démarqua de ceux-ci en raison du grand talent dont il fit preuve quand il s'est agi de se forger une image de marque. Cette démarche va bien au-delà de la simple mise en scène de soi, et elle a de bien plus larges implications en termes de rapports à la société. C'est grâce à la création de cette image de marque que Wilde se distingua d'une génération d'excentriques, grâce à l'habileté dont il fit preuve dans l'élaboration d'une image publique singulière, image qui parvint à frapper les esprits tout en échappant aux foudres de la censure. Cette image était celle d'un artiste apparemment sans inhibition mais qui, en réalité, savait parfaitement susciter le frisson sans pour autant provoquer de la révulsion. Entre ses années d'étudiant à Oxford et les procès de 1895, la "marque Wilde" protégea sa vanité et accrut sa réputation, à travers sa capacité à changer de registre et à s'adapter à des environnements différents. Comprendre le fonctionnement de cette image de marque et l'engagement de Wilde envers cette dernière au gré des situations, permet d'offrir un aperçu de l'évolution de sa carrière d'écrivain et de saisir au mieux les perspectives changeantes dont les lecteurs doivent avoir conscience afin de comprendre son oeuvre. Anne-Florence GILLARD-ESTRADA : Oscar Wilde's Aesthetics in the Making : The Reviews of the Grosvenor Gallery exhibitions of 1877 and 1879 En 1877 et 1879, Wilde publie dans des périodiques irlandais des comptes rendus des première et troisième expositions de la Grosvenor Gallery. Ces textes constituent un premier commentaire de Wilde sur les développements qui touchaient les arts visuels depuis une quinzaine d'années environ. Wilde évoque dans ces comptes rendus les oeuvres d'artistes alors associés à "l'école classique" ou à l' "Esthétisme" (mouvements qui se recoupaient souvent). En outre, Wilde dialogue avec les commentateurs ou les critiques d'art qui étaient favorables à cette peinture. C'est dans ce terreau fertile que l'esthétique de Wilde prend forme, et cet article se propose en particulier d'explorer l'esthétique de l'ambiguïté et de l'ambivalence qui caractérise ces tableaux et qui apparaît comme centrale dans les deux comptes rendus de Wilde. Nicholas FRANKEL : Portraiture in Oscar Wilde's Fiction Wilde se rendit compte dès le début de sa carrière que le genre du portrait reposait sur une dichotomie entre la représentation des aspects intimes de la vie d'un individu d'une part et celle du personnage public, d'autre part. Mais peu après la criminalisation des "outrages aux bonnes moeurs" en 1885 et le début de sa liaison avec Robert Ross en 1886, il prit conscience du fait que le portrait constituait également une structure imaginaire propice à la représentation de vies caractérisées par des désirs illicites, désirs que l'on ne pouvait satisfaire que secrètement, loin du regard de la société. Cet article explore la dynamique entre portrait, artiste, sujet (ou "modèle" ) et spectateur dans quatre textes de fiction que Wilde a publiés à intervalles réguliers à la fin des années 1880. Il montre qu'au fil de ces quatre textes, Wilde développa une théorie nuancée de l'art du portrait comme incarnation visuelle du désir pour les hommes et entre hommes. Il suggère en conclusion que la nouvelle compréhension de l'art du portrait acquise par Wilde a pu à son tour influencer l'oeuvre de son ami Toulouse-Lautrec, dont le célèbre portrait à l'aquarelle de l'écrivain, réalisé en 1895, constitue une rupture radicale par rapport aux normes de l'époque. Emily EELLS : "La consolation des arts" : The Picture of Dorian Gray and Anglo-French Cultural Exchange Cet article analyse l'intertextualité française dans le roman de Wilde, afin de montrer comment il s'en est servi pour construire son récit et son cadre théorique. L'article met en évidence la dette de Wilde envers Gautier, Goncourt, Huysmans et Balzac : il va jusqu'à citer ce dernier sans le nommer. Cet article étudie l'inscription des mots français dans le texte de Wilde, qui sont mis en italiques comme pour signaler leur étrangeté. Ce procédé typographique participe de l'esthétisation des livres français, que Wilde présente comme des objets d'art. Le titre de cet article cite une phrase de Gautier enchâssée dans le texte de The Picture of Dorian Gray afin de suggérer comment les arts français (les belles lettres, mais aussi les arts mineurs de la parfumerie et de la dentelle) sont une source de consolation pour Dorian Gray. Une annotation en français dans un exemplaire du roman de Wilde semble y répondre, car le lecteur dit s'y trouver conforté dans son idéalisation de l'inutile. Shannon WELLS-LASSAGNE : Picturing Dorian Gray : Portrait of an Adaptation The Picture of Dorian Gray constitue un sujet de choix pour les cinéastes, et ce, pour de nombreuses raisons : il s'agit d'un conte moral captivant, doté d'une intrigue qui regorge de beauté, d'amour et d'action; c'est un exemple célèbre de texte victorien influencé en partie par le roman "gothique" . Le roman de Wilde a ainsi inspiré de nombreuses générations de cinéastes. Toutefois, cette oeuvre pose aux réalisateurs des problèmes particuliers, dont un est suggéré par le titre même de l'ouvrage : comment représenter le portrait extraordinaire de Dorian Gray à l'écran, tant dans sa beauté éclatante initiale que dans ses métamorphoses monstrueuses? Chacune des adaptations étudiées dans cet article semble proposer un portrait qui révèle les possibilités de la fiction dans un contexte audiovisuel ainsi que les propres aspirations des adaptateurs. Ainsi, les adaptations semblent considérer le portrait de la même manière que Hallward considère son sujet : "un style artistique entièrement neuf, une manière entièrement nouvelle" : une mise en abyme de l'adaptation elle-même. Marianne DRUGEON : Aestheticism on the Wildean Stage Cet article se propose d'étudier des représentations sur scène et adaptations filmiques de trois comédies de salon d'Oscar Wilde, L'Éventail de Lady Windermere, Un mari idéal et L'Importance d'être constant, lesquelles ont toutes en commun un décor, des costumes et des accessoires représentatifs de l'Esthétisme. On connaît en effet Wilde non seulement pour ses oeuvres littéraires mais également pour son engagement dans la défense de ce mouvement artistique, ce qui a conduit les metteurs en scène à créer de véritables vitrines présentant les costumes, le mobilier et les oeuvres d'art de l'époque. L'on remarque toutefois que ce qui n'est en général qu'accessoire et décor devient, dans l'adaptation des oeuvres de Wilde, de première importance : les costumes symbolisent des personnalités, les scènes se transforment en véritables tableaux, et les personnages sont définis non plus par leurs actes mais par leur apparence, devenant eux-mêmes des oeuvres d'art. Wilde lui-même, en affirmant que la vie imite l'art, recherchait sciemment l'artificialité et rejetait le naturalisme. Ainsi, ceux qui ont mis en scène ses pièces y ont bien souvent mêlé une représentation de ses convictions artistiques, et même une représentation de l'auteur lui-même, qui aimait se créer des masques et faire de sa vie un spectacle. Gilles COUDERC : Setting Oscar Wilde to Music Depuis sa première en version concert à Los Angeles en 2011, l'opéra de Gerald Barry The Importance of Being Earnest d'après la comédie d'Oscar Wilde a obtenu un grand succès. À ce jour, ce n'est que la plus récente des très nombreuses oeuvres musicales inspirées tant par les textes de Wilde que par sa vie. De son vivant, la capacité de Wilde à se mettre en scène, la création savamment orchestrée d'un personnage destiné au public, l'a maintenu sous le feu des projecteurs. Sa chute et le retentissement de ses procès ont suscité un intérêt toujours croissant pour l'homme et pour son oeuvre : l'adaptation de Salomé à l'opéra par Richard Strauss en 1905 a lancé la vogue des adaptions musicales des textes de Wilde, alors que le personnage de l'artiste a continué à inspirer opéras ou comédies musicales. Ce qui semble frappant, c'est, après la mort de l'écrivain, la confusion, dans l'imaginaire européen, entre l'homme et l'oeuvre. Cette étude se concentrera d'abord sur des oeuvres inspirées par le personnage de Wilde, Patience de Gilbert et Sullivan, puis l'opéra Oscar du compositeur américain Theodore Morrison, oeuvre dans laquelle Wilde est présenté comme héros et martyr d'un combat libertaire. Nous examinerons ensuite les oeuvres que sa Salomé a inspirées, les opéras de Strauss (1905) et de Mariotte (1908) ainsi que la production d'Ida Rubinstein (1908), trois oeuvres dans lesquelles, derrière les personnages mis en scène, se devine la figure de Wilde. Marc PORÉE : Ceci n'est pas un tube : de l'itérabilité dans The Burning Perch de Louis MacNeice Cet article procède d'un constat : tout au long de sa carrière poétique, Louis MacNeice aura multiplié les recours à diverses modalités de la répétition. Dans The Burning Perch, en particulier, il aura fait un usage insistant et déstabilisant du refrain. Une telle itérabilité est assurément consubstantielle au fonctionnement de la poésie; elle est aussi propre à l'économie "tubulaire" , telle que l'analyse Peter Szendy, et rappelle fortement le fonctionnement de la "ritournelle" , selon Deleuze et Guattari. C'est cette parenté, mais aussi cette différence, entre la chanson et le poème, qu'on explorera ici, avant de conclure, sans grande surprise, à l'irréductibilité du poétique.

