Piranèse

On ne reconnaîtra sûrement jamais assez la modernité sans pareille de Charles Nodier. Esprit vif, ouvert, chatoyant et débordant d'érudition, impérieusement inventif, chercheur, sans perdre pour autant le goût de la fantaisie ni surtout celui de la plus grande des libertés, Charles Nodier, quel que soit le domaine auquel il s'attache, est et demeure un précurseur, un déchiffreur, comme il peut l'être encore ici quand il prend pour objet un créateur aussi curieux et fascinant que Piranèse pour rédiger un conte étrange, aussi savant que virevoltant, où le lecteur est emporté dans les méandres d'une réflexion qui ne cesse de s'enrouler en cercles concentriques autour de l'oeuvre de Piranèse et de son mystère. Peut-être tenons-nous là le plus singulier des écrits consacrés aux fameuses Prisons imaginaires gravées par Piranèse en ce qu'il laisse apercevoir cette oeuvre comme une sorte de trou noir (le cerveau noir de Piranèse, comme l'écrivait Victor Hugo) qui ne peut que subjuguer quiconque aurait l'audace de vouloir quelque peu s'en approcher.

Lauréat du Women's Prize 2021 Le retour attendu et triomphal de l'auteure de Jonathan Strange & Mr Norrell La maison où vit Piranèse n'est pas un bâtiment ordinaire : ses pièces sont infinies, ses couloirs interminables et ses salles ornées de milliers de statues. Au coeur de cette architecture monumentale est emprisonné un océan, mais Piranèse n'a pas peur, il vit pour explorer ce labyrinthe. Dans son journal, il dresse de rigoureux rapports de ses errances. L'Autre vit aussi dans cette cité enfouie. Piranèse lui rend visite deux fois par semaine et l'aide dans sa recherche du Grand Savoir. Mais, au cours de ses expéditions, Piranèse découvre un jour des preuves de l'existence d'un troisième habitant. Une terrible vérité commence à se dévoiler, révélant un monde totalement différent de celui qu'il connaît. Envoûtant, Piranèse nous plonge dans un monde parallèle onirique, à la beauté irréelle, rempli d'images surprenantes, tourmenté par les flots et les nuages. " Une lumineuse prouesse littéraire " Madeline Miller, auteure de Circé Lauréat du Women's Prize 2021

Le retour attendu et triomphal de l'auteure de Jonathan Strange & Mr Norrell. La maison où vit Piranèse n'est pas un bâtiment ordinaire : ses pièces sont infinies, ses couloirs interminables et ses salles ornées de milliers de statues. Au coeur de cette architecture monumentale est emprisonné un océan, mais Piranèse n'a pas peur, il vit pour explorer ce labyrinthe. Dans son journal, il dresse de rigoureux rapports de ses errances. L'Autre vit aussi dans cette cité enfouie. Piranèse lui rend visite deux fois par semaine et l'aide dans sa recherche du Grand Savoir. Mais, au cours de ses expéditions, Piranèse découvre un jour des preuves de l'existence d'un troisième habitant. Une terrible vérité commence à se dévoiler, révélant un monde totalement différent de celui qu'il connaît. Envoûtant, Piranèse nous plonge dans un monde parallèle onirique, à la beauté irréelle, rempli d'images surprenantes, tourmenté par les flots et les nuages.

Nul ne sait si le Paradis existe. Mais l'Enfer est une réalité. C'est Piranèse, la planète prison où sont détenus tous les exclus de l'empire. Personne ne s'en évade et l'espoir de survie y est des plus faibles. Mais voilà que cet ordre est troublé par l'apparition d'une jeune femme qui a échappé au contrôle génétique instauré par les gardiens. Serait-ce la libératrice que tous espèrent ?

