Shakespeare

Du théâtre de Shakespeare, on retient des phrases cultes, et on ne connaît souvent que certaines grandes pièces. Or c'est un trésor inépuisable - que des lectures peuvent renouveler. Celle de Daniel Sibony le déploie ici intégralement, l'analyse pièce par pièce et révèle sa richesse percutante. Etonnant Shakespeare, qui évoque si puissamment les questions d'amour et de pouvoir qui nous hantent, et qui récuse nos visions binaires de l'humain, du genre : vrai ou faux, juste ou injuste, bon ou mauvais, homme ou femme, citoyen ou étranger. Il montre qu'entre les deux, c'est le jouable qui importe. Pour Shakespeare, "le monde entier est un théâtre" : la réalité, qu'il creuse avec des nuances infinies, ne vaut que si elle peut être jouée, de même pour nos vies. Il nous révèle toujours déjà engagés dans le jeu d'exister, face à l'infini des possibles. A travers ses personnages d'un autre temps, nous retrouvons tous les thèmes qui nous occupent aujourd'hui, épurés, symbolisés. Et de revivre à distance, transfigurées dans le comique ou le tragique, les impasses où nous nous débattons, ne serait-ce pas un moyen d'y trouver une issue ? Et si Shakespeare, poétiquement, nous aidait à trouver le chemin d'une libération ?

Nul, au temps de Shakespeare, n'a su autant que lui transmuer l'obscénité verbale en énergie dramatique, jusqu'à produire sous l'intrigue officielle de ses pièces un tout autre spectacle, fait des péripéties salaces du langage lui-même. C'est à cette production parallèle, à cet autre théâtre, le plus souvent désopilant, que nous sommes invités à assister ici. On y découvre un pan méconnu du génie créateur de Shakespeare. Car ce montreur d'hommes est aussi un pornographe hors pair, assurément le plus doué de sa génération. De sa première à sa dernière (39e ? ) pièce, il a cultivé systématiquement une double entente saturée d'obscénité, qui va bien au-delà de la trouvaille ponctuelle, dans le cadre d'une véritable stratégie dramaturgique de l'équivoque. Ce voyage d'exploration pourra éclairer les anglicistes, les traducteurs ou les gens de théâtre. Il se lit aussi comme un recueil des mille et un contes grivois qui composent, pourrait-on dire, le Décaméron de Shakespeare.

Ces portraits, d'une écriture libre et précise, peuvent être tout aussi bien une introduction qu'un approfondissement des auteurs étudiés par Challemel-Lacour. Ce sont des portraits vivants où les éléments biographiques se mélangent aux pensées de ces différents écrivains : Shakespeare, Pascal, Byron, Shelley, Leopardi et Schopenhauer.

C'est au philosophe contemporain Alain Badiou que Mylène Bouchard emprunte sa prémisse de départ : l'amour est "une construction de vérité". Suivant les notions de vide, d'événement et de fidélité, s'appliquant à répondre avec Shakespeare, Tolstoï et Kundera à la question "Qu'est-ce que l'amour ?" pour en dégager la nature "toujours que temporaire, circonstancielle", elle se demande ce qu'il faut à l'amour pour qu'il ait un sens incontestable et poétique. Dans l'idée essentielle que l'amoureux fabrique l'amour qui, au terme de la construction, constitue une grande vérité, nous retiendrons qu'aimer, c'est inclure et que si nous faisons pas l'amour, c'est l'amour qui nous fera. Quoi faire et ne pas faire ? Comment aimer, ne pas aimer, comment aimer "bien" ? Doit-on essentiellement apprendre l'amour ? Etre ou faire ? Agir ou être à la merci ? Faire ou laisser faire ? Là est la question. Par cet essai lyrique, Mylène Bouchard, accompagnée d'autres penseurs (Platon, De Beauvoir, Barthes, Taylor, Kristeva, Finkielkraut, Rivard, etc.) propose de voir plus loin, invite à affronter le monde, réclame le hasard et la confiance, réinvente le risque et l'aventure de la vie.

Cette pièce reprise au Théâtre national de Chaillot du 12 mars au 5 avril 2008, dans une mise en scène de Claude Buchvald, a été écrite par Valère Novarina en 1975 à partir des première et deuxième parties d’Henri IV de Shakespeare et en prenant comme personnage central celui de Falstaff : "non un homme, mais une barrique à figure humaine, sac de toutes les bestialités, boyau gonflé de tous les vices! [...] ce gueux suborneur abominable et bas, ce dindon empiffré de farce jusqu’au col, ce paquet boursouflé de toutes les infamies, ce vieux Satan blanchi, ce fou couvert de rides".

