Goscinny Cinéma Angoulême
Extraits
Cinéma
Verdun, le cinéma, l'événement
Verdun, une " épreuve " ? Qui en douterait ! Le cinéma de cette bataille est né pendant l'affrontement de 1916, année des premières autorisations de tournage de l'Armée française sur le front. Les premières images animées de l'événement " Verdun " sont donc des films militaires. Dès 1917, le cinéma de fiction commercial prend le relais du Service Cinématographique de l'Armée. Avec Verdun tel que le poilu l'a vécu (1927), la bataille s'expose dans les récits filmés, mêlant archives et documents de fiction. L'auteur met ainsi en avant la rencontre problématique entre " histoire privée et grande Histoire ". S'appuyant sur les travaux de Georges Duby, Paul Ricoeur ou Michel de Certeau, il fait la lumière sur les productions filmiques qui ont convoqué la guerre. Les années 1930 donnent l'occasion au cinéma de témoigner de la bataille (La Grande Illusion). Si, dans la seconde moitié du XXe siècle, Verdun semble avoir déserté le champ mémoriel et l'écran de cinéma, son incessante résurrection ne comble pas toutes les tranchées de la mémoire.
05/2016
Essais
Révision critique du cinéma brésilien
Glauber Rocha, à peine âgé de 24 ans, mais déjà auteur de Barravento (1961), est en pleine réalisation de Le Dieu noir et le diable blond quand il publie Révision critique du cinéma brésilien en 1963. Malgré le véritable désert en livres d'histoire ou d'esthétique du cinéma qu'il affronte alors, le jeune créateur, producteur, journaliste et critique, cherche cependant à se situer dans une histoire du cinéma national et mondial. C'est ainsi qu'il dégage une ligne directrice lui permettant de désigner Humberto Mauro comme le père du cinéma brésilien. Il n'épargne guère la tentative d'industrialisation de la Vera Cruz, ni la production de chanchadas, pour exposer ce que devrait être le vrai cinéma selon lui. Théoricien, polémiste et militant, il définit les caractéristiques du cinema novo en train de naître, avant d'être stoppé par le coup d'Etat de 1964. L'édition que Sylvie Debs a très judicieusement choisie de traduire ici est celle d'Ismail Xavier_ le plus éminent interprète de Glauber Rocha _ enrichie, qui plus est, par une préface de Paulo Antonio Paranaguá, historien du cinéma et journaliste, grand passeur des cinémas d'Amérique latine en France.
05/2021
Cinéma
Cinéma : Autopsie d'un meurtre
" A force de ne pas dire que les films sont mauvais, on finit par les trouver bons. "
02/2007
Histoire du cinéma
Le Grand Est au cinéma
Ce livre graphique vous invite à voyager dans le Grand Est cinématographique. A travers plus d'une centaine d'illustrations créées à partir d'une sélection de longs métrages de fiction produits entre 1899 et 2020, explorez plus de cent films et parcourez les dix départements de la région. Découvrez comment le cinéma s'approprie des lieux de tournage, des produits locaux et des personnages emblématiques, comment il met en valeur les richesses culturelles, patrimoniales, historiques et territoriales du Grand Est.
11/2021
Histoire du cinéma
150 répliques cultes du cinéma
(Re)vivez un siècle de cinéma à travers 150 répliques mythiques qui traversent les générations. (Re)vivez un siècle de cinéma à travers 150 répliques mythiques qui traversent les générations. En les passant au crible, Thomas-Louis Novillo et Armand Rouméas nous donnent envie de voir ou revoir les plus grand films, le tout - pour notre plus grand plaisir - avec l'éclairage du réalisateur Patrice Leconte (Les Bronzés, Ridicule...). Des débuts du cinéma parlant jusqu'aux oeuvres les plus récentes, laissez-vous embarquer dans la magie du septième art. Cineaste prolifique, Patrice Leconte a fait quarante films et a tourné avec les plus grands : Fanny Ardant, Belmondo, Delon, Depardieu, Vanessa Paradis... Il a notamment réalisé des comédies dont certaines sont devenues culte comme les Bronzés. Mais aussi des oeuvres plus singulières comme Monsieur Hire ou Tandem.
