laboreal oeuvres transformer
Extraits
Musique, danse
Le visage du Christ dans la musique des XIXe et XXe siècle
Dans un premier volume consacré à la musique baroque (paru en 1992), Jean-François Labie s'interrogeait sur les liens exista entre la musique et le contenu spirituel des œuvres majeures du répertoire religieux. Pratiquant une lecture théologique de musique, il mettait en évidence la façon dont les grands compositeurs de l'époque (Monteverdi, Bach, Haendel...) avaient célébré le visa du Christ. C'est une démarche semblable qu'il adopte ici, à ceci près que les temps ayant changé, les questions auxquelles se confrontent les musiciens ne sont plus du même ordre. Alors que, aux siècles précédents, les différends théologiques qui séparaient catholique et réformés se retrouvaient dans la musique, l'époque moderne apporte d'autres clivages : la marque imprimée par le christianisme sur les consciences individuelles aussi bien que sur les travaux et les jours de la société se fait moins profonde ; dans un monde qui se sécularise, la religion est amenée à jouer d'autres rôles.
Jean-François Labie a choisi quelques compositeurs, étudiant leur œuvre et le message, affirmé ou diffus, qu'elle contient Beethoven et Schubert inaugurent le siècle en un double manifeste l'autonomie de l'artiste qui choisit le langage dans lequel s'exprimeront sa foi et sa prière. La pluralité des approches ainsi fondé on verra Liszt (qui va jusqu'à prendre les ordres mineurs) marque profondément l'évolution de la musique et de la religion de son temps ; un siècle plus tard, Messiaen fait œuvre de théologien. 1 Wagner s'attaque à Parsifal... Britten, en net retrait vis-à-vis d l'institution ecclésiastique, égrène dans une multitude d'œuvres des métaphores christiques aisément repérables. Une réflexion religieuse profonde se confronte inévitablement à la mort (différents traitements du Requiem sont présentés ici : Verdi e Berlioz, Fauré, Saint-Saëns et Duruflé, Brahms...) ; l'ouvrage s'achève sur l'évocation de l'Apocalypse par le compositeur contemporain.
03/2005
Ecrits sur l'art
Ateliers d'artistes en Caraïbe. Martinique, Cuba
On note actuellement un regain d'intérêt pour la relation entre artistes et ateliers, autant sur le plan matériel que conceptuel, plaçant les problématiques de l'atelier et des processus de création au coeur de la recherche. Différentes publications concernent essentiellement les représentations françaises, britanniques, allemandes ou américaines. En Caraïbe peu d'écrits existent sur le sujet. En Martinique comme à Cuba, la richesse de l'art, sa complexité, sa diversité l'inscrivent dans la mouvance d'un art contemporain dont il important de laisser des traces, de constituer une mémoire. Chez les artistes caribéens, le lieu et l'oeuvre, espaces en tension, s'inscrivent dans un réseau d'interrelations : la relation de l'artiste au lieu, la relation de son atelier avec le lieu, la relation singulière qui se noue de l'oeuvre à son espace de création. Au sein de ces faisceaux de réseaux humains et spatiaux, les ateliers, territoires de la sensibilité, de la pensée, de l'action, de la réflexion, sont des entre-lieux, des intervalles qu'il est intéressant de questionner. L'atelier est le lieu d'exploration privilégié des oeuvres, là où peut s'établir à la fois une relation privée, intime, de l'ordre du sensible, une émotion esthétique qui va précéder la réflexion, l'analyse. L'histoire des Antilles et les évènements qui ont forgé la Martinique et Cuba dans leur singularité ont conditionné l'évolution des pratiques artistiques et celle des ateliers. Le passé, l'histoire, ont-ils généré des formes particulières, atypiques d'ateliers ? Existe-t-il des pratiques d'ateliers transgressives ? Les ateliers des artistes caribéens représentent des espaces de création hétérogènes et complexes, multiformes, en évolution constante, toujours en devenir. Véritables laboratoires de poïétique, ils participent à la mise en lumière d'une pensée créatrice spécifique, intimement liée au lieu, au processus qui conduit à l'instauration de ces oeuvres contextuelles, à la fois enracinées dans leur lieu et complètement engagées dans le cours du monde.
11/2022
Monographies
Avec le dessin
Premier ouvrage consacré au travail de dessin du designer Pierre Charpin, ce livre réunit une sélection de près de 120 oeuvres tirées de différentes séries réalisées entre 2005 et 2022. Si le dessin est une discipline artistique, il constitue également une étape majeure dans la pratique du design. Or, Pierre Charpin ne l'a jamais considéré comme une simple étape du processus de production d'un objet, mais bel et bien comme une pratique à part entière, traduisant la relation singulière que le designer entretient plus largement avec la forme. En lien direct avec ses intuitions et pensées, le dessin est perçu comme un moyen immédiat, intuitif et naturel de faire émerger une forme qui n'existe pas encore. A la différence du dessin appliqué, le dessin en tant que tel ne sert plus à représenter de forme ; il est lui-même forme. Les oeuvres montrées dans cet ouvrage se distinguent à la fois par la variété des techniques utilisées - crayons de couleurs, graphite, stylo, feutre, plume, craie grasse, craie sèche, encre de Chine, encre colorée - mais aussi par la permanence de certains motifs comme les lignes et les boucles, les rubans ou les arabesques, les dessins noirs ou colorés, réalisés par série, représentant souvent des formes élémentaires. Ces dessins ne nourrissent aucun objectifs pragmatiques ni économiques prédéfinis, et ne sont pas entrevus ni évalués par leur auteur au regard de l'aptitude et de la compétence mise en oeuvre pour leur exécution. Ils gagnent au contraire à être évalués par la justesse de l'énergie motrice à l'oeuvre et par cet acte de vie qui se déploie par lui même et pour lui même en leur sein. Le travail de Pierre Charpin fait l'objet d'une exposition à l'Hôtel des Arts à Toulon dans le cadre d'une programmation de la Villa Noailles du 5 mars au 30 avril 2022. En partenariat avec la Villa Noailles.