"La Tempête", telle qu'en elle-même : une pièce métaphysique sur l'apparence et la réalité, qui échangent leurs rôles d'un niveau à l'autre indéfiniment.

The history of Shakespeare's reception in 18th century Italy is scanty and fragmentary. The present study attempts to join the scattered fragments of the mosaic together and to interpret the resulting picture in the light of current theories of comparative literature. Hamlet has been chosen as an exemplary case in Shakespearian production because it is associated with the very first milestones in Shakespeare's introduction into the Italian literary system. Hamlet also exemplifies on the one hand Italy's cultural indebtedness to France in the field of Shakespearian translation (the first Italian staging of a Shakespearian play was a Hamlet translated from Ducis' adaptation), and, on the other, the need for Northern European literary works to undergo profound changes before they could be assimilated in Italy. The process of Shakespeares's reception in 18th century Italy was made even more tortuous by a missed opportunity, again concerning Hamlet. The first complete Italian translation of the play by Alessandro Verri has never to this day been staged or published ; its impact on the development of Italian literature was only indirect through its influence on Verri's own creative works, which finally contributed to the birth of the Italian Romantic movement.

A travers quatre pièces, Tout est bien qui finit bien, Mesure pour mesure, Beaucoup de bruit pour rien et Cymbeline, Cléopâtre Athanassiou-Popesco, s'appuie sur le génie shakespearien afin de retrouver la culpabilité associée à l'expérience de la faute, portée à chaque fois par les protagonistes de ces pièces. Cette expérience constitue le fil rouge qui relie ces oeuvres les unes aux autres. L'auteur tente de montrer comment le passage des premières aux dernières oeuvres de Shakespeare signe une évolution dans la capacité de l'être humain de se rendre responsable des fautes commises et de parachever son travail de réparation du mal dans l'expérience du pardon. En ce sens l'oeuvre de Shakespeare s'ouvre sur un monde d'espérance, quelles que soient les terribles épreuves par lesquelles a dû passer l'être humain.

A travers quatre pièces, Le songe d'une nuit d'été, La nuit des rois, Le roi Lear, et enfin Le conte d'hiver, Cléopâtre Athanassiou-Popesco s'appuie sur le génie shakespearien afin de retrouver les éléments dépressifs associés à l'expérience de la perte, portée à chaque fois par les protagonistes de ces pièces. Cette expérience constitue le fil rouge qui relie ces oeuvres. Certains êtres y succombent et s'enfoncent dans un délire pour y échapper. D'autres dépassent cette expérience et en font le point de départ d'un travail de réparation, pour eux et pour les objets qu'ils aiment. C'est en ce sens que l'oeuvre de Shakespeare s'ouvre toujours sur un monde d'espérance, quelles que soient les terribles épreuves auxquelles les êtres humains sont soumis.

Racine et Shakespeare : études sur le romantisme / Stendhal, Henry Beyle Date de l'édition originale : 1854 Le présent ouvrage s'inscrit dans une politique de conservation patrimoniale des ouvrages de la littérature Française mise en place avec la BNF. HACHETTE LIVRE et la BNF proposent ainsi un catalogue de titres indisponibles, la BNF ayant numérisé ces oeuvres et HACHETTE LIVRE les imprimant à la demande. Certains de ces ouvrages reflètent des courants de pensée caractéristiques de leur époque, mais qui seraient aujourd'hui jugés condamnables. Ils n'en appartiennent pas moins à l'histoire des idées en France et sont susceptibles de présenter un intérêt scientifique ou historique. Le sens de notre démarche éditoriale consiste ainsi à permettre l'accès à ces oeuvres sans pour autant que nous en cautionnions en aucune façon le contenu.

Littérature et psychanalyse. Dès ses origines, la psychanalyse s'est intéressée à la littérature. On connaît la passion de Freud pour la littérature, pour les tragiques grecs, Shakespeare, Goethe, Dostoïevski⦠et les écrivains qui lui étaient contemporains. Comme on le verra, la littérature et la psychanalyse s'éclairent l'une l'autre. Dans les études qui suivent, il ne s'agit pas d'"appliquer" la psychanalyse à la littérature, mais de constater leur rencontre. On tentera de voir en quoi la psychanalyse permet de mieux comprendre l'organisation, le fonctionnement, la mise en écriture des textes littéraires, et, en retour, comment ces textes illustrent et confirment les énoncés théoriques de la psychanalyse. On ne s'intéressera que secondairement à l'inconscient de leurs auteurs.