Durant son enfance au Caire, Mohieddine Ellabbad fouine et glane dans la bibliothèque paternelle, chez le marchand de journaux du trottoir d'en face, au souk des soldeurs de livres à Ezbekkiya, les " petites choses " graphiques qui nourrirent, sa vie durant, une culture visuelle sans frontière, et sans pareille : "J'ai plus été formé par ces " petites " choses telles que les timbres, les publicités sur les objets et les boîtes d'allumettes, que par les Beaux-arts. C'est pour cela que (dans le "Carnet du dessinateur") je tente de communiquer aux enfants ma propre expérience d'enfant devenu à l'âge adulte illustrateur et créateur. J'essaie de leur faire part de mon expérience, de tout ce qui a contribué à me former, à former ma mémoire, mon affect, et tout le reste." Petite histoire de la calligraphie arabe est le dernier ouvrage de Mohieddine Ellabbad, publié de manière posthume. On y découvre l'histoire des lettres arabes, de l'écriture arabe, des styles de calligraphies, des vies de calligraphes, du rapport à l'écrit dans le monde arabo-musulman en partant de l'époque de la poésie du désert jusqu'à l'époque contemporaine, et en passant par le temps des Abbassides, des Ayyubides, des Ottomans, etc. D'une érudition vertigineuse, ce recueil destiné aux jeunes lecteurs est rempli d'anecdotes et d'humour. On devine au fil des pages le collectionneur passionné et génial que fut Mohieddine Ellabbad. Le port a jauni a publié en 2018 un premier volume de cette oeuvre majeure, "Le carnet du dessinateur", et poursuit un travail de valorisation de l'image arabe et de son histoire avec ce nouveau recueil.

En 1988, Patrick Le Bescont, photographe et éditeur des toutes jeunes éditions Filigranes, publie son premier livre Echos du silence. Paysage du Québec en mars. Il y invite le grand écrivain et poète franco-chinois François Cheng à être son complice et son premier regard. En 2018, Créaphis publie une reprise de ce livre, dans la collection Format Passeport. Cette nouvelle édition traduit en miniature une immensité. Les poèmes de François Cheng, d'une forme brève de quelques vers libres, sont une sorte de précipité. Les auteurs se font écho, s'accordent à distance, s'attachent à saisir les différentes nuances du paysage de fin d'hiver, traduites dans des gammes de gris et de blanc où sont parsemés des points noirs d'une encre profonde. Entre ciel et fleuve, à peine visibles, une vie bien présente faite d'arbres, d'herbes, d'animaux et d'humains, de traces. Petits jalons posés comme des pointillés sur une page, les photographies sont aussi écriture de poésie par de petits signes calligraphiques. Il faudrait aussi pouvoir entendre ce livre. La voix murmurante de François Cheng fait aussi écho aux brisures, ruptures et craquements de la glace de ce Saint-Laurent en mars, au début de sa lumineuse débâcle. Les poésies ont gardé leur force et leur précision. Attitude contemplative empreinte d'une leçon de philosophie du corps et du paysage. Une belle réflexion en écho aux photographies. Dessinateur et ébéniste de formation, Patrick Le Bescont a construit lui-même sa chambre photographique en bois, de grand format. Dans ce voyage, il accomplit en artiste et en artisan une tâche et un chef-d'oeuvre initiatique.

Vous savez, quand une poterie est émaillée, on voit des éclats, des fissures, qui se séparent, se rejoignent, se ressoudent et forment ainsi un réseau. Toutes ces belles rencontres ont émaillé ma vie, chaque fois comme un éclat et organisent en moi le réseau qui a contribué à me construire. J'aurais pu vous raconter beaucoup d'autres histoires vraies de gens bêtes, méchants, snobs, ou désagréables ou bien bêtes, méchants, snobs et désagréables. Mais ça ne m'intéresse pas, je n'ai pas envie non plus de nuire à qui que ce soit. Ceux que je vous présente, ceux-là et beaucoup d'autres (vous peut-être, qui aujourd'hui me lisez) je les ai aimés et je les aime. Célèbres ou inconnus, puissants ou gens de peu, il n'y a pas de petits. Ce sont toutes et tous de Grandes Personnes. Je n'ai jamais cessé de me nourrir de vous. Je conte, je raconte, mais pas tout. J'écris, je décris... Toutes ces rencontres sont de petits ruisseaux qui nourrissent sans cesse la confluence... Après avoir écrit de nombreuses chansons pour des interprètes divers, des sketches et des pièces de théâtre, Hervé Féron est auteur de plusieurs ouvrages : Bienvenue en Palestine, publié en 2014, Un mur dans le désert en 2016, consacré à la vie pénible des Sahraouis dans un camp de réfugiés. En 2015, il réalise le documentaire Un mur dans le désert, avec la participation du comédien Pierre Richard. En 2019, il est nommé Chevalier des Arts et des Lettres. Après J'ai l'oreille qui siffle... quelqu'un pense à moi ? , il publie Les petits ruisseaux aux Editions Vérone.