Ce catalogue d'exposition est une invitation au voyage en Italie, à Rome et à Venise, dans les pas du peintre paysagiste Emmanuel Lansyer (1835-1893) . Au temps du chemin de fer, celui-ci livre ses impressions sur ces majestueuses cités, et il évoque les difficultés pour un artiste de les représenter. "Portraitiste de ville" Lansyer s'inscrit dans la lignée de Canaletto et de Piranèse, deux védutistes de génie du XVIIIe siècle, dont il a acquis de nombreuses gravures à l'eau-forte. Cette collection conservée à la Maison-Musée Lansyer de Loches constitue un ensemble exceptionnel à l'échelle mondiale. Le parcours de Lansyer convie aussi à un voyage aux débuts de la photographie, un art en plein essor qui propose une autre image de l'Italie, celle de son peuple et de son fabuleux héritage patrimonial.

Conçu comme une confrontation imaginaire entre l'œuvre de Jean-Baptiste Piranèse, célèbre graveur du XVIIIe siècle, les photographies de Ferrante Ferranti et les sculptures de Patrice Alexandre, Imaginaire des ruines propose une réflexion sur la place de la ruine dans l'art. C'est ainsi une véritable esthétique des ruines que Ferrante Ferranti, Dominique Fernandez et Patrice Alexandre nous permettent de redécouvrir aujourd'hui, à travers une exploration des grands lieux de l'architecture et la confrontation de leurs univers créatifs avec celui de Piranèse. Ils nous offrent, par leurs travaux respectifs, la possibilité de retrouver l'émerveillement de toute une époque devant le spectacle des ruines. Et avant tout, c'est un hommage qu'ils rendent à Piranèse, grand visionnaire de son temps, lui qui fut envoûté par cette magie au point de passer sa vie à les reproduire sous leur aspect réel et imaginaire. Photographies, mots et sculptures produisent des résonances contemporaines et poétiques de l'architecture de l'artiste vénitien.

Le plus célèbre graveur sur cuivre du XVIIIe siècle, Giovanni Battista Piranesi (1720-1778), dit Le Piranèse, a forgé sa renommée grâce à sa série d'eaux-fortes représentant la Rome antique. Ses surprenantes gravures en clair-obscur, qui imprègnent les ruines archéologiques de la cité de drame et de romantisme, sont vite devenues les souvenirs préférés de ceux qui e ectuaient le Grand Tour, parcourant l'Italie en quête de culture et d'enseignement classiques. Aujourd'hui, Le Piranèse est non seulement célèbre pour avoir façonné l'image que l'Europe se fait de Rome, mais aussi pour ses séries élaborées de prisons fantasmagoriques, les Carceri, qui ont depuis infl uencé des générations de créateurs, des Surréalistes à Samuel Taylor Coleridge en passant par Edgar Allan Poe, Jorge Luis Borges et Franz Kafka. Librement inspirés de décors plutôt que des véritables cachots sordides de l'époque, ces images très travaillées défient le réalisme architectural, préférant les jeux de perspective, d'éclairage et d'échelle. Les escaliers existent sur deux plans simultanés, de vastes plafonds voûtés semblent s'élancer jusqu'aux cieux, les distinctions entre dedans et dehors s'effacent. Vues d'en bas, peuplées de petites silhouettes fragiles, ses prisons prennent l'aspect de monstrueuses mégapoles carcérales, considérées aujourd'hui encore comme des chefs-d'oeuvre du drame existentialiste.

" L'un des plus beaux livres écrits sur Rome. Une Rome suspendue entre le clair et l'obscur, le ciel et les ruines, les enfers et l'au-delà : une ville de fontaines et de foudre, de fleuve et d'incendie, de fables et d'artifices ; cité du théâtre et de l'illusion, élémentaire comme Isis, tragique comme Borromini, abyssale comme Piranèse... Et l'érudition est voilée comme chez Nerval, c'est une érudition qui joue, invente jusqu'au délire, tire des feux d'artifice, pâlit avec les couleurs et les reflets de la nacre, avant de s'éteindre dans la mélancolie. " Pietro Citati.