Venez découvrir Othello de Shakespeare grâce à une analyse littéraire de référence ! Ecrite par un spécialiste universitaire, cette fiche de lecture est recommandée par de nombreux enseignants. Cet ouvrage contient la biographie de l'écrivain, le résumé détaillé, le mouvement littéraire, le contexte de publication de l'oeuvre et l'analyse complète. Retrouvez tous nos titres sur : www. fichedelecture. fr.

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Réussissez votre bac de français 2023 grâce à notre fiche de lecture du Roi Lear de Shakespeare ! Validée par une équipe de professeurs, cette analyse littéraire est une référence pour tous les lycéens. Grâce à notre travail éditorial, les points suivants n'auront plus aucun secret pour vous : la biographie de l'écrivain, le résumé du livre, l'étude de l'oeuvre, l'analyse des thèmes principaux à connaître et le mouvement littéraire auquel est rattaché l'auteur.

Molière à Shakspeare : prologue en vers... / par Jean Aicard Date de l'édition originale : 1879 Le présent ouvrage s'inscrit dans une politique de conservation patrimoniale des ouvrages de la littérature Française mise en place avec la BNF. HACHETTE LIVRE et la BNF proposent ainsi un catalogue de titres indisponibles, la BNF ayant numérisé ces oeuvres et HACHETTE LIVRE les imprimant à la demande. Certains de ces ouvrages reflètent des courants de pensée caractéristiques de leur époque, mais qui seraient aujourd'hui jugés condamnables. Ils n'en appartiennent pas moins à l'histoire des idées en France et sont susceptibles de présenter un intérêt scientifique ou historique. Le sens de notre démarche éditoriale consiste ainsi à permettre l'accès à ces oeuvres sans pour autant que nous en cautionnions en aucune façon le contenu.

Maëlle, Chiara, Lily et Mélisande, les quatre copines à la vie très mouvementée, sont de retour !- Le Roman des filles : une collection à succès. Un troisième volume très attendu des lectrices.- Un roman de fiction mais qui aborde les problématiques liées à l'adolescence !- Des personnages forts et une intrigue palpitante.

De Shakespeare à Pessoa, à contre-courant de l'obsession philosophique des Lumières, on dessine ici les nouvelles figures d'un tragique moderne. Un tragique de l'ombre, sans dieux ni mythes, où la perte du Nom, le vertige du sens, la folie d'une histoire de bruit et de fureur confrontent les figures du mal et de la douleur à la Loi et au Rien. La passion même comme destin. De l'ombre donc, mais aussi des manières. Dans la grande mélancolie de l'art et de l'Etre du XVIe siècle, le tragique ouvre à une histoire du spectral. Le théâtre de Shakespeare, ce "Socrate musicien", y résonne de toutes ses voix, celles du madrigal ou de l'opéra, de Dowland ou de Purcell. Là, entre tragique et maniérisme, naîtrait une esthétique post-sublime de la Voix. Un Nietzsche contre Nietzsche, où l'Idée, la dissonance et la grâce se croisent dans le très léger "des choses de rien". L'Ariel d'un Après-la-tempête, une rédemption musicale de la vérité.

Le duc Orsino est amoureux de la comtesse Olivia. Cette dernière, en deuil de son père et de son frère, repousse ses avances. Une tempête provoque le naufrage d'un navire venant de Messine qui transporte Viola et son jumeau Sébastien. Ils survivent au naufrage mais échouent à deux endroits différents de la côte, chacun croyant que l'autre n'est plus. N'étant plus sous la protection de son frère, Viola se travestit en homme et se présente à la cour d'Orsino sous les traits de Césario, que le duc charge de plaider sa cause auprès d'Olivia. Viola, secrètement amoureuse du duc, s'exécute, mais Olivia est immédiatement séduite par ce jeune homme aux traits si délicats. Arrive Sébastien dont la ressemblance avec Césario trompe Olivia. Une succession de quiproquos auxquels participe un quatuor de comiques. Pièce pour 9 personnages

D Sibony a fait dans son Séminaire, pendant plusieurs années, une conférence par mois sur une pièce de Shakespeare. Toutes y sont passées. Ce livre-ci contient déjà les analyses de douze d'entre elles et sera suivi par un autre. Depuis sa parution, c'est un outil précieux pour les metteurs en scène et pour les spectateurs qui cherchent une autre approche, par les voies de l'inconscient. Car l'idée, ici, est de prendre au sérieux le projet shakespearien d'un théâtre du monde, par des voies singulières où l'humain se constitue, se renouvelle, s'arrache à lui-même ou aux forces du destin qui le portent. De sorte qu'au-delà des histoires qui sont ici démontées ou surmontées, nous sommes devant l'acuité de l'événement à l'état pur : traumatique ou grotesque, hallucinant, ou déclencheur de cataclysmes ; l'événement est la matière qui fait de nous des êtres humains, qui anime le jeu global de l'être.

