French Comics Framed

Sujet éternel et matière doublement historique et graphique, la Deuxième Guerre mondiale possède des liens indéniables avec la bande dessinée, forgés dans l'Europe émergente de l'année charnière 1945. Dessinateurs résistants, illustrateurs de presse, vétérans des différentes zones d'engagements ou témoins du siècle, tous, de Calvo à Pratt en passant par Spiegelman ou Nakazawa, auront sensiblement exprimé leur point de vue humaniste et engagé sur ce conflit universel, au-delà de leur nationalité respective. A l'aube de 2015, date commémorative des 70 ans de la fin des hostilités, les combats et héros du second conflit mondial se seront retrouvés au coeur de plusieurs remarquables albums et séries franco-belges. Le lecteur aura ainsi revécu la bataille des Ardennes dans Airborne 44 ou la collaboration économique dans II était une fois en France. il aura pu suivre un soldat américain ordinaire avec La Guerre d'Alan et comprendre la montée du nazisme dans Amours fragiles. Sur le même mode, comics et mangas auront notamment emmené leurs lecteurs aux côtés des exploits de Captain America ou de l'ultime sacrifice des pilotes kamikazes. De manière essentielle, en ce début de XXIe siècle, la bande dessinée aura su rouvrir le débat autour de sujets longtemps tabous comme l'extermination des Juifs d'Europe, la collaboration ou l'horreur atomique. En livrant des récits plus subtils et plus décomplexés, scénaristes et dessinateurs contemporains ont livré une somme véritablement pédagogique au profit de l'indispensable devoir de mémoire : ils nous livrent ici, en un vaste dossier d'analyse complété d'entretiens inédits, les clés de leurs oeuvres respectives, entre récits historiques, autofictions et aventures romanesques ou parodiques.

Sélection officielle du FIBD 2021 Eisner Award 2020 de la meilleure nouvelle série Eisner Award 2020 du meilleur artiste numérique Lorsque le sentier est une impasse, il ne reste que la révolution. A peine remis des périls la Couronne de Broque, Grix, Vess et tout l'équipage du Sundog sont contraints de suivre une mystérieuse faction de non-uns : les Soeurs de la Résurrection. Ensemble, ils atteignent l'endroit le plus reculé et le plus mortel du cosmos : le Point de Non-Retour. La fuite est désormais impossible, et tandis que la révolte gronde, Vess est confrontée à une révélation choquante. Les soeurs de la Résurrection ont un objectif indicible, et elles ont besoin d'elle pour le mener à bien, quitte à écarter Grix. Mais à qui faire confiance ? Vess choisira-t-elle le sentier de la destruction... ou celui de l'amour ? Grix tentera-t-elle l'impossible ? Découvrez le final grandiose et explosif de la série SF acclamée par la critique ! Troisième et dernier tome de la série portée parG. Willow Wilson (créatrice de Ms. Marvel) et Christian Ward (Black Bolt, Machine Gun Wizards...). " Un petit bijou de SF aux images et aux couleurs époustouflantes. " Planète BD " Un duo à l'alchimie évidente, se complétant harmonieusement dans une histoire profondément humaine. " LesComics. fr "De la SF grandiose, tout simplement". ComicsBlog " Un Star Wars pop-art, intelligent et féministe. " Publishers Weekly " Un space opera dynamique et riche de sens. " Syfy Wire " Invisible Kingdom est un récit de science-fiction surprenant, troublant, qui propose une approche politique de difficultés contemporaines, sous le vernis d'un cosmos étrange et crédible. Une oeuvre passionnante. " Top Comics

Paris est en ruines. De la capitale mondiale des Arts et de la Sorcellerie, il ne reste désormais plus rien. Il a suffi d'une nuit pour qu'une déflagration d'origine inconnue balaie non seulement les immeubles haussmanniens, les statues centenaires et les bâtiments historiques, mais également la connexion liant les sorciers à la magie. C'était il y a quelques mois. Depuis, la vie reprend lentement son cours au milieu des décombres, des sortilèges défectueux et des avis de recherche placardés par centaines. Autrefois intouchables, les sorciers sont désormais la cible de toutes les persécutions. Accusés par l'opinion publique d'être à l'origine de la catastrophe, pourchassés par le gouvernement, ceux qui n'ont pas encore fui le pays sont contraints à la clandestinité. C'est dans ce climat tendu et incertain que le destin de Manon, jeune policière d'une vingtaine d'années, va croiser celui d'Adam, ancien sorcier au passé trouble. Alors que tout les oppose, ce duo dysfonctionnel va devoir unir ses forces pour retrouver une petite fille égarée dans les rues dévastées de Paris, à la recherche de ses souvenirs. Une petite fille poursuivie par deux assassins immortels. Une petite fille dont les pouvoirs semblent avoir été épargnés par la catastrophe, et qui pourrait bien détenir les réponses à toutes leurs questions. Mathieu Salvia et Djet, les auteurs du diptyque Croquemitaines, arrivent en force chez Dupuis avec un récit dystopique épique, sans temps mort et dans une mise en scène qui convoque le dynamisme du comics, l'énergie du manga et la narration de la bande dessinée.

Tetsuo, un garçon d'une grande timidité a pour seul ami Yukio, un robot géant. Ensemble, ils affrontent dans l'espace des monstres galactiques qui menacent l'humanité... Dix ans après la bataille finale, Tetsuo revient seul sur Terre et découvre avec stupeur un paysage dévasté. Durant son absence, la planète est entrée dans une nouvelle ère glaciaire : ce n'est plus qu'une immense boule de neige ! Des humains ont-ils survécu ? Comment s'est conclue la guerre contre les créatures géantes ? Et tetsuo réussira-t-il à tenir la promesse qu'il a faite à Yukio ? Avec ce starter pack, découvrez le début de cette aventure grandiose où robots et humains s'allient pour faire face à cette menace glaciale. Quand un artiste aussi réputé que Hideaki Anno (Neon Genesis Evangelion) recommande une oeuvre récente, l'amateur de science-fiction averti en prend généralement bonne note, d'autant quand cette même oeuvre est aussi saluée par Hideo Kojima (Metal Gear Solid) et ONE (One Punch Man, Mob Psycho 100). Il serait bien difficile de leur donner tort quand on voit avec quelle aisance son jeune auteur Yuhiro Tsujitsugu s'approprie les codes de la SF post-apocalyptique. Il nous offre une oeuvre pleine d'originalité, riche en action et en combats spectaculaires. La première version de Snowball Earth, un récit court publié dans le mensuel Big Comics Spirit a été à ce point plébiscitée par le lectorat, pourtant réputé exigeant du magazine, que l'éditeur Shôgakukan a offert une prépublication régulière à son auteur pour qu'il en fasse une série toujours en cours au Japon.