Après les Jours de travail, le journal des Raisins de la colère, Seghers publie la correspondance de Steinbeck à son éditeur, lors de la rédaction d'A l'Est d'Eden... Alors qu'il commence la rédaction d'A l'est d'Eden, son roman le plus ouvertement autobiographique et sans doute le plus ambitieux, John Steinbeck se lance dans une longue lettre qu'il écrit quotidiennement à son ami et éditeur, Pat Covici. Pour lui, cette lettre ininterrompue a une triple vocation : elle le prépare physiquement et psychiquement à la rédaction de ses feuillets du jour ; elle offre un laboratoire dans lequel il revient sur les ambitions du chapitre en cours ; elle lui permet de tenir la chronique de la création, réflexion sur le temps, la littérature, l'inspiration, l'oeuvre à l'oeuvre. Chaque jour, du 29 janvier au 31 octobre 1951, Steinbeck documente ainsi son processus d'écriture, se confie sur des sujets intimes, offrant ainsi un angle fascinant sur l'expérience du Nobel, une vision de l'homme et de l'écrivain, mais aussi de la relation qui unit un auteur et son éditeur. Publié aux Etats-Unis en 1968, l'année suivant la disparition de Steinbeck, Journal d'un roman, Lettres d'A l'Est d'Eden, se situe dans la lignée de Jours de travail, Les journaux des Raisins de la colère : traduit par Pierre Guglielmina et paru chez Seghers en 2019, celui-ci avait été salué d'une presse unanime. Avec ce deuxième opus, les Editions Seghers poursuivent leur exploration de la fabrique de la création des chefs-d'oeuvre de la littérature américaine du XXe siècle.

Qui sont les "Rescapés" d'où ce recueil tient son titre ? Ou plutôt, que sont-ils ? Des émotions, des réflexions, des observations saisies au vol, rendues intemporelles et universelles par la grâce de la poésie. Le poète dit "je" , mais c'est de nous tous qu'il parle dans les quatre premiers cycles de cette oeuvre ("Les Rescapés" , "Rappelez-moi votre nom" , "L'Amour par l'exemple" et "La Maraude"). Ces suites de brèves évocations en vers courts sont couronnées par le dernier poème, formant à lui seul un cinquième et dernier cycle ("La poésie est toujours debout") : c'est la poésie, et elle seule, qui sublime le quotidien. Publié en 1984 aux Editions de L'Aire, puis en 2006 dans le tome III de la Poésie intégrale d'Alexandre Voisard aux Editions Campiche, Les Rescapés et autres poèmes est ici présenté dans une version révisée par l'auteur, accompagnée d'une préface inédite de Valery Rion, enseignant de français et d'histoire au Lycée cantonal de Porrentruy et doctorant à l'université de Neuchâtel. Né en 1930 à Porrentruy, Alexandre Voisard publie ses premiers poèmes en 1954 (Ecrit sur un mur). C'est le début d'un oeuvre comptant près de quarante recueils et distingué à de nombreuses reprises par des prix importants, en France et en Suisse. Elu membre de l'Académie Mallarmé à Paris, puis de l'Académie européenne de poésie, Alexandre Voisard a aussi exercé des activités professionnelles et politiques soutenues, notamment en faveur de l'indépendance du canton du Jura, dont il a été en 1979 le premier délégué aux affaires culturelles.

Venue d'outre-Atlantique, la "cancel culture" menace de saper les fondements de notre civilisation : statues déboulonnées, auteurs classiques rayés des programmes scolaires, livres mis à l'index. Face à cela, il est urgent de faire oeuvre de transmission, en sortant de l'oubli ou en mettant en lumière des oeuvres fondatrices. Dans un premier volume, la Bibliothèque du jeune Européen, Alain de Benoist et Guillaume Travers présentaient 200 essais pour "apprendre à penser" . Ce second volume est tout entier consacré aux oeuvres de fiction, des récits mythologiques à la poésie, en passant évidemment par le roman ou la bande dessinée. Plus de 400 oeuvres sont présentées et analysées, offrant un précieux guide de lecture pour tous les âges. Le panorama ainsi offert, de l'Antiquité à nos jours, des pays latins à la Scandinavie, de l'Irlande à la Russie, donne à voir la richesse de l'univers esthétique européen. Les sensibilités qui s'y incarnent, les styles qui nous élèvent, les émotions dont on s'enivre par les grandes oeuvres, dessinent par petites touches la vaste fresque de notre héritage culturel propre. Alain de Benoist, essayiste, philosophe, est l'auteur d'une centaine de livres portant sur la philosophie politique et l'histoire des idées. Il a récemment publié Les démons du bien (2013), Au-delà des droits de l'homme (2016), Le moment populiste (2017), Décroissance ou toujours plus ? (2018), Contre le libéralisme (2019) et L'homme qui n'avait pas de père (2021). Guillaume Travers est universitaire et collaborateur à la revue Eléments. Il a récemment publié Economie médiévale et société féodale (2020), Capitalisme moderne et société de marché (2021) et Corporations et corporatisme (2021).

C'est en 1941 que l'amitié entre Fénéon (1861-1944) et Paulhan (1884-1968) - qui se connaissaient depuis 1917 est approfondie. Fénéon était silencieux depuis le milieu des années 20 (et très malade), Paulhan était réduit au silence par l'Occupant qui lui avait retiré la direction de la NRf. En cette même année 1941, le premier avait procédé à la vente de sa fameuse collection de tableaux, le second avait publié son grand-oeuvre, Les Fleums de Tarbes. Dès février 1942, Paulhan désira rédiger un essai sur la critique, dont Fénéon serait le centre : ''F. F. ou le Critique" sera publié en novembre 1943 dans Confluences, puis en 1945 chez Gallimard. Il voulut ensuite rassembler les écrits de Fénéon bien au-delà de ses "Nouvelles en trois lignes" à la une du Matin en 1906 : en 1918, paraîtra chez Gallimard un fort recueil des textes critique et littéraires de Fénéon, introduits par ces mots de Paulhan : "Nous n'avons peut-être eu en cent ans qu'un critique, et c'est Félix Fénéon. / Cela fait une étrange gloire, hors des enquêtes et des anthologies, hors des académies et des journaux, hors de la vie, comme on dit, littéraire. Cela fait une gloire mystérieuse qu'il faudrait serrer de plus près, qu'il faudrait comprendre." Pour tenter d'élucider cette énigme "l'interrogant docteur" posa nombre de questions à Fénéon et lui rendit souvent visite dans la maison de santé de la Vallée-aux-Loups, où il était installé avec sa femme Fanny. Fénéon finit par se prendre au jeu et donner - quoique de manière décalée, modeste, cryptée - toujours plus de précisions...