In London in 1770 Georg Christoph Lichtenberg (1742-1799) remarked, 'What a work could be written on Shakespeare, Hogarth and Garrick ! There is something similar in the genius of all three. ' Two-and-a-half centuries on, Robin Simon's highly original and illuminating book takes up the challenge. William Hogarth (1697-1764) and David Garrick (1717-1779) closely associated themselves with Shakespeare, embodying a relationship between plays, painting and performance that had been understood since Antiquity and which shaped the rules for history painting drawn up by the Académie royale in Paris in the seventeenth century. History painting was considered the highest form of art : a picture illustrating a moment drawn from just a few lines in a revered text. Hogarth's David Garrick as Richard III (1745) transformed those ideas because, although it looked like a history painting, it was also a portrait of an actor in performance. With it, Hogarth established the genre of theatrical portraiture, a new and distinctively British kind of history painting. This book offers a fresh examination of theatrical portraits through close analysis of the pictures and of the texts used in performance. It also examines the central role of the theatre in British culture, while highlighting the significance of Shakespeare, Hogarth and Garrick in the European Enlightenment and the rise of Romanticism. In this context another trio of genius features prominently : Lichtenberg, Gotthold Ephraim Lessing and Denis Diderot. Familiar paintings and performances are seen in an entirely new light, while unfamiliar pictures are also introduced, including major paintings and drawings that have never been published. The final chapter shows that the inter-relationship between plays, painting and performance survived into the age of cinema, revealing the pictorial sources of Laurence Olivier's legendary film Richard III.

Macbeth, duc de Glamis, cousin et fidèle chef des armées de Duncan, roi d'Ecosse, s'illustre par son courage et sa persévérance, menant son armée à la victoire, dans une bataille qui oppose la Norvège à l'Ecosse. Sur le chemin du retour, il rencontre trois sorcières qui l'accueillent en lui donnant trois titres différents : le duc de Glamis, le duc de Cawdor, et le futur roi. Puis, sans donner plus d'explications, elles disparaissent. Peu de temps après, deux seigneurs envoyés par Duncan viennent annoncer à Macbeth que le Roi le nomme duc de Cawdor en guise de récompense. La question se pose : les prédictions des sorcières éveillentelles en Macbeth le désir de se faire couronner, ou participentelles de la fatalité qui le pousse inexorablement vers son Destin ? Toujours estil que Macbeth explique à son épouse cette rencontre, et que cette dernière le pousse illico à tuer Duncan en visite dans leur château. Macbeth devient Roi, après la fuite des enfants De Duncan. Débute alors un règne de peur, de terreur, de meurtres qui conduiront Macbeth à sa chute, à sa propre mort. Macbeth est une tragédie de William Shakespeare. Elle prend place dans l'Ecosse médiévale et retrace de manière très romancée le règne de Macbeth (1040-1057), en s'inspirant de près du récit qu'en fait Raphael Holinshed dans ses Chroniques, parues en 1587. Dévoré d'ambition, le général Macbeth commet le crime de régicide pour s'emparer du pouvoir, poussé par son épouse Lady Macbeth, mais la culpabilité et la paranoïa les font peu à peu sombrer dans la folie. La date de rédaction de Macbeth est inconnue, mais elle pourrait se situer entre 1599 et 1606 si l'on tente de la lire à la lumière des événements contemporains, en particulier l'avènement du roi écossais Jacques VI sur le trône d'Angleterre en 1603 et la Conspiration des Poudres en 1605. Elle est publiée pour la première fois dans le Premier Folio en 1623. Macbeth est la plus courte des tragédies de Shakespeare et l'une de ses plus populaires : de nombreux acteurs de renom ont interprété les rôles de Macbeth et Lady Macbeth, et ses adaptations dans d'autres médias sont nombreuses. Une superstition théâtrale veut qu'elle soit maudite et qu'il faille plutôt l'appeler "la pièce écossaise" que prononcer son nom sur scène.