L'audacieuse et secrète Stéphanie St. Clair, dite Queenie, règne sur Harlem grâce à la loterie clandestine dont elle est la tête pensante. Une loterie qui offre l'espoir d'une vie meilleure à la communauté de ce quartier pauvre, mis au ban de la société. Femme et noire, Queenie fait grincer des dents la police mais aussi Dutch Schultz "le hollandais" . Ce mafieux blanc met tout en oeuvre pour s'emparer du business florissant de la reine de Harlem. Il n'hésite pas à abattre les sbires de sa rivale et sème la terreur. Mais il en faut plus pour la déstabiliser. La "Frenchy" élabore sa contre-attaque en suivant son instinct, comme elle l'a toujours fait depuis qu'elle a brisé les chaînes de son asservissement, là-bas, dans les champs de canne à sucre antillais. Sa tribune hebdomadaire dans le Amsterdam News, dans laquelle elle dénonce les exactions des autorités, commence à agacer. Ou à faire peur ? Car comme la femme d'affaires le dit elle-même : "... voyez-vous, le plus grand atout d'une femme, est d'être qui elle est, parce que personne ne pense qu'elle en aura assez dans la culotte pour arriver à ses fins. Cela la rend imprévisible, incontrôlable... et dans le fond, vous effraie". Il semblerait que le passé de Stéphanie St. Clair soit encore plus sombre qu'on ne l'imaginait...

Si la lecture apparaît comme une valeur refuge dans l'éducation des enfants, les livres qui leur sont destinés ne font pas toujours l'unanimité. Les discours actuels, de plus en plus impérieux, le confirment, et le débat reste ouvert : où s'arrête la liberté d'expression en regard des impératifs liés à la protection de l'enfance, où commence la censure ? La censure appliquée au livre pour enfants En préambule, Jean-Yves Mollier rappelle qu'au XIXe siècle, au moment même où se constitue une littérature pour la jeunesse, l'Enfant représente, de la même manière que la Femme ou le Peuple, une catégorie sous surveillance, perméable par nature à l'influence néfaste des mauvaises lectures. L'abbé Bethléem (dont les archives sont conservées à la bibliothèque de l'Arsenal) joue un rôle considérable dans la campagne menée dans la première moitié du XXe siècle contre les journaux licencieux et les illustrés pour la jeunesse (Anne Urbain). Ce sont en effet ces illustrés, français (L'Epatant) puis américains (Le Journal de Mickey), qui concentrent dans un premier temps les attaques des censeurs, dont les arguments d'ordre moral ou esthétique constituent paradoxalement l'un des premiers discours critiques sur la bande dessinée (Sylvain Lesage). La même accusation de propager, par l'exemple, la criminalité juvénile se retrouve dans les discours à l'encontre du cinéma (Roxane Haméry). En France s'est mise en place, en juillet 1949, une législation qui encadre les publications à destination de l'enfance et de l'adolescence, qui " ne doivent comporter aucune illustration, aucun récit [... ] présentant sous un jour favorable le banditisme, le mensonge, le vol, la paresse, la lâcheté, la haine ou tous actes qualifiés crimes ou délits ou de nature à démoraliser l'enfance ou la jeunesse ". Dans le même temps, aux Etats-Unis, est apparue, selon des modalités un peu différentes, la Comics code authority qui régira pendant des décennies la publication des comics américains (Jean-Paul Gabilliet). Le tournant de mai 1968 Mai 1968 bouleverse le paysage bien ordonné de l'édition pour la jeunesse, en initiant un mouvement de libération de l'enfance opprimée par la famille, l'école, et le monde des adultes en général, dont le Petit livre rouge des écoliers et des lycéens, traduit et publié en France par François Maspero en 1971, est emblématique (Sophie Heywood). La plongée de Bernard Joubert dans les archives de la Commission de surveillance des publications pour l'enfance et l'adolescence, instaurée par la loi de juillet 1949, est riche d'enseignements sur la manière dont celle-ci examine au fil du temps les publications pour la jeunesse. Au-delà de la loi et de son application, de moins en moins restrictive, les pressions exercées sur le livre pour enfants restent multiples, qu'elles viennent des responsables politiques ou des parents, et s'expriment tout particulièrement dans les bibliothèques publiques (Véronique Soulé). La parole est aussi donnée aux acteurs de cette histoire contemporaine, à un éditeur (Thierry Magnier) et à des créatrices (Agnès Rosenstiehl et Katy Couprie). Laissez-les lire ! Du XIXe siècle à aujourd'hui, les discours à l'encontre des mauvaises lectures sont révélateurs des angoisses du temps, et des permanences des interdits liés prioritairement à la violence et à la sexualité, dont le livre pour enfants, territoire doublement sanctifié, devrait être protégé à tout prix. " Ne craignons pas trop vite de traumatiser les enfants. Le danger est bien plus grand dans ce qui est mièvre et ennuyeux que dans ce qui est trop fort dans sa vérité " disait pourtant Geneviève Patte dans Laissez-les lire ! en 1978... Rubriques : " Autour d'une oeuvre " mène l'enquête à propos d'un mystérieux jeu de tarot vénitien ; La " Découverte " se penche sur le ballet que Roland Petit (1976) consacre à Nana ; La rubrique " Portrait " autour de Judith Gautier ; La rubrique " Innovation " consacrée au livre augmenté ; Le récit de Nathalie Kuperman en " Résidence " à la BnF