Le Discours de la Méthode, sous titré : "Pour bien conduire sa raison, et chercher la vérité dans les sciences" est un texte philosophique publié anonymement par René Descartes en juin 1637. Il devait à l'origine servir d'introduction générale aux traités scientifiques écrits par l'auteur, à savoir, la Dioptrique, les Météores et la Géométrie. Il s'agissait pour Descartes "d'en dire assez pour faire juger que les nouvelles opinions, qui se verraient dans dans la Dioptrique et les Météores, n'étaient point conçues à la légère". Toutefois, la célébrité du texte est devenue telle, qu'il est maintenant souvent publié seul, comme un essai indépendant. Il est reconnu comme l'une des oeuvres de la philosophie occidentale. Dans ce discours, Descartes expose son parcours intellectuel de façon rétrospective, depuis son regard critique porté sur les enseignements qu'il a reçus, jusqu'à sa création d'une philosophie nouvelle quelques années plus tard. Il y propose aussi une méthode, basée sur quatre règles pour éviter l'erreur et y développe une philosophie du doute, visant à reconstruire le savoir sur des fondements certains, en s'inspirant de la certitude exemplaire des mathématiques. La célèbre phrase "je pense dons je suis" (cogito, ergo sum), permet à Descartes de sortir du doute et lui servira à ce titr de premier principe. Les mathématiques suivent donc cette méthode et sont le modèle idéal qui doit être appliqué à toutes les sciences. Dans ce livre, le Discours de la Méthode est suivi de la Dioptrique, les Météores, la Géométrie et le Traité de Mécanique. Vous retrouverez également les 134 dessins qui accompagnent les démonstrations de Descartes. Bonne lecture.

Réédition d'un texte fondamental de l'histoire de l'art, Le Regard de Georges Salles. En 1939, alors qu'il est conservateur au département des arts asiatiques du Louvre, Georges Salles publie Le Regard (avec le sous-titre : La collection - Le musée - La fouille - Une journée - L'école). Il a 50 ans et travaille depuis dix-huit ans au Louvre. Il en connaît toutes les facettes puisqu'il s'est vu confier des missions de plus en plus importantes dans un musée en mutation. En une centaine de pages, il résume avec une grande clarté et une sensibilité teintée de nostalgie son rapport d'esthète à la collection. Une collection, celle du Louvre, qu'il voudrait universelle. En six chapitres, Georges Salles cherche à nous faire ressentir dans ce livre considéré comme essentiel par Walter Benjamin la valeur esthétique des choses, l'attrait de la forme et de la matière plus que le substrat savant qui l'entoure. Il parle du goût et rattache son propos à une histoire de l'oeuvre qui rejette toute surcharge de médiation. S'il ne nie pas le rôle éducatif du musée, il constate que " l'objet pour exister doit se laisser goûter ". La réédition de ce texte fondamental et depuis trop longtemps épuisé est publié avec un appareil critique de Françoise Mardrus, une préface de Muriel Pic, et illustré par l'artiste Jean-Michel Alberola qui a rendu significative la rencontre entre Walter Benjamin et Georges Salles à travers son oeuvre Cosmos 1939. Georges Salles/Walter Benjamin présentée en 2018 au Centre Dominique-Vivant Denon au Louvre.

Harold Pinter (1930-2008), prix Nobel de littérature 2005, est un des plus grands dramaturges du XXe siècle. Né dans une famille juive de l'Est de Londres, fils d'un tailleur pour dames, il est devenu une célébrité mondiale par la seule force de son talent. En 1975, il rencontre la célèbre biographe Antonia Fraser (Marie-Antoinette, 2001), fille d'un comte et femme d'un aristocrate écossais, qu'il épousera en 1980. Sa fille, alors jeune adolescente, Nastasha, voit sa vie bouleversée par l'arrivée dans sa famille de ce génie si peu ressemblant. Elevée dans " les meilleures écoles " , apprenant à " bien se tenir " , elle découvre qu'une nouvelle vie existe, consacrée à l'art. " Dans sa tenue décontractée, Harold semblait différent des autres grandes personnes. " S'ensuit un récit doublement passionnant qui montre, d'une part, la facilité avec laquelle, sous les auspices de la littérature, deux classes sociales se mélangent avec la plus grande spontanéité, d'autre part, un récit intime sur Pinter comme on ne l'avait jamais montré. Ses habitudes, aussi bien sa passion des bains que celle d'écrire entièrement à la main sur des bloc-notes bleus, jusqu'à des choses bien plus importantes, telle sa conception du théâtre ou sa carrière américaine et les amis qu'il s'y est fait, de Jane Fonda à Robert De Niro. Et puis, sa fin courageuse et déchirante où, atteint de maladie, il a fait preuve d'un stoïcisme admirable. Ce livre, spécialement écrit pour la collection Le Courage qui le publie en avant-première mondiale, sera ensuite publié en anglais.

En criant sa propre souffrance, Agapé hurle celle des autres aussi. Agapé nous donne le ton : l'écriture s'impose telle la faim, elle est affaire d'existence.

Seul recueil du genre, Les grandes décisions du droit administratif des biens constituent un outil indispensable pour aborder la matière ! Même si le droit administratif des biens est largement codifié, il est né - pour emprunter une formule de J. Rivero - " sur les genoux de la jurisprudence ". Les juridictions judiciaires et (surtout) administratives conservent un rôle déterminant ; s'y ajoutent, aujourd'hui, le Conseil constitutionnel et les cours européennes. L'ouvrage présente les notions-clefs qui structurent la matière (propriété, domaine, travail et ouvrage publics), l'acquisition des propriétés publiques (amiable ou forcée), leur consistance et leur gestion. L'utilisation du domaine des personnes publiques se trouve décrite en détail (usages communs, droits réels, redevances, etc.), comme les régimes de responsabilité du fait des travaux et ouvrages publics. Les règles de protection (insaisissabilité, inaliénabilité, intangibilité), ainsi que le régime de cession des biens publics, sont également exposés. Cette 4e édition des Grandes décisions du droit administratif des biens s'enrichit de plusieurs commentaires et développements en phase avec les enjeux contemporains de la matière. Ainsi, sont approfondies les questions relatives à l'image des biens publics, aux propriétés des personnes publiques localisées à l'étranger et aux transferts de propriétés publiques, la reconnaissance de constitutionnalité de l'inaliénabilité et de l'imprescriptibilité du domaine public ou la restitution des biens culturels. Le renforcement de la transparence dans l'octroi des titres d'occupation du domaine public, la neutralité des biens publics et la possibilité pour des personnes publiques de faire partie d'associations syndicales de propriétaires sont également abordés, tout comme la difficile distinction entre l'utilisation privative et l'utilisation commune des biens du domaine public.