"J'ai pour nom Ernao Piranesi. Et au soir de mon existence, j'ai transgressé les lois monastiques qui me guidaient depuis toujours. J'ai profité de l'enseignement de l'enluminure qui me fut prodigué dans ma jeunesse pour écrire un livre profane, que je me dois de dissimuler. Un récit fatalement prohibé car ne parlant en rien de quelque épisode religieux consacré... Mais de ma pauvre vie." Ce sont les seules phrases que Stolin novice enfermé dans le sinistre monastero del Picco dell'Acqua, a le temps de lire au moment où il découvre ce manuscrit, caché sous un tapis dans la cellule de Piranesi qui vient de rendre l'âme. Le fracas des vagues et le hurlement des vents sont les seules sonorités autorisées en ces lieux. Les religieux confirmés ont même la bouche cousue et Stolin sait très bien que ce sort l'attend, à terme. Ce livre est pour lui l'occasion d'entendre encore une voix... la sienne. Se cachant pour lire la suite à voix basse, il va découvrir une prodigieuse histoire d'hérésie, de sang, de mensonges, de procès, de folie et d'amour... celle du moine mort.

Baron désargenté, Edmond Alfé Des Gonds se trouve confronté, malgré lui, à une petite personne issue de la bourgeoisie : Bérénice Piranesi. Elle aime les chiffres et les sciences, il n'aime que la littérature. Elle méprise la noblesse, caste inutile, lui ne peut s'empécher de la comparer à ses soeurs et s'étonne de son instruction et de sa liberté de ton. Bérénice est le premier tome d'une longue série qui emmène le lecteur de 1785 à 1795 sous le nom de "Mémoires d'un gentilhomme des dernières années de l'ancien régime".

Albrecht Dürer, Rembrandt, Piranèse, Tiepolo, Palézieux, Morandi et Corot, tels sont quelques-uns des grands noms figurant dans les pages de ce volume qui accompagnera l'exposition proposée par le musée Marmottan Monet de Paris dès le début du mois de juillet 2023. Les oeuvres présentées dans l'ouvrage sont de véritables chefs-d'oeuvre de la gravure et de l'héliographie. Leurs reproductions permettent de retracer l'histoire de la gravure, de la xylographie du XVe siècle aux inventions plus libres du XXe siècle, dont certaines sont dues à des artistes outsiders. La narration visuelle ne suit pas un parcours chronologique : Florian Rodari, éditeur de l'ouvrage, s'est fixé pour objectif de faire ressortir les affinités entre les maîtres anciens et les artistes modernes, ce qu'un rapprochement libre et sensible est seul à permettre. Loin de l'idée de confrontation et de hiérarchie, ce volume rappelle que les interrogations formelles et les ambitions techniques transcendent le temps de l'histoire de l'art.

La suite des eaux-fortes sur Paris par Charles Meryon, parue en 1852, avait été admirée par Victor Hugo et Charles Baudelaire. Ces images sans couleurs en clair-obscur sont fondées sur le dialogue entre l'ombre et la lumière : elles s'inscrivent dans la tradition de la gravure classique de Rembrandt et de Piranèse. La fabuleuse démarche de Meryon consiste dans le rapport entre la rigueur géométrique de la représentation de Paris et la géniale invention des détails qui habitent ses images. Charles Meryon a été un graveur rare de qualité exceptionnelle. Ancien marine de père anglais, il meurt dans l'asile de Charenton. Cette édition a été établie à partir du Quartier de Meryon parue en 1946. Elle est accompagnée d'un texte de Michel Melot et enrichie de citations de Charles Baudelaire, Pierre-Jean Jouve et Victor Hugo qui écrit : Le souffle de l'immensité traverse l'oeuvre de Meryon et fait de ses eaux-fortes plus que des tableaux, des visions.

Depuis le coeur de Manhattan, Brad Holland observe ses contemporains avec une noire lucidité. Il les observe ? Les dissèque plutôt, armé de sa plume comme d'un bistouri. La société souffre, et il cherche à savoir d'on provient cette souffrance, de quelles sombres machinations économiques ou idéologiques elle découle. Dessinateur profondément politique, c'est aussi un philosophe, portant sur les êtres et les choses un regard parfois désespéré, poétique souvent— il y a une dimension onirique dans son oeuvre. Ses dessins minutieux et poignants font partie de l'histoire moderne de l'Amérique : il en a étudié les soubresauts d'un trait noir, hachuré à la manière des gravures anciennes. Cet ouvrage, qui réunit pour la première fois en Europe an florilège des dessins de ce grand dessinateur, s'adresse à un public curieux et attentif, souvent familiarisé avec les oeuvres de Rembrandt, de Goya, de Piranèse, d'Alfred Kubin, de Heinrich Kley ou de Roland Topor. Une conversation, menée par Callisto McNulty, nous introduit dans l'aventure de ce grand artiste américain contemporain.