Temps présent et adversité sont les angles immuables des histoires d'Adrian Tomine, qui laissent le sentiment que rien ne changera jamais. Depuis ses débuts, cet Américain d'origine japonaise décline dans sa série Optic Nerve des parenthèses de vie contemporaine, traversées par des hommes et des femmes harassés par leur quotidien. La manière soudaine et presque arbitraire dont s'ouvrent et s'interrompent ces chroniques laisse le plus souvent abasourdi, et concourt à identifier son style si particulier. Car si Tomine décrit des personnages dont la vie se sclérose peu à peu autour d'un quotidien banal, il ne cesse de réinventer son style, faisant évoluer sa grammaire à l'aide d'expériences formelles, comme pour conjurer par l'art un destin qu'il semble redouter pour lui-même. Ce nouveau recueil confirme ainsi son intérêt récent pour la couleur, accompagnant une forme de nostalgie pour la bande dessinée classique et un goût pour les constructions graphiques. Le lecteur passe ainsi d'un récit introspectif à la première personne, illustré par des cartes postales dépeuplées, à un gaufrier extrêmement dense de cinq bandes dans lequel la répétition devient rythmique. Avec l'âge, le cynisme des débuts a cédé la place à une forme d'empathie empreinte d'ironie. Adrian Tomine rejoint ici son influence majeure, Yoshihiro Tatsumi, ce maître de la bande dessinée japonaise qui lui a permis de conjuguer ses deux cultures, le Japon et L'Amérique, le Gekiga et le Comics underground, pour se forger un langage à son image. Un langage qui, loin des effets faciles, déploit les moyens de la bande dessinée pour se consacrer à la peinture la plus juste possible de la condition humaine moderne.

Ils sont de retour ! Le duo infernal James et la Tête X, déjà responsables d'un odieux Les mauvaises humeurs de James et la Tête X qui brocardait en son temps -et c'était il y a peu- avec une nonchalance de dandy toutes les saintes institutions de la bande dessinée, les voilà qui nous reviennent donc, le regard torve et la glotte chatouilleuse, avec une forme de marathonien s'apprêtant à gravir le Baxter building pour le plus grand désespoir de la profession. En effet, mettant en scène les aventures d'un candide candidat à la profession d'auteur de bande dessinée, dûment accompagné de son fidèle guide spirituel et moral, les deux tristes sires en remettent une couche, et des plus vitriolées, sur les aléas de l'ascension aux sommets du neuvième art. Smilin' Joe, l'heureux prétendant et Captain Bulb, le scrupuleux témoin, vivront ainsi les étapes successives d'une comédie très réelle, peuplée de séances de dédicaces, d'interviews, de nouveaux médias et de produits dérivés, oscillant sans cesse entre le statut de rat de laboratoire et celui de pigeon, ce qui finalement n'est pas dépaysant pour de la bande dessinée animalière (ou presque). En partie pré-publié dans la revue Jade, les aventures de Smilin' Joe et Captain Bulb réutilisent opportunément les ingrédients ayant fait le succès des Mauvaises Humeurs : la forme et le contenu d'un bon vieux comics, de la page de jeux au courrier des lecteurs en passant par la trading-card. Tout n'est que faux et apparences, ricanements de hauts de pages et couvertures flashies car qui aime bien châtie dans les détails et les détails, justement, sont dans les petites lignes en bas des contrats de ce vibrant hommage aux trésors cachés de la bande dessinée. Comment y résister ?

Who You Gonna Call ? Avec trois longs-métrages et deux dessins animés, mais aussi des comics, des jeux vidéo, des jouets et objets de collection, la saga Ghostbusters s'est imposée comme un phénomène de la culture pop pendant plus de trois décennies. Ce sont tous les secrets et les coulisses de cet incroyable univers que cet ouvrage de collection révèle ici pour la première fois. Plongez comme jamais au coeur de la création des films, et surtout du premier, devenu un véritable classique, avec de nombreux trésors inédits puisés directement dans les archives de Columbia : dessins préparatoires, photographies de plateau... Ce recueil officiel contient aussi plusieurs entretiens exclusifs avec tous ceux qui ont contribué à cette aventure artistique, comme le réalisateur Ivan Reitman, les acteurs Dan Aykroyd, Ernie Hudson et Sigourney Weaver ainsi que les producteurs Michael C. Gross et Joe Medjuck. Ce livre explore également la création des dessins animés The Real Ghostbusters et Extreme Ghostbusters, avec des interviews des scénaristes, des animateurs et des doubleurs, ainsi que des croquis jusqu'alors jamais publiés, des celluloïds d'animation et bien d'autres visuels exceptionnels. Avec des chapitres supplémentaires sur les produits dérivés les plus marquants ainsi que sur la communauté des fans, voici le guide ultime sur l'une des franchises les plus populaires de tous les temps. Avec des fac-similés détachables indispensables à tous les amateurs de Ghostbusters : La carte de visite de Peter Venkman ; Un livret contenant le storyboard de la scène culte de Slimer à l'hôtel Sedgewick ; De rares designs des gadgets et accessoires ; Un autocollant du Bibendum Chamallow ; Un schéma de construction du temple de Gozer miniature ; Et bien d'autre encore !

Un périple haletant au pays des merveilles hivernales. Nous sommes au coeur de l'hiver. Alva, une orpheline, vit en marge de la société. Elle survit dans les faubourgs ternes d'une ville scandinave en tant que cambrioleuse, grâce à ses talents exceptionnels pour grimper le long des édifices. Durant un casse avec ses deux associés, Morten et Mini, dans un immeuble où ils dérobent des pièces d'or dans l'appartement d'un vieil homme, elle libère par mégarde, Sidsel, une sorcière de 2m10 qui possède la faculté de cracher des pépites d'or. L'affaire finit mal. Sidsel tue brutalement Morten et le vieil homme, alors que Mini s'échappe de justesse. Alva grimpe sur le toit où Sidsel l'attend. La sorcière ne tue pas la jeune fille, car elle reconnaît quelque chose en elle : une parenté ancestrale qui lie la sorcière à une tribu, le Peuple des Nuages. Mais épargner la vie d'Alva a un prix. Un prix qu'elle devra payer à l'avenir. Alva retrouve Mini avant de partir vers le Nord en quête de réponses sur ses origines. A leurs trousses, les Artisans, un groupe de mercenaires à la solde de Falk, le cruel propriétaire d'une entreprise pharmaceutique sur le déclin, prêt à tout pour exploiter les pouvoirs d'une magie ancestrale. Aksel Studsgarth et Daniel Hansen, deux auteurs scandinaves issus du comics, du cinéma et du jeu vidéo, nous proposent un thriller fantastique teinté de mythologie nordique de plus de 200 pages qui nous emporte dans une aventure bourrée de péripéties et d'invention au coeur de contrées enneigées où se mêlent magie ancestrale et soif de l'or. Un récit aussi captivant qu'original avec des protagonistes attachants. Une pure pépite à ne pas manquer !