Conçu pour les cérémonies extraordinaires qui, à l'orée du règne personnel de Louis XIV, célébrèrent la paix conclue avec l'Espagne, le mariage royal et la naissance d'un Dauphin, le motet à grand choeur représente le principal genre de la musique religieuse française de la fin du XVIIe siècle jusqu'à la Révolution. Il constitua la réponse spécifiquement française à une recherche européenne de grands genres musicaux susceptibles de soutenir les nouvelles formes de piété et de culte issues des réformes religieuses. Le motet à grand choeur est ici abordé en fonction des contextes dans lesquels il fut programmé, du point de vue des institutions (Chapelle royale, grands sanctuaires parisiens, cathédrales et collégiales de province, Concert spirituel ou académies de musique) et des circonstances (cérémonies extraordinaires, offices ou exercices de dévotion, concert public ou semi-public). Une attention particulière a été portée à la presse, aux écrits d'auteurs ecclésiastiques négligés par l'historiographie des Lumières, mais aussi à des textes de philosophes célèbres, qui montrent à quel point le motet à grand choeur fut parfois au centre des débats esthétiques. L'ouvrage porte ainsi un regard neuf sur les liens entre musique française et musique italienne, sur l'imitation et l'esthétique du tableau, dont les liens avec le sublime religieux sont mis en évidence, mais aussi sur la genèse du style classique. Enfin dans une perspective d'histoire culturelle, sont réexaminées les grandes questions qui, à la croisée du politique, de l'éthique et de l'esthétique, ont façonné l'histoire du genre : celles de la construction de l'image royale, de la création d'un espace public, des relations entre sentiment religieux et Lumières.

La foi est un sujet si sensible que peu de personnes osent y prêter leur plume de peur d'écrire des banalités ou de choquer des communautés. L'on ne cessera pourtant pas d'en débattre car elle est inductrice de normes de la vie, et la vie humaine ne saurait se passer de normes, que celles-ci proviennent de la Prophétie et de la Révélation, ou qu'elles proviennent des conventions humaines. L'unité dans la religion est la mission fondamentale dévolue au dernier des prophètes, restaurateur et unificateur de la foi abrahamique. La foi dans la destination du dialogue interreligieux qui m'habite repose essentiellement sur ce socle enfoui en moi et le désir de partager largement une réflexion sur le sujet tire sa source dans le fait que, seulement récemment, juste après qu'elle eut appréhendé un danger dans l'expansion de l'islam à long terme en Europe, l'Eglise catholique romaine invite les Chrétiens à respecter l'islam et les Musulmans, et elle leur en fait même un devoir. Ce pas prodigieux de l'Eglise catholique romaine vers l'Islam qui implique que l'on renonce à toutes les affirmations polémiques et négatives tenues à propos du prophète Muhammad et des Musulmans dans le passé est déjà une grande réforme et pourrait être un facteur dynamisant du dialogue interreligieux, un préalable à la reconnaissance du fait que la religion est un processus dont le début et le parachèvement est la soumission au Dieu unique, c'est-à-dire l'islam. L'humanité s'achemine de plus en plus vers la soumission au Dieu unique au point qu'il peut s'avérer inutile de publier, à ce stade, un livre sur l'islam. L'ouvrage qui est ici soumis à l'attention du public exalte l'autre volet de l'islam qui est la promotion de la paix, paix non seulement entre les humains, mais aussi paix entre Dieu et eux. Il examine non seulement les trois monothéismes avec le même égard, mais il met aussi en exergue le fait que les similitudes décelables entre eux recèlent de preuves éloquentes qu'ils ne sont pas apparus ex-nihilo, mais qu'ils ont bien emprunté leurs conceptions à une même source. Il invite aussi à une relecture rigoureuse des Ecritures qui permet de déceler que le prophète Jésus est une réalité et nulle part divinisé. Il incite surtout au retour à cette foi primordiale dont le combat du prophète Abraham est l'expression exemplaire. Il indique amplement ce que Le Coran recèle et qui en fait le support de restauration et d'unification de la foi abrahamique puis finalement un guide pour l'humanité. IL est en effet désormais bien admis que c'est par leur foi que les Musulmans ont apporté la plus riche contribution à la science universelle et Le Coran en est le meilleur témoin. C e n'est pas un homme de lettres, encore moins un théologien ou un philologue qui soumet ici à l'attention du public un livre qui traite, à première vue, de la religion. C'est le sens aigu de l'explication et du raisonnement acquis tout au long de sa formation intellectuelle et de sa carrière professionnelle qui a inspiré ce professeur de mathématiques appliquées à compiler les matériaux devant instruire sur la fécondité de la foi abrahamique. En se référant à Dieu, aux Prophètes, à l'Histoire, à la Morale, et la Science comme étant les principaux thèmes qui balisent le cheminement de l'humanité, son quatrième livre, à l'instar du Coran qui embrasse quasiment tout le champ de l'investigation intellectuelle, est fondamentalement un ouvrage de culture générale.