C'est une épidémie ! L'anglais est partout. La langue de ceux qui ont fait brûler Jeanne d'Arc, exilé Napoléon à Sainte-Hélène, emmerdé souverainement De Gaulle, a non seulement gagné la planète mais s'impose aujourd'hui résolument dans notre douce France. Beaucoup s'en félicitent au nom du pragmatisme et de l'efficacité. Comment en est-on arrivé là ? La langue, pourtant, ce n'est pas rien ! C'est l'âme d'un peuple, son essence, son identité, son ciment, ce qui lui donne sa personnalité, ce qui marque sa différence... L'anglais, ce n'est pas seulement une langue mais ce qu'elle véhicule comme références, système de valeurs et vision du monde qui entre en contradiction avec la construction très particulière qu'a été la France.

L'oeuvre de Corneille en rapport avec celle de Shakespeare ? A la réponse traditionnelle, "rien", "néant", "pas du tout", il faut sans doute substituer une approche plus réfléchie. Ces voiliers du port de Rouen véhiculaient tout de même, à fond de cale, quelques livres. Sachant aujourd'hui que Corneille connut et exploita les Anglais Massinger, Beaumont et Fletcher, Shirley, la question n'est plus de demander si, mais d'analyser comment, il envisagea l'oeuvre shakespearienne. L'attribution à Corneille (comme essai de jeunesse) de la pastorale manuscrite d'Alidor ou l'Indifférent, publiée en 2001, est assez bien établie. Une étude originale refait ici le point. Si l'on ajoute un coup d'oeil ingénu sur les premières comédies, on découvre les intuitions fulgurantes, encore mal appréciées, d'une vie vouée au triomphe du théâtre moderne. On profitera de cette brise de renouveau pour préférer l'oeuvre de maturité aux tragédies ambigües qui suivaient le Cid, et pour balayer les légendes bien-pensantes qui desservent ce poète lucide et clair. Son professionnalisme demeure, ses leçons parlent à notre temps, mieux encore qu'au sien. On devinera en outre l'originalité, aussi puissante que méconnue, de la période-charnière primordiale que fut le début du XVIIe siècle.

Cet ouvrage, composé de sept chapitres rédigés en anglais, chacun portant sur un domaine différent, constitue une étude critique et pédagogique de Love's Labour's Lost. Il vise à éclairer certaines difficultés du texte, à ouvrir des pistes méthodologiques, à définir les principaux thèmes de réflexion et les sujets de controverses que suscite cette comédie constituée d'un étrange mélange de raffinement et de bouffonnerie, qu'on a parfois considérée comme un simple exercice de style, ou comme une parodie plus ou moins brillante ou laborieuse de certaines divagations littéraires à la mode à la fin du seizième siècle en Angleterre. En réalité cette oeuvre, qui fait partie des quatre comédies de Shakespeare dont le scénario ne provient d'aucune source extérieure, sans doute la première des quatre chronologiquement, possède un rythme théâtral et une structure qui n'apparaissent pas toujours lors d'une lecture superficielle, ainsi qu'une profondeur et une subtilité de pensée qui n'ont pas toujours été reconnues. Elle n'a pas eu de descendance dans l'oeuvre ultérieure de son auteur, ni semble-t-il dans tout le répertoire théâtral qui a suivi, mais le thème initial, le conflit entre l'amour des livres, des études, de la science, et l'amour tout court, a souvent figuré dans des comédies cinématographiques.

Quand on a 10 ans, pas de papa mais une mère amoureuse de Shakespeare et que l'on s'attend à voir débarquer les huissiers d'un jour à l'autre, la vie n'est pas simple. Elle, comédienne de théâtre passionnée, fascine son fils qui découvre le monde et ses paradoxes avec toute la poésie de l'enfance. Avec leur voisine Sabrina, caissière de son état, et les comédiens Max, Lulu et Rita, ils forment une famille de coeur, aussi prompte à se fâcher qu'à se réconcilier. Mais, un jour, la réalité des choses rattrape la joyeuse équipe. Et le petit garçon est séparé de sa mère. Comment, dès lors, avancer vers ses rêves ? En comprenant que, peut-être, l'essentiel n'est pas l'objectif, mais le chemin parcouru... Sur fond de crise des subprimes, Julien Aranda nous raconte la trajectoire enchantée d'une troupe de théâtre inoubliable.