11/2023
Essais
Edgar Morin et le cinéma
Edgar Morin aura consacré au cinéma deux décennies de recherche, de 1945 à 1965, une période qui peut sembler de courte durée à l'aune de son importante carrière mais qui peut aussi être considérée comme fondamentale puisqu'elle se situe à l'origine de sa pensée. Ses activités sont alors partagées entre réflexions théoriques - avec la parution de deux livres majeurs, Le cinéma ou l'homme imaginaire (1956) et Les stars (1957) -, et expériences de réalisation cinématographique, avec Chronique d'un été (1961), un film qui l'associe à Jean Rouch et qui révolutionna le cinéma documentaire. L'ouvrage, dans un premier temps, interroge la singularité de ses propositions en restituant les contextes intellectuels et épistémologiques à partir desquels il a développé son projet d'anthropologie sociologique ; tandis que l'étude de Chronique d'un été permet d'observer, à travers les dispositifs, les implications du geste filmé dans sa capacité à révéler l'être au monde. Autant de réflexions qui restituent l'importance et la singularité des propositions cinématographiques de Morin, retrouvant de la sorte la dimension politique du voir et du savoir.
12/2021
Cinéma
Une vie pour le cinéma
"Il n'y a de grandes oeuvres d'art qu'à l'ombre d'un grand rêve." Jean-Jacques Annaud avait fixé le sien dès l'âge de neuf ans, quand, un peu crânement, il annonçait à sa mère qu'il serait cinéaste ou rien. Objectif atteint. Des films comme La Guerre du feu, L'Ours, Le Nom de la rose, L'Amant, Sept ans au Tibet, Stalingrad, Deux frères, Le Dernier Loup, ont fait rêver des dizaines de millions de spectateurs. Ces projets ont conduit Jean-Jacques Annaud, voyageur infatigable, en Afrique noire, au Maghreb, au Canada, au Vietnam, sur les sommets de la Cordillère des Andes ou encore dans l'immensité des steppes mongoles. Avec sa caméra, il a su célébrer la nature, révéler la poésie sauvage du monde animal, capter le génie des plus grands - de Patrick Dewaere à Sean Connery, de Jude Law à Brad Pitt, de Jean Carmet à José Garcia, en passant par Ed Harris, Rachel Weisz et, dernièrement, Patrick Dempsey. Une vie pour le cinéma revient, à la première personne, sur ce parcours étonnant. On y découvre un gamin rêveur issu d'un milieu modeste, un bourreau de travail, un cinéaste inclassable, un homme d'audace et de passion qui, quels que soient les obstacles, ne s'est jamais perdu de vue. Au travers d'une quantité de personnages et d'anecdotes, il dévoile aussi les exigences, les secrets et les folies de la fabrique du cinéma. En se racontant, Jean-Jacques Annaud écrit un chapitre de l'histoire du septième art.
10/2018
Littérature française
Le cinéma de mon père
1940-1950 : un jeune garçon traverse en la vivant une période où le cinéma n'était pas numérique, où les vedettes toujours bien coiffées, couvertes de strass, de paillettes, évoluaient dans un monde qui faisait rêver un moment en cette période noire. Vedettes rencontrées lors de tournages, figurants en mal de devenir... L'auteur assiste son père dans ses tournées de projection de films dans les salles communales et paroissiales de campagne, cinéma plein de surprises, de joies, d'émotion... Cinéma disparu aujourd'hui de nos campagnes, cinéma drôle, émouvant avec une pointe de nostalgie !