La foi est un sujet si sensible que peu de personnes osent y prêter leur plume de peur d'écrire des banalités ou de choquer des communautés. L'on ne cessera pourtant pas d'en débattre car elle est inductrice de normes de la vie, et la vie humaine ne saurait se passer de normes, que celles-ci proviennent de la Prophétie et de la Révélation, ou qu'elles proviennent des conventions humaines. L'unité dans la religion est la mission fondamentale dévolue au dernier des prophètes, restaurateur et unificateur de la foi abrahamique. La foi dans la destination du dialogue interreligieux qui m'habite repose essentiellement sur ce socle enfoui en moi et le désir de partager largement une réflexion sur le sujet tire sa source dans le fait que, seulement récemment, juste après qu'elle eut appréhendé un danger dans l'expansion de l'islam à long terme en Europe, l'Eglise catholique romaine invite les Chrétiens à respecter l'islam et les Musulmans, et elle leur en fait même un devoir. Ce pas prodigieux de l'Eglise catholique romaine vers l'Islam qui implique que l'on renonce à toutes les affirmations polémiques et négatives tenues à propos du prophète Muhammad et des Musulmans dans le passé est déjà une grande réforme et pourrait être un facteur dynamisant du dialogue interreligieux, un préalable à la reconnaissance du fait que la religion est un processus dont le début et le parachèvement est la soumission au Dieu unique, c'est-à-dire l'islam. L'humanité s'achemine de plus en plus vers la soumission au Dieu unique au point qu'il peut s'avérer inutile de publier, à ce stade, un livre sur l'islam. L'ouvrage qui est ici soumis à l'attention du public exalte l'autre volet de l'islam qui est la promotion de la paix, paix non seulement entre les humains, mais aussi paix entre Dieu et eux. Il examine non seulement les trois monothéismes avec le même égard, mais il met aussi en exergue le fait que les similitudes décelables entre eux recèlent de preuves éloquentes qu'ils ne sont pas apparus ex-nihilo, mais qu'ils ont bien emprunté leurs conceptions à une même source. Il invite aussi à une relecture rigoureuse des Ecritures qui permet de déceler que le prophète Jésus est une réalité et nulle part divinisé. Il incite surtout au retour à cette foi primordiale dont le combat du prophète Abraham est l'expression exemplaire. Il indique amplement ce que Le Coran recèle et qui en fait le support de restauration et d'unification de la foi abrahamique puis finalement un guide pour l'humanité. IL est en effet désormais bien admis que c'est par leur foi que les Musulmans ont apporté la plus riche contribution à la science universelle et Le Coran en est le meilleur témoin. C e n'est pas un homme de lettres, encore moins un théologien ou un philologue qui soumet ici à l'attention du public un livre qui traite, à première vue, de la religion. C'est le sens aigu de l'explication et du raisonnement acquis tout au long de sa formation intellectuelle et de sa carrière professionnelle qui a inspiré ce professeur de mathématiques appliquées à compiler les matériaux devant instruire sur la fécondité de la foi abrahamique. En se référant à Dieu, aux Prophètes, à l'Histoire, à la Morale, et la Science comme étant les principaux thèmes qui balisent le cheminement de l'humanité, son quatrième livre, à l'instar du Coran qui embrasse quasiment tout le champ de l'investigation intellectuelle, est fondamentalement un ouvrage de culture générale.

"Sur les hauteurs de Grasse, Cabris, au moment de l'armistice, est un lieu de refuge précaire, où Herbart, André Gide (le Bipède pour les familiers), Malraux apparaissent parfois. Tous ces êtres, et d'autres non moins importants (la petite Pascale qui a huit ans, et que Herbart épouvante, est au coeur de cette vie), mènent une existence vaguement picaresque, rationnée, menacée, un peu rassurée par la présence de Florent, le clochard sédentaire, protégé de la comtesse de Saint-Exupéry. Un livre s'écrit, ce pourrait être un roman comme beaucoup d'autres. Puis le gouffre. La mère de Pascale meurt. Le roman est rompu net. Plus que cela, dans le désordre et l'affolement de la mort, il est oublié, il disparaît. Le manuscrit sera perdu jusqu'au jour où l'amie de Pascale, superbe fille de dix-neuf ans, dira à l'auteur : "Qu'est-ce que c'est que toutes ces pages ? Ce n'est pas fini, et ce n'est pas mal". [...] Pour Pascale, pour son père, pour l'amie de Pascale, qu'est-ce qui reste quand vient le premier jour de neige sur la Haute Provence ? Dans le frisson de vent aux volets, passent le souffle de l'absurde joie, l'étonnement d'être encore, le goût de l'éternel", Henri Thomas.

"Je m'appelle Plop et je suis un extraterrestre. Mon vaisseau spatial est tombé en panne et je ne peux plus rentrer chez moi. Solenn a 10 ans et habite en Bretagne. Elle me guide dans la découverte de ce pays : un véritable voyage initiatique parsemé de mille et une aventures. Tu as entre les mains mon carnet de bord, que j'ai rédigé tout au long de mon séjour. Tu verras, je t'ai laissé des jeux et des défis à réaliser seul ou avec tes ami(e)s ! Amuse-toi bien ! Plop ! Plop ! Plop ! " Ce carnet de bord est le reflet des aventures de Solenn et Plop, une websérie de 12 épisodes visibles gratuitement sur le Net (becedia. bzh ou via YouTube). Le public est invité à suivre les aventures de nos deux héros qui leur apporteront des connaissances sur la Bretagne. Le carnet est composé de 6 chapitres sur l'histoire et la culture bretonnes. Chaque thème est expliqué à travers un dialogue entre Solenn et Plop, de manière simple et humoristique, et accompagné de nombreux jeux et activités pédagogiques et ludiques : mots mêlés, "cherche et trouve" , dessins, labyrinthe, rébus, herbier à réaliser, etc. L'enfant confectionne son propre carnet de bord sur la Bretagne ! Thèmes abordés dans ce premier volume : les mégalithes, le bocage, les crêpes, les costumes, le fest-noz, le bord de mer.

Comme tant d'autres secteurs de l'activité culturelle, les courants ésotériques sont naturellement tributaires de l'activité éditoriale et du support écrit, livresque ou virtuel. Il s'agit là d'un aspect peu étudié des interactions entre ces courants et leurs contextes social, politique ou économique. En particulier, la présence de collections et même d'éditeurs spécialisés exerce une influence évidente et considérable sur les champs et les thématiques proposés au public et qui mobilisent éventuellement son attention, tant au plan idéologique que commercial. Par ailleurs, il est notoire que de nombreux auteurs et mouvements ésotériques assurent eux-mêmes leur promotion en diffusant leurs productions par leurs propres moyens, matériels ou non. A partir d'exemples tirés sauf exception de la culture francophone et appartenant à des contextes très différents, du début du siècle à nos jours, la mise en place d'authentiques stratégies de publication, sur le Net ou au sein de maisons d'édition mobilisant, en sus du livre, les médias les plus variés, se révèle un facteur essentiel d'évaluation de l'impact du marketing culturel sur le domaine de "l'occulte". Le présent volume voudrait ainsi éclairer certains liens d'interdépendance entre l'évolution des courants ésotériques et celle de la société et de sa culture dominante, évolution qui a mené à la notion contemporaine d'Occulture.

" Un roman brillant et follement drôle... E-mail story semble témoigner de la vitalité de la littérature plus que tout autre livre oublié durant cette année 2000. " SUNDAY TIMES Amours, rivalités, coups bas... toutes les intrigues d'une agence de pub londonienne racontées à travers les e-mails que s'échangent les employés. Décor : une agence obsédée par le budget Coca-Cola et le tournage d'une pub dans une île de rêve ravagée par un typhon. Equipe : un PDG dictatorial ; un dir-créa qui se prend pour un génie ; des créatifs qui n'ont que le génie de la drague ; des secrétaires aux griffes acérées et le crétin de la compta. Grain de sable : un Finlandais qui reçoit par erreur tous les e-mails qu'envoie le PDG. Gagneront-ils la campagne Coca ? Les propos inconsidérés de deux créatifs trop bavards vont-ils couler la boîte ? Le don Juan de l'agence a-t-il inscrit une fille de trop à son tableau de chasse ? Dans ce premier roman branché à l'humour décapant, l'anglais Matthew Beaumont utilise en virtuose les ressorts comiques du e-mail, ce nouveau mode de communication, pour dépeindre au vitriol l'univers de la pub et la vie de bureau. Avec E-mail story, le récit épistolaire entre dans l'ère du Net.