08/2022
Beaux arts
Le trait, le taillis, les aguets. Louis Pons, le dessins de 1947 à 1970
Dessinateur instinctif et autodidacte, Louis Pons a développé seul sa technique au fil d'une vie d'errance relative dans la campagne provençale, entre 1945 et 1970. Partant de la caricature, passant par le travail sur le motif, il est parvenu à ces pages saturées par lesquelles il s'est fait connaître : ratures encrées d'où se dégagent des figures fantastiques et organiques, mi-hommes mi-animaux, parfois érotisées et toujours empêchées, "drolatiques comédiens du dérisoire". "Singulier" est une des entrées du dictionnaire déréglé que Frédéric Valabrègue consacre ici à l'oeuvre du dessinateur. "Le singulier est un artiste minoré dans la mesure où son oeuvre ne se prête pas à un discours d'ensemble". D'où la nécessité d'un discours de détail. Epousant donc au plus près la biographie de l'artiste, reliant entre eux ses thèmes et ses caractères distinctifs, démontant les assimilations forcées qui ont affecté son travail, réactivant un corpus d'oeuvres trop mal connues, l'écrivain fait apparaître, au milieu de leur opacité apparente, comme la constellation du dessein qui les guide. Méthode bien digne de la pratique de Louis Pons : "Dessiner, pour lui, cela veut dire donner un coup de sonde dans une poche nocturne grossie par toutes les terreurs innommables".
01/2021
Anglais apprentissage
Lire la nature dans Arcadia de Sir Philip Sidney : une esthétique du détail
Arcadia de Philip Sidney, l'une des oeuvres les plus fascinantes de l'époque élisabéthaine, jouit depuis quelques années d'un regain d'intérêt de la part de la communauté scientifique française. Longtemps dominé par Shakespeare, le champ des études élisabéthaines en France s'est élargi et s'intéresse désormais aux autres figures littéraires qui ont contribué à façonner l'esprit élisabéthain. Parmi cette petite élite culturelle, Sidney fait figure d'exception. Bien avant que sa mort héroïque ne lui confère le statut de légende nationale, Sidney avait acquis une dimension internationale, notamment par sa fréquentation des grandes cours d'Europe à l'occasion de son "grand tour" de 1572 à 1575, et de sa mission diplomatique auprès de l'empereur Rodolphe II. Ces voyages lui offrirent l'occasion de s'édifier au contact des intellectuels, des artistes et des poètes qui assuraient aux puissances continentales un rayonnement culturel que l'Angleterre ne connaissait pas encore. Ce serait d'ailleurs au retour de son ambassade que Sidney aurait commencé la rédaction d'Arcadia qui n'est rien de moins que la première oeuvre de fiction sérieuse rédigée en anglais. Le projet était à la hauteur de l'ambition de l'auteur : donner à la langue anglaise le grand chef-d'oeuvre qui lui manquait.
01/2021
Cinéma
Comprendre Godard. Travelling avant sur A bout de souffle et Le Mépris, 2e édition
Est-il si difficile de comprendre Godard ? Son œuvre est-elle sans recours obscure, provocatrice, hermétique Le plus sensé est-il de se laisser aller au plaisir d'une pure adhésion émotionnelle ? Ou peut-on escompter mieux si affinité ?.... Ce livre offre toutes les informations utiles à l'entrée dans la démarche et l'univers de Jean-Luc Godard, et donne des réponses fort avisées à ces questions. Michel Marie analyse en détail les choix techniques et stylistiques du cinéaste, sa manière très particulière de raconter une histoire au cinéma, d'enchaîner ses séquences et de cadrer ses acteurs, et même de les faire parler. Après un prologue inédit d'une grande richesse, il revient, reprenant la matière de deux petits ouvrages désormais épuisés et qui firent date, sur deux œuvres clefs du plus franco-suisse des cinéastes : A bout de souffle, authentique " manifeste " de la NouvelleVague, et Le/Mépris, chef-d'œuvre absolu de cette " école artistique " qui reste aujourd'hui la plus réputée de l'histoire cinématographique contemporaine. Toux ceux qui ont une certaine idée du cinéma et de ses potentialités artistiques mais aussi sociales et politiques trouveront dans cet ouvrage aussi bien de très précieuses informations que de nombreuses pistes de réflexion.