Peu de livres ont une aussi grande puissance de vision que Voyage au bout de la nuit. Vision intense : celle de la révélation de la misère, de la guerre, de la maladie sans fin, de la mort. La phrase se concentre, repère tout, ne pardonne rien. Vision itinérante et prodigieusement variée ensuite : on part de la place de Clichy, on se retrouve dans divers massacres à cheval, puis dans une Afrique écrasante, puis noyé à New York, à Détroit, puis de nouveau dans la banlieue de Paris (la banlieue de Céline, cercle minutieux de l'enfer !), puis dans les environs de Toulouse, et enfin dans un asile psychiatrique pas comme les autres. La mort au épart et à l'arrivée. La symphonie agitée de la nuit infinie pour rien. Le héros métaphysique de Céline est ce petit homme toujours en route, entre Chaplin et Kafka, mais plus coriace qu'eux, vous le redécouvrez ici, perplexe, rusé, perdu, ahuri, agressé de partout, bien réveillé quand même, vérifiant sans cesse l'absurdité, la bêtise, la méchanceté universelles dans un monde de cauchemar terrible et drôle. Céline lui-même a comparé son style aux bandes dessinées, aux " comics ". C'était pour dire qu'il allait toujours au vif du sujet, au nerf de la moindre aventure. Ce Tardi-Céline l'aurait ravi. L'œil traverse le récit comme une plume hallucinée, on voit le déplacement sans espoir mais plus fort, dans son rythme de mots et d'images, que tout désespoir. Il faut relire Céline en le voyant. Tardi lui rouvre l'espace. Le grouillement et la simplicité des épisodes et du jugement qu'il porte se redéploient. Céline a dit la vérité du siècle : ce qui est là est là, irréfutable, débile, monstrueux, rarement dansant ou vivable. Le Voyage recommence. Les éclairs dans la nuit aussi.

" Peu de livres ont une aussi grande puissance de vision que Voyage au bout de la nuit. Vision intense : celle de la révélation de la misère, de la guerre, de la maladie sans fin, de la mort. La phrase se concentre, repère tout, ne pardonne rien. Vision itinérante et prodigieusement variée ensuite : on part de la place Clichy, on se retrouve dans divers massacres à cheval, puis dans une Afrique écrasante, puis noyé à New York, à Détroit, puis de nouveau dans la banlieue de Paris (la banlieue de Céline, cercle minutieux de l'enfer !), puis dans les environs de Toulouse, et enfin dans un asile psychiatrique pas comme les autres. La mort au départ et à l'arrivée. La symphonie agitée de la nuit infinie pour rien. Le héros métaphysique de Céline est ce petit homme toujours en route, entre Chaplin et Kafka mais plus coriace qu'eux, vous le redécouvrez ici, perplexe, rusé, perdu, ahuri, agressé de partout, bien réveillé quand même, vérifiant sans cesse l'absurdité, la bêtise, la méchanceté universelles dans un monde de cauchemar terrible et drôle. Céline lui-même a comparé son style aux bandes dessinées, aux " comics ". C'était pour dire qu'il allait toujours au vif du sujet, au nerf de la moindre aventure. Ce Tardi-Céline l'aurait ravi. L'œil traverse le récit comme une plume hallucinée, on voit le déplacement sans espoir mais plus fort, dans son rythme de mots et d'images, que tout désespoir. Il faut relire Céline en le voyant. Tardi lui rouvre l'espace. Le grouillement et la simplicité des épisodes et du jugement qu'il porte se redéploient. Céline a dit la vérité du siècle : ci qui est là est là, irréfutable, débile, monstrueux, rarement dansant ou vivable. Le Voyage recommence. Les éclairs dans la nuit aussi. ", Philippe Sollers.

Voici enfin rassemblée en un seul volume, l'intégralité des histoires de Richard CORBEN publiées dans les magazines cultes CREEPY & EERIE et publiées à l'origine entre 1970 et 1978. Suite à la disparition récente de l'auteur en décembre 2020 et en hommage à son talent hors norme, cette nouvelle édition souhaite remettre un coup de projecteur sur une période fondatrice de son oeuvre et la proposer dans les meilleures conditions d'édition aux lecteurs. En effet, avec près de 400 pages, cette édition anniversaire, limitée et numérotée à 2500 ex, avec dos toilé et sérigraphié, est proposée dans le cadre des 10 ans de DELIRIUM. Elle offrira aux amateurs des travaux du maître de très nombreuses histoires restaurées à partir des originaux, dont l'accès a été rendu possible suite à la consécration de l'auteur, GRAND PRIX d'ANGOULEME en 2018, et à l'exposition qui lui a été consacrée en 2019. Cette édition est également enrichie de nombreux bonus ainsi que des histoires et couvertures additionnelles, réalisées par l'auteur lors du nouveau lancement du magazine CREEPY par Dark Horse Comics en 2012. En huit années au sein de l'écurie WARREN, de 1970 à 1978, Richard CORBEN a illustré plus de quarante histoires, en grande majorité publiées dans les magazines EERIE et CREEPY, les titres phares de l'éditeur. Souvent considéré comme un artiste underground issu des fanzines, CORBEN avait dès le départ souhaité travailler pour Warren. Lorsqu'il fut enfin adoubé par le fondateur des légendaires magazines d'horreur, il se distingua très vite de ses pairs par son son style radical et unique. Sa carrière artistique lancée, Richard CORBEN allait devenir un maître incontesté du neuvième art et de l'illustration fantastique, influence majeure de nombreux artistes jusqu'à ce jour.