Avez-vous déjà rêvé d'embarquer dans une machine à remonter dans le temps pour vivre l'Histoire de France de l'intérieur ? Dans ces pages, vous serez successivement un homme de Neandertal qui se gèle dans sa caverne, un marin gaulois luttant contre la flotte de Jules César, un aristocrate pressurant ses pauvres paysans, un chevalier tempétueux mis ventre à terre par une fragile ligne d'archers anglais, un négrier sans scrupule, un ouvrier des ateliers de Perrache fabriquant une locomotive d'un nouveau genre... Vous incarnerez aussi des personnages célèbres tels que Jules César, Charles Martel, Aliénor d'Aquitaine, Jeanne d'Arc, François Rabelais, Napoléon Bonaparte ou Claude Monet... Au gré de ces scènes de vie, vous parcourrez l'intégralité de l'Histoire de France depuis le Paléolithique jusqu'à nos jours. Vous verrez défiler les évolutions politiques et culturelles en toute continuité jusqu'à vous retrouver en 2019 enrichi d'un immense passé. Vincent Boqueho, passionné d'histoire, est chroniqueur pour le site Herodote. net. "Suivez Vincent Boqueho : d'homme des cavernes, vous devenez seigneur médiéval. Vous êtes serf flamand puis cardinal français et enfin dragon de Louis XIV. Vous voilà Maximilien de Robespierre au Comité de Salut public puis Talleyrand négociant au congrès de Vienne [... ]. La diversité des rôles fait chaque fois de vous le témoin privilégié des moments de notre histoire". Jean Tulard

Ludovic, Peter ou Yacine travaillent pour Hemisphère, une entreprise dont les derniers développements permettent d'automatiser des micro-tâches pour diverses entreprises du net. Mais en attendant la mise au point d'un algorithme sophistiqué, les micro-tâches sont en réalité effectuées par des travailleurs de l'ombre bien humains, les taskers. Yacine est l'un de ces micro-travailleurs. Il vit seul avec sa mère malade à charge, enchaîné à son ordinateur, obtenant quelques centimes par micro-tâche réalisée. Mais la répétitivité des missions, la pression à la " performance " et le rythme inhumain auquel il est soumis finissent par avoir raison de sa motivation. Alors qu'il voit son compte Hemisphere bloqué pour des raisons inconnues, Yacine décide d'agir. Ingénieur célibataire de 30 ans, Ludovic s'ennuie profondément chez Hémisphère, et il s'interroge sur le sens de son engagement. Arrivé au bout de ses illusions, il prend lui aussi une décision qui va changer le cours de sa vie. Emilie est une journaliste carriériste résolue à prendre du galon au sein de sa rédaction. Pour parvenir à ses fins, elle veut publier un livre enquête qui défrayera la chronique, un récit choc qui fera parler d'elle. Elle a déjà son titre, et son sujet : la face cachée des algorithmes et l'esclavagisme moderne dans une entreprise comme Hemisphere.

L’originalité de l’ouvrage tient à ce que l’auteur met en scène l’histoire le Flamel dans une version romancée contemporaine, sous forme d’enquête policière. On pourrait qualifier cet ouvrage de roman historique… Mais les termes de « roman cabalistique » ou « à énigmes », conviendraient mieux.Ce roman permet d’apporter des réponses claires sur quelques questions fondamentales… Qui était réellement Nicolas Flamel ? Comment a-t-il fait sa fortune ? Les écrits qu’il a laissés disent que c’est en fabriquant de l’or ! Mais… De nombreux chercheurs ont tenté de percer le secret de la « Pierre Philosophale » et de la transmutation des métaux vils en or le plus pur. Pour cela encore faut-il savoir quelle matière cuire ? C’est tout simplement ces trois énigmes que le lecteur devra résoudre avec l’aide de l’auteur. Voilà ce qui distingue Mathias Ollivier de tous ceux qui ont écrit avant lui sur le même sujet. Cet ouvrage est un traité d’alchimie savoureuse qui se lit comme du Simenon. Il met fin à six siècles de spéculation sur les mystères qui entourent la vie de ce personnage, sage, populaire et bien-aimé. Attendez-vous à quelques surprises ! Si l’on vous dit qu’il faut être un(e) intellectuel(le) pour entrer dans ce livre, n’en croyez rien, mais soyez philosophe… Mathias Ollivier part du postulat que Nicolas Flamel est toujours en vie et fait ainsi de lui un contemporain. Ce choix est une manière de rendre accessible à tous le langage et les symboles alchimiques, et d’éclairer totalement le propos. Cet ouvrage retrace la carrière de Nicolas Flamel qui débuta à Paris comme petit écrivain public, dont la vie fait couler l’encre depuis six cents ans. Le récit s’articule comme une enquête policière en laquelle la légende et les écrits de Flamel sont passés au peigne fin. Le but de l’auteur est d’amener le lecteur à découvrir par lui-même qu’elle était la véritable identité de l’alchimiste et en terminent avec six siècles de recherches et de controverses au sujet de la nature véritable de la « Prima Mataeria » (Matière Primordiale sur quoi repose tout le Grand Œuvre, permettant de confectionner la Pierre Philosophale), dont on a vainement cherché jusqu’ici le nom secret. Les « messes basses de Nicolas Flamel » devraient ouvrir la carrière à de nombreux philosophes, adeptes et alchimistes en herbes, ce qui n’est pas négligeable, en temps de crise du « pouvoir d’achat. Sans parler aux frayeurs que cela pourrait causer à ces Messieurs de l’Hôtel des monnaies... Mathias Ollivier, dévoile la véritable identité de Flamel ; il vous invite à cette découverte surprenante. (Bénédicte Civet-Lobstein).

This book is the outcome of the analysis and discussion of the links between ritual practices and some natural spaces, particularly caves, but also rockshelters and stones. The articles gathered in this volume show very diverse contexts and researches, mainly from Bronze Age to Roman times. They offer new perspectives about religious landscapes as well as the role of these spaces in territorial organisation. Several contributions try to reconstruct ritual movements, regulated religious itineraries and social practices, whereas others focus on the circulation inside caves and rockshelters, considering the multi-sensoriality of these natural spaces, linked also with the material offerings. Rock & Ritual volume is another evidence of the complexity and variability of ritual practices linked to natural spaces.

Sous l'oeil de l'écureuil présente le parcours captivant de jeunes gens, des Pyrénées à l'Ile-de-France et de Paris jusqu'à la Pologne. L'une découvre sa voix, se lance dans le chant et la photographie, l'autre passe du piano à la direction d'orchestre tandis qu'une troisième va du laboratoire de pâtisserie aux plateaux de télévision. Leurs destins entrelacés révèlent des talents affirmés, mais aussi des amitiés perdues, des amours contrariées, des sourires et quelques larmes, le tout sous l'attention d'un écureuil.