04/2006
Littérature étrangère
Journal. 1973-1982
Large fragment d'autobiographie de l'un des plus grands auteurs américains, le Journal de Joyce Carol Oates est un document littéraire de première importance. Elle l'entreprend à l'âge de trente-quatre ans, le 1er janvier 1973, tout en poursuivant ses œuvres de fiction. Bien que détestant être qualifiée de prolifique, Oates écrit chaque jour avec une énergie fiévreuse : " Écrire est... une drogue, douce, irrésistible, et épuisante ", dit-elle. De ces lignes rédigées " au fil de la plume et spontanément " émerge un portrait non expurgé de l'artiste en femme, écrivain, professeur, amie. Oates parle de manière franche et très émouvante de son mariage - si heureux - avec Raymond Smith, de sa vie d'enseignante (à Windsor puis à Princeton), de son manque d'instinct maternel et des heures qu'elle passe au piano. Sa réputation croissante dans le monde littéraire l'amène à des rencontres et des amitiés avec des écrivains comme Philip Roth, John Updike, Susan Sontag, Joan Didion et bien d'autres. Mais, peu à l'aise avec les signes de la célébrité, Oates ne cesse de se réfugier dans sa vie intérieure, à la poursuite de son œuvre. Une œuvre dont ce Journal - qui égale celui de Virginia Woolf - est à coup sûr une pièce majeure.
04/2009
Histoire internationale
Un témoignage culturel dans Bagdad au Xe siècle. Le Kitab al-Imta' wa-l-Mu'anasa d'Abu Hayyan al-Tawhidi
Le Kitab al-Imta' wa-l-mu'anasa est l'une des oeuvres phares de l'auteur arabe classique Abu Hayyan al-Tawhidi (922/932-1023 ? ) qui est considéré comme l'un des hommes de lettres les plus érudits de la littérature médiévale. Il s'agit d'un livre qui couvre des entretiens entre l'auteur et le vizir bouyide Ibn Sa'dan. L'oeuvre représente un compte rendu pour l'ami et protecteur Abu l-Wafa qui a introduit Abu Hayyan au cercle du vizir. Abu Hayyan est chargé à la fois de répondre aux nombreuses interrogations du vizir et de tenir informé son ami Abu-l-Wafa de ce qui se déroule lors de ces entretiens. Le présent ouvrage, consacré à cette oeuvre classique, tente de faire apparaître son caractère encyclopédique à travers la compléxité de sa structure et la dispersion des thèmes abordés. Cette étude permettra de mettre en exergue la nature des interrogations du vizir Ibn Sa'dan, et de mener une réflexion sur la pensée du IVe/Xe siècle. Ce témoignage intellectuel de la société bagdadienne d'alors ne représente-t-il pas une certaine liberté de penser à travers divers sujets évoqués : politiques, religieux, philosophiques, sociaux et littéraires ? Quels sont les enjeux et les préoccupations de l'époque ?
03/2012
Philosophie
Etre soi. Une introduction à Kierkegaard, Edition revue et augmentée
Kierkegaard, penseur du désespoir, de l'angoisse et de la foi, est un perpétuel contemporain, comme Nietzsche auquel il fut souvent mesuré. Chrétien en devenir, rétif à tout système, il est cette ombre sur la pensée moderne qui ne cesse de l'inquiéter. Malgré son importance, les introductions en langue française à l'oeuvre de l'énigmatique Danois sont rares, et c'est bien le premier mérite de cet essai : offrir un guide de lecture à jour, attentif au contexte où l'oeuvre a éclos et à son style singulier. En se concentrant ensuite sur la question du rapport à soi, dans ses aspects éthiques et religieux, il en propose une interprétation originale qui entre en résonance avec d'autres grandes oeuvres (Jean-Paul Sartre, Henrik Ibsen, Lewis Carroll, etc.) et interroge notre actualité, en particulier l'injonction qui nous est faite d'être nous-mêmes - se trouver pour se réaliser. Si Kierkegaard a fait sien ce souci qui demeure le nôtre, c'est pour en bouleverser les termes et ouvrir des horizons inédits de pensée et de vie. En dépassant la question classique " Qui suis-je ? " en celle, plus exigeante, de " Que suis-je appelé à être ? " , Kierkegaard s'affirme comme le philosophe essentiel de nos temps incertains.
06/2020
BD tout public
Sublimer le réel. Une rétrospective de cinquante ans de carrière
Une rétrospective des 50 ans de carrière du maestro Manara. Aussi à l'aise comme dessinateur que scénariste, Milo Manara s'est imposé au fil des ans comme un grand maître de la bande dessinée internationale. Outre des oeuvres devenues cultes comme Le Déclic, Giuseppe Bergman ou, plus récemment, Le Caravage, son talent s'est également exprimé à travers de prestigieuses collaborations : avec l'illustre Jodorowsky (Borgia), avec son ami et mentor Hugo Pratt (L'Eté indien et El Gaucho) ou encore avec le cinéaste Federico Fellini (Voyage à Tulum et Le Voyage de G. Mastorna). En résulte une oeuvre somptueuse et prolifique aujourd'hui mise à l'honneur dans un ouvrage revenant en détail sur les 50 ans de carrière de Milo Manara, première véritable monographie de l'auteur à paraître en France. Une iconographie dense et de qualité y offre un panorama complet de l'oeuvre du maître, auquel la plume d'experts triés sur le volet vient apporter une lecture passionnante de sa portée esthétique et de sa démarche artistique. Parallèlement, une version luxe de l'ouvrage sera proposée, en tirage limité avec tiré à part signé par l'auteur. Deux magnifiques ouvrages de fin d'année à offrir aux bibliophiles esthètes, amateurs d'érotisme ou de beau dessin, tout simplement !