Si vous pensez que Pessoa n'était pas un érudit, qu'il n'avait aucun sens de l'humour, qu'il n'était pas critique à l'égard du régime salazariste, ne lisez pas Message. Si vous croyez que l'intranquillité ne se trouve, pour le pire et pour le meilleur, que dans le livre du même nom, ne lisez pas Message. Si vous vous figurez que la saudade est une affaire personnelle et pas une affection collective, eh bien, nous sommes d'accord, ne lisez pas Message. Mais si vous aimez les architectures de Piranèse, les jeux de piste et les micro-récits, alors lisez Message. Si vous avez quelque prévention contre les super-héros à l'américaine, mais qu'un Supra-Camões et un Sébastien Superstar peuvent vous intriguer, lisez donc Message sans plus attendre. Message est aussi un labyrinthe à plusieurs étages, aux nombreuses entrées et aux sorties indéfinies : si vous voulez mettre à l'épreuve votre sagacité tout en satisfaisant à une irrépressible curiosité, c'est bien cela : lisez Message !

Dans cet essai majeur d'histoire de l'art, Henri Focillon développe dans une grande clarté une interprétation personnelle et non schématique de la "pure visibilité", synthétisant l'héritage de l'école historique et les découvertes bergsoniennes sur l'évolution et l'élan vital appliquées à l'esthétique. En cinq chapitres : "Le monde des formes", "Les formes dans l'espace", "Les formes dans la matière", "Les formes dans l'esprit" et "Les formes dans le temps", il rejette l'opposition scolaire entre "fond" et "forme" et met en évidence que la forme s'identifie à la pensée même de l'artiste. L'étude des formes est selon lui indissociable de l'étude des styles. Qu'elle soit de Piranèse, Hokusai ou Rodin, il part toujours de la réalité de l'oeuvre d'art et privilégie l'expérience esthétique de chaque oeuvre dans sa forme singulière, avec ses données matérielles, spatiales, temporelles, visuelles et mentales autonomes, plutôt que sa signification. Cette édition est complétée d'un "Eloge de la main" où il montre que le geste créateur de la main de l'homme, en exerçant une action sur la vie intérieure, transfigure la forme tout en métamorphosant la matière.

Sept essais critiques qui tentent d'évaluer ou de réévaluer un sujet, d'aller "les yeux ouverts", comme naguère l'Hadrien des Mémoires, aussi loin que cet examen nous mène. Une étude sur l'Histoire Auguste, ce recueil de chroniques violemment partiales, parfois scandaleuses, qui est néanmoins l'une de nos sources les plus importantes pour l'histoire de la Rome de la décadence. Deux essais écrits, dirait-on, en marge de L'œuvre au Noir, l'un consacré aux Tragiques d'Agrippa d'Aubigné, et, plus encore peut-être, par-delà ce sombre grand poète à l'intolérance et à la cruauté sous leurs aspects du XVIe siècle; l'autre évoquant la vie agitée et instable des habitants successifs de Chenonceaux, jouets, comme nous tous, des pouvoirs conjugués de la politique et de l'argent sans cesse présents dans ce poétique décor. Une étude sur Les Prisons imaginaires de Piranèse, "l'une des œuvres les plus secrètes que nous ait léguées le XVIIIe siècle", analyse les motivations formelles et psychologiques de ces extraordinaires architectures. Viennent ensuite trois grands noms de la littérature moderne: Selma Lagerlöf, conteuse épique de la Suède du XIXe siècle; l'énigmatique poète Constantin Cavafy, obsédé par son propre passé amoureux et par le passé alexandrin et byzantin de sa race; Thomas Mann et les rapports complexes de l'auteur de La Montagne magique et du Docteur Faustus avec la vieille et savante tradition des hermétistes et des alchimistes, qui préconisèrent la connaissance du monde "sous les espèces de l'intériorité". Le titre du livre indique le souci de n'aborder les grandes œuvres et les grands moments du passé que sans idée préconçue, aboutissant ainsi, qu'on le veuille ou non, à une méditation sur le présent et l'avenir immédiat, regardés, eux aussi, "les yeux ouverts".