Créateur de Nous Deux, Télé Poche, producteur de Touchez pas au grisbi et de E--lruentura, éditeur des Rois maudits, Cino del Duca (1899-1967) a construit un empire médiatique populaire. Au moment de son décès, en 1967, il pilotait le quatrième groupe de presse français. Mais comment ce vendeur de comics est-il devenu un magnat de la presse ? Son destin est autant atypique qu'exemplaire. Il traverse les deux guerres mondiales, il milite au Parti communiste, il subit la répression de la dictature fasciste et participe pleinement à la reconstruction des Trente Glorieuses. Au niveau personnel, l'ambition le porte. Plutôt intuitif qu'intellectuel, il est animé par une terrible volonté de réussite. A ses débuts en Italie, il ne choisit pas le secteur le plus facile, la presse de jeunesse, mais elle se trouve être rapidement un domaine lucratif. Autant pour élargir ses activités éditoriales que pour échapper à la police fasciste, il émigre en France en 1952. Son premier magazine pour enfants Hurrah ! s'inscrit parmi les illustrés de l'âge d'or. Après-guerre il se lance sur le créneau de la presse féminine sentimentale. Les années 50 marquent son apogée. Mais à la même période, toute l'intelligentsia souhaite censurer la presse sentimentale et la bande dessinée, cette culture de masse est considérée comme un opium du peuple. Del Duca engage alors son entreprise dans une nouvelle stratégie pour défendre ces lectures de distraction. Personnage oublié de l'histoire, il demeure un cas exceptionnel en France car il est un des premiers entrepreneurs culturels à développer une infrastructure verticale de cette ampleur. Cette biographie retrace un destin original et elle montre selon quels processus un personnage de bande dessinée devient un héros planétaire.

Un polar glauque et déjanté dans lequel rôdent les ombres de Tarantino et des frères Coen. Neil est un flic triste. Sa femme le trompe. Sa fille traîne avec de mauvaises fréquentations, comme on dit dans les bonnes familles. Quant à lui, il traîne une déprime et une boulimie maladive liées à une série d'homicides non résolus dans une ancienne ville, une ancienne vie. Mais alors que Neil pense se refaire une santé dans une jolie petite bourgade de province, une bizarre enquête sur un meurtre sans corps le replonge dans une affaire au parfum nauséabond de déjà vu. Les évènements inexpliqués se succèdent, et c'est toute la famille qui replonge dans ses addictions. Pour lui la boulimie, pour sa femme les amants et pour sa fille la drogue et les mecs louches. Bref, Neil sent que ça dérape à nouveau. Mais cette fois-ci, il a l'impression qu'il ne s'en sortira pas. Une seule chose est sûre, soit il bouffe, soit c'est cette vie qui finira par le dévorer... Détraqués, crétins, arrivistes, paumés ou dépressifs s'entrecroisent au sein de cette histoire riche en courses poursuites, imbroglios mortels et dialogues virtuoses. Un beau catalogue de losers et de déjantés magnifiquement mis en image par le dessin très "pulp" de Rica, jeune dessinateur nourri aux comics yankee qui signe ici son premier album. Une ambiance de série B pleinement revendiquée par Ozanam - scénariste ayant déjà publié chez Vents d'Ouest, La Caravelle, Delcourt et récemment auteur d'un superbe Le Chant des sabreschez KSTR -, qui propose avec E dans l'eauune intrigue fragmentée à la manière du Pulp fictionde Quentin Tarantino, en racontant son histoire de quatre points de vue différents, quatre versions qui se complèteront pour emmener finalement le lecteur vers un dénouement surprenant.

Raconter en images, c'est développer un scenario, mais pas seulement. Tout ce qui constitue l'ambiance et la couleur d'un film (personnages, cadrages, décor, lumière), tout ce qui est traité non plus par le scénariste mais par ce réalisateur, peut se retrouver dans une oeuvre de littérature dessinée comme relevant d'autant de techniques qui se confondent en une seule : l'art d'écrire en texte et en image. Sept études historiques et critiques décortiquent les relations étroites, teintées d'amour et/ou de haine, entre le cinéma et la bande dessinée. Très tôt, le premier a su s'émanciper de sa technicité pour rallier des auteurs et des diversités d'approches, alors que la deuxième, parfois cantonnée à des adaptations de films à succès, a pu s'apparenter à un produit dérivé. A partir des années 1960, une nouvelle littérature dessinée revendique un statut d'ceuvre d'art à part entière ; mutation que la richesse, la compréhension et l'influence du cinéma ont contribué à opérer. Aujourd'hui, elle s'autorise des formes longues dont on n'aurait jamais pu imaginer la publication auparavant et dont le temps de lecture, étiré par rapport aux albums classiques, semble étrangement calé sur celui d'un long métrage. Alors que les frontières entre images fixes et images cinématographiques se brouillent de plus en plus, se jouant des définitions, excédant les relations convenues, cet ouvrage richement illustré propose un parcours entre cinéma et bande dessinée, dans les arcanes de la séquence. du découpage, du scénario... là où les genres s'acoquinent. On y croise Winsor McCay, Edmond Baudoin, Jean-Claude Forest, Paul Grimault, Michel Ocelot. Alain Resnais. Stanley Kubrick, René Laloux, Claire Sichez et Marine Rivoal. Watt Disney... On y disserte aussi de western, d'adaptation, de temporalité, de censure, de héros, de comics, d'expérience psychédélique ou de cinéma d'animation...

Depuis des siècles, l’image est mise à contribution pour représenter et commémorer les désastres collectifs. L’art séquentiel s’y dédie surtout à partir des années 1980. Aujourd’hui, au bout d’une évolution qui s’est faite parallèlement au développement des genres de l’enquête et du reportage, une multitude de bandes dessinées, de comics et de mangas mettent au centre du récit les catastrophes naturelles et historiques, les conflits armés et les génocides.

Ce volume est consacré à l’illustration et à l’analyse de ce phénomène : de la destruction de Pompéi par l’éruption du Vésuve à la double catastrophe du tremblement de terre du Kyushu et de l’accident de Fukushima, sont analysés les enjeux de ce tournant de l’art graphique. Les catastrophes imaginaires ont aussi droit de cité, pour leur capacité à déplacer et à interroger notre relation aux catastrophes, par l’allégorie, la réflexivité, la fantaisie et même, non sans risques, le comique. 