12/2019
Critique littéraire
Suzanne Césaire. Archéologie littéraire et artistique d'une mémoire empêchée
EssaisCNL – Suzanne Césaire (1915-1966), épouse d'Aimé Césaire, est l'auteure d'une oeuvre trop longtemps méconnue mais essentielle pour l'histoire littéraire antillaise et l'écocritique postcoloniale. Cofondatrice et pilier théorique de la revue Tropiques (1941-1945) où elle a publié plusieurs articles, elle est aussi l'auteure d'une pièce de théâtre et a entretenu une correspondance littéraire avec nombre d'intellectuels de son temps. Cet ouvrage analyse la pensée de cette théoricienne martiniquaise des cultures caribéennes à travers ses écrits, tout en décryptant les marques de sa présence dans les oeuvres de ses contemporains (André Breton, Aimé Césaire, René Etiemble, Michel Leiris) et les résonances de sa grammaire émancipatrice et humaniste chez Kamau Brathwaite, Ina Césaire, Edouard Duval Carrié, Fabienne Kanor, Lénablou et Daniel Maximin. Anny-Dominique Curtius élabore une méthode d'archéologie littéraire et artistique pour comprendre les raisons d'un si long silence sur l'oeuvre de Suzanne Césaire et explore l'originalité et la modernité de sa pensée critique. L'approche comparatiste, interdisciplinaire et genrée de cet ouvrage puise dans l'esthétique qu'a privilégiée Suzanne Césaire elle-même pour façonner ses grilles conceptuelles et épistémologiques. Sa réflexion cannibale, audacieuse et libre s'inscrit dans ce qu'elle appelle une "lucidité totale" sur la Caraïbe.
12/2020
Chanson française
Serge Gainsbourg. Écrire, s'écrire
Ce livre propose un portrait de Serge Gainsbourg - et non un commentaire de textes - à travers l'analyse de l'écriture de Lucien Ginsburg, son "inventeur" . Celui-ci a en effet réussi à créer une oeuvre qui ne fait littéralement qu'un avec son personnage puisqu'elle reprend et développe les trois principaux motifs observés dans la transformation "graphique" et identitaire de Lucien Ginsburg en Serge Gainsbourg : obsession pour les (pré)noms, jeux sur les lettres et variations sur la question du double. Ainsi, identité et écriture se confondent et mieux encore : l'auteur Serge Gainsbourg n'est "lui-même" que dans ses oeuvres, et en premier lieu dans ses paroles de chansons. Au-delà de toute considération biographique, l'écriture gainsbourienne est donc fondamentalement une écriture de soi : elle ne s'arrête pas à l'oeuvre et "contamine" la vie pour mieux la réécrire. Avec Gainsbarre, la créature Gainsbourg enfante même son propre double dans une nouvelle transformation qui, elle aussi, transparaît dans l'écriture, parfois même jusque dans les lettres. L'auteur-personnage se perd alors définitivement dans ses jeux de masque mais n'en reste pas moins lui-même : l'inventeur d'une langue qui lui ressemble idéalement.
01/2023
Impressionnisme
Berthe Morisot
Ce coffret réunit l'essentiel de l'oeuvre de celle qui est aujourd'hui considérée comme la première impressionniste. Issue d'un milieu très aisé, à une époque où l'Ecole des beaux-arts est encore interdite aux jeunes filles, Berthe Morisot se choisira pourtant un destin d'artiste. Elle exécute tout au long de sa vie près de cinq cents toiles ainsi qu'un vaste corpus d'aquarelles, de pastels, de dessins et même de gravures. Restés confidentiels jusqu'à un passé récent, son parcours et son oeuvre sont à présent célébrés dans le monde entier, et Morisot est désormais perçue comme l'une des figures de proue d'une histoire de l'art au féminin. La forme originale de ce coffret permet de plonger au coeur de l'art de Morisot : accompagné d'un livret explicatif comprenant une introduction générale et des commentaires détaillés, il contient un livre "en accordéon" tout en images, qui déploie près d'une cinquantaine d'oeuvres. Il permet de retracer l'évolution de la touche de Morisot et de sa palette empreintes de nuances et de subtilité ; il donne ainsi à voir la modernité et la grande liberté de cette impressionniste sans pareille.
09/2023
Album de films
Princesse Mononoké
Redécouvrez le chef-d'oeuvre de Miyazaki ! Ashitaka, jeune descendant de guerriers Emishi, est voué à devenir le chef de son clan. Mais lorsqu'une créature monstrueuse attaque son village et le blesse mortellement, Ashitaka est contraint de partir en quête d'un remède. Aux abords d'une gigantesque forêt où des animaux livrent une guerre sans merci aux humains des environs, Ashitaka rencontre San, une jeune femme élevée par les loups qui voue une haine féroce aux humains. Un lien très fort commence à les unir, au moment où la guerre prend un tournant irrémédiable et tragique... Premier film à avoir fait connaître le nom de Miyazaki auprès d'un large public, Princesse Mononoke est l'un de ces films qui ont changé l'Histoire, en démontrant aux yeux de tous que les films d'animation n'étaient pas seulement destinés aux enfants. Après Mon Voisin Totoro et Le Voyage de Chihiro, c'est donc au tour de ce chef d'oeuvre mythique de rejoindre cette collection Ghibli, où vous pourrez découvrir les plus grandes oeuvres du studio initié par Miyazaki, via de splendides art books, des anime comics et également des pictures books disponibles dans la collection Glénat jeunesse.