11/2010
Cinéma
Le cinéma d'Akira Kurosawa
Le cinéma d'Akira Kurosawa : une oeuvre d'une rare violence, ne reculant pas devant la brutalité. Pour le comprendre, Alain Bonfand n'a pas hésité à transposer dans son écriture ce que ce cinéma comporte de folie. Le tissu même de son Livre communique au lecteur, en l'incarnant, la sauvagerie de la gestuelle et du montage de ce cinéaste. Que l'on soit ou non connaisseur de Kurosawa, le texte de Bonfand dégage une extraordinaire autorité. Le savoir n'est pas mis en avant pour lui-même, quoique une évidente familiarité avec la culture japonaise entre ici pour beaucoup dans le sentiment de justesse des analyses. Mais l'essentiel est une étonnante lecture en profondeur, qui fait vivre tout autrement ce cinéma qui n'a souvent été apprécié que pour les plus mauvaises raisons. La construction du livre est limpide. Chaque partie gravite autour d'un centre : la figure, le motif, le phénomène, l'immontrable, la théorie des genres, la magnifique intuition, surtout, de "ce qui aveugle". La guerre est associée au thème surprenant de la "maladie de la terre"; le kamikaze ("vent divin"), à la tuberculose, si importante chez Kurosawa ; l'aveuglement, à la mort et à l'impossible, bien sûr, mais aussi à cent motifs particuliers. Cette pratique à la fois soutenue et légère de l'analyse, ces démonstrations économiques et concrètes de ce que c'est qu'une mise en scène orientée par une puissance figurative libérée de la thématisation, proposent pour finir une thèse fondamentale : l'idée esthétique donne plus que le concept. Il est exceptionnel qu'une monographie d'auteur se situe à ce niveau de pensée, d'écriture et de charme. C'est une expérience emballante, qui donne la sensation d'être emporté "sur un balai de sorcière".
05/2011
Cinéma
Philosophies du cinéma. 2e édition
La rencontre de la philosophie et du cinéma intéresse désormais un nombre sans cesse croissant de chercheurs et d'étudiants. D'un point de vue à la fois historique et critique, Dominique Chateau propose ici un bilan des contributions les plus marquantes à la philosophie du cinéma : celles de Bergson, Benjamin, Eisenstein, Epstein, Bazin, Merleau-Ponty, Mitry, Cavell, Schefer et évidemment Deleuze. Il montre que, sous l'éclairage varié de leur postures respectives, le cinéma a été approché comme un phénomène historique lié à la modernité, un domaine d'expression spécifique ou encore un objet d'expérience où la philosophie autant que son objet peuvent être remis en question. Les grandes tendances de la philosophie (phénoménologie, philosophie analytique, déconstruction, gender studies...) sont aussi présentées sous l'angle de leur apport à la théorie du cinéma. La dernière partie considère un point de vue que la plupart des philosophies du cinéma adoptent, mais qu'on trouve aussi bien dans des discours où la philosophie est au mieux implicite : le point de vue esthétique qui peut nous diriger vers deux problématiques, celle de la réception (le goût, les valeurs, etc.) et celle de la création (l'art, le style, les oeuvres).
08/2010
Cinéma
Le cinéma de science-fiction
Quand le cinéma de science-fiction est-il né ? Quelles sont les formes qu’il a prises avant de s‘imposer comme un genre à part entière ? Que peut-on y lire et que nous apprend-il du regard que nous portons sur le monde qui nous entoure ? De ses débuts comme genre dans l’Amérique des années 1950 jusqu’à aujourd’hui, toutes les facettes de ce cinéma sont ici décrites et analysées selon des angles résolument novateurs. Grâce à de très nombreux exemples, nous découvrons comment, de la peur atomique des années de Guerre froide à l’émergence, trente ans plus tard, du cyberpunk, les films de science-fiction nous éclairent sur les évolutions technologiques et esthétiques de leur époque. Dans un second temps, l’ouvrage propose une typologie des figures visuelles et narratives, depuis l’imagerie du voyage dans l’espace ou celle de l’extraterrestre jusqu’à la critique sociale et politique, et montre combien ce genre cinématographique, qui est création d’un monde, est fondé sur la désorientation de l’homme face à ses propres repères. Éric DUFOUR est professeur à l’Université de Grenoble. Il est spécialiste d’esthétique et a écrit plusieurs ouvrages sur la musique et sur le cinéma.