Cet ouvrage satisfait à un voeu, allège une charge morale portée par des enfants héritiers et orphelins du fait de la nature, conservateurs des feuilles frappées par le coup du temps, des lignes honorant la mémoire d'Antoine Ndinga Oba affluent alors rapidement : " — Quand je ne serai plus là, il faut que tu rencontres Henriette. Donne-lui ce document. Qu'elle le publie ! " confie le Professeur émérite Asindié Mungala à son fils Apendey. Il a fallu rassembler la documentation nécessaire, recueillir d'autres témoignages inédits émanant d'amis et collègues ministres ou ambassadeurs pour une corrosion de bienveillance envers l'homme d'Etat. La contrariété du président congolais, Denis Sassou Nguesso, dans son discours d'hommage à son ministre, ambassadeur et membre de sa famille. " — Qui, mieux qu'Antoine, homme de lettres et grand pédagogue, pouvait comprendre les attentes du président de la République et les réaliser ? " s'exclame Rodolphe Adada, ministre des Affaires étrangères et de la Francophonie, dans sa dernière et sublime leçon. En avance sur son temps pour la protection des minorités et la nécessité d'apporter à la mondialisation une âme de paix et de culture, Antoine Ndinga Oba a réformé le système éducatif, défendu le rayonnement culturel de l'Afrique et les idéaux de l'UNESCO et augmenté la visibilité internationale du Congo-Brazzaville.

La découverte inattendue d'un ensemble de 21 poèmes de George Oppen n'est évidemment pas un mince événement, étant donné le peu de données concrètes dont nous disposons concernant cette période fondatrice de l'oeuvre du poète américain. New Directions a publié en 2017 une première édition de ces 21 Poems, présentés par David Hobbs. C'est bien sûr ce texte dont nous proposons la traduction en ouverture du présent volume. Mais nous avons profité de la circonstance pour compléter notre travail antérieur. Lors de la publication de la Poésie complète de George Oppen en 2011, dans cette même collection, nous avions écarté les deux sections de poèmes épars ou inédits regroupés à la fin des New Collected Poems. La découverte de cette séquence de jeunesse nous a donné l'opportunité de réunir l'ensemble de ces poèmes retrouvés. Nous leur avons adjoint les 26 fragments posthumes, regroupant les notes qu'Oppen avait épinglées dans sa chambre à la fin de son existence et que Mary, son épouse, a recueillies après sa mort. Avec cet ensemble désormais exhaustif, qui vient s'arrimer au navire principal de la Poésie complète, le lecteur français dispose donc de la totalité d'une oeuvre poétique qui s'impose avec une évidence croissante à mesure que s'éloigne le siècle dont elle est l'une des émanations les plus poignantes.

Regarder, toute une affaire ? Neuf secondes, c'est en moyenne le temps accordé à une oeuvre par les visiteurs de musées. Pourquoi l'art ne parvient-il pas à capter davantage notre attention ? En guise de réponse, cet ouvrage propose à tous les amateurs d'art une méthodologie simple et accessible, intitulée la Cérémonie du regard. Les deux pratiques qui la composent, "l'appareil photo" et "le dialogue silencieux", sont décrites étape par étape pour aider le visiteur à se mettre en présence de l'oeuvre, à la regarder avec attention et à entrer en contact avec elle. Franchir le seuil du musée, se détendre, ouvrir le regard, profiter de la visite... un plaisir à la portée de tous ! Véronique Antoine-Andersen, après des études d'histoire de l'art, a travaillé au Musée en Herbe, au Centre Pompidou, à la Halle Saint-Pierre et à la Cité de l'architecture et du patrimoine auprès des publics. Commissaire de l'exposition Art Brut et Compagnie, la face cachée de l'art contemporain, elle a publié plusieurs ouvrages sur l'art chez Actes Sud Junior et Conversation avec Kitty Crowther aux éditions Pyramyd. Préface de Claire Merleau-Ponty (cofondatrice du Musée en Herbe,enseignante en muséologie à l'Ecole du Louvre et chef du service international à l'Ecole du Louvre)

Entre Dominique Fernandez et l'Italie, c'est d'amour qu'il s'agit. Il y a quelque vingt ans, Le Promeneur amoureux (Plon) réunissait trente-cinq études sur la littérature, la musique, les villes, les mythes d'Italie. Aujourd'hui, elles sont cent cinquante-deux, et toujours sur les sujets les plus divers, de Dante à Casanova, de François d'Assise à Laurent le Magnifique, de Michel-Ange à Verdi, de Trieste à Palerme, de Rome à Sienne, d'Antonioni à Fellini, des castrats à Callas. La grande Italie, visitée et revisitée en compagnie du photographe Ferrante Ferranti, la terre des splendeurs antiques et des extases baroques, mais aussi des moeurs quotidiennes, des mamas, de la mafia, des théâtres et des pâtisseries, explorée jusque dans ses replis les plus secrets, dans ses trésors les plus inattendus. Voyage initiatique, ce Dictionnaire amoureux, qui détaille de A à Z les richesses et les sortilèges du plus beau pays du monde, mêle les vertus de l'oisiveté et les charmes de l'intelligence, tout au long d'une promenade joyeusement érudite et savamment gaie. Publié pour la première fois en 1997, avec pour titre Le Voyage d'Italie, cet ouvrage était agrémenté d'un sous-titre : " Dictionnaire amoureux ". Dominique Fernandez fut donc à l'origine de la collection.

Préface de Jean Carrière Contrairement à beaucoup de maîtres, Hector Berlioz n'est pas issu d'un milieu propice à l'éclosion du génie musical. Mais, poussé par une ferveur irrésistible, il va étudier seul, jusqu'à l'entrée au Conservatoire, en 1824. La même année, il signe sa première oeuvre, la Messe solennelle, puis, tout en préparant le concours du prix de Rome, il compose, en 1830, à 27 ans, La Symphonie fantastique, coup de tonnerre dans la production du temps. De retour à Paris après son séjour à la villa Médicis, il participe au tumulte du romantisme et fréquente Nerval, Hugo, Balzac, Delacroix, Paganini et Liszt... Organisateur de concerts et critique musical, il va produire des chefs-d'oeuvre, reflets de sa vie sentimentale agitée et de ses lectures : Harold en Italie (1834), Roméo et Juliette (1839), La Damnation de Faust (1846), Les Troyens (1858)... et, preuves de son éclectisme : la Symphonie funèbre et triomphale (1840), L'Enfance du Christ (1854), ou l'opéra-comique Béatrice et Bénédict (1862)... Après une existence difficile, Berlioz s'éteint en 1869. Reconnu à l'étranger, il sera longtemps boudé en France avant d'être justement célébré. Publié en 2003, cet ouvrage, illustré d'une vingtaine de documents pour beaucoup inédits, est réédité pour le 150ème anniversaire de la mort d'un des plus grands compositeurs français.