01/2020
Beaux arts
Le cas de William Blake
Le plus insolite et le plus atypique d'entre tous, certainement. Comme s'il était impossible et surtout peu permis de le classer ici ou là, sous quelque étiquette. Peintre, dessinateur, graveur, poète, William Blake (1757-1827) demeure un vrai mystère. Il est l'homme, ou mieux encore : l'être d'une oeuvre essentiellement nourrie de visions bibliques et de prophéties, relevant d'un mysticisme déroutant et d'illuminations grandioses. N'a-t-il pas confié à son ami Flaxman : Dans ma cervelle, il y a des études et des chambres pleines de livres et d'images de l'ancien, que j'ai décrits et peints dans les âges éternels avant ma vie mortelle ; ces oeuvres font les délices des archanges. En effet, indiscutablement, un être d'exception et le titre de l'essai de Louis Gillet tombe à point nommé. En effet quel cas que ce cas William Blake ! Avec tact et rigueur, en prenant subtilement appui sur nombre de témoignages, Louis Gillet nous laisse deviner au fil de son essai, un profil de l'artiste, du poète, de l'être William Blake, qui ne peut que décupler notre curiosité et susciter notre émerveillement pour l'oeuvre et la vie du plus singulier des artistes que ce monde ait compté.
07/2020
Beaux arts
Scènes de crime à Orsay. Une enquête criminartistique
Bienvenue à Orsay, une ancienne gare devenue un somptueux musée dans lequel Christos Markogiannakis vous convie à un voyage très particulier... un voyage à travers l'histoire et la mythologie au cours duquel vous croiserez meurtriers de masse, harceleurs, familles maudites, cannibales et tueuses en série. Dans ce lieu riche d'innombrables chefs-d'oeuvre, le meurtre s'affiche en effet à chaque étage, dans chaque recoin, comme une terrible forme d'art ! En appliquant les principes de la criminologie et de l'histoire de l'art pour une analyse "criminartistique", Scènes de crime à Orsay se propose d'étudier et d'interpréter une trentaine d'oeuvres. Elles ont pour auteur des artistes aussi prestigieux que Moreau, Cézanne, Carpeaux ou encore Rodin, et elles ont toutes un point commun : elles représentent des meurtres. Chaque oeuvre sera traitée comme une scène de crime et donnera lieu à une enquête fouillée s'inspirant des principes des équipes judiciaires et médicolégales. De quelle typologie le meurtre relève-t-il ? Quels en sont les enjeux factuels et historiques ? Qui sont les victimes ? Et surtout, quel portrait peut-on tracer des coupables ? Quel est leur profil, leur background, leur mobile ? Des réponses apportées à ces questions dépendra la possibilité de faire éclater la vérité au grand jour.
10/2018
Sculpture
Jean-Michel Othoniel. Le Rêve de l'eau
Au printemps 2022, Jean-Michel Othoniel propose une exposition inédite spécifiquement conçue pour le Palais idéal du Facteur Cheval intitulée " Le rêve de l'eau ". Pour célébrer les 110 ans de sa construction, le Palais idéal du facteur Cheval est heureux d'accueillir l'exposition Le rêve de l'eau, imaginée par l'artiste Jean-Michel Othoniel. Créée spécialement pour ce lieu unique au monde, l'exposition se déploie pour la première fois au coeur de l'oeuvre du Facteur Cheval et de son jardin. Inspirée par les dessins préparatoires du Facteur Cheval, l'intervention de Jean-Michel Othoniel en appelle au sensible et convoque le merveilleux pour rendre vivant le rêve du Facteur Cheval : que le Palais soit animé de jeux d'eau, de fontaines et de cascades. Dans un dialogue parfait, Jean-Michel Othoniel vient créer des oeuvres tout autour et à l'intérieur du Palais, s'inspirant des formes conçues par le Facteur Cheval. Invité par Frédéric Legros (directeur du Palais idéal du Facteur Cheval), Jean-Michel Othoniel relève avec subtilité le défi qui consiste pour la première fois à faire rentrer la création contemporaine dans l'oeuvre singulière du Facteur Cheval. Entre sculpture, construction et folies, deux univers d'artistes singuliers viennent se rencontrer.
10/2022
Géographie
Un géographe français et la Roumanie. Emmanuel de Martonne (1873-1955)
C'est avant la Grande Guerre, sur la frontière entre. la Hongrie et la Roumanie, qu'Emmanuel de Martonne commence son immense oeuvre de géographe. Epris d'un paysage et d'un peuple - il leur consacrera plus de soixante ouvrages -, cet éminent savant se mettra au service de la cause de la "Grande Roumanie" en tant que "traceur de frontières" à la Conférence de Versailles, ensuite comme "missionnaire" de la France, notamment dans la Transylvanie "libérée", et défenseur des nouvelles frontières contre le révisionnisme hongrois et la Geopolitik allemande. Ceci est la première étude compréhensive sur Emmanuel de Martonne et la Roumanie, s'appuyant sur des oeuvres mais aussi sur des documents d'archives. Elle situe l'évolution de cette relation dans le contexte mouvementé de la première moitié du vingtième siècle. Mais puisque de Martonne est un pionnier et un passeur, elle considère aussi son influence profonde sur l'école géographique roumaine, et le destin de son oeuvre sous la dictature communiste et jusqu'à nos jours. Au cours de cette histoire, on voit combien la géographie peut être instrumentalisée dans les projets politiques, les rivalités sur les territoires et les débats identitaires. Avec Emmanuel de Martonne en Roumanie, nous sommes bien aux frontières de la géographie.