04/2011
Cinéma
L'Avant-Garde au cinéma
De 1995 à 2005, Lars von Trier et ses amis ont fait
scandale par l'intransigeance de leurs manifestes, des
déclarations provocantes à l'endroit de l'industrie du
cinéma, et des films censés appliquer leur programme. Ils proclamaient par là leur appartenance à une nouvelle " avant-garde ", le Dogme. Ce mouvement, écartelé entre parodie et radicalité, a aujourd'hui vécu, mais il n'en a pas moins affiché les traits distinctifs d'une position au sein du champ cinématographique et de la société, dont les premières manifestations remontent au début des années 1920 : violence rhétorique, renversement des valeurs, politique de groupe, d'emblée, pensée comme
internationale, dépassement de l'art dans la vie. Ce livre entend reprendre la question de " l'avant-garde
au cinéma " en s'interrogeant sur ses conditions de possibilité à la fin du XIXe siècle où la catégorie émerge dans les arts, en même temps que le cinématographe - qui ne peut y participer étant donné la nature du spectacle qu'il propose et ses modalités de production. Comment dès lors les avant-gardes artistiques ont-elles appréhendé le cinéma qui leur était extérieur, et comment celui-ci a-t-il vu se développer des positions d'avant-garde en son sein ? Dès les années 1920, on a voulu réduire l'avant-garde à un style, une école, un genre, avant de la cantonner dans le territoire à part d'une bohème ou, au contraire, on a souhaité voir l'" avant-garde nouvelle " s'inscrire dans le renouvellement du cinéma institutionnel (Astruc, 1946, Bazin, 1952). Ainsi, l'avant-garde n'a-t-elle de cesse de " finir " et de " revenir " dans des antagonismes qui sont loin de
n'être qu'esthétiques.
06/2005
Cinéma
L'amour comme au cinéma
Les auteurs ont passé en revue près de trois cents films pour en extraire des répliques douces, amères, hilarantes, romantiques et coquines. Des Enfants du paradis à Un long dimanche de fiançailles, tout y est coups de foudre, liaisons dangereuses ou platoniques, tromperies, vacheries, jalousie. Un véritable guide pour agir et réagir à l'amour bonheur comme à l'amour douleur. Les amoureux puiseront avec délice dans ce répertoire foisonnant pour séduire ou éconduire, se déclarer ou se carapater, rompre ou reconquérir, ou tout simplement se faire leur cinéma. Même âge, même passion pour le septième art et même penchant pour les histoires d'amour, y compris quand il ne rime pas avec toujours ! La complicité de Christelle Crosnier et de Valérie Vlacci est née à TPS, la télévision par satellite, où elles travaillent depuis plusieurs années sur les chaînes cinéma.
01/2005
Cinéma
Présences. Ecrits sur le cinéma
Articles, scénarios, essais, journal, Olivier Assayas n'a jamais cessé d'écrire : sur ses goûts et sa pratique du cinéma, sur la peinture, la musique, les années 1970, sur ses voyages... Ecrit entre 1980 et aujourd'hui, chacun des textes composant ce recueil retrace une expérience aussi vitale qu'intime, une recherche qui passe tout d'abord par des rencontres. Pas seulement des rencontres de cinéma - Ingmar Bergman, Hou Hsiao-hsien, Maggie Cheung, Jean-Pierre Léaud - mais des présences assez fortes pour le guider, pour le hanter. Fassbinder, Visconti, Warhol, Cassavetes, Bacon et Debord, Godard et le cinéma d'Asie dont il a été l'un des tout premiers explorateurs sont autant de repères dans un parcours solitaire, toujours aimanté par les pôles les plus vivants, les plus neufs de la création contemporaine. Dût-il les chercher jusqu'en Chine ou au plus profond de lui-même, en quête d'une modernité qui nourrit à ses yeux le cinéma, " art qui se manie, c'est le moins qu'on puisse dire, les mains dans le cambouis, art du romanesque et donc de la souillure du monde, et par là même, de la vie ".
01/2009
Cinéma
Le cinéma allemand. 2e édition
A deux moments de son histoire, l'Allemagne a été au centre du cinéma mondial. La période 1919-1933 voit se développer le courant expressionniste avec ces cinéastes essentiels que sont Murnau, Lang, Pabst, Lubitsch, Ophuls. Dans les années 1960-1970, le " Jeune Cinéma allemand vivifié par J.-M. Straub, A. Kluge, R. W. Fassbinder, W. Wenders, et R. Thome, contribue à redonner une mémoire au pays. Aujourd'hui, avec des succès internationaux comme Good Bye Lenin!, La Chute ou La Vie des autres et l'apparition d'auteurs tels F. Akin, R. Karmakar ou C. Petzold, ce cinéma retrouve une place de premier plan. Son histoire est celle d'une industrie et d'œuvres qui sont le reflet de leur temps : le cinéma du IIIe Reich, les films des exilés antinazis, la production de la RDA... C'est pourquoi on peut parler d'un siècle de cinémas allemands, au pluriel. L'ouvrage, actualisé pour cette 2e édition, a obtenu le Prix Philippe Arnaud 1999.
03/2008
Lecture 9-12 ans
Dan Martin fait son cinéma
Scénario de cauchemar pour Dan Martin : chargé d'escorter David Silver-Lepage, jeune prodige du cinéma, le voilà plongé en plein film noir. Son protégé disparaît odieuse mise en scène ou kidnapping? Dan Martin va découvrir que, loin des flashs et des caméras, la vie des stars peut rapidement virer au drame. Dans le rôle de l'apprenti détective, Dan Martin crève une nouvelle fois l'écran.
05/2005
Cinéma
Mouvements. Une vie au cinéma
Mêlant étroitement autobiographie, analyse cinématographique et histoire sociale, l'auteur évoque une existence jalonnée et transformée par la vision des films, depuis son enfance baignée par le cinéma dans une petite ville de l'Alabama où son père et son grand-père exploitaient un circuit de salles jusqu'à sa vie d'adulte devenu critique globe-trotter. Tout étant indissociables, les films sont évoqués à travers le prisme de la vie : où et quand on les a vus, avec qui (car la notion de communauté était encore prépondérante au cinéma), ce qu'on a fait juste avant ou juste après, sans oublier les substances hallucinogènes que l'on a consommées. En retour, par le biais des films seront abordés des phénomènes comme les lois raciales et la violence de la ségrégation dans le Sud profond (avec le changement de regard qu'un camp de vacances «intégré» et les marches pour l'égalité ont provoqué chez l'auteur), ou l'évolution de la vie des Américains : les centres commerciaux en périphérie qui ont petit à petit rendu exsangue le centre des villes, et la télévision qui de plus en plus a fait concurrence aux salles. La longue évocation d'une comédie musicale sirupeuse avec Doris Day permet aussi à l'auteur de brosser des portraits croisés de lui-même aux divers moments de sa vie où il l'a vue et revue. Et toujours en filigrane, l'écriture, incontournable, depuis les grandes ouvres littéraires qui l'ont marqué jusqu'au besoin vital d'écrire lui-même, en passant par les bandes dessinées, trésors de son enfance, le journal intime dont la tenue lui valait son argent de poche, et toutes sortes de lettres et de témoignages envoyés, reçus, ou retrouvés en élaborant ce livre.
12/2003
Littérature française
Le Brady, cinéma des damnés
Ce livre propose la «biographie d'un lieu», Le Brady, dernier cinéma de quartier parisien. L'auteur, qui y fut projectionniste dans les années 2000, a tiré de cette expérience un texte foisonnant, drôle et informé. Il met en scène ses collègues, l'increvable propriétaire J.-P. Mocky, les fondus de films «bis» (fantastique, gore, kung-fu, western-spaghetti voire moussaka, porno), mais aussi d'autres spectateurs atypiques (sans-logis, retraités maghrébins, amateurs de brèves rencontres), et tous les riverains occasionnels (prostituées, coiffeurs afro, soiffards). Le Brady, cinéma des damnés reconstitue la mémoire des années turbulentes d'une salle obscure inclassable, comme le documentaire subjectif qui s'en inspire. Une somme inventive et attachante qui satisfera la curiosité de ceux qui croient encore que l'aventure est au coin de la rue.
10/2015
Cinéma
Le Louxor. Palais du cinéma
Louxor ! Magie d'un mot qui évoque l'Egypte, l'ancienne Thèbes, la vallée des rois. Nom d'un rare cinéma de style égyptisant. Edifié en 1920 à Paris, au coeur de Barbès à côté d'un autre monument, le métro aérien. Orientalisme et machinisme. Après la Grande guerre, les films muets d'aventures, d'amour et surtout burlesques attirent les foules. Age d'or pour le septième art, il désigne depuis 1911 le cinéma, qui se construit des temples et revisite librement ceux de l'Egypte, y ajoutant des accents Art déco, le style à la mode. Les années passent, le parlant, la guerre, les Trente Glorieuses, la fréquentation des salles faiblit, le Louxor survit en accueillant les noctambules, frôle la destruction et ressuscite en 2013, paré de la beauté et des attributs de sa jeunesse tout en se dotant de nouvelles salles, d'un bar panoramique. Voici l'histoire d'un lieu parisien mythique dont les péripéties sont retracées par les acteurs mêmes de sa renaissance, l'association Les Amis du Louxor et l'architecte Philippe Pumain, mandataire de l'équipe chargée de la rénovation.
05/2013
Policiers
Le privé fait son cinéma
La drogue circule sous le manteau. Les cadavres mutilés s'exposent en plein jour devant les portes. Le divertissement pour adulte et ses vedettes, des femmes, des hommes, et parfois même, des hybrides. Voilà à quoi se trouve confronté le privé Georges Lernaf qui, entre les rencontres féminines et sa sagacité habituelle, entreprend de mener une enquête où les rebondissements explosent comme un orage d'été, assaisonnée de cet humour impayable auquel il nous a habitué.
11/2020
Cinéma
Dictionnaire désolant du cinéma francophone
Mais oui, pourquoi pas ? Les dessous du cinéma du samedi soir, de Bebel à de Funès, de Fernandel aux Bronzés ou à Taxi 4, sont parfois peu reluisants, ridicules ou simplement étonnants. Saviez-vous que... ... L'un des tout premiers films dé L'Histoire fut une oeuvre érotique signée Méliès ? ... le plus épouvantable drame de la "Belle Epoque" fut causé par le cinéma ? .., un personnage historique rendit fous tous ceux qui L'interprétèrent ? ... Les stars du cinéma comique ou musical dinaient à La table de La Gestapo ? ... des intégristes catholiques firent exploser un cinéma ? .. De Gaulle adorait Bourvil. mais pas la Grande Vadrouille ? Dans cet ouvrage, nous croiserons des acteurs qui se détestent. des actrices qui mentaient sur Leur âge. des réalisateurs de films comiques reconvertis dans le porno, des voleurs de scénarios et des vedettes reconverties dans le business... L'ensemble ne constitue pas une contre-histoire du cinéma, ni même une découverte de La face cachée de l'industrie cinématographique. mais bien une promenade dans un univers pas toujours aussi glamour qu'on le prétend.
04/2019
Cinéma
Dictionnaire désolant du cinéma X
Née de La libération des moeurs au début des années soixante-dix, l'industrie du cinéma pornographique et érotique connait son essor grâce à la télévision et à Internet. Si elle permet à beaucoup de fantasmer, les films pornographiques, Leurs interprètes, Leurs scénarios, leurs publics, Leurs titres et, pire encore, les scènes délicates qu'ils exposent, sont souvent plus que désolants. Sous forme de dictionnaire, Marc Lemonier présente dans cet ouvrage Le meilleur du pire d'une forme taboue de l'art : Qui a pu Laisser croire aux starlettes du cinéma pornographique qu'elles pouvaient sans vergogne emprunter Le nom de véritables actrices vedettes pour se composer des pseudonymes prestigieux ? Pourquoi désignait-on à Paris, sous Le terrible nom "d'Enfer", ce qui n'était tout au plus qu'un placard contenant des ouvrages libertins ? Quitte à fantasmer sur une actrice, pourquoi pas Garbo ? Que nous apprennent Les comédies familiales sur l'acceptation parentale de L'épilation intégrale du pubis de Leurs filles ? Pourquoi faudrait-il forcément désigner le sexe féminin en employant ces dizaines de noms grossiers toujours imaginés par des hommes ?
03/2019
Histoire et Philosophiesophie
La science fait son cinéma
Défier les lois de la physique avec Ant-Man, et celles de l'anatomie avec Godzilla. S'aventurer aux abords d'un trou noir... et y plonger avec Interstellar. Communiquer avec les aliens comme dans Premier Contact. Se retrouver seul sur Mars et tenter d'y survivre. Etudier Prometheus et s'interroger sur l'origine et l'évolution des espèces extraterrestres... Ici, Roland Lehoucq astrophysicien au CEA, et Jean-Sébastien Steyer, paléontologue au Muséum national d'histoire naturelle de Paris et au CNRS. ne cherchent pas à démolir le septième art et son rapport à la science, mais bien à enrichir le regard du lecteur en traitant du contenu scientifique d'une quinzaine de films. Plus que le résultat, c'est la démarche qui importe mobiliser ses connaissances, s'informer, faire preuve d'esprit critique, développer sa capacité d'analyse, goûter au plaisir de la découverte. Et, surtout, faire de la science en s'amusant !
10/2018
Cinéma
Le cinéma de Woody Allen
Dans un style simple, délaissant tout parallèle autobiographique, l'auteur nous immerge au coeur des films de Woody Allen selon un point de vue strictement existentiel. Loin d'être un ouvrage théorique, ce livre revisite la filmographie du célèbre cinéaste new-yorkais avec l'ambition de lui rendre sa réelle ampleur. Reconnaître la singularité des films de Woody Allen est aisé, en découvrir les fondements et en restituer la richesse est plus délicat. Avec un grand luxe de détails, l'auteur indique comment le cinéaste interroge toutes les illusions qu'entretient soigneusement l'être humain sur lui-même et sur le monde (sur son identité, sur l'amour, sur la rationalité...) et parvient à en saisir les subtilités en s'appuyant concrètement sur de nombreuses scènes et des dialogues-clefs. A contre-courant de certains préjugés, il montre aussi comment l'esthétique du cinéaste (sa mise en scène, son mariage entre éléments comiques et tragiques, son utilisation du jazz, son ironie) en fait l'une des oeuvres artistiques les plus joyeusement démystificatrices et l'une des plus importantes de notre temps. Un ouvrage incontournable sur le cinéma de Woody Allen.
11/2018
Cinéma
Les films clés du cinéma
Les Films-clés du cinéma ont pour ambition de faire découvrir ou redécouvrir aux cinéphiles, aux étudiants et à tous les passionnés du septième art les films qui ont marqué les cinq grandes périodes de l'histoire du cinéma de 1895 à nos jours : L'art muet où se développe le génie de Méliès, Chaplin, Griffith ; L'âge d'or du parlant avec le triomphe de Lang, Renoir, Capra ; L'après-guerre et ses images d'un monde en mutation à travers les films de Rossellini ou de Bergman ; Les Nouvelles Vagues immortalisées par Godard, Truffaut, Cassavetes ou Fellini ; Les tendances contemporaines représentées par les chefs-d'oeuvre de Scorsese, de Lynch ou d'Almodovar. 250 films-clés ont été sélectionnés soit parce qu'ils ont marqué un tournant dans l'histoire de l'art ou de la technique cinématographiques, soit parce qu'ils témoignent de l'état d'esprit d'une époque, ou parce qu'ils révèlent l'expression originale d'un cinéaste. L'Arrivée d'un train en gare de La Ciotat, Metropolis, l'Ange bleu, Citizen Kane, le Voleur de bicyclette, Râshomon, Johnny Guitare, A bout de souffle, Taxi Driver, ln the Mood for Love, Mullholand Drive, Million Dollar Baby, Avatar, la Vie d'Adèle, chacun des films présentés fait l'objet d'une fiche détaillée : générique, scénario, analyse, citations critiques, photos.
Littérature française
Ma Vie comme au cinéma
Jeanne est une jeune femme dont nous parcourons la vie riche en événements. Avec énergie, poésie, rêve et fragilité, elle traverse scènes et dialogues, conduite par son irrépressible désir de vivre. Soutenue par une mystérieuse histoire d'amour, entre rêve et réalité, Jeanne surmonte violence et solitude, pour révéler un personnage complexe et édifiant. Ode à l'inventivité des femmes dans les méandres de leur destin, ce roman est aussi un hymne à l'amour de ceux qui les portent.
03/2022
Essais
Almanach de cinéma. Edition 2023
Emmanuelle André - Jacques Aumont - Paul Aymé - Raymond Bellour - Bernard Benoliel - Anne Bertrand - Damien Bertrand - Christa Blümlinger - Jacques Bontemps - Gabriel Bortzmeyer - Nicole Brenez - Erik Bullot - Mathieu Capel - Amadis Chamay - Serge Daney - Pierre Eugène - Jean-Paul Fargier - Harun Farocki - Hélène Frappat - Jean-Michel Frodon - Oliver Fuke - Hervé Gauville - Yervant Gianikian - Matthieu Gounelle - Philippe Grandrieux - Marie Anne Guerin - Ryûsuke Hamaguchi - Shiguéhiko Hasumi - Vinzenz Hediger - Nicolas Helm-Grovas - Radu Jude - Friedrich Kittler - Alexander Kluge - Romain Lefebvre - Mathieu Macheret - Catherine Malabou - Eva Markovits - Kira Mouratova - Laura Mulvey - Raphaël Nieuwjaer - Jacques Rancière - Mark Rappaport - Clément Rauger - Bert Rebhandl - Judith Revault d'Allonnes - Jacques Rivette - Jonathan Rosenbaum - Peter Szendy - Noah Teichner - Antoine Thirion - Marcos Uzal - Amos Vogel - Peter Wollen - Dork Zabunyan - Eugénie Zvonkine.
12/2022
Musique et danse
Chante et danse au cinéma
Ce superbe album retrace l'histoire de la comédie musicale : des coulisses de Broadway aux rues de Rochefort, en passant par Hollywood, bien sûr ! Il raconte la naissance du cinéma, celle du passage du muet au parlant, celle des premiers longs métrages en couleur... Mais également comment est réalisée la postsynchronisation des chansons, ou comment accorder avec soin les couleurs des costumes à celles des décors... Hollywood n'aura plus de secrets pour vous !
10/2022
Histoire du cinéma
Lanterne magique. Avant le cinéma
Avec Lanterne magique, JERÔME PRIEUR propose un récit envoûtant sur l'émergence, en plein siècle des Lumières, d'une pratique aux ressorts occultes mais déterminants pour l'histoire du cinématographe : celle des projections publiques et privées de lanterne magique. Cette archéologie du cinéma met notamment en lumière deux oeuvres : celle de Marcel Proust, et les Mémoires d'Etienne-Gaspard Robertson (1763-1837), l'inventeur de la fantasmagorie qui fit carrière sous le Directoire et le Consulat. On connaît la fameuse série de six plaques de lanterne magique située à la source d'A la recherche du temps perdu. Elle raconte l'histoire de Geneviève de Brabant et de l'affreux Golo. On connaît bien moins les Mémoires récréatifs ; scientifiques et anecdotiques d'un physicien-aéronaute d' Etienne-Gaspard Robertson. Comme l'écrit JERÔME PRIEUR dans sa préface, Robertson propose "de l'intérieur, une réflexion sur le spectacle lumineux, sur l'illusion et la croyance, une réflexion sur le spectateur — ce hors-champ laissé dans l'ombre des histoires du cinéma et du pré-cinéma, cette part d'ombre consubstantielle aux images nocturnes. Bien avant le grand Hitchcock, Etienne-Gaspard Robertson a été le premier à comprendre que les spectacles optiques que préfigure sa fantasmagorie ne devaient pas se contenter de mettre en mouvement les images, mais qu'ils devaient mettre en scène les désirs et les peurs que suscitent les images, qu'ils devaient diriger le spectateur, notre double assis à notre place dans la nuit lumineuse."
03/2021
Histoire du cinéma
Ezra Pound et le cinéma
Figure controversée de la littérature mondiale, du fait de son engagement auprès de Mussolini durant les années 1930 et la Seconde Guerre mondiale, Ezra Pound n'en reste pas moins un poète majeur du XXe siècle, basant son travail sur un retour à une liberté de la langue héritée d'Homère, des troubadours français et des poètes italiens de la Renaissance. Cet essai appréhende la manière dont il a pu influencer le cinéma par sa poésie révolutionnaire issue des courants de l'imagisme et du vorticisme et jouer un rôle important dans la réalisation d'un des premiers films d'avant-garde : Ballet mécanique (1924) de Léger et Murphy. Enfermé aux USA après la guerre pour ses positions fascistes, Pound devient un modèle pour les cinéastes du courant underground américain et, en Europe, suscite l'intérêt de cinéastes majeurs comme Pasolini ou Godard.
03/2023