L'oeuvre du graveur Erik Desmazières est célèbre depuis les années 1979 par sa dimension onirique, en particulier ses perspectives fantastiques servies par une virtuosité technique exceptionnelle. La frontière entre la réalité et l'imaginaire tend à s'estomper dans son ouvre qui dépasse la simple transcription minutieuse du réel, s'inscrivant ainsi dans la filiation de grands artistes visionnaires tels Piranèse ou Méryon. Son imagination est hantée par les villes et les objets et lieux du savoir, livre, grimoires, bibliothèques, cabinets d'histoire naturelle, ateliers de graveur. Cet ouvrage présente son travail sur le thème des bibliothèques, qu'elles soient imaginaires, comme celle inspirée par le texte de Borgès, La Bibliothèque de Babel (1997), ou réelles. Attiré par les architectures, Erik Desmazières ne pouvait qu'être fasciné par la Bibliothèque nationale conçue par Henri Labrouste. Il a commencé par s'intéresser à la grande salle de lecture qu'il a dessinée à de nombreuses reprises avant de passer à la réalisation d'une série de gravures sur ce thème en 2001 puis est revenu sur les lieux, après le déménagement des imprimés en direction du site de Tolbiac, à l'occasion de la commande passée sur les magasins Labrouste. L'ouvrage retracera ce cheminement en présentant non seulement les gravures, mais également les croquis de l'artiste pris sur le vif et consignés dans son carnet d'esquisses, les états de ses gravures, et des dessins sur ce thème.  Pour présenter l'ouvre de l'artiste, il a été fait appel à l'écrivain Olivier Rolin. Anne-Marie Garcia, conservateur à la bibliothèque de l'Ecole des Beaux-Arts présente la vie de l'artiste à travers une sélection de 20 gravures. Enfin, l'artiste parle de sa fascination pour le monde des bibliothèques dans un entretien avec Céline Chicha-Castex, conservateur au département des estampes et de la photographie de la BNF et commissaire de l'exposition.  

Sir John Soane est un des grands architectes des temps modernes en Europe. Membre de la Royal Academy où il enseigna durant de nombreuses années, il fut, entre autres, le bâtisseur de la Banque d'Angleterre, l'un des bâtiments les plus prestigieux de la City de Londres, qui fut malheureusement détruit en partie, puis largement reconstruit dans les années 1930. Passionné par l'étude de l'art antique, Soane visite l'Italie dans les années 1778-1779, admire, observe, dessine les monuments à Rome, Tivoli, Paestum et Pompéi. Ces monuments s'inscrivent profondément dans son esprit et sa mémoire. Ils marquent durablement son œuvre architecturale ; ils reviennent ainsi souvent, comme le temple de Vesta à Tivoli ou la colonnade du temple de Neptune à Paestum, en citation dans les édifices qu'il conçoit. Il s'intéresse aussi de près aux théories architecturales françaises, celle de Laugier notamment ; il étudie l'œuvre de Ledoux et de Boullée. Lors d'un de ses courts séjours en France, il visite l'église Sainte-Geneviève de Soufflot dont il fait plusieurs dessins et relevés. Mais la grande œuvre de Soane est ailleurs. Architecte néoclassique, professeur rigoureux, l'homme est un visionnaire, un rêveur. Sa vision de l'architecture ne se cantonne pas à la théorie, elle s'exprime au travers d'objets, de maquettes, de moulages, d'éléments réels, de dessins, de peintures et de gravures. Il est, au travers de son hôtel particulier-musée de Lincoln's Inn Fields, l'un des tout premiers concepteurs du musée d'Architecture, à la même époque et en parallèle avec Louis-François Cassas qui conçoit alors une galerie d'Architecture au Louvre. Soane crée dans sa maison londonienne un univers unique, où se mêlent onirisme et analyse rationnelle, au travers de l'accumulation tout à la fois savante et envoûtante de moulages, de maquettes, d'aquarelles, de gravures et de tableaux. Conçu pour être, au-delà d'un cabinet de travail et d'un lieu d'habitation, un musée dévolu à l'architecture dans ses différents aspects, l'hôtel particulier de l'architecte à Londres constitue l'un des lieux de promenade et de visite les plus étonnants de la capitale londonienne. L'esprit de Soane règne toujours dans ces pièces sous coupole, où la lumière alterne avec l'obscurité, et dont la succession est réglée comme sur une scène de théâtre dont le décor et la mise en abîme auraient été créés par Piranèse. La publication de cet ouvrage accompagne la première exposition consacrée en France à John Soane. Les Trustees du musée ont très exceptionnellement autorisé le prêt de ses œuvres - dessins, maquettes, manuscrits et aquarelles - qui ont d'abord été exposées à la Royal Academy pendant l'hiver 1999-2000, puis au Centro Palladio de Vicenza au printemps 2000.