Le plus grand magicien des mots de toute l'histoire du théâtre. Le texte original avec, en regard, une nouvelle traduction française due à une équipe de quinze spécialistes internationalement connus. La seule édition bilingue complète. Parmi les trente-huit pièces que nous a léguées Shakespeare, dix sont communément appelées "tragédies". La définition du genre est pourtant moins évidente que lorsqu'il s'agit des tragédies de Racine. Pour un classique français, nourri d'Aristote, d'Horace et de leurs commentateurs, les choses peuvent paraître simples : cinq actes en vers alexandrins ; respect des bienséances ; unités de temps, de lieu et d'action ; de grands personnages traitant de grandes affaires publiques. Il n'en va pas de même pour Shakespeare : les frontières entre tragédies, tragi-comédies, pièces historiques et comédies sont mouvantes. L'emploi de la prose se mêle aux vers, le bouffon répond au roi, le fossoyeur au prince du Danemark. L'action souvent se complique, se déplace d'une scène à l'autre. On passe de la rue au palais, de la chambre de la reine dans une taverne. Les personnages se multiplient ; le théâtre devient son propre miroir. C'est cette liberté de sujet et de ton, héritée du théâtre médiéval et renaissant, qui caractérise le théâtre de Shakespeare et fonde sa modernité. Déjà présente dans les pièces historiques, cette liberté est plus manifeste encore dans les tragédies qui, chronologiquement, leur font suite. Si, dans les premières pièces, Shakespeare place l'homme face aux aléas de l'histoire, dans les tragédies il place l'homme face à ses propres incertitudes. Cette nouvelle édition bilingue des Oeuvres complètes de Shakespeare comportera huit volumes : deux volumes de "Tragédies", deux volumes de "Pièces historiques", deux volumes de "Comédies" et deux volumes contenant les "Tragi-comédies" et les "Sonnets". Elle est placée sous la direction de Michel Grivelet et Gilles Monsarrat, connus pour leurs travaux sur Shakespeare et le théâtre élisabéthain. Les traductions des "Tragédies" sont dues à Victor Bourgy, Michel Grivelet, Louis Lecocq, Gilles Monsarrat, Jean-Claude Sallé, Léone Teyssandier, qui sont également responsables des présentations, des notes et de la bibliographie.

Le plus grand magicien des mots de toute l'histoire du théâtre. Le texte original avec, en regard, une nouvelle traduction française due à une équipe de quinze spécialistes internationalement connus. La seule édition bilingue complète. Shakespeare est, sans aucun doute, l'un des géants de la littérature mondiale. Il domine, et de très haut, le paysage littéraire, aux côtés d'Homère, de Dante, de Goethe. En France, toutefois, il n'a pas connu la même fortune que ces derniers. Bien au contraire. L'histoire des traductions et des adaptations de Shakespeare, de Voltaire à Vigny, de François-Victor Hugo à Gide et jusqu'à nos jours est, aussi, l'histoire d'une infortune, d'une incompréhension. Comment échapper au dilemme entre une adaptation plus ou moins libre (une belle infidèle) et une version interlinéaire ? En mettant sous les yeux du lecteur à la fois l'original anglais et une nouvelle traduction française. Pas n'importe quel original, mais celui qui correspond à l'état le plus récent de la recherche shakespearienne en Angleterre : les Complete Works publiés par les plus grands universitaires d'Oxford en 1986. En regard de la dernière version revue de l'édition d'Oxford (1993), les meilleurs spécialistes français ont donné de nouvelles traductions, tenant compte à la fois des exigences de la scène et des qualités littéraires des textes. Une pièce de théâtre n'est pas, d'abord, destinée à la lecture ; elle doit être "parlée". Une riche annotation, des introductions, des préfaces à chacune des pièces, un "Dictionnaire de Shakespeare", une chronologie, un répertoire des personnages font de cette édition un instrument de travail incomparable. Cette édition bilingue des Ouvres complètes de Shakespeare comporte huit volumes : deux volumes de "Tragédies", deux volumes de "Pièces historiques", deux volumes de "Comédies" et deux volumes contenant les "Tragi-comédies" et les "Sonnets". Elle est placée sous la direction de Michel Grivelet et Gilles Monsarrat, connus pour leurs travaux sur Shakespeare et le théâtre élisabéthain. Les traductions des "Tragédies" sont dues à Victor Bourgy, Michel Grivelet, Louis Lecocq, Gilles Monsarrat, Jean-Claude Sallé, Léone Teyssandier, qui sont également responsables des présentations, des notes et du "Dictionnaire de Shakespeare".