07/2012
Critique littéraire
LANGUE ROMANESQUE ET PAROLE SCRIPTURALE. Essai sur Claude Simon
Cet ouvrage, qui reprend deux des trois parties de la thèse 3ème cycle présentée sous le même titre le 22 décembre 1983 à l'Université Paris IV, a été rédigé antérieurement à l'obtention par Claude Simon du prix Nobel de littérature. Notre propos, au cours de cette étude, fut de déterminer les rapports qu'entretiennent la parole spécifique de Claude Simon et la langue romanesque en son ensemble. Nombre de critiques, en effet, décrivent cette relation sur le monde de l'exclusion. Or, Claude Simon a toujours considéré son travail comme le prolongement logique d'expériences romanesques effectuées par divers écrivains l'ayant chronologiquement précédé. Aussi, afin de pouvoir intervenir de manière efficace a sein de ce débat, avons-nous procédé à une description détaillée des caractéristiques inhérentes aux quatre œuvres composant notre corpus, puis, en nous référant à la terminologie établie par Jean Ricardou, nous sommes-nous livré à une analyse minutieuse des différents traits distinctifs qui confèrent son originalité à l'œuvre sculpturale. Ainsi pensons-nous livrer au lecteur, en même temps que des repères susceptibles d'orienter sa lecteur de l'œuvre édifiée par Claude Simon, des éléments aptes à nourrir sa réflexion sur les formes, les fonctions et les enjeux de " l'objet romanesque ".
08/1987
Espagnol apprentissage
Mateo Aleman moraliste chrétien. De l'apologue picaresque à l'apologétique tridentine
Le Guzmán de Alfarache de Mateo Alemán, l'un des grands classiques de la littérature espagnole du Siècle d'Or, est une oeuvre complexe et d'accès difficile qui a suscité des interprétations multiples et souvent divergentes, car elle se prête à plusieurs lectures selon que l'on s'attache prioritairement au genre littéraire auquel elle appartient, à la matière profane, essentiellement socio-économique, qu'elle met en oeuvre, ou à la leçon de théologie morale qu'elle tire systématiquement d'un tableau sans complaisance des moeurs d'une société et d'une époque. En considérant Mateo Alemán comme un authentique moraliste chrétien et le Guzmán comme un long catéchisme illustré dans le droit fil des prescriptions alors très actuelles du Concile de Trente, le travail mené à bien par Monique Michaud est allé, semble-t-il, à l'essentiel. L'idée n'était pas nouvelle, mais cette thèse se fonde, de façon à la fois humble et exigeante, sur une analyse strictement textuelle de l'ouvrage, renforcée par une étude comparative des différentes oeuvres du même auteur (et accompagnée d'une remarquable série de croquis et de graphiques), qui n'avait jamais été conduite avec autant d'application et de minutie.
01/1987
Littérature française
Ecrits sur le sable. Tome 1, Récits, notes et journaliers
Voici, pour la première fois, l'oeuvre complète d'Isabelle Eberhardt. Ecrits sur le sable, le premier volume, réunit l'intégralité des Journaliers, des Notes de Route et de Vagabondages. Ces textes constituent la chronique de ce que vécut Isabelle Eberhardt à partir du moment où elle choisit de s'immerger dans le Sahara. Le fil de ce véritable récit, lentement, se confond avec la route qu'elle emprunte et, page après page, le paysage absorbe tout à la fois l'auteur et son lecteur. Pour autant, l'exotisme est absent de ces pages. La magie du désert, conjuguée au regard d'Isabelle Eberhardt, suffit pour engendrer la légende. Flaubert, Maupassant, Loti et la fièvre orientaliste ne sont pas loin et, cependant, cette grande voyageuse dépasse ces illustres témoins : elle ancre le récit de ses pérégrinations au coeur de la mythologie. Depuis toujours, ces textes ont fait rêver. Au point d'être mis en scène par des épigones, interprétés, coupés, amendés, corrigés par des amoureux que certaines libertés de cet écrivain audacieux effrayaient. Voici, donc, l'oeuvre d'Isabelle Eberhardt rétablie dans sa forme originelle et ordonnée comme elle l'aurait souhaité. Un second volume réunit les oeuvres romanesques d'Isabelle Eberhardt.
03/2016
Beaux arts
Jean-Michel Coulon (1920-2014). Edition bilingue français-anglais
Jean-Michel Coulon a passé sa vie à créer, dessiner et peindre... dans un secret quasi-absolu. Il ne laisse personne entrer dans son atelier et à sa mort, en 2014, sa famille découvre une oeuvre structurée, intacte et inédite qui compte plus de 800 peintures et collages. Dès 20 ans, il décide de se consacrer entièrement à la peinture. D'emblée ses oeuvres sont toutes abstraites. Au cours des années d'après-guerre il est introduit dans les cercles artistiques comme la seconde Ecole de Paris et devient proche de peintres tels que Nicolas de Staël, André Lanskoy, Maria Helena Vieira da Silva et Arpad Szenes. Ses débuts sont prometteurs puisqu'à 30 ans il expose seul à la galerie Jeanne Bucher dont le livre d'or témoigne de la présence d'artistes qui connaitront bientôt la célébrité. Parmi eux, Rothko, Vieillard, Deyrolle ou Arnal. L'année suivante, en 1950, il participe à une exposition de groupe à New York. Ensuite, cependant, sans jamais cesser de créer, il refusera presque toutes les propositions d'exposition. Cet ouvrage propose de découvrir le travail d'un artiste qui a refusé la reconnaissance du grand public de son vivant, alors qu'il a dédié sa vie à son oeuvre.
