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Le langage, l'écriture et les lettres sont les fondements de notre communication en tant qu'êtres humains, et la calligraphie célèbre la beauté inhérente de ce besoin de partage et de connexion. Ce volume présente ce que la calligraphie est devenue au XXIe siècle, avec 101 artistes issus du monde du graffiti, du tatouage, du graphisme, de la peinture, de l'illustration, de l'art de l'affiche, de la bande dessinée, et bien plus encore. Leurs différents supports, styles et langages, y compris imaginaires, montrent le potentiel et l'inspiration infinis de la transformation des lettres en art. Chaque artiste présente une brève biographie expliquant son parcours et ses inspirations, des exemples de ses oeuvres et un alphabet original. Les artistes, originaires de 20 pays, partagent des alphabets en couleurs vives et en noir et blanc, en clarté et en chaos, au crayon sur papier et à la peinture sur les murs. A notre époque numérique, où les écrans et les claviers ont pris le dessus, cet art ancien continue de prospérer. Language, writing, and letters are the basis of our communication as human beings-and calligraphy celebrates the inherent beauty of this need to share and connect. This volume showcases what calligraphy has grown to be in the 21st century, featuring 101 artists from the worlds of graffiti, tattooing, graphic design, painting, illustration, poster art, comics, and more. Their different mediums, styles, and languages, including imaginary ones, show the endless potential and inspiration of turning letters into art. Each artist featured has a brief bio explaining their background and inspirations, examples of their artwork, and an original alphabet. The artists, from 20 countries, share alphabets in vibrant color and black and white, in clarity and in chaos, in pencil on paper and paint on walls. In our digital age, where screens and keyboards have taken over, this ancient art still thrives.

Travailler avec le corps dans des paysages naturels et urbains - sans assistants et sans manipulation - l'autoportrait de Minkkinen est l'une des plus longues continuités ininterrompues du genre dans l'histoire de la photographie. Cette monographie couvre cinq décennies de travail du célèbre photographe finno-américain Arno Rafael Minkkinen (né en 1945). Le livre à couverture rigide de 330 pages représente plus de 270 images depuis 1969 à nos jours avec des oeuvres importantes des 50 dernières années. Plus de la moitié des images sont en grande partie inédites, dont plus de 100 oeuvres récentes depuis 2005, avec de nombreuses découvertes des années 1980 et 1990, ainsi que des images révolutionnaires importantes du début des années 1970, des années avant que l'autoportrait n'entre dans le courant dominant de la photo-graphie contemporaine. . Qu'il travaille le long des rives des lacs ou des plages, dans les villes ou les forêts, des sommets majestueux ou enfouis dans la neige, Minkkinen vise à créer un équilibre entre la forme humaine nue et les mondes naturel et urbain dans lesquels nous existons, nous rappelant que nous sommes avant tout êtres sans vêtements. les résultats peuvent être surréalistes, spirituels et transformateurs, souvent teintés d'un profond sens de l'humour. Photographié dans près de 30 pays et 20 Etats américains, le livre complet fonctionne également comme une sorte de journal artistique, divisé en dix chapitres thématiques, chacun avec une préface écrite par Minkkinen, ainsi qu'un mémoire de clôture intitulé Voyage of the Self.

La peur de parler en public arrive juste derrière celle de la mort. Le stress qu'elle génère peut être incapacitant et transformer une présentation en événement traumatisant. Pourtant, savoir présenter en public est une des compétences nécessaires pour booster une carrière ; en appliquant quelques techniques simples, vous pourrez facilement transcender vos peurs et briller en public. Ce livre est le fruit de près de trente ans de présentations publiques utilisant des logiciels de présentation divers, de Harvard Graphics à Canva en passant par PowerPoint, Prezi Next, Impress, Keynote ou Sway. Il s'adresse à toutes les personnes amenées à faire des présentations face à un public plus ou moins large, que ce soit dans un domaine professionnel ou privé. Il aborde tous les aspects de la présentation : quel outil choisir, comment construire l'histoire et délivrer son message, comment utiliser le cliqueur mais également comment travailler sa voix, se présenter face à son audience, se préparer au mieux et prendre confiance grâce aux répétitions... Débordant d'informations utiles, de nombreuses astuces, présentant des exemples de présentations réussies et les principales erreurs à éviter, il conviendra également aux présentateurs et présentatrices aguerris et vous aidera à concevoir une présentation digne des plus grands orateurs tels Steve Jobs ou Anthony Robbins. Vous y trouverez également des exercices simples et rapides pour vous apprendre à mieux respirer, à travailler votre voix, à vous déplacer sur la scène avec assurance, à mieux articuler les transitions entre diapositives, à impliquer votre audience pour, finalement, devenir un présentateur hors pair.

Un manuscrit conservé à la Bibliothèque Nationale et Universitaire de Strasbourg porte le titre de Vocabulaire des termes des patois de Lorraine, de Franche-Comté et de Bourgogne, avec quelques remarques sur ces divers jargons, par Court de Gebelin. Nous établirons dans un premier chapitre que la source principale de ce Vocabulaire est en fait l'abbé Nicolas-Sylvestre Bergier, apologiste célèbre en son temps. Originaire de Darney dans les Vosges, il a officié à Flangebouche dans le Doubs, et était en relation avec Court de Gébelin, dont il partageait l'objectif de restituer des racines primitives derrière la diversité des langues. Le corps de l'ouvrage sera constitué au chapitre 3 par l'édition du Vocabulaire proprement dite, avec renvois systématiques au FEW et aux matériaux dialectaux modernes, permettant ainsi d'affiner la localisation des entrées individuelles. Après avoir présenté des éléments de localisation dialectale au chapitre 4, notre chapitre 5 sera consacré à l'interprétation phonétique de la graphie employée, particulièrement celle des voyelles. Quelques brèves observations d'ordre lexical seront faites au chapitre 6, puis nous terminerons par une réflexion sur l'héritage de Gébelin, non pour sa contribution directe à la description dialectale, mais pour le rôle d'instigateur enthousiaste qu'il a joué auprès d'autres savants de son époque. Ce lexique de la fin du XVIIIe siècle, qui comble une lacune dans notre connaissance des parlers lorrains de l'ouest vosgien, et du comtois de l'est du Doubs, apparaît par ailleurs comme une source fiable.

En proposant d'aborder les voix acousmates en littérature, l'ouvrage se consacre aux voix délaissées par la critique. Les voix acousmates désignent ce que l'on croit entendre, des "cas de fantômes sensoriels constitués par un son à source invisible" (Michel Chion). Le terme fait écho aux disciples débutants de Pythagore, nommés les Acousmatiques qui devaient rester derrière une tenture pour mieux écouter les leçons du maître. Ce livre propose des études de cas d'oeuvres majeures de la littérature française (Verne, Villiers de l'Isle-Adam, Duras...) et anglophone (Cather, Beckett, Hardy, Conrad...). Il aborde également les domaines de l'opéra, de la poésie sonore, du rire et convoque des approches poétiques, textuelles, narratologiques et psychanalytiques des acousmates en littérature. Cette forme de "vocalité secondaire" retrouvée chez Beckett et Duras intéresse des critiques récents comme Garrett Stewart ou Mladen Dolar, car cette "auraltérité" (Dolar) conditionne la poéticité des textes. Chaque partie du livre incarne à sa façon la présence-absence des voix dans l'écriture ou les arts qui transparaissent tour à tour sous une forme ténue (traces, restes, échos, graphie, voix off) ou modifiée (par des appareils enregistreurs, acousmachines ou phonographes). Qu'il s'agisse de formes discrètes ou plus sonores, il y a toujours un petit fantôme qui se glisse dans les fissures de la prose tel un grain de voix dans la machinerie du texte. Il en ressort un puissant pouvoir métamorphique et une insaisissable variété des acousmates. Les acousmates se révèlent ainsi porteurs d'une nouvelle esthétique à explorer.

Depuis plusieurs années, Clémentine Mélois collectionne les listes de commissions. Tables de café, trottoirs, escalators, il n'est pas de lieu où elle n'en ait trouvé. Parmi les milliers de listes qu'elle a conservées, elle a fait un choix des plus drôles, des plus émouvantes, ou plus simplement, humaines. Une liste, c'est plus qu'une liste. "Une bouteille d'eau", c'est plus qu'une bouteille d'eau. Des "pistolets flèches" et des "Batman", ce sont plus que des pistolets à flèches et des Batman : c'est un rêve, une déception, un espoir, la vie. Les listes de courses ont ceci d'émouvant et, parfois, de comique, qu'elles révèlent l'intimité de ceux qui les ont écrites. On y décèle leurs habitudes, leurs modes de vie, leurs manies. L'orthographe, la graphie, la qualité du papier révèlent l'appartenance sociale, le soin de soi et tant d'autres nuances. Mais qui en sont les auteurs ? A partir de chacune de ces 99 listes (reproduites en images et en couleurs), Clémentine Mélois imagine autant de fictions pleines d'humour et de tendresse. Voici que peu à peu prennent corps des personnages proches, si proches. Des hommes, des femmes, jeunes, vieux, étourdis, sophistiqués, riches, pauvres. Ils parlent et se confient à la première personne. Un homme rêve de faire un road-trip aux Etats-Unis, une petite fille a peur de se faire mordre les fesses par des alligators, une professeure peste et ronchonne. Grâce à la fiction, la réalité la plus prosaïque donne lieu à l'imagination la plus poétique.

If you are programming real-time 3D applications for simulations, games, marketing, demonstrations or computer-animated videos using " Microsoft's Direct 3D Software Development Kit ", this book is for you. Unlike other books, " The awesome power of direct 3D/DirectX " shows you how to build a complete working 3D application, including 3D sound, joystick input, animation, textures, shadows, and even collision detection ! It shows you how to write a complete project using Retained Mode. It does not bury the code in "wrappers" that hide the nuances of the SDK. Nothing is hidden. What's inside ? : complete step-by-step tutorial for Direct 3D ; retained mode (windowed and full-screen) applications ; basics of DirectDraw ; how to integrate all DirectX components into a working program ; special techniques for shadows and 3D sound ; integration of direct input devices like joystick and mouse ; comprehensive library of high-quality, free, reusable 3D objects and textures cross-referenced DirectX retained mode command library ; all steps necessary to set up an immediate mode framework which you can then use to create a complete program. An independent developer of 3D graphics applications and games, Peter J. Kovach has been a vice president with a national developer of virtual reality and arcade systems and CEO of a corporation developing 3D system for advertising and product development. CD-ROM contains : more than 140 DirectX.x objects, some with animation (70 megs) ; 3ds originals of the .x objects (58 megs) ; 52 high-quality textures (4 megs) ; Microsoft's DirectX 6 SDK and samples (386 megs) ; all the code from the text.

La méthode Ribambelle - Apprendre à lire en construisant en synergie le sens et le code : Constuire le code à travers deux démarches : l'analyse et la synthèse. Construire le sens à partir d'albums de littérature de jeunesse. Mettre en synergie lecture et écriture. Les points forts de cette nouvelle édition du "Cahier 1 et livret d'entraînement 1" : Le code : étude des correspondances phonie-graphie dès le début de l'année, plus d'exercices systématiques dans le cahier. Construire le sens à partir d'albums de littérature de jeunesse et travail du vocabulaire. Pratique régulière de l'écriture (lettres, syllabes, mots, phrases). Développer le vocabulaire. Initiation à la grammaire. Productions d'écrits hebdomadaires. Mise en réseau d'albums. Le Livret d'Entraînement à la lecture n°1 (32 pages, inclus dans ce cahier) permet : L'apprentissage du code. La lecture d'autres phrases, d'autres textes. Le fonctionnement de l'écrit. Les synthèses. Inclus dans le cahier : - le Livret d'entraînement à la lecture 1 propose des entraînements systématiques. Il fait aussi le lien entre le travail de lecture à l'école et celui effectué à la maison. Ce livret permet de : de systématiser les correspondances phonographiques et de mémoriser les principaux assemblages syllabiques ; de lire d'autres phrases, d'autres textes à partir du capital mots constitué dans les albums ; de découvrir le fonctionnement de la langue (grammaire) ; de faire le lien avec la maison. - Mes outils pour écrire, référentiel illustré, pour guider les premiers pas de l'élève producteur de textes. Cet outil est encarté dans le cahier d'activité n°1.

Le recueil des Abus, paru sous la griffe d'Henri-Joseph Dulaurens (1719-1793), présente une suite d'articles et contes satiriques dans la lignée de ceux de L'Arretin. Cela va du portrait ridiculisant à la parodie anticléricale en passant par la farce scatologique, le tout sur fond de pochade philosophique. Jamais réédité depuis 1793, l'ouvrage original soulève plusieurs interrogations de par sa conception et son contenu, notamment sur l'initiative de la publication, le choix des textes, la date exacte de parution, la diatribe de l'épître où l'on porte atteinte à l'intégrité de Rousseau... Autant d'éclaircissements que nous tentons d'apporter dans l'introduction à cet assortiment de textes conforme à l'édition d'origine, présenté ici en graphie modernisée. Dulaurens, abbé malgré lui et fugitif des Lumières, a été l'un des garnements littéraires les plus redoutables du XVIIIe siècle. La plupart de ses écrits, dont celui-ci, ont été condamnés au feu par les tribunaux civils et religieux, et à la vindicte des élites de plume. Il fut le mouton noir d'une Eglise qui ne lui pardonna rien autant que le trouble-fête des auteurs les plus en vue, mais aussi le chérubin d'un lectorat féru d'impertinences et autres désobéissances piquantes. Hélas, l'auteur en exil finira par être arrêté. En 1767, le tribunal ecclésiastique de Mayence le condamne seulement à la réclusion perpétuelle, eu égard à sa folie reconnue. Les Abus est l'un de ses derniers titres publiés, ultime réponse en forme de pied de nez à la condamnation de ce malheureux, mais tellement attachant, rejeton de Candide.

Définie comme l' " étude de la sociologie des textes ", la biblio graphie est invitée à étendre doublement son champ d'étude : d'une part, en établissant des protocoles de description et des formes de contrôle bibliographiques capables de prendre en compte tous les textes qui ne sont pas des livres ; d'autre part, en considérant que son objet est constitué par l'ensemble des processus de production, de transmission et de réception des textes - de toutes les formes. Loin d'être un savoir cantonné et auxiliaire, voué à l'inventaire et à l'interprétation de données formelles mises au service de l'édition de textes, la bibliographie ainsi redéfinie devient une discipline essentielle pour reconstituer comment une communauté donne forme et sens à ses expériences les plus fondamentales à partir du déchiffrement des textes multiples qu'elle reçoit, produit et s'approprie. En assignant ainsi à la bibliographie la tâche de comprendre les relations entre la forme et le sens, McKenzie efface les divisions anciennes entre sciences de la description et sciences de l'interprétation et il confère à la discipline, appuyée sur ses techniques propres, une position centrale dans l'étude des pratiques symboliques. Cette nouvelle acception donnée à la bibliographie, large et ambitieuse, conduit à définir autrement les missions des institutions vouées à la conservation des textes : les bibliothèques. En un moment où, partout dans le monde, la réflexion est ouverte sur les fonctions et les structures des grandes bibliothèques, nationales ou non, forte est la pertinence des conférences de McKenzie, prononcées devant un auditoire sans nul doute préoccupé par le déménagement de la British Library dans son nouveau site de Saint-Pancras. Roger Chartier.

La grammaire et l'orhographe du français ne sont pas un ensemble de règles artificielles et de normes arbitraires. Elles obéisssent à une logique interne, parfois occultée par les exceptions, reliefs, mais aussi précieux témoignages de l'histoire du français. C'est à la découverte de ce système qu'est convié le lecteur. Pour la partie grammaticale, chaque rubrique, méthodiquement organisée, développe l'analyse des formes linguistiques, de leur emploi et de leur fonctionnement. La réflexion s'appuie sur de nombreux exemples, empruntés aussi bien au français courant qu'à la langue littéraire. Elle ne s'interdit pas de recourir à des précisions historiques pour rendre compte de tel ou telle variation attestée dans l'évolution de la langue. Ainsi la grammaire apparaît, non comme un ensemble normatif, fermé sur des prescriptions, comme la description ouverte des usages du français contemporain. La partie orthographique propose une approche systématique des formes. Les règles sont explicitées avec les rappels historiques indispensables à leur compréhension. Le code phonographique fournit les correspondances entre son et graphie. Des tableaux de conjugaisons, un dictionnaire de 55 000 mots avec renvois aux règles et conjugaisons types permettent de maîtriser les subtilités de l'usage. Le lecteur pourra prendre également connaissance de l'ensemble des propositions officielles de rectification de l'orthographe au XXe siècle, ainsi que des prescriptions de la nouvelle édition du dictionnaire de l'Académie française. Cet ouvrage invite donc à une double lettre : une lecture de consultation pour toutes vérifications ou réponses à des questions ponctuelles ; une lecture spéculative pour une véritable compréhension des mécanismes de la langue et pour une réflexion passionnante sur la forme et le fonctionnement du français.

Tiepolo in Milan : The Lost Frescoes of Palazzo Archinto brings together preparatory drawings and paintings, as well as documentary photographs, to commemorate an extraordinary fresco cycle by the Venetian painter Giambattista Tiepolo (1696-1770). Painted for Palazzo Archinto in Milan, the frescoes were destroyed in a bombing during World War II. The catalogue accompanies an exhibition at The Frick Collection. In 1730-31, Tiepolo undertook his first significant project outside the Veneto, frescoes for five ceilings in Palazzo Archinto in Milan. The paintings were commissioned by Count Carlo Archinto (1670-1732), likely in honor of the marriage of his son, Filippo, to Giulia Borromeo. Tiepolo's mythological and allegorical scenes-Triumph of Arts and Sciences ; Apollo and Phaëton ; Perseus and Andromeda ; Juno, Fortune, and Venus ; and Nobility-were painted in some of the largest rooms of the palazzo. Unfortunately, the palazzo was bombed during World War II and its interior completely destroyed. Only a series of black-and-white photographs, taken between 1897 and the late 1930s, preserves the frescoes' appearance, but a number of preparatory drawings and paintings provide precious information, including three painted sketches (Triumph of Arts and Sciences, the Museu Nacional de Arte Antiga, Lisbon ; Apollo and Phaëton, Los Angeles County Museum ; and Perseus and Andromeda, The Frick Collection). Three drawings from the British Museum in London, the Museo Civico in Trieste, and the Sinebrychoff Art Museum in Helsinki are the only related graphic works. These-along with other drawings and prints by Tiepolo and some books- have been reunited for the first time in order to bring to life these extraordinary works of art. On view at The Frick Collection from April 16 to July 14, 2019, the exhibition is curated by Xavier F. Salomon, Peter Jay Sharp Chief Curator at the Frick, with Andrea Tomezzoli, Professor at the University of Padua, and Denis Ton, Curator of the Musei Civici in Belluno. Included in the publication are essays on Tiepolo's work in Palazzo Archinto (Salomon), on the role of the frescoes in Tiepolo's career (Tomezzoli), on the intellectual world of the Archinto family (Ton), and on the architectural history of the palace (Kluzer).

Si ce qu'il est convenu aujourd'hui d'appeler la créolistique fut longtemps l'apanage de savants non originaires des territoires où la langue créole est en usage, il convient de remarquer que les natifs ne se sont jamais désintéressés de l'étude de cette dernière. C'est ainsi que la toute première grammaire de cette langue fut l'œuvre du Trinidadien John Jacob Thomas en 1869 et que, depuis lors, cela de manière régulière, des études les plus diverses ont vu le jour telles que celles du Guyanais Alfred de Saint-Quentin (1873), du Guadeloupéen René de Poyen-Bellisle (1890) ou encore de la Martiniquaise Elodie Jourdain (1951). Jean Bernabé, agrégé de grammaire, docteur d'Etat en linguistique, s'inscrit, à compter des années 70 du XXe siècle, dans cette tradition qu'il vient à la fois conforter et bousculer. Conforter parce qu'il est le père fondateur des études créoles au sein de l'Université des Antilles et de la Guyane (l' UAG), et qu'il n'a jamais ménagé ses efforts pour qu'un véritable cursus académique créole y soit établi : licence de créole (1993), maîtrise de créole, KEA et doctorat en " Langues et Cultures Régionales-option créole ". Jean Bernabé fut à l'origine de ces formations désormais reconnues, lesquelles se sont concrétisées en l'an 2000 par la création du CAPEs de créole pour lequel s'est battu le groupe de recherches qu'il dirige depuis plus de trente ans, le GEREC-F (Groupe d'études et de recherches en espace créole et francophone). Bousculer parce que fort de son ancrage dans la grammaire générative et dans la sociolinguistique tout à la fois, il a su jeter un regard neuf non seulement sur la syntaxe des créoles martiniquais et guadeloupéen, mais aussi sur les rapports de force entre créole et français dans l'écosystème langagier de nos pays, renouvelant au passage les concepts d'emprunt, de continuum, de diglossie et, plus récemment, d'écologie linguistique. Il est aussi le créateur de la première graphie phonético-phonologique pour le créole des Petites Antilles et de la Guyane, la plus utilisée de nos jours, graphie connue du grand public sous le nom de " Système-GERFC ". et hommage à l'arpenteur inspiré qu'il fut, et continue d'être, n'est pas un exercice de pure forme, mais bien un témoignage du respect et de l'admiration que portent ses collègues de diverses universités à travers le monde, à quelqu'un qui sut être, dans le même temps, un scientifique de haut niveau, un administrateur (il fut dix ans durant doyen de la Faculté des Lettres et Sciences Humaines de l'UAG) ainsi qu'un éveilleur de conscience. Que seraient les études créoles sans les travaux déterminants de Jean Bernabé ? Depuis bientôt quatre décennies, ceux-ci n'ont de cesse de féconder les recherches non seulement des créolistes établis mais également d'un nombre impressionnant de jeunes chercheurs auxquels nous avons tenu à donner la parole. Jean Bernabé a toujours eu le souci de la relève, et à l'heure où sa génération se prépare à prendre une retraite bien méritée, loin de poser sa plume, voici qu'il entame une déjà brillante carrière de romancier, renouant ainsi avec l'une de ses premières amours : la littérature. o-auteur enfin, avec P. Chamoiseau et R. Confiant de l'Eloge de la Créolité (1989), il fait la preuve que les études académiques ne sauraient aucunement être séparées d'une réflexion plus globale sur le devenir de ces organismes fragiles que sont les sociétés créoles dans un monde où les identités sont violemment questionnées par l'inexorable effacement des frontières entre les langues, les cultures et les peuples.

Aïas (ou Ajax) est un soldat perdu. A Troie, Ulysse et les Atrides n'ont pas reconnu sa valeur : il a voulu les tuer pour venger son honneur, mais la déesse Athéna l'a rendu fou. Dans le prologue, Athéna montre sa folie à Ulysse terrorisé. Puis Sophocle met en scène son désespoir quand il revient à la raison. Pour restaurer son honneur, il ne voit qu'une solution : le suicide, malgré les objurgations du choeur de ses marins et de Tecmesse, sa compagne. Il en assure la réalisation par une feinte qui les trompe, et se donne la mort, seul, devant le public. Son cadavre est découvert par les siens, qui étaient partis en désordre à sa recherche, et par son demi-frère Teucros, arrivé trop tard. Celui-ci veut l'ensevelir malgré l'interdiction des Atrides. Il obtient l'appui inattendu d'Ulysse : on rend donc son honneur au héros, dont un convoi funèbre, accompagné par son jeune fils, emporte le corps. Cette édition de la pièce de Sophocle propose un texte revu, une traduction nouvelle et un commentaire suivi, qui discute les nombreux problèmes qu'elle pose, en particulier pour sa mise en scène. L'introduction explique pourquoi est choisie ici la graphie Aïas, expose l'arrière-plan homérique et post-homérique du mythe, et l'importance du "héros" pour l'île d'Egine, l'île de Salamine et pour les Athéniens eux-mêmes. Elle analyse le rôle de la noblesse transmise par filiation patrilinéaire, même chez ceux qu'on traite de "bâtards" , et la place laissée aux femmes. Cette terrifiante et pitoyable tragédie de l'honneur et de la mort, qui n'est pas, contrairement à d'autres pièces, encombrée par sa postérité, aide à comprendre le "personnage tragique" et "l'effet tragique" selon les Anciens, et pour Sophocle.

Le martinisme est un courant de pensée ésotérique, rattaché à la mystique judéo-chrétienne. Ce courant de pensée remonte à Joachim Martinès de Pasqually, fondateur en 1761, de l'Ordre des Chevaliers Maçons Elus Coëns de l'Univers, puis à son secrétaire, Louis-Claude de Saint-Martin, dit "le philosophe inconnu , célèbre par son livre Tableau naturel des rapports qui existent entre Dieu, l'homme et l'univers (1782). Le mot "martinisme" joue donc habilement sur les noms propres "Martinès" et "Saint-Martin" . Il faudra attendre 1887 et Papus, pour voir un système s'ériger sur les fondements de la pensée de Saint-Martin, et reprendre à son compte, le nom Martiniste en y ajoutant ordre. Papus, en plaçant le Martinisme sur le terrain de la chevalerie morale, recadrait l'héritage du Philosophe Inconnu, en revenant sur le rôle des Chevaliers fervents du Christ (les Martinistes), délