visuel

Plusieurs fois exposé, notamment en 1994 par les services culturels de l'Ambassade française à New York et en 2003 à la Bibliothèque nationale de France, cet ensemble de 90 photographies a été publié en 2017 sous la forme d'un livre d'artiste. Soignant la qualité de photogravure, les Editions de la Villette en proposent une nouvelle édition plus accessible. Les republier aujourd'hui s'impose dans le contexte actuel de retour des frontières en Europe, sur fond de crise pandémique et de guerres. Inaugurant la collection " Point visuel " des Editions de la Villette, ce recueil restitue dans son intégralité un important projet du photographe franco-américain Mikael Levin. Réalisé en 1993, celui-ci documente une situation singulière du continent européen. Au moment où les accords de Schengen, de 1985 et 1990, abolissent les barrières douanières, la guerre en Yougoslavie, à partir de 1991, remet au contraire en tension la question des identités nationales. De Bray-dune, au bord de la Mer du Nord, jusqu'à Offmarsheim en Alsace, Levin a longé la frontière entre la France et, successivement, la Belgique, le Luxembourg, l'Allemagne et la Suisse. Sur ce long tronçon, il a systématiquement photographié les traces qui subsistaient de l'ancienne démarcation : postes de douanes abandonnés, commerces transfrontaliers désaffectés, signalétique et marquages au sol obsolètes... Entre une tradition européenne de la limite conflictuelle entre Etats-nations et un imaginaire américain de la conquête progressive d'un monde meilleur, la frontière est saisie par Levin dans toute sa complexité culturelle et politique, dans une vision traversée par les sentiments ambivalents de mélancolie, d'optimisme et d'inquiétude. Résolument documentaire, son enquête photographique s'inspire de celles de la Mission Héliographique dans la France des années 1850 ou de la Farm Security Administration dans l'Amérique des années 1930. Plusieurs fois exposé, notamment en 1994 par les services culturels de l'Ambassade française à New York et en 2003 à la Bibliothèque nationale de France, cet ensemble de 90 photographies noir et blanc a été publié en 2017 sous la forme d'un luxueux livre d'artiste tiré en série limitée. Soignant la qualité de photogravure et d'impression, les Editions de la Villette en proposent une nouvelle édition intégrale plus accessible, accompagnée d'un texte de présentation de Mikael Levin et d'un essai critique inédit de l'historien de l'architecture Luc Baboulet. Republier aujourd'hui ces photographies s'impose dans le contexte actuel de retour des frontières en Europe, sur fond de crise pandémique, de montée des populismes et de guerre en Ukraine.

Comment l'architecture, gouvernée par des règles strictes et des dogmes intangibles, pourrait-elle être impossible ? Partant de cette apparente contradiction, l'exposition kaléidoscopique présentée au musée des Beaux-Arts du 19 novembre 2022 au 19 mars 2023 explore les multiples voies empruntées par les artistes, de la Renaissance à aujourd'hui, pour faire "déraisonner" l'architecture. Affranchie des codes rigides dans laquelle l'emprisonne sa seule existence bâtie, l'architecture est susceptible de porter des idées comme de sonder les tréfonds de la pensée humaine, la mémoire et l'inconscient. Telle qu'elle surgit dans notre imaginaire, elle constitue une source d'inspiration majeure pour l'histoire de l'art et a fécondé à toutes les époques l'inspiration des artistes, qui puisent dans l'imaginaire lithique un puissant potentiel d'évocation propre à surprendre, déstabiliser, questionner, dénoncer. La présentation est orchestrée en cinq chapitres thématiques placés chacun sous les auspices d'une notion (caprice, démesure, égarement, menace et perte) et offrant autant de clés de lecture possibles du thème. Certains motifs comme le labyrinthe, la tour, la maison hantée, les escaliers impraticables ou la ruine, servent de fil conducteur à un voyage dans des mondes étranges, fabuleux et inquiétants, où la présence humaine a souvent entièrement disparu. Placée dans un esprit d'ouverture, l'exposition ne se limite pas à la peinture et à l'art sur papier, deux médiums privilégiés de l' "artiste bâtisseur" comme de l'architecte (lorsque celui-ci choisit de délaisser règles et compas pour s'emparer du pinceau et du burin). Elle offre plus largement des résonances avec la littérature, la photographie, le cinéma et le jeu vidéo. Réunissant plus de 150 oeuvres de toute nature issues d'institutions nationales, internationales et de collections particulières, elle rassemble une cinquantaine d'artistes : noms éminents (Giovanni Battista Piranesi, Hubert Robert, Louis-Etienne Boullée, Victor Hugo, Gustave Doré, Maurits Cornelis Escher, Max Ernst, Wim Delvoye, etc.) ou plus confidentiels (Albert Trachsel, Wenzel Hablik, Emily Allchurch, etc.). Tous placent l'architecture au centre de leur démarche créative et de leur univers visuel. Chahutant les traditionnels discours sur l'art, les hiérarchies et les classifications par époque et par genre, l'exposition offre au visiteur une plongée sensorielle dans des univers déconcertants qui bousculent radicalement nos perceptions immédiates et nos habitudes cognitives. A travers une approche sensible du motif architectural, l'exposition se présente elle-même comme une expérience de perturbation spatiale. La promenade se transforme en errance et c'est gagné par le vertige que le visiteur déambule dans l'exposition.

Ce livre développe une question critique posée et reposée à nos certitudes devant l'image. Comment regardons-nous? Pas seulement avec les yeux, pas seulement avec notre regard. Voir rime avec savoir, ce qui nous suggère que l'oeil sauvage n'existe pas, et que nous embrassons aussi les images avec des mots, avec des procédures de connaissance, avec des catégories de pensée. D'où viennent-elles, ces catégories? C'est la question posée ici à la discipline de l'histoire de l'art, dont le développement actuel - la finesse de ses outils, son impressionnante capacité d'érudition, sa prétention scientifique, son rôle dans le marché de l'art - semble autoriser le ton de certitude si souvent adopté par les professionnels de l'art, les savants de l'image. Or, qu'est-ce qu'un savoir lorsque le savoir porte sur ce Protée que l'on nomme une image? La question exige de mettre à jour la "philosophie spontanée" ou les modèles discursifs mis en jeu lorsque nous cherchons, devant un tableau ou une sculpture, à en tirer, voire à en soutirer une connaissance. Entre voir et savoir se glissent bien souvent des mots magiques, les philtres d'une connaissance illusoire: ils résolvent les problèmes, donnent l'impression de comprendre. Ces mots magiques, Vasari, le premier historien de l'art, au XVIe siècle, en a inventé de fameux, qui traînent encore dans notre vocabulaire. Panofsky, le "réformateur" de l'histoire de l'art, au XXe siècle, les a critiqués dans un sens, à l'aide d'un outil philosophique considérable - la critique kantienne de la connaissance -, mais il les a restaurés dans un autre sens, au nom de l'humanisme et d'un concept encore classique de la représentation. C'est du côté de Freud que l'on a cherché ici les moyens d'une critique renouvelée de la connaissance propre aux images. L'acte de voir s'y est littéralement ouvert, c'est-à-dire déchiré puis déployé: entre représentation et présentation, entre symbole et symptôme, déterminisme et surdétermination. Et, pour finir, entre la notion habituelle du visible et une notion renouvelée du visuel. L'équation tranquille - métaphysique ou positiviste du voir et du savoir laisse place dès lors à quelque chose comme un principe d'incertitude. Quelque chose comme une contrainte du regard au non-savoir. Quelque chose qui nous met devant l'image comme face à ce qui se dérobe: position instable s'il en est. Mais position qu'il fallait penser comme telle pour la situer malgré tout dans un projet de connaissance - un projet d'histoire de l'art.

Un ouvrage pratique, prêt à l'emploi, qui offre une démarche motivante et efficace pour enseigner l'anglais en CE1 et CE2. La démarche pédagogique proposée prend en compte le développement psychocognitif des enfants : bienveillance, encouragements, mise en confiance, respect du rythme d'apprentissage de chacun, activités courtes, variées et adaptées, rythment le déroulement des séances et favorisent le développement des compétences à l'oral, d'abord en réception, puis progressivement en reproduction et en production avec modèle, à l'écrit, en CE2. Cet ouvrage propose 13 projets de classe pour initier à l'anglais grâce à des séances d'apprentissage ludiques, articulées et efficientes, permettant aux élèves d'apprendre l'anglais avec plaisir et d'acquérir de réelles compétences de communication. Pour le CE1 : 7 projets, chacun composé de 4 à 5 séances de 15 à 45 minutes. Les élèves pourront jouer au jeu des 7 familles, mettre en scène un chant, réaliser un calendrier de l'avent, enregistrer l'interview d'un camarade... Pour le CE2 : 6 projets, chacun composé de 3 à 5 séances de 30 à 50 minutes. Les élèves pourront réaliser un poster avec des fiches présentation, relever 24 défis dans le cadre d'un projet spécial pour Noël, faire un bulletin météo, jouer au jeu du Qui est-ce ? ... La toute première séance de l'ouvrage a pour objectif d'identifier les connaissances acquises, à réactiver ou à revoir, par l'intermédiaire d'un jeu dont le support pourra être utilisé tout au long de l'année afin de rebrasser les acquis. A la fin du CE1 et du CE2, un jeu de plateau permet également aux élèves de réactiver leurs connaissances du lexique, des structures (questions et réponses), mais également des chants et comptines. Ces séances d'anglais clés en main sont courtes, joyeuses et faciles à mettre en oeuvre en classe. La diversité des activités permet de maintenir l'attention des élèves, d'entretenir leur curiosité, de les mettre en confiance et de développer leur mémorisation de manière dynamique. Toutes les ressources nécessaires à la réalisation des séances sont disponibles en ligne. NOUVEAU : les ressources numériques vous sont proposées sur le site Mes ressources pédagogiques ! Premier accès à vos ressources : identifiez-vous sur https : //activation. editions-retz. com et saisissez la clé d'activation fournie dans la couverture de votre ouvrage. Pour les connexions suivantes : rendez-vous directement sur le site Mes ressources pédagogiques, cliquez sur le visuel de l'ouvrage concerné et accédez à vos ressources ! Configuration requise : Acrobat Reader, Internet Explorer, Firefox, Chrome, Safari, Opera toutes versions

En 1981, pendant la première guerre du Liban, Pini, diminutif de Pinto, était soldat. A un carrefour, il s’est trouvé nez à nez avec un enfant qui pointait sur lui son rpg, il a tiré, l’enfant est mort. Mais nous n’en sommes pas sûrs. En chacun de nous est enterré un enfant mort. Celui que les adultes tuent en chacun de nous, par temps de paix ou de guerre. Accablé d’un sifflement dans les oreilles, Pini part à sa recherche, mais le souvenir est trompeur, erratique. Nous le suivons au Liban, en 1981, lors de l’opération Litani et des massacres de Sabra et Chatila. Jean Genet y était présent comme témoin visuel. Il était malade, amoureux d’un jeune Palestinien et logé à Beirut par Léïla Shahid. Comment pouvait-il prendre parti ? Que croyait-il savoir de la guerre ? Emmanuel Pinto est aussi metteur en scène, il admire Genet. Mais en quelque sorte, il écrit ce livre en dialogue avec Genet. Et sa démarche, toute en tâtonnements irrésolus, est à contre-courant de celle du film Valse avec Bachir, d’Ari Folman où de puzzle en puzzle, l’auteur recréait le souvenir et l’horreur de la guerre, et la réminiscence de la Shoah, et la grossièreté des soldats israéliens. Chez Pinto, tout est intérieur, délicat, et dans le brouillard. Dans le vacarme de la guerre, la mémoire se brouille, nous dit-il, et il démonte et met en scène ce brouillage. C’est en cela que ce livre est magistral et nous fait entendre une autre voix et une détresse qu’aucune recherche mémorielle ne peut apaiser. Le livre se déploie sur une deuxième partie et un deuxième registre, tout aussi fort que le premier : le mère de Pini, rendue folle par le départ de ses fils au front, s’enferme sur sa terrasse et écrit des lettres à ses fils. Elle les supplie de revenir à la maison sans héroïsme ni bravoure. A mesure qu’elle leur écrit, elle invente et s’approprie un hébreu flamboyant qu’elle ne possédait pas : elle est algérienne et ne sait que l’arabe et le français. Et Pinto bascule avec elle dans la douleur et la folie qui lui rendent la parole dans une langue étrangère. Superbe. Acouphène est un texte d’une écriture magnifique, variée, souple, tantôt lyrique, tantôt urgente, où l’argot côtoie une poésie héritée de la Bible, du Talmud ; le monologue intérieur y est porté à des sommets. C’est un livre brûlant qui fera débat, qui choquera et qui bouleversera, qui donnera à penser.

Publié à l'occasion de la première rétrospective en France de Jeremy Deller, lauréat du prestigieux Turner Prize en 2004 et représentant de son pays à la Biennale internationale d'art contemporain de Venise en 2013, Art is Magic dresse le panorama le plus complet de son travail des années 1990 à ce jour, à partir d'une quinzaine de projets et d'oeuvres majeures qui ont ponctué son parcours. Jeremy Deller s'intéresse aux cultures populaires et aux contre-cultures. Les questions sociales, l'histoire, mais aussi la musique, sont au centre des investigations de l'artiste. Teintées d'un discours socio-politique assumé, ses oeuvres font un lien entre la culture - vernaculaire ou de masse - et le monde du travail. Ses recherches l'ont mené à explorer l'histoire sociale de son pays et du monde à travers les conflits sociaux de l'ère thatchérienne, le groupe Depeche Mode, le monde du catch, les ferments du Brexit, ou encore l'Acid house et le mouvement rave, avec le souci constant d'impliquer d'autres personnes dans le processus créatif. Art is Magic constitue une tentative de relier les oeuvres clés de la carrière de Jeremy Deller avec l'art, la musique pop, le cinéma, la politique et l'histoire qui ont inspiré son travail. Deller a fait couler beaucoup d'encre au fil des décennies, mais c'est la première fois qu'il rassemble toutes ses sources culturelles. L'ouvrage est divisé en trois sections : un guide visuel de ses oeuvres préférées, des réflexions approfondies sur sa vie et sa pratique artistique et, enfin, un album d'images expliquant ce qui le motive (de Rod Stewart aux chauves-souris, du juke-box parfait aux têtes de hache néolithiques). Le livre présente des oeuvres qui ont jalonné la vie et la carrière de Deller, la plupart inédites. S'y entrecroisent ainsi son installation gonflable pour le festival international de Glasgow, la grève des mineurs (son film sur la bataille d'Orgreave), les chauves-souris (sujet d'au moins trois des oeuvres de Deller), Andy Warhol (qu'il a rencontré en 1986), les liens entre la révolution industrielle et le heavy metal, et les busards cendrés picorant les yeux d'un député conservateur (figurant dans sa fresque contre la chasse au gibier créée pour la Biennale de Venise). Publié à l'occasion de l'exposition Jeremy Deller : Art is Magic au Frac Bretagne, au Musée des beaux-arts et à La Criée, centre d'art contemporain, Rennes, en 2023.

En plus de 70 ans de carrière, Uderzo aura tout dessiné, dans tous les styles, tous les registres, avec un génie que lui reconnaissent des dessinateurs aussi variés que Petillon, Moebius, Zep ou Gotlib, et le succès public planétaire de la série Astérix avec son complice Goscinny. A 4 ans, sa maîtresse de maternelle repère son talent pour le dessin. A 7 ans, il découvre sa vocation avec le Journal de Mickey. A 14 ans, il publie son premier dessin, à 18 ans, c'est le premier album de 12 pages Publier l'intégrale d'une œuvre aussi vaste et variée est un défi de taille. Alain Duchêne et Philippe Cauvin, deux spécialistes passionnés, ont parcouru toute l'Europe  pour retrouver, rassembler, restaurer les milliers de dessins, planches originales, journaux, albums, nés du crayon magique d'Uderzo au fil du temps. Ce premier volume, exhaustif, réunit tous les dessins, séries et albums des années 1941 à 1951, en version intégrale : - Ses dessins d'enfance, ses débuts pendant la guerre, sa rencontre avec Calvo, les dessins du service militaire,.. - Les premières séries de presse pour la jeunesse : Flamberge, gentilhomme gascon, Clopinard, le dernier des grognards, vagabond espiègle et son acolyte Grogui, à l'allure déjà « enveloppée », Les aventures de Clodo et son Oie, strip cocasse à la française publié dans un quotidien, Zidore l'homme-macaque, version burlesque de Tarzan,… - Les séries d'aventure dans le magazine OK, de 1946 à 1949 : Arys Buck et son épée magique, Le Prince Rollin, Belloy l'invulnérable, des comics signés Al Uderzo pour faire américain, qui regorgent d'action et d'humour, avec scènes de bagarres, duos de héros contrastés et jolies princesses à délivrer… - En 1950, c'est la série Capitaine Marvel Junior pour le journal Bravo, et Superatomic Z. - les dessins de presse, époustouflants de ligne claire réaliste pour France Dimanche et France Soir de la grande époque, où il illustre les faits divers et le Tour de France. Au fil des dessins s'afffirme très tôt le « style Uderzo », avec le sens du gag visuel, de l'expression gestuelle, une maîtrise époustouflante de styles différents de dessin, du cosmique au western en passant par le réalisme. Le secret de son génie ? Le talent, le travail acharné, l'amour du dessin… et la modestie. « Les institutions dans la BD, ça n'existe pas. Ce sont les lecteurs qui font le succès. C'est aussi simple que ça ! » Albert Uderzo ( introduction à l'Intégrale 1941-1951).

Dans cet essai sur Samuel, de l'auteur finlandais Tommi Musturi1, Aarnoud Rommens2 pose, une à une, les pièces du jeu de son personnage emblématique, Samuel. Les éditeurs IMAGES et la 5C suivent l'essayiste, dans un paso doble virevoltant, en agençant ludiquement, une à une, des pièces et des planches parfois inédite ou révélant les étapes d'un processus complexe, souvent énigmatique, comme une suite qui fait clarté une fois le pas de danse entamé. Samuel va par le monde et l'Histoire. Un monde où tout peut arriver, n'importe où, n'importe quand. Création irrationnelle d'un démiurge aveugle et sourd ? Aveugle, Musturi ne l'est certainement pas. Dans les pas de Samuel, le lecteur découvre, sans les reconnaitre, ses règles et ses contraintes. Aarnoud Rommens, avec humour et exigence, les élucide en dépliant une complexité conceptuelle et technique sans égale. La première règle du monde de Samuel, seule à être visible et lisible, énonce que "tout peut arriver". La liberté fait donc partie du jeu ! Se déshabituer de ses habitudes et emprunter, in media res, les pas du tango finlandais de Samuel. L'aventure est vitaliste, ludique. Elle mène tant à la joie qu'à la tristesse, à la douceur qu'à la cruauté, pour un dégagement qui se présente comme une suite lumineuse, dès l'aventure entamée. Maintenant, va jouer ! 1. Auteur notamment de Les livres de M. Espoir, Sur les pas de Samuel, Simplement Samuel, KutiKuti, HuudaHuuda, Future, Cracking... 2. Aarnoud Rommens est essayiste et chercheur au Centre for the Study of Theory and Criticism du Center of Visual Art de la Western University, UWO, Canada. --------- Les mondes de Samuel ne sont pas cohérents. Il n'y a pas de raison qu'ils le soient. Il n'y a pas besoin d'une histoire surplombant le tout. Le monde que nous rejoignons avec Samuel n'est pas un seul monde : nous croisons de multiples mondes et des époques variées. Ces mondes opèrent selon leur logique propre et étrange, leurs propres lois de physique et d'espace-temps, divergeant potentiellement d'un épisode à l'autre. Samuel ne commence jamais depuis le début, il est toujours dans le feu de l'action : le lecteur ou la lectrice n'a aucune idée de ce qui vient avant. Tous les épisodes commencent in media res : nous ne savons pas comment il est arrivé au milieu de ces fourrés ; comment il s'est retrouvé dans une forêt en automne avec ses couleurs tamisées alors que, en marchant, les couleurs changent soudainement et deviennent printanières, vertes et vives ; comment il se retrouve tout à coup dans une double page complètement noire ; comment il est arrivé au sommet d'une colline ; pourquoi il s'est soudain laissé pousser la barbe ; comment il s'est retrouvé dans un cercueil, comment il est devenu un vampire, etc. (...) Vous ne pouvez pas plus "résoudre" Samuel que vous ne pouvez connaître à l'avance les événements inattendus que la journée vous réserve, même si votre histoire à la table du petit-déjeuner a l'apparence d'un script infaillible. Il y aura toujours de l'improvisation. En soi, casser la contrainte est aussi contrainte tout en étant son opposé, en un sens. Le principe de non-contradiction est de nouveau accueilli par des rires nourris. Le conseil de Tommi/Samuel à cette méta-énigme ? "Va jouer ! " C'est juste un jeu où les règles doivent être cassées, réinventant ainsi constamment la partie elle-même. Il n'y a pas de gagnant-e-s ici. Mais c'est aussi un jeu sans perdant-e-s. Win-win ! (...) La seule manière de raconter l'histoire de ce qui arrive à Samuel dans ses bandes dessinées est de nouer les événements les uns après les autres, comme les enfants le font avant d'être conditionnés à rendre leur récit plus "adulte" et moins poétique. [Ce sont des rhétoriciens experts sans même le savoir (et encore moins l'apprécier). Samuel reprend ces techniques vives et ses bandes dessinées peuvent être décrites comme des phrases visuelles "sans fin" combinant ce qui semble incompatible, un polysyndéton visuel infini refusant la logique plus économique et efficace de la subordination syntaxique/narrative. Samuel est insubordonné. (...) Etre à l'écoute de cet état aléatoire (randomness) obéit en fait à une logique différente, explorant les possibles de l'imagination plutôt que les syllogismes et les soi-disant "principes de non-contradiction" : "Je vais te raconter une histoire vraie que je viens d'inventer" (une fille de 4 ans à sa mère, cité in : Engel 1995). Le réel, la vérité et l'imagination sont dans le même bateau ; ils ne s'excluent pas mutuellement. C'est la même chose avec Samuel. Samuel meurt tellement de fois dans ses bandes dessinées que j'en ai perdu le compte. Il meurt et pourtant il est vivant. Il change constamment. Il n'est jamais "lui-même" (un unique soi unitaire), et pourtant il est toujours fidèle à lui-même. Le principe de changement, c'est lui. La mort est une précondition pour l'émergence d'un nouveau monde narratif et d'un nouveau Samuel dans ces histoires. Ce qui signifie qu'il n'y a pas un Samuel. Ils sont multiples, souvent des versions contradictoires de Samuel ; sédentaire et nomade, cruel et gentil, inventif et stupide, naïf et rusé, etc. De même, en tant que lecteurs et lectrices, nous subissons constamment le changement avec Samuel, allant et venant entre le réel et l'imaginaire, le littéral et le figuré, entre ce qui est kawaii et ce qui tient du sublime, les rires et les pleurs, entre le burlesque et le sanglant. C'est une expérience vertigineuse. (...)

Ce livre s'adresse aux étudiants et aux développeurs ayant déjà une première expérience de la programmation structurée et qui sont désireux de passer à la Programmation Orientée Objet (POO) avec le langage C#, pour développer des applications .NET. Après un historique de la POO et du langage C#, l'auteur explique pourquoi ce type de programmation est devenu incontournable pour développer dans les environnements graphiques événementiels. Les notions d'objet, de classe et de référence sont présentées puis les fondements de la POO que sont l'encapsulation, l'héritage. le polymorphisme et l'abstraction. Les différentes étapes d'un développement objet avec les principes de modélisation UML sont abordées, suivies par une présentation du framework .NET au travers de son intérêt, de sa richesse et de son environnement de développement Microsoft Visual Studio 2019 Community. Le lecteur découvre comment C# reproduit les principes de la POO avec des explications simples, des exemples concrets et des exercices corrigés à télécharger sur le site www.editions-eni.fr. Les types de base du développement .NET et leurs utilisations sont présentés. Les programmes d'essais sont de type console ou graphique, basés sur l'utilisation des Windows Forms pour illustrer les communications entre objets. Quand ils seront pertinents, des parallèles seront menés avec les langages de programmation objet C++ et Java. La programmation multithread, permettant l'exécution simultanée de plusieurs flux d'instructions, sera présentée, suivie parla communication entre mondes managé et non managé et l'écriture de tests unitaires. Ensuite, avec la technique de la réflexion sur les objets, l'auteur présente une façon dynamique de programmer et les travers qu'elle peut engendrer. Enfin, le dernier chapitre traite de la gestion des données avec LINQ, l'utilisation des fichiers XML, ADO.NET (en mode connecté et en mode déconnecté) et Entity Framework. A la fin de ce livre, le lecteur disposera de bases solides pour appréhender les puissantes bibliothèques du .NET et réaliser des programmes objet modulaires, fiables et extensibles.

Sept nouvelles réalistes dans lesquelles Maupassant relate, avec une parfaite maîtrise du genre, des destins singuliers de femmes et d'enfants. Dans une édition enrichie de compléments pédagogiques, en lien avec le thème " La fiction pour interroger le réel " du programme de français en 4e. Les nouvelles - " Le papa de Simon " Simon, élevé par sa mère, est harcelé par ses camarades d'école parce qu'il ne connaît pas son père. - " Aux champs " Une jeune femme riche propose à un couple de paysans d'adopter un de leurs enfants en échange d'une rente mensuelle. - " L'enfant " Le soir de son mariage, un homme est appelé au chevet d'une ancienne maîtresse mourante qui lui confie leur enfant nouveau-né, dont il ignorait l'existence. - " L'abandonné " Une femme décide d'aller avec son ancien amant rendre visite à leur fils, qu'ils ont abandonné quarante ans plus tôt à une famille de paysans. - " Mademoiselle Perle " A Gaston venu fêter les rois chez les Chantal, M. Chantal entreprend de raconter l'histoire de mademoiselle Perle et de révéler l'amour secret qui les lie. - " La parure " Pour se rendre à une soirée, Mathilde Loisel, épouse d'un modeste commis, emprunte à une de ses amies une rivière de diamants. Mais elle perd le bijou... - " La dot " Jeanne Cordier est amoureuse de Simon Lebrument, un jeune notaire. Après leur mariage, Simon emmène Jeanne à Paris, avec sa dot. Les compléments pédagogiques - Des repères sur le contexte des nouvelles - Des notes qui éclairent la lecture - Des questionnaires accessibles - Les définitions des notions clés - Des visuels en couleurs Le dossier thématique : " Enfances volées " Pour comprendre, à travers des exemplaires littéraires et artistiques, comment l'abandon, la misère ou l'exil peuvent abîmer l'enfance. Un dossier structuré en trois sections. Dans chacune, des documents (textes et iconographies) introduits et associés à des mini-questionnaires. Pour l'enseignant Sur www. editions-hatier. fr, dans la fiche article de l'ouvrage, un guide pédagogique en accès gratuit réservé.

Un recueil de nouvelles d'anticipation faisant écho à des progrès scientifiques récents - clonage, homme augmenté, réalité virtuelle, etc. - et permettant de réfléchir à leurs enjeux éthiques. Dans une édition enrichie de compléments pédagogiques, en lien avec le thème " Progrès et rêves scientifiques " du programme de français en 3e. Les cinq nouvelles - " Journal d'un clone " , de Gudule Yannick est un enfant nerveux à qui l'on a acheté un clone qu'il n'hésite pas à martyriser. - " Potentiel humain " , de Fabrice Colin Pour sauver son entreprise, Humberdeen décide de vendre ses membres à une société qui les remplace par des prothèses. - " Clarisse " , d'Eric Simard Une généticienne enquête sur la création d'une chimère mi-humaine, mi-orang-outang. - " La classe de maître Moda " , de Pierre Bordage Elève dans une école virtuelle internationale, Emna ignore tout du monde extérieur jusqu'au jour où elle est confrontée à la réalité. - " Anna passe son bac " , de Christian Grenier Anna passe l'examen du bac en réalité virtuelle. - " Le rituel des adieux " , de Colette Jacques Veaux Les compléments pédagogiques - Un entretien inédit avec Christian Grenier sur la science-fiction - Des repères sur la science-fiction - Des notes qui éclairent la lecture - Des questionnaires accessibles - Les définitions des notions clés - Des visuels en couleurs Le dossier thématique : " Faut-il avoir peur du progrès ? " Pour comprendre les questions et fantasmes suscités par les progrès scientifiques, et découvrir comment la littérature et le cinéma de science-fiction se sont emparés de ce thème. Un dossier structuré en quatre sections. Dans chacune, des documents (textes et iconographies) introduits et associés à des mini-questionnaires. Pour l'enseignant Sur www. editions-hatier. fr, dans la fiche article de l'ouvrage, un guide pédagogique en accès gratuit réservé. Extrait " Emna se leva et esquissa des mouvements d'assouplissement devant son écran, consciente que maître Moda continuait de l'observer par le truchement des webcams disposées tout autour de la pièce. " (" La classe de maître Moda " , de Pierre Bordage)

Editor's Choice Nobel Committee of the Royal Swedish Academy of Sciences announced the 11th Chinese author Mo Yan 2012 Nobel Prize for Literature. The Commission said that Mo Yan combination of reality and fantasy. historical and social perspective. He created the world reminiscent of the works of Faulkner and Marquez fusion while to find a point of departure in traditional Chinese literature and oral literature. Summary Pu Songling's hometown Zibo and Mo Yan's hometown density very close from. Mo Yan is to listen to the story of Purkinje child grew up. Pu Songling fantasy style to Mo Yan's fiction writing brought a very big impact. but also achievements in the magical style of Mo Yan. Learn Pu Songling is selected from the group consisting of Mo Yan two more than thirty ghost stories. ghost legend. and some weird God God Buddies ghost novels. with high-density the flapping gray Year pictures unique. to bring people look good. magical shock strong visual impact. Mo Yan (1955 catalog learning Pu Songling adventure night fishing genius good doctor iron child flying odor tribe carpenter the dog sandals scenting sub sins the the airship Zaomu stool motorcycle the three horses hype gale five pastry dry river Baekgu Swing frame of February 17 -). formerly known as tube mo. born in Gaomi County. famous contemporary Chinese writers. Honorary Doctor of the Open University of Hong Kong. visiting professor at Qingdao University of Science and Technology. His rise since the mid-1980s to a series of local works. filled with nostalgia and blame Township complex emotional. are classified as Seeking literary writers. The works are influenced by magic realism. to write out a legend in the of Gaomi northeast Township. Mo Yan subjective feeling of the world in his novel structure unique to dream-like narrative. unfamiliar process. shaping the mysterious transcendental object world. with Pioneer color. In August 2011. Mo Yan With novel frog was the eighth Mao Dun. October 11. 2012. won the Nobel Prize for Literature.

Que ce soit en présentiel ou en virtuel, tout le monde aujourd'hui peut faire de la formation. Le métier de formateur a considérablement évolué et la demande de formation est exponentielle. Cependant, former ne s'improvise pas, les écueils sont nombreux. D'autant plus, que de nouvelles normes et certifications apparaissent. Ce guide vous donne les clés d'une formation réussie. Il est le fruit d'échanges et de témoignages de nombreux formateurs expérimentés. Vous y trouverez les règles pour vous préparer de manière optimale à une demande de formation. Vous appréhenderez les techniques de communication qui ont fait leur preuve. Vous maitriserez l'utilisation du support de cours et des autres outils visuels. Mais, l'expérience montre que le plus important aujourd'hui est de savoir réagir face aux situations imprévues qu'il est souvent impossible d'anticiper. N'étant pas maitre de la formation que vous donnez (car celle-ci est généralement préparée par l'organisme de formation qui vous emploie), vous devez souvent improviser et vous adapter en fonction des contraintes que vous découvrez en arrivant dans la salle de cours. C'est ici le point fort de cet ouvrage car il vous donne, comme aucun autre, des solutions pratiques que vous pourrez appliquer concrètement, sur le champ, dès que vous rencontrerez une difficulté. L'évaluation de votre formation par les apprenants en fin de stage est également un point important : comment pouvez-vous vous prémunir de mauvaises critiques ? Comment les anticiper ? Là encore, des conseils judicieux vous sont donnés par des formateurs réputés dans leur métier. Enfin, un chapitre entier est consacré aux formations à distance qui présentent leurs spécificités propres : comment utiliser au mieux les outils de classe virtuelle ? Quels sont les différences pédagogiques entre une formation à distance et une formation en présentiel ? Ce guide est donc pour vous l'occasion de bénéficier de toutes les techniques essentielles pour la mise en place et la concrétisation d'une formation moderne qui vous permettra d'accéder en toute sécurité à une professionnalisation de votre activité.

Si sa peinture fait l'unanimité, on a longtemps délaissé des pans entiers du travail de Gauguin dans le domaine de la sculpture, de la céramique, du dessin, de la gravure et de l'écriture. De passionnantes études parues au cours des dernières décennies et diverses expositions ont apporté un nouveau regard sur l'artiste. Mais elles s'organisent pour la plupart selon tel matériau ou telle technique. Cet ouvrage replace l'oeuvre de Gauguin dans son contexte biographique et son moment historique particulier en faisant appel aux dernières recherches. Il propose une approche globale en évoquant tous les médiums utilisés et l'usage inédit qu'en fait Gauguin. L'évolution du style et les mutations de ses motifs en fonction du sujet, mutations qui orchestrent la rencontre entre création et signification, se dessinent ainsi au fil des pages. Son enfance nomade l'incite à s'intéresser à l'art de toutes origines, et à remettre en question les normes qui entravent sa créativité. L'exil volontaire qui le conduit du Paris bourgeois en Océanie répond à la même soif de s'affranchir des conventions — artistiques notamment. Nombre de ses contemporains empruntent aux arts non européens, mais Gauguin est le premier à s'en inspirer pour se forger un style. Délaissant le mode impressionniste de ses débuts, il gravite vers la vision subjective du symbolisme, qu'il accentue en inventant l'esthétique du primitivisme. Faisant fusionner sa philosophie artistique et son syncrétisme religieux, il se forge un credo personnel où esthétique et spirituel sont indissociables. Gauguin a par ailleurs beaucoup écrit, des textes désormais reconnus comme des oeuvres à part entière et des outils indispensables pour mieux appréhender son projet. De nombreux extraits aident à découvrir les théories révolutionnaires de celui qui a redéfini le paradigme de l'originalité dans le domaine des arts visuels. Faisant la part du mythe et de la réalité, ce livre retrace ainsi le parcours d'un peintre autodidacte devenu l'artiste majeur qui a contribué à tracer les voies de l'art moderne.

Andre? Robe?r est ne? Andre? Robert le 21 juillet 1955 a? la Plaine des Palmistes, Re?union. Ses parents indigents habitent les hauteurs de l'i?le, la Plaine des Palmistes. D'e?chec en e?chec jusque l'adolescence, les e?tudes ne sont pas une re?ussite pour lui. Pousse? par les politiques migratoires mis en place par l'e?tat franc?ais il de?barque en France en 1975. Tre?s vite il commence a? militer d'abord au PSU de 1977 a? 1981 et ensuite a? la Fe?de?ration Anarchiste. Le militantisme lui fait de?couvrir la ne?cessite? de se cultiver, d'e?tudier puis de cre?er. Il anime des e?missions sur l'actualite? de l'art apre?s avoir entrepris des e?tudes d'arts plastiques a? l'universite? de Saint Denis (Paris VIII). C'est a? Radio Libertaire qu'il de?couvre les avants gardes et que depuis il pratique la poe?sie visuelle et organise des manifestations autour de cette pratique. Il commence a? peindre en 1986. L'e?criture arrive de?s qu'il devient e?diteur en 2000 ; de?s lors c'est quinze recueils de poe?sies et fonnke?r pou lo zie? qu'il a publie?s. Le premier d'une trilogie sur l'immigration, est Carnets de retour au pays natal, un clin d'oeil au grand Aime? Ce?saire. Les deux autres ouvrages de cette trilogie sont Un ours sous les tropiques et D'i?le en Ille. La plupart de ses ouvrages alternent le cre?ole re?unionnais et le franc?ais sans que les textes soient traduits. Depuis la fin de l'e?criture de sa trilogie il expe?rimente d'autres e?critures. Les poe?mes visuels (fonnke?r pou lo zie?) eux ne sont re?dige?s qu'en cre?ole.

Fruit de longues recherches dans les archives des artistes, l'ouvrage sera doté d'une riche documentation et offrira une relecture inédite de la production artistique italienne entre 1960 et 1975. Apparu dans les années 1960 en Italie, l'Arte Povera est une démarche artistique ; davantage une attitude qu'un mouvement. Théorisé par Germano Celant en 1966, l'Arte Povera s'inscrit dans une volonté de défiance à l'égard des industries culturelles, portée par une nouvelle génération d'artistes incarnant des manières inédites d'appréhender l'art et la création. S'opposant à la consommation de masse et réhabilitant la place de l'homme et de la nature dans l'art, l'Arte Povera en renouvelle les thématiques (l'homme, la nature, le corps, le temps), les matériaux (naturels, de récupération, périssables), les techniques (artisanales), les gestes et l'intention. Il s'agit de repenser les critères d'esthétisme, de se défaire des artifices, de revenir à l'immédiateté des émotions et des sensations. A travers la production de livres, d'affiches, de projections et d'impressions sur toile, les artistes italiens de cette époque se sont appropriés le pouvoir narratif de l'image photographique et filmique afin d'explorer de nouveaux possibles de l'art. Transdisciplinaires, mêlant photographies, films, vidéos, affiches, livres, objets, sculptures et peintures, l'ouvrage, qui l'accompagnera l'exposition, présentera plus de 300 oeuvres de figures majeures de l'Arte Povera, parmi lesquelles Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Luigi Ghirri, Jannis Kounellis, Piero Manzoni, Mario Merz, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto... Conçu comme un livre d'art et non comme un catalogue d'exposition, il donnera à voir l'extraordinaire richesse d'une période où les artistes italiens ont compté parmi les plus importants interprètes de la transformation des langages visuels. Ce nouveau regard sur une démarche artistique majeure des avant-gardes du XXe siècle proposera également une immersion visuelle dans le contexte politique et culturel de l'époque avec des portfolios dédiés au cinéma, théâtre, soirées littéraires, extraits de presse présentant les grands enjeux socioculturels d'alors.

Ce livre s'adresse à toute personne souhaitant concevoir et mettre à disposition des rapports avec Microsoft SQL Server et les Reporting Services. Destiné aux étudiants, aux informaticiens et à tout profil concerné par la mise en place d'un projet de Business Intelligence, il ne nécessite pas de compétences informatiques spécifiques. Résolument pratique, son approche pédagogique est celle de l'apprentissage par la manipulation. Grâce à une série d'exercices, il présente comment réaliser des rapports et comment les mettre à disposition sur un serveur web ou les distribuer, notamment via l'utilisation de la messagerie. Après l'étude de la configuration des Reporting Services, l'assistant projet et l'assistant rapport sont utilisés pour les premiers exercices. Ces premières manipulations permettent d'appréhender l'environnement de développement et de comprendre la structure des rapports : qu'est-ce qu'une source de données partagées, un dataset, un paramètre ou un tablix ? Le lecteur réalise ensuite des rapports sans assistant, à la complexité croissante. Tableaux, groupes de lignes, rapports avec paramètres, matrices, graphiques, tous les types de rapports sont ainsi étudiés et tous les objets pour les concevoir sont utilisés. L'avantage de l'utilisation de vues et de procédures stockées est également mis en évidence par des exemples. Plusieurs types de graphiques, y compris Pareto et Histogram, sont manipulés avec des fonctionnalités qui enrichissent considérablement les rapports : Databar, Sparkline, SmartLabels, navigation entre les rapports, document map, etc. Les fonctionnalités les plus complexes telles que Lookup, LookupSet, MultiLookup, l'utilisation de code et de variables ou encore la définition de modèle de rapport sont présentées. Les derniers chapitres présentent les méthodes de déploiement et la gestion des rapports déployés. Les problèmes de sécurité, la définition de rôles et de droits, les planifications et la distribution des rapports sont étudiés. D'autres méthodes d'accès et l'utilisation de l'objet ReportViewer sont également abordées. Tous les exercices peuvent être réalisés en utilisant les versions gratuites des outils de Microsoft, notamment le moteur Microsoft SQL Server avec les Reporting Services et Microsoft Visual Studio.

1.SYNTHETIQUE : - Rassembler en un seul support l'ensemble du programme de l'ECN. - Rassembler en une seule fiche les items souvent traités par plusieurs sources (certains étant présents dans plus de cinq collèges ! ). 2.COMPLET : - Fiches condensées mais pas pour autant amputées, en effet, avec des QCM de plus en plus précis, pas question de faire d'impasse. - Rédigées à partir des supports officiels (collèges des enseignants, ouvrages de référence et recommandations). - Support unique d'apprentissage et de révision de l'ECN. 3.ORGANISE - Fiches proposant une structure simple et systématique pour chaque pathologie traitée : - Généralités : définitions, épidémiologie, physiopathologie ; - Diagnostic : présentation clinique, caractéristiques dans la biologie et dans l'imagerie ; - Prise en charge : examens complémentaires à demander, traitement, surveillance. Ainsi, il est facile de savoir où trouver l'information que l'on cherche et d'avoir les idées claires. 4.ILLUSTRE : La médecine passe aussi par les images. Ces fiches ne reprennent pas uniquement des descriptions fastidieuses et peu didactiques, mais exposent directement de nombreuses images importantes photos de lésions, radios, scanners, IRM... De nombreux schémas sont aussi présents, plus visuels et didactiques que des pavés de texte. Bien sûr, les fiches sont en couleur pour plus de saveur ! 5.DIDACTIQUE : - Astuces et moyens mnémotechniques proposés, mais surtout une présentation des connaissances permettent de fixer visuellement ce qui tombe dans les dossiers. 6.POUR GAGNER DU TEMPS. 7.POUR GAGNER DES PLACES. En associent ces fiches à un entrainement régulier, le concours de l'ECN devient plus familier. Cet apprentissage efficace, droit au but, couplé à la gymnastique des DP et QI permet de mieux saisir l'esprit du concours et de gagner en puissance dans le classement. Les fiches Synapses sont un catalyseur d'apprentissage médical. En simplifiant le programme de l'ECN, elles permettent à chaque étudiant de transformer ses révisions en résultats, et ainsi de révéler son potentiel d'action !

Un beau livre sur Factory Records un des labels les plus importants des années 80 à qui l'on doit Joy Division et New Order et qui a su se créer une identité visuelle. De 1978 à 1992, Factory Records fut l'un des plus importants labels discographiques de Grande-Bretagne. On lui doit la mise sur orbite de groupes aussi célèbres que Joy Division, New Order ou les Happy Mondays, la création des hauts lieux légendaires de la vie nocturne mancunienne que furent l'Haçienda et le Dry, mais aussi l'entrée d'un graphisme d'avant-garde dans le monde de la musique. Les langages visuels élaborés pour cette scène musicale hors norme par des graphistes ou des agences tels que Peter Saville, Central Station Design ou 8vo ont profondément marqué toute une génération et continuent d'influencer de nombreux graphistes contemporains. Cet ouvrage est le premier à retracer l'intégralité des créations visuelles de Factory. L'avant-propos, rédigé par l'un des fondateurs du label, le célèbre Tony Wilson, est suivi d'une introduction qui retrace l'histoire de Factory et de ses principaux graphistes qui tous contribuèrent à initier un vaste public au graphisme de qualité. Organisé chronologiquement, la quasi-totalité des créations portant le célèbre numéro de catalogue Factory - pochettes de disque, éditions spéciales, flyers, affiches, papeterie et même projets architecturaux - est illustrée et commentée. Tous ceux qui se passionnent pour le graphisme et tous les fans du cultissime Factory Records ne pourront être que séduits par ce livre qui relate l'une des aventures culturelles les plus extraordinaires du xxe siècle et transmet toute l'énergie, la créativité et l'enthousiasme d'une des maisons de disques les plus dynamiques - et chaotiques - de toute l'histoire de la musique. Factory Records a déjà été publié en France aux Editions Thames & Hudson en 2006. Il est épuisé depuis près de quinze ans. Il s'agît de sa réédition.

InsoliteCNL – De quoi procèdent nos gestes de soulèvement ? D'une certaine puissance à en finir avec quelque chose. Mais, aussi, à imaginer que quelque chose d'autre est en train de recommencer. Ce livre propose les éléments d'une anthropologie de l'imagination politique dont on s'apercevra, très vite, qu'elle ne va pas sans une philosophie du temps et de l'histoire. A la structure tous azimuts du premier volume de cette enquête répond ici un propos concentré sur le moment politique, intellectuel et artistique lié au soulèvement spartakiste de 1918-1919 en Allemagne.

Que se passe-t-il lorsqu'une révolution, ayant chez beaucoup fait lever l'espoir, se trouve écrasée dans le sang ? Que reste-t-il de cet espoir ? On découvre qu'à partir du Malgré tout ! lancé par Karl Liebknecht et Rosa Luxemburg à la veille de leur assassinat, c'est toute la pensée moderne du temps et de l'histoire qui se sera trouvée remise en chantier, " recommencée " : notamment par Ernst Bloch et Walter Benjamin, les deux personnages principaux de ce livre (qui s'opposèrent à la pensée du temps mise en place, à la même époque, par Martin Heidegger). C'est toute une constellation qui gravite ici autour de Bloch et de Benjamin. Elle compte des penseurs tels que Hannah Arendt ou Theodor Adorno, Martin Buber ou Gershom Scholem ; mais aussi des écrivains tels que Franz Kafka ou Kurt Tucholsky ; des dramaturges tels que Bertolt Brecht ou Erwin Piscator ; des artistes visuels tels que George Grosz ou John Heartfield, Käthe Kollwitz ou Willy Römer. La leçon que nous proposent ces survivants d'une " révolution trahie " est considérable. Elle innerve toute la pensée contemporaine à travers le prisme de l'imagination politique. Elle nous incite à repenser l'utopie à l'aune d'un certain rapport entre désir et mémoire : ce que Bloch nommait des images-désirs et Benjamin des images dialectiques. Elle nous aide, ce faisant, à ouvrir la porte et à faire le pas.

Le christianisme est la religion esthétique par excellence. Le dieu qui s'y révèle est un dieu qu'on peut voir, toucher, entendre. Il n'est jusqu'à la Crucifixion qui n'atteste la réalité tangible, palpable du corps divin. Cette position dogmatique fondamentale ouvre tout naturellement le christianisme à l'art, au point que l'art apparaît comme la continuation du dogme et que, à l'inverse, le dogme lui-même est tout entier contenu dans l'image du crucifié. . Au sein de la multitude des images générées par l'art chrétien, l'image du sommeil prend alors une valeur privilégiée, allégorique de toutes les contradictions du dogme, pris entre la chair et l'esprit, l'image et l'événement, la sereine possession des choses et l'éclair saisissant de la rencontre. L'auteur voudrait montrer comment la figure du sommeil - celle, par exemple, de ces dormeurs immenses, paradoxaux que sont les apôtres à Gethsemani - cristallise la tension principielle entre la souveraineté divine de l'image dans le christianisme et la nécessité non moins divine de sa résolution en pure lumière spirituelle. C'est tout le problème d'une esthétique chrétienne d'intégrer - non à contre coeur, mais, si l'on peut dire, dans l'enthousiasme - l'image à l'expérience mystique la plus intense, quand bien même celle-ci représente un état de confusion et de cécité. Ici se découvre la dimension de paradoxe de cette esthétique, qui est l'indice de sa valeur existentielle. Michel COVIN est né le 15 mai 1946 à Lille. Docteur ès lettres, sa thèse est une contribution originale à la description d'un imaginaire du sommeil, au confluent de plusieurs domaines, comme l'art, la médecine et la religion. Aujourd'hui Maître de conférence à la Sorbonne, il enseigne la littérature, la philosophie de l'art et la sémiologie des arts visuels à l'UFR des arts plastiques et sciences de l'art.

Maître de la photographie couleur, Franco Fontana est l'une des figures majeures de la photographie italienne. Capturant le monde à travers des compositions géométriques audacieuses, des couleurs éclatantes et un langage minimaliste, Franco Fontana s'approprie les paysages qu'il traverse depuis plus de cinquante ans. Ici, c'est le paysage de Paris qu'il explore. Ses rues, ses jardins, ses monuments, mais aussi ses troquets, son métro, ses façades décaties, sa foule. C'est en 1958 qu'il se rend pour la première fois dans la capitale française, au retour de son service militaire. A partir de ce moment-là, il s'y rendra à maintes reprises. Cet ouvrage rassemble ses photographies prises entre la fin des années 1970 et novembre 2022, date de son dernier voyage. A Sous son objectif défile ainsi la vie animée de la capitale, véritables tableaux vivants dont l'ambiance unique est parfaitement décrite sous la plume de Jean-Baptiste Gauvin. Auteur et journaliste, il imagine ici un récit fictif épistolaire : celui d'un italien s'installant à Paris qui raconte à un ami sa nouvelle vie parisienne. Mêlant un certain humour et des détails historiques, il vient souligner la déambulation du photographe italien dans la Ville lumière. A La publication du livre est accompagnée d'une exposition à la galerie Polka à l'automne 2023. A Franco Fontana est né le 9 décembre 1933 à Modène en Italie et commence la photographie au début des années 1960. En 1978, il publie son livre Skyline et devient l'une des figures les plus emblématiques de la photographie italienne grâce à son travail sur le rapport des couleurs à l'espace, aux formes et à la lumière. A Jean-Baptiste Gauvin est auteur et journaliste. Spécialisé dans les arts visuels, il collabore régulièrement avec des revues dédiées à la photographie (LIKE, L'Oeil de la photographie, Process...). Il publie prochainement un ouvrage sur le séjour du peintre Claude Monet à Belle-Ile-en-Mer aux éditions Les ateliers Henry Dougier.

Il est des artistes à qui rien n'importe davantage que d'affirmer leur liberté, leur individualisme, en mariant pulsions de vie et ressorts de création, goût pour la fantaisie et esprit frondeur, ils fondent leur œuvre sur le plaisir qu'ils éprouvent à l'accomplir. Pierre Jahan était de ceux-là: un photographe au libre cours, un artiste qui laisse une œuvre considérable dont seules quelques crêtes majeures ont affleuré de son vivant à la visibilité, et que la masse d'images publiées depuis 1934 ne reflète guère. Cet ouvrage comme l'exposition qu'il accompagne entendent faire la part belle à l'œuvre artistique de Pierre Jahan photographe, en puisant en toute liberté, à son exemple, dans ses différentes veines au gré de séries constituées par lui-même, ou subjectivement assemblées à posteriori, en un parcours d'une centaine de tirages de l'époque. A la curiosité et à la poésie, il alliait un sens de l'étrangeté, de la facétie, et une prédilection acérée pour les dérapages et les télescopages visuels qu'offre l'observation du monde, ou que les jeux de laboratoire permettent à la photographie - photomontage, photogramme, surimpression... -, ce qui a fait qualifier une partie de son oeuvre de surréaliste, alors que pour Pierre Jahan il s'agissait d'invention plastique et de libérer des idées, sans relation conceptuelle avec le mouvement constitué. Son oeuvre participe néanmoins de la succession des enjeux historiques et esthétiques du médium entre les années 1930 et 1960, tout en s'affirmant singulière et particulièrement diversifiée. Capable de passer d'une légèreté spontanée, d'accent souvent humoristique, à des enjeux graves qu'il traite métaphoriquement, de la photographie naturellement directe à des constructions élaborées, de la tendresse lovée dans les ombres lumineuses du nu féminin au chant nocturne de la ville, du reportage en temps de guerre à des impertinences publicitaires, de la commande industrielle à l'expérimentation libre, Pierre Jahan a traversé le siècle de biais, sans contrainte, avec la photographie comme manière de vivre.

Ce guide dans la nouvelle collection Guides Hazan fournit à tous - étudiant, amateur, curieux, érudit - des clés pour découvrir et comprendre l'impressionnisme. Comment regarder l'impressionnisme ? La question est plus complexe qu'il n'y paraît, tant notre familiarité est grande avec ce mouvement dont les oeuvres phares sont reproduites ad nauseam, du puzzle miniature à l'affiche 4 par 3. Peintres de l'instant, virtuoses du plein air, membres d'un mouvement sans manifeste émergeant aux marges du Salon officiel, traducteurs sensibles des loisirs, des plaisirs et des jours, artistes incompris, nombreuses sont les idées reçues qui méritent un examen minutieux. Il faut en effet affûter son regard et saisir les nuances qui cernent l'oeuvre déterminant de ces peintres, nés dans les années 1830-1840, qui se regroupèrent - mais pas tous - pour exposer collectivement entre 1874 et 1886, et dont les principaux représentants ont pour nom Monet, Cézanne, Pissarro, Degas, Caillebotte, etc. Face aux tableaux, il n'est pas toujours aisé de déterminer ce qu'en définitive, nous voyons... et ne voyons pas, ou plus. L'objectif du présent livre est de répondre à ce constat en donnant au lecteur - étudiant, amateur, curieux, érudit - des clés pour apprendre à voir, aiguiser son regard et améliorer sa compréhension des oeuvres. Qui sont les impressionnistes et comment ont-ils peint ? Quels objectifs ont-ils poursuivi ? Qu'ont-ils représenté, au moyen de quels dispositifs visuels et picturaux ? Pour qui ont-ils travaillé ? Combiner, grâce à cet ouvrage, des regards pluriels, concrets et complémentaires sur les oeuvres impressionnistes, c'est décrypter combien de décisions, de maîtrise technique et d'invention président à l'élaboration d'une oeuvre d'art - fût-elle guidée par la volonté de traduire l'instantanéité de la perception. C'est aussi s'approcher au plus près des oeuvres impressionnistes et de leur sens, en s'appuyant sur des exemples et une illustration richement commentée.

L'année 1914 marque plus que jamais la rencontre entre l'avant-garde artistique et l'avant-garde militaire, deux champs qui n'ont cessé d'entrer en friction, depuis le XIXe siècle. En 1914, ces frottements sont tout particulièrement sensibles dans les relations entre les arts visuels et l'histoire, dans un moment où la crise de la conscience européenne se cristallise en catastrophe radicale. La création artistique était alors prise entre différents courants contradictoires, soit pour inscrire la modernité dans une tradition idéalisée soit pour se mettre en quête d'utopies sociales dont les artistes et les architectes se font les hérauts. Dans les tout premiers jours d'août 1914, la violence concrète, immédiate, s'empare brutalement des destins individuels et les réoriente. Tout va se fracturer, les amitiés, les partages internationaux, les engagements : les rendez-vous intellectuels et artistiques internationaux sont annulés. La guerre envahit soudainement les esprits des individus et des sociétés, s'empare des corps et bouleverse les mondes de l'art. Dans les pays belligérants, les artistes rejoignent massivement les rangs des armées. La guerre reconfigure tout et s'insinue partout : même ceux qui échappent momentanément ou définitivement à la mobilisation ou renoncent à s'engager, et qui observent la guerre à distance, s'appliquent à traduire des réorientations dont les motivations sont souvent plus politiques et guerrières qu'artistiques. La réunion de ces multiples approches permet de penser la situation intellectuelle et pratique de la création visuelle pendant les six premiers mois "ordinaires" de l'année, et de comprendre aussi précisément que possible la nature des prises de conscience provoquées par l'événement de la déclaration de guerre ainsi que par les premiers combats. Ce livre explore les strates de sens inscrites dans les oeuvres et les objets, les orientations du goût et du marché, les pensées et les discours critiques et théoriques, afin de faire l'anatomie de ce qui s'est brisé dans les représentations occidentales dans ce temps court - mais essentiel - de l'histoire et de l'art du XXe siècle.

Climax est un média trimestriel papier de 116 pages sans pub qui raconte la révolution climatique en cours avec franc-parler, impertinence et humour. Il ne contient aucune courbe anxiogène sur le réchauffement climatique, aucun discours inspirant de sociologue-star, et aucun "top des 10 start-up qui vont nous sauver". Mais au contraire, des tribunes impertinentes, des entretiens qui fâchent, des enquêtes bien trempées, des BD drôles et décalées, des portfolios d'artistes délurés, et même une recette de cuisine, pour parler d'écologie autrement. Peut-on être riche et écolo ? C'est la question à 100 pépettes du dossier central de ce tout nouveau numéro de Climax. On dit que les plus riches sont aussi les plus pollueurs, mais qui sont-ils ? Les fous des jets et îles privés ? Ou nous tous, enfants gâtés du capitalisme ? Et si la crise écologique dépendait (beaucoup) de la façon dont nous dépensons tout ce "pognon de dingue" ? Et si, justement, on décidait de faire maigrir les riches ? Au sommaire : - Décryptage : être anti-riche est-il un truc de riche ? - Reportage "Sous la playa, la moula : la nature peut-elle s'acheter ? " - Seconde main, première classe : le nouveau luxe de la poussière - Le bilan carbone de l'humoriste Thomas VDB - Une interview de Printemps Ecologique, le tout nouveau syndicat écolo' pour faire la révolution au bureau - Un tuto militantisme sur Instagram pour apprendre à faire du "tag-bombing" - Un petit répertoire d'actions pour déranger le cours du quotidien - Cinq "arguments bidons" décryptés et tous les contre-arguments pour y répondre - Une virée chez les enfants gâtés de l'écologie avec l'anthropologue Fanny Parise - Du décryptage de greenwashing à gogo - Une BD exclusive sur la guérilla contre la pub dans l'espace public - Un test de personnalité complètement zinzin - Des portfolios avec plein de beaux visuels fluos et lumineux - Nos habituelles pages de jeux et de coloriages pour enfants pas sages ...

Dans l'imaginaire commun, la notion de paysage demeure fermement attachée au monde rural. A contrario, il reste complexe de définir ce que pourraient constituer les paysages urbains. Ce processus, auquel contribue l'émergence des sciences sociales et leurs conversations avec les champs artistiques et littéraires s'intensifie avec le développement des imaginaires et des techniques de diffusion des représentations de la ville, que ce soit par la gravure, la photographie, l'imprimé à bas coût ou le roman populaire, puis par le cinéma, la vidéo et les modélisations 3D. Ces représentations des paysages urbains disent les usages comme les systèmes de dominations, la formalisation des paysages coloniaux autant que l'hégémonie du paysage-marchandise dans la ville capitaliste, mais aussi les paysages de loisirs ou ceux façonnés par les revendications d'un droit à la ville. Ouvrage collectif sous la direction de Lise Lerichomme (Artiste et enseignante-chercheuse en arts plastiques à l'Université de Picardie Jules Verne et au Centre de recherches en arts et en esthétique de l'Université d'Amiens) et Sophie Suma (maîtresse de conférences contractuelle en Histoire culturelle de l'architecture et de la ville à l'Institut national des sciences appliquées (INSA Strasbourg) et docteure en arts visuels et architecture, elle enseigne également les études visuelles et le Design à la Faculté des Arts de l'Université de Strasbourg). Contributions de Daniel Payot ("Regards et légendes de paysages") ; Lise Lerichomme ("Paysages sociaux") ; Katrin Gattinger ("Le mobilier urbain comme figure d'ajustements artistiques du politique" ; Guillaume Bonnel ("La ville invisible") ; Caroline Guittet ("Construire la mémoire sociale des paysages urbains : quel photographe pour quelles représentations ?? ") ; Bruno Steiner ("Le paysage à l'essai à Strasbourg : entre grand récit manifeste et explorations situées") ; Sophie Lapallu ("Comment vivre en ville ?? Quand l'art descend dans la rue : les Street Works") ; Sophie Suma ("Le mall comme paysage") ; Vivien Philizot ("Le Colorama de Kodak et la construction du regard dans le paysage urbain" ; Sarah Calba et Olivier Crocitti ("La tâche de Sketch-up").

L'histoire de la console NEC et de ses jeux à travers les publicités japonaises. Découvrez les plus belles affiches et publicités japonaises, inédites, originales ou surprenantes, des consoles de la gamme PC Engine et des jeux qui ont bâti son histoire et sa renommée. Les Pubs japonaises de la PC ENGINE inaugure le lancement des Archives visuelles de la Pop Culture (aux côtés des Affiches japonaises des films culte). Cette nouvelle collection d'artbooks thématiques expose les trésors visuels (affiches, posters, publicités...) de la pop culture dans tous les domaines (jeux vidéo, cinéma, musique, jouets...). - Découvrez les plus belles affiches et publicités japonaises, inédites, originales ou surprenantes, des consoles de la gamme PC Engine et des jeux qui ont bâti son histoire et sa renommée. - Tour à tour superbes, dynamiques ou même drôles et parfois surréalistes, ces publicités japonaises constituent une source étonnante pour les collectionneurs. - Chaque publicité, imprimée en pleine page, est décryptée et commentée juste en dessous. Et le titre du jeu auquel elle renvoie y est indiqué. A propos de la console PC Engine : - En 1987, l'entreprise Nec/Hudson Soft propose, au Japon, sa propre console de jeux vidéo pour concurrencer Nintendo et SEGA : la PC Engine. - La console s'est vendue à plus de 10 millions d'unités dans le monde (pour 40 % au Japon). Cette console se distinguait par un design volontairement futuriste et des jeux présentés sous la forme de petites cartes, au format carte de crédit, nommées HuCards. - Elle a eu une véritable influence sur l'évolution du jeu vidéo, en introduisant plusieurs innovations historiques, comme le tout premier lecteur CD-Rom grand public et ludique de l'histoire ou encore une rétrocompatibilité avec une version portable. - En juin 2020 Konami lança la PC Engine Core Grafx mini, une version compacte de la console intégrant 57 jeux (dont R-Type, Bomberman '93, Super Star Soldier et Snatcher, créé par Hideo Kojima...) et une sortie HDMI adpatée aux téléviseurs d'aujourd'hui.

Bien qu'il y ait eu des monographies sur les artistes voyageurs britanniques du XVIIIème et du début du XIXème siècles, il n'existe aucune enquête de ce que l'écrivain Henry Blackburn décrivait de "voyage artistique" un siècle plus tard. A partir de 1900, le "Grand Touriste" est devenu un globe-trotteur muni d'un appareil photo et, malgré le développement de la photographie instantanée, l'enregistrement visuel immédiat en huile et aquarelle reste le plus répandu. Kenneth McConkey's exciting new book explores the complex reasons for this in a series of chapters that take the reader from southern Europe to north Africa, the Middle East, India and Japan revealing many artist-travellers whose lives and works are scarcely remembered today. He alerts us to a generation of painters, trained in academies and artists' colonies in Europe that acted as crèches for those would go on to explore life and landscape further afi eld. The seeds of wanderlust were sown in student years in places where tuition was conducted in French or German, and models were often Spanish, Italian, or North African. At fi rst the countries of western Europe were explored afresh and cities like Tangier became artists' haunts. Training that prioritized plein air naturalism led to the common belief that a well-schooled young painter should be capable of working anywhere, and in any circumstances. At the height of British Imperial power, and facilitated by engineering and technological advance, the burgeoning tourism and travel industry rippled into the production of specialist goods and services that included a dedicated publishing sector. Essential to this phenomenon, the artist-traveller was often commissioned by London dealers to supply themed exhibitions that coincided with contracts for colour-illustrated books recording those exotic parts of the world that were newly available to the tourist, traveller, explorer, emigrant, or colonial civil servant. These works were not, however, value-neutral, and in some instances, they directly address Orientalism, Imperialism, and the Post-Colonial, in pictures that hybridize, or mimic indigenous ways of life. Behind each there is a range of interesting questions. Does experience live up to expectation ? Is the street more desirable than the ancient ruin or sacred site ? How were older ideas of the 'picturesque' reborn in an age when 'Grand Tours' once confi ned to Italy, now encompassed the globe ? McConkey's wideranging survey hopes to address some of these issues. This richly illustrated book explores key sites visited by artist-travellers and investigates artists including Frank Brangwyn, Mary Cameron, Alfred East, John Lavery, Arthur Melville, Mortimer Menpes, as well as other under-researched British artists. Drawing the strands together, it redefi nes the picturesque, by considering issues of visualization and verisimilitude, dissemination and aesthetic value.

Des nouvelles faites de secrets et de grains de sables qui s'immiscent dans les rouages... Deux auteurs vous entraînent dans leur univers où la noirceur prévaut. Chaque nouvelle évoque le dernier instant qui vous fait basculer dans la folie. ou dans la mort. Dans cette existence ou dans une autre, dans un train ou un avion, dans un couple ou seul, la ligne de vie apparaît fragile et il suffit d'un rien pour que tout bascule vers le néant. Depuis 2017, Christian Guillerme et Nelly Topscher ont participé à de nombreux concours de nouvelles, avant d'être édités. Ils vous offrent aujourd'hui un éventail de leurs courts écrits. Plongez dans leur univers sombre, oppressant et angoissant. Laissez-vous entrainer par les deux auteurs dans ce recueil de nouvelles haletantes ! À PROPOS DES AUTEURSNelly Topscher : Âgée de 44 ans, j'ai trois passions dans la vie. L'écriture, la lecture et le droit. Après une longue pause pour construire ma vie professionnelle et privée, j'ai eu envie de reprendre l'écriture en participant à des concours de nouvelles. Et l'addiction qu'est l'écriture est revenue et cette fois ne me quittera plus !J'ai ressorti mes très nombreuses notes et mes vieux manuscrits de mes tiroirs avec l'envie de véritablement leur donner vie. Retour vers l'amour est donc mon premier roman publié. Il a vu le jour lors d'un stage en commissariat dans le cadre de mes études de droit. Les anecdotes policières ont été lues, vues ou entendues lors de ces semaines d'immersion dans ce milieu. Mêlant mon imagination fertile à la réalité d'une jolie histoire vécue également lors de ce stage, « Retour vers L'amour » est une romance qui me ressemble. Christian Guillerme : Bio Né en 1963 à Clichy-la-Garenne en région parisienne, Christian Guillerme, ancien musicien de studio et bassiste dans des groupes de rock, vit actuellement en Seine-et-Marne. Informaticien de formation, il exerce aujourd'hui la profession de concepteur fonctionnel au sein d'une grande entreprise du tertiaire sur le quartier d'affaires de La Défense. Il est l'auteur de nombreuses nouvelles à l'ambiance noire et inquiétante sur la plateforme Short Edition, et a participé également à plusieurs recueils (Tous pour Boilt, Le refuge.)La corde de Mi, son premier roman, visuel et haletant, s'inscrit d'emblée dans la grande tradition des thrillers qui mettent en scène des personnages ordinaires confrontés soudainement à quelque chose de terrifiant. Son personnage principal, véritable condensé du mal, vous hantera longtemps après le mot FIN. Vous pouvez le contacter via sa page Facebook : CG auteur.