Les désastres collectifs : représentation et commémoration L'objet de ce livre est la représentation des catastrophes dans l'art séquentiel (bandes dessinées, mangas, romans graphiques) et son objectif d'analyser l'évolution récente de cet art, ainsi que les moyens qu'il met en oeuvre pour transmettre la mémoire des cataclysmes de grande ampleur. Le lectorat ciblé est celui de tous les amateurs de bandes dessinées. Le développement à l'Université de cursus dédiés au neuvième art constitue aussi un public d'étudiants et de professeurs susceptibles d'être intéressés par cet ouvrage. Il s'agit du premier ouvrage consacré à ce sujet. La place importante que prend la bande dessinée documentaire sur le marché du livre favorise sans aucun doute la diffusion de cet ouvrage.

Célébrons les 80 ans des comics Marvel décennie par décennie. Découvrez les grandes révolutions des années 80. Une nouvelle génération de créateurs apporte des intrigues novatrices. Un nouveau visage se cache sous le masque d'Iron Man et le bouclier de Captain America change de propriétaire. Les lecteurs font alors bien des découvertes : le costume noir de Spider-Man, la crête de Tornade, l'armure de guerre de Thor, la couleur grise de Hulk et la conversion d'Angel qui devient le cavalier d'Apocalypse aux ailes d'acier. Miss Hulk rejoint également les Quatre Fantastiques et Peter Parker et Mary Jane Watson surmontent ensemble la plus grande épreuve de leur vie : le mariage. Ce tome fonctionne comme une anthologie montrant les évolutions que connaissent les icônes Marvel durant une décennie. Dix ans durant lesquels émergent aussi de nouveaux auteurs talentueux, qui vont façonner chacun à sa manière, l'univers Marvel. Cinquième tome (sur huit) de la collection commémorative des 80 ans de Marvel. Pour les années 80, l'album se focalise sur les changements des principaux héros de la Maison des Idées. Spider-Man endosse son costume noir, Iron Man l'armure Silver Centurion, Hulk redevient gris, Steve Rogers devient le Captain, tandis que Thor arbore un look plus viking que jamais. Ce volume contient Iron Man (1968) 170, Uncanny X-Men (1981) 173, Fantastic Four (1961) 265, Amazing Spider-Man (1963) 252 et Annual 21, Incredible Hulk (1968) 324, Thor (1966) 378, Captain America (1968) 333 et X-Factor (1986) 24 - écrits par Denny O'Neil, Chris Claremont, John Bryne, Roger Stern, Tom DeFalco, Al Milgrom, Walter Simonson, Mark Gruenwald, Jim Shooter, David Michelinie et Louise Simonson, et illustrés par Luke McDonnel, Paul Smith, John Byrne, Ron Frenz, Al Milgrom, Sal Buscema, Tom Morgan, Paul Ryan et Walter Simonson.

Bienvenue à Comfort Notch, la ville où les automnes sont flamboyants et les mystères sanglants. Kat et Sybil sont de retour à Comfort Notch, espérant y trouver une nouvelle vie plus stable. Mais le passé de Kat et de sa mère tout juste décédée, autant que celui de la ville sont troubles et en revenant sur les lieux de son enfance, elle va devoir y faire face. Il semble que la ville ait une gardienne bien exigeante, Kat et Sybil seront-elles prêtes à payer le lourd tribut demandé ? La sorcière des comptines des enfants serait-elle réelle ? Et ce feuillage d'automne présage-t-il de quelque chose de plus terrible ? S'inscrivant dans la nouvelle vague des récits horrifique américains, Automnal tient autant du folk horror des films The Wicker Man et Midsommar que des écrits de Richard Matheson et Stephen King. Sous la plume du romancier Daniel Kraus, connu pour son travail avec Guillermo Del Toro (La forme de l'eau, Trollhunters), Automnal redonne du sens au terme roman graphique en portant le récit d'horreur dans les hautes sphères de l'angoisse psychologique, en offrant la part belle à des personnages crédibles. Cela accompagné par le trait gras et puissant de Chris Shehan et du génie de la couleur Jason Wordie. " Une histoire d'horreur a rendu un clown effrayant, Automnal pourrait en faire de même pour les feuilles d'automne. " New York Times " Wow ! Une écriture super effrayante et un dessin dément ! " Patton Oswalt (comédien) " C'est une création digne d'un Eisner... 10/10 " Bleeding Cool " Profondément troublant... Automnal, c'est comme tenir Halloween entre vos mains". Comics Beat " Automnal va créer des fanatiques - une série parfaite pour la saison d'automne " Screen Rant

Bob Volta est une rock-star adulée des foules mais profondément perturbée, entre autres d'avoir amassé une fortune colossale en chantant son amour des pauvres. Micky Marlaud, journaliste mélancolique le jour, musicien joyeux la nuit, coule une bohème tranquille jusqu'au jour où Bob, un ami de jeunesse, lui demande de l'accompagner dans la Yougoslavie en guerre pour une tournée de concerts de réconciliation, censés réunir Serbes, Croates et Bosniaques. Bien que pas dupe de l'absurdité du projet, sans trop savoir pourquoi, Micky Marlaud accepte, sans doute par curiosité de voir la guerre en face afin d'avoir quelque chose à raconter plus tard. Flanqués d'un étrange gourou pacifiste et d'une bande de pieds nickelés persuadés que leur musique ramènera la paix, ils s'embarquent pour un road-trip comico-tragique, dont ils ignorent tout du véritable but. Micky Marlaud nous fait traverser les Balkans ravagés par une guerre civile qui, à l'époque, a divisé en deux camps irréconciliables le monde politico-intellectuel français. Vingt-cinq ans plus tard, Micky Marlaud a le blues et constate que si la paix est revenue dans les Balkans, en France, la bataille idéologique continue à faire rage.

Considéré par les uns comme un anarchiste révolutionnaire tenant un discours inédit dans une Amérique triomphante, et par les autres comme un conservateur réactionnaire incarnant un "nouvel ordre mondial" méprisant, il occupe toujours le devant de la scène, à la fois par l'énergie de ses productions et par le caractère percutant de ses propos. Révélé au début des années 1980 grâce à sa reprise de Daredevil, la série consacrée au héros aveugle de Marvel, Frank Miller se hisse rapidement au sommet des ventes. Développant un éventail de thèmes de prédilection, allant de la fascination du Japon à la corruption des élites, il confirme son statut d'auteur important avec Ronin ou The Dark Knight Returns. En s'associant avec les meilleurs dessinateurs de l'époque, il élargit son panel et crée Daredevil : Born Again, Batman. Year One, Elektra Assassin, Hard Boiled ou Give Me Liberty. Aujourd'hui plus actif que jamais, à la fois en tant que scénariste et dessinateur, Frank Miller surprend toujours par ses propos. L'enfant gâté des comic books n'a pas fini d'explorer de nouvelles façons de raconter, ni de pousser ses héros et ses lecteurs aux limites d'eux-mêmes.

L'Artbook officiel de The Boys est une plongée fascinante dans les coulisses de la série la plus noire, choquante et drôle du moment, une satire mordante des super-héros et des Etats Unis contemporains, adaptée du comic book classique de Garth Ennis (Preacher) et Darick Robertson (Transmetropolitan). Vous y trouverez des dessins de productions exclusifs à couper le souffle, des photographies de tournage, des entretiens ave les acteurs et les équipes créatives et techniques. C'est le complément idéal de la série, et un indispensable pour les fans de cette série désormais culte ! Petar Aperlo a écrit de nombreux livres sur les coulisses de films et de jeux vidéos comme Watchmen : The Art of the Film, Watchmen : The Official Film Companion, Chappie : The Art of the Movie, Batman vs Superman : Dawn of Justice : The Art of the Film, et plus récemment Army of the Dead : The Making of the Film. The Boys : Artbook officiel est son premier livre traduit en français. Il a également réalisé l'adaptation en jeu sur console de Watchmen et Le royaume de Ga'Hoole - La légende des gardiens et co-scénarisé Enlèvement, un film d'horreur de Clay Straub.

Les superhéros, demi-dieux d'un monde sans Dieu, constituent collectivement une mythologie laïque se diffractant en sous-ensembles de mythes modernes. Ceux-ci ont infiltré de manière durable l'imaginaire collectif. Dans une entrevue de 1985, Stan Lee, co-créateur de Spiderman, de Hulk, de Thor et des Quatre Fantastiques, entre autres superhéros, observait que quiconque s'intéresse au cinéma, à la littérature, à l'opéra, à la peinture ou à tout autre art de la représentation devrait aussi porter attention aux comic books, tout aussi déterminants que les autres arts populaires dans la constitution de l'imaginaire social. A l'heure où l'histoire culturelle n'a plus à prouver sa pertinence, un tel énoncé ne parait plus paradoxal. Partant de l'affirmation d'Ernst Cassirer selon laquelle le mythe est "l'objectivation de l'expérience sociale de l'humanité", on pourra s'interroger sur la socialité de ces êtres d'irréalisme pur : comment, à quelles conditions et pourquoi est-il permis au lecteur ou au spectateur de s'identifier à un personnage dont les caractéristiques transcendent celles de l'humanité ordinaire ?

Dix trentenaires biberonnés aux comic books et aux blockbusters hollywoodiens. Dix penseurs qui considèrent que la vérité du monde se situe là où l'on aime le moins la regarder. Dix écrivains qui ont un jour décidé que penser, au XXIe siècle, impliquait désormais de raconter des histoires. Dix super-héros emblématiques. Dix méditations virtuoses. Voilà ce que vous trouverez entre les pages de Vies et morts des super-héros : dix manières de tenter de réfléchir le contemporain, à partir du coeur le plus ambigu, le plus méprisé, de la pop culture mondialisée. Superman et l'enfance. Batman et la surveillance. Hulk et la guerre. Iron Man et le capital. Dr. Strange et la pensée. Spider-Man et l'éthique. X-Men et la culture. Captain America et la nation. Et même Professor Chaos. Non, les super-héros ne sont pas qu'un produit, ni l'enfant bâtard du capitalisme des industries culturelles et des délires identitaires, raciaux ou machistes d'une nation fantasmant son histoire et sa grandeur. Ils sont bien plutôt ce à partir de quoi l'un comme les autres entrent en crise. Ils sont le moment de leur réel. Le moment où tout craque.

L'histoire est bien connue : des mutants, un rat géant, quatre frères et l'inévitable Shredder. Et s'il y avait beaucoup plus d'éléments qui font des Tortues Ninja ce qu'elles sont réellement ? Et si Leonardo, Raphael, Michelangelo et Donatello n'étaient pas les seuls à avoir goûté au stupéfiant Mutagen ? C'est ce que vous allez découvrir dans cette édition regroupant les quatre premiers tomes de la série définitive consacrée aux fils de Splinter. Transposés tout droit de leur Japon féodal à un laboratoire de New York, les voilà destinés à déjouer les menaces qui pèsent sur le monde depuis leur base légendaire dans les égouts de Manhattan. Levez le voile sur les origines des Tortues Ninja et de leurs plus féroces adversaires, dans une série qui redéfinit à tout jamais la nature profonde des héros culte des années 1980 ! "Enfin des origines claires et bourrées d'action pour mieux comprendre comment les quatre tortues les plus cools du monde sont devenues les quatre meilleurs ninjas de New York ! " Entertainment Weekly "Vous pensez adorer les Tortues ? Attendez de lire cette série et elles ne vous quitteront jamais". Comic Bastards

Née en 1948, Claudine Ross est marionnettiste depuis... toujours. Héritière sans doute de l'Opéra dei Pupi par son arrière grand-père sicilien, en effet, celui-ci, venu d'Italie, tenait déjà un petit théâtre de marionnettes dans la rue des teinturiers à Tunis. Claudine oeuvre dans toutes les disciplines de son art, de l'écriture des scènes à la fabrication des marionnettes à fils et jusqu'à la représentation. De nombreuses écoles se souviennent de ses spectacles comme de la marionnettiste qui sait aujourd'hui encore dessiner les vertiges. Claudine sait fort bien aussi manipuler à vue et montrer son savoir-faire. Elle nous souffle à l'oreille qu'il suffit d'un peu d'imagination pour que les mains fassent le reste. En 1980, elle rejoint la troupe du Bread and Puppet (USA) pour jouer la dernière pièce de Peter Schuman : "L'histoire du pain" au Festival d'Avignon. En 1982, elle crée son premier spectacle de marionnettes pour enfants et adultes. "Ne riez pas c'est Comic" sera joué 85 fois en France et à l'étranger, devant près de dix mille spectateurs.

2414. Cinquante ans se sont écoulés depuis la mission funeste du Vihaan II. L'univers a changé radicalement, partagé entre les Moissonneurs et les Adorateurs. Jason Hauer, le dernier membre survivant de l'équipage du capitaine Malik, mène une vie de prisonnier. Quand l'ambassadrice des Mondes Internes vient négocier la paix entre les deux clans, Jason se retrouve au coeur d'une machination impliquant son ancien capitaine d'une façon qui dépasse l'entendement... Tout juste auréolé du titre de meilleur lancement pour un indé HiComics, We Only Find Them When They're Dead, de Al Ewing (Immortal Hulk, Avengers...) et Simone Di Meo (Tortues Ninjas & Power Rangers), est de retour avec un deuxième tome crucial pour Malik et son équipage. " Si la chronologie du premier tome de We Only Find Them When They're Dead vous a étonné, attendez-vous à être soufflés par la façon dont commence ce second arc. " Comicbook. com " Le changement de rythme donne encore plus de profondeur et de mystère à cet univers fascinant. De la SF de haut vol superbement illustrée, à lire absolument. " Big Comic Page

Soit une épouse qui longtemps n'a été qu'une ombre furtive. Soit son candidat de mari que tous les sondages ont consacré grand favori de l'élection présidentielle. Tout semble joué d'avance. Et voilà que l'épouse effacée, née outre-Manche, donne son prénom à un scandale, le Penelopegate, qui change le cours de l'Histoire en chamboulant l'un des scrutins les plus cruciaux de ces dernières années ... Qui est vraiment Penelope Fillon ? Une coupable, une complice, une héroïne, une victime ? Ce mystère dépasse le huis clos de son couple. Il nous parle des femmes de sa génération, de leurs rapports aux hommes, ou au moins à un certain type d'hommes, de l'amour, oui de l'amour, mais aussi de la lutte pour le pouvoir, et de tout ce qu'on est prêt à lui sacrifier. Il nous parle de politique, avec un petit comme un grand P. Pour raconter comment Penelope Fillon, l'ex petite Anglaise qui n'aimait rien tant que la discrétion, est devenue l'un des personnages principaux d'un drame si typiquement français, Sylvie Bommel a mené une enquête minutieuse, en France et en Angleterre. Elle a rencontré des dizaines de témoins et exhumé des archives oubliées. Son livre écrit, sans a priori, ni à charge ni à décharge, se lit comme un thriller psychologique et répond à une énigme : pourquoi "Penny ", la Galloise, qui avait tout donné à son mari, le ténébreux frenchy de la Sarthe, l'a finalement empêché d'entrer à l'Elysée.

Vincent, le petit Frenchy venu soigner son vague à l'âme outre-Atlantique, fait la connaissance, à New York, de Clayton Mississippi, bluesman à mouvance électro dont la notoriété grimpe en flèche, et de Conny, ange blond tout droit sorti des seventies au volant de son van jaune d'oeuf, dans lequel elle vit en mouvement permanent, au gré de ses inspirations. Une solide complicité naît aussitôt entre ces trois êtres à fleur de peau qui promènent le même regard lucide mais toujours plein d'espoir sur le monde et ses turpitudes. Cependant, tandis que Vincent et Conny ébauchent leur histoire d'amour, les aléas de la vie viennent tout bousculer et séparer le trio. Commence alors pour chacun un road trip à travers les Etats-Unis autant qu'un cheminement intérieur, au cours duquel, sans le savoir, ils resteront en étroit contact les uns avec les autres grâce à un fil invisible tissé par les rencontres qui jalonneront leur parcours. Alors on se prend à espérer que ce périple parfois labyrinthique les conduise aux retrouvailles et leur permette de faire enfin résonner à l'unisson leur note bleue. Avec America Blues, Vincent Virgine semble nous convier à un voyage mélancolique, à une ballade jazzy cool rythmée par les standards du genre. Sans doute. Mais à travers les situations auxquelles sont confrontés ses personnages, tous écorchés vifs, il dépeint aussi et surtout, dans un style éblouissant, la violence d'une société impitoyable avec les plus fragiles, dans laquelle on se demande si la vie sépare vraiment toujours ceux qui s'aiment.

Un soupçon de créativité, une pincée d'optimisme, une bonne dose de talent, une mesure d'exigence et un zeste d'humilité : c'est la recette du frenchy Roland Mesnier, pâtissier durant vingt-cinq ans à la Maison-Blanche, pour élaborer des desserts dignes des présidents les plus puissants. Voici l'histoire vraie du rêve américain d'un petit Franc-Comtois, parti de rien à la conquête des Etats-Unis. Mère garde-barrière, père cheminot, famille de neuf enfants, rien ne prédestine le petit Roland à devenir le pâtissier des grands de ce monde. Pourtant, à la force du poignet, le self-made-man s'est élevé dans la hiérarchie de son art, et a travaillé dans les plus grands hôtels, du Savoy au George V de l'Allemagne aux Bermudes, pour finir dans les cuisines d'une illustre demeure... celle, successivement, de Jimmy Carter, Ronald Reagan, George Bush père, Bill Clinton et George W. Bush. Roland Mesnier détaille les chefs-d'œuvre qu'il a conçus, mais aussi le caractère, les goûts, les petites manies des présidents et des premières dames qu'il a côtoyés. Un récit truffé de souvenirs savoureux, par celui qui a vécu de l'intérieur les grandes crises du dernier quart de siècle, de la guerre du Koweït au 11 septembre en passant par l'attentat contre Ronald Reagan. Une extraordinaire success-story, écrite avec simplicité et humour par un pâtissier qui nous livre aussi, en exclusivité, les recettes préférées de ses illustres patrons.