06/2018
Décoration
Paris street art. Saison 2
Honoré de Balzac écrivait dans Physiologie du mariage : "Oh ! errer dans Paris ! adorable et délicieuse existence ! Flâner est une science, c'est la gastronomie de l'oeil. Se promener, c'est végéter ; flâner, c'est vivre." Après le très bon accueil réservé à Paris Street Art dès sa parution, il était évident de continuer ce panorama du street art parisien tant il est riche et éclectique. Cette deuxième saison rassemble près de 300 photos et plus de 200 artistes pour faire écho à 26 nouveaux thèmes. De A à Z, cette nouvelle flânerie poétique, au hasard des oeuvres et des murs de la capitale, nous prouve que Paris est l'un des viviers créatifs les plus bouillonnants du monde en matière d'art urbain. Ce livre en rend parfaitement compte et fait déjà oeuvre de référence ! Parmi les 200 artistes ayant contribué à cet ouvrage, beaucoup ont témoigné et 26 ont commenté leur oeuvre en ouverture de chaque lettre de l'alphabet : Jack le Black, Noty & Aroz, Sitou, Matt_tieu, Jean Ba, C.tra, Oji, Jaeraymie, Olivia Paroldi, Twopy, Karla Sutra, HeartCraft, Kefran, JPM, Mademoiselle Berthelot, Toqué Frères, Murmure Street, Joachim Romain, Kwim, Achbé, Jessica Pliez, Stanislas Zanko, Guaté Mao, dAcRuZ, Backtothestreet et Esse Erudiorf.
11/2018
Histoire internationale
Bartholdi. L'homme qui inventa la liberté
Le 4 mars 1883, un journaliste confi ait au président de la République française, Jules Grévy, visitant les ateliers qui fabriquaient la statue de la Liberté , que cette " oeuvre merveilleuse immortalisera le nom de son auteur ". Il se trompait. Dès après sa mort, le nom de Bartholdi disparut. Cet artiste voué aux prouesses monumentales (1834-1904) fut rangé dans la catégorie des " académiques ". Le grand Rodin lui vola la vedette. Commença un siècle de solitude. C'est seulement au début du troisième millénaire que le statuaire et son oeuvre resurgirent . L'installation, en 2012, d'un modèle original de la statue de la Liberté au musée d'Orsay marque le début de la redécouverte. La création du nouveau musée de la Liberté, ouvert en 2019 à New York, s'inscrit dans cette dynamique. Ce livre a été écrit pour réparer un déni de mémoire . Fruit d'une longue enquête qui a mis à jour de nombreux documents inédits , il s'attache à situer l'artiste dans son temps et dans ses réseaux, à révéler ses engagements philosophiques et à décrypter le sens de ses oeuvres. Apparaît alors un homme beaucoup plus subtil et complexe , attachant et généreux, hanté par le souci de l'universalité.
02/2019
Beaux arts
Arnold Schönberg. Peindre l'âme
Arnold Schönberg (1874-1951) est l'un des compositeurs majeurs du XXe siècle, mais il fut aussi théoricien, enseignant, poète et peintre. En effet, à partir de 1908 et pendant une dizaine d'années, il s'est adonné à la peinture, en parallèle de son activité musicale. Portraits et autoportraits, paysages imaginaires à la limite de l'abstraction et études de décors d'opéra constituent un oeuvre hors norme, miroir de ses états d'âme qui ne trouvaient pas de forme musicale. La redécouverte de Schönberg à l'aune de sa production picturale est ainsi l'occasion de se replonger dans les cercles artistiques viennois du tournant du XXe siècle avec Richard Gerstl, Oskar Kokoschka, Max Oppenheimer ou Egon Schiele, mais aussi de pénétrer les coulisses de son amitié avec Vassily Kandinsky, pour lequel la musique de Schönberg joua un rôle fondamental. La relation de Schönberg à son identité juive est également abordée par nombre d'oeuvres, écrits et compositions qui témoignent d'un engagement méconnu, tant musical que politique. Arnold Schönberg. Peindre l'âme pose un regard renouvelé sur l'artiste, en suivant sa trajectoire à travers des questions inédites en France, à la croisée des champs artistiques et des préoccupations culturelles et religieuses qui ont irrigué son oeuvre.
09/2016
Beaux arts
Rodin, les métaphores du génie. 1900-1917
Auguste Rodin est unanimement célébré comme le génie de la sculpture de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle. C'est en 1900 qu'a lieu le tournant décisif de sa carrière. Il organise lui-même, à cette date, à l'occasion de l'Exposition universelle, sa propre rétrospective au pavillon de l'Alma, ayant à coeur d'offrir aux visiteurs l'oeuvre de toute une vie. Jusqu'en 1914, grâce au soutien d'une élite littéraire, artistique, savante, politique et mondaine, il s'emploie à multiplier dans toute l'Europe et aux Etats-Unis les expositions de ses sculptures et de ses dessins. Celles-ci lui valent une consécration nationale et internationale, dont le point d'orgue sera, en pleine guerre, en 1916, l'acceptation par le Parlement de la donation à l'Etat de toutes ses oeuvres et de ses collections, afin d'en faire son futur musée. C'est ce dernier Rodin des années 1900-1917, celui de la maturité, celui de l'oeuvre ultime, le créateur des Mouvements de danse, des assemblages, des aquarelles saturées de couleurs, mais aussi le Rodin dont la vieillesse est subordonnée à de nouveaux temps - des temps de guerre, de destruction et de désespoir que cet ouvrage invite à découvrir.
03/2014
Critique littéraire
Manderley for ever
«La nuit dernière, j’ai rêvé que je retournais à Manderley…» : la phrase qui ouvre le roman Rébecca a fait rêver des générations de lecteurs. Tout le monde connait L’Auberge de la Jamaïque, Rebecca ou Les Oiseaux d’Alfred Hitchcock, mais l’auteur des oeuvres qui l’ont inspiré, Daphné du Maurier (vendue pourtant à des millions d’exemplaires et traduite en une quarantaine de langues), est aujourd’hui tombé dans l’oubli. Pourquoi Daphné du Maurier est-elle considérée comme un auteur de romans féminins, alors que ses histoires sont souvent noires et dérangeantes ? Que sait-on vraiment de son lien étroit avec la France, de ses liaisons longtemps tenues secrètes, des correspondances ténues que son oeuvre entretient avec sa vie, et dans laquelle elle parle beaucoup de son histoire familiale ? Portrait d’un écrivain par un autre écrivain, Manderley décrit minutieusement une vie aussi mystérieuse que l’oeuvre qu’elle sous-tend – toute de suspense psychologique –, et met en lumière l’amour fou de cette femme pour son manoir de Cornouailles. Un portrait tout en nuances de la plus énigmatique des romancières britanniques, mais davantage encore : un voyage littéraire sur les traces d’un des plus grands auteurs de best-sellers de son époque, méprisé par la critique mais adulé du public.
02/2015
Compositeurs
Le même et le différent. Entretiens avec Matthieu Saladin
L'oeuvre du compositeur nord-américain Alvin Lucier se distingue par sa singularité dans le paysage de la création sonore. Eloignées des préoccupations compositionnelles de ses contemporains, ses oeuvres se consacrent toutes à une même étude, celle de l'activité vibratoire des ondes sonores et des multiples phénomènes qui en résultent : écho, diffraction, onde stationnaire, résonance, battement acoustique, etc. Chaque composition ou installation sonore est l'occasion d'examiner patiemment tel ou tel phénomène, de le dévoiler à l'écoute, afin de mieux en saisir la prégnance quotidienne et d'en cerner les propriétés spatiales. Mais au-delà de l'observation esthétique des phénomènes, une telle écoute des mouvements ondulatoires conduit in fine à une double expérience : celle inextricable d'un dehors et des relations constitutives de la perception. Ce livre réunit un ensemble d'entretiens avec Matthieu Saladin où Lucier revient sur son parcours de compositeur, ses années de formation, les enjeux esthétiques de son oeuvre, sa pratique de l'écoute, son rapport à l'expérimentation sonore ou encore son travail d'enseignant. Ils sont précédés d'un essai introductif mettant au jour l'originalité d'une position artistique où la réflexivité perceptive devient la promesse d'un rapport renouvelé au monde.
02/2023
Renaissance
Caen 1483-1620. Architecture à la Renaissance
Principale ville de basse Normandie, Caen a connu à la Renaissance une intense activité sur le plan architectural. Des bâtiments civils et militaires aux édifices religieux, cet ouvrage parcourt l'ensemble de la création architecturale à Caen entre la fin du XVe siècle et le début du XVIIe, dévoilant ainsi un patrimoine méconnu en raison des dégâts qu'a subi la ville durant la Seconde Guerre mondiale. Quelles sont alors les conditions matérielles de la création architecturale ? Quels sont les rôles et statuts des maîtres d'ouvrage, maîtres d'oeuvre et ouvriers ? D'où viennent les matériaux ? Pour quels usages et quelles conditions de mise en oeuvre ? Y a-t-il un style propre à l'architecture caennaise ? Quelles en sont les influences ? à travers le recensement des chantiers, l'analyse archéologique ou les travaux d'érudits, ce sont les phases de construction qui sont mises en évidence et qui précisent ainsi l'histoire de la ville et son influence sur les chantiers urbains. En analysant les oeuvres d'un point de vue typologique et stylistique et en en soulignant le caractère original, ce livre replace les réalisations caennaises au sein des réseaux d'échange entre les provinces, les villes et leurs environs, explore des édifices remarquables et fait renaître un patrimoine aujourd'hui évanoui.
04/2023
Critique Poésie
Le testament du Haut-Rhône de Maurice Chappaz
Quelle oeuvre est plus représentative de la poésie de Maurice Chappaz (1916-2009) que le Testament du Haut-Rhône ? Publié en 1953, après dix années d'une gestation laborieuse, ce poème en prose au lyrisme élégiaque et prophétique et à la tonalité bien souvent énigmatique, appelle un regard à la fois historique et littéraire. Quelle oeuvre est plus représentative de la poésie de Maurice Chappaz (1916-2009) que le Testament du Haut-Rhône ? Publié en 1953, après dix années d'une gestation laborieuse, ce poème en prose au lyrisme élégiaque et prophétique et à la tonalité bien souvent énigmatique, appelle un regard à la fois historique et littéraire. Le plus célèbre poète valaisan a fait de la défense de son pays et de la nature son cheval de bataille et sa poésie contient les ferments de l'engagement de toute une vie. Un tel texte suggère également que l'on traverse la vie de son auteur et que l'on mette en parallèle des oeuvres qui, bien qu'éloignées dans le temps, à l'image des Maquereaux des cimes blanches (1976), demeurent proches dans ce même désir commun de dire le pays, d'en extraire l'essence et de mettre en évidence les menaces qui le guettent.
02/2023