Comment l'architecture, gouvernée par des règles strictes et des dogmes intangibles, pourrait-elle être impossible ? Partant de cette apparente contradiction, l'exposition kaléidoscopique présentée au musée des Beaux-Arts du 19 novembre 2022 au 19 mars 2023 explore les multiples voies empruntées par les artistes, de la Renaissance à aujourd'hui, pour faire "déraisonner" l'architecture. Affranchie des codes rigides dans laquelle l'emprisonne sa seule existence bâtie, l'architecture est susceptible de porter des idées comme de sonder les tréfonds de la pensée humaine, la mémoire et l'inconscient. Telle qu'elle surgit dans notre imaginaire, elle constitue une source d'inspiration majeure pour l'histoire de l'art et a fécondé à toutes les époques l'inspiration des artistes, qui puisent dans l'imaginaire lithique un puissant potentiel d'évocation propre à surprendre, déstabiliser, questionner, dénoncer. La présentation est orchestrée en cinq chapitres thématiques placés chacun sous les auspices d'une notion (caprice, démesure, égarement, menace et perte) et offrant autant de clés de lecture possibles du thème. Certains motifs comme le labyrinthe, la tour, la maison hantée, les escaliers impraticables ou la ruine, servent de fil conducteur à un voyage dans des mondes étranges, fabuleux et inquiétants, où la présence humaine a souvent entièrement disparu. Placée dans un esprit d'ouverture, l'exposition ne se limite pas à la peinture et à l'art sur papier, deux médiums privilégiés de l' "artiste bâtisseur" comme de l'architecte (lorsque celui-ci choisit de délaisser règles et compas pour s'emparer du pinceau et du burin). Elle offre plus largement des résonances avec la littérature, la photographie, le cinéma et le jeu vidéo. Réunissant plus de 150 oeuvres de toute nature issues d'institutions nationales, internationales et de collections particulières, elle rassemble une cinquantaine d'artistes : noms éminents (Giovanni Battista Piranesi, Hubert Robert, Louis-Etienne Boullée, Victor Hugo, Gustave Doré, Maurits Cornelis Escher, Max Ernst, Wim Delvoye, etc.) ou plus confidentiels (Albert Trachsel, Wenzel Hablik, Emily Allchurch, etc.). Tous placent l'architecture au centre de leur démarche créative et de leur univers visuel. Chahutant les traditionnels discours sur l'art, les hiérarchies et les classifications par époque et par genre, l'exposition offre au visiteur une plongée sensorielle dans des univers déconcertants qui bousculent radicalement nos perceptions immédiates et nos habitudes cognitives. A travers une approche sensible du motif architectural, l'exposition se présente elle-même comme une expérience de perturbation spatiale. La promenade se transforme en errance et c'est gagné par le vertige que le visiteur déambule dans l'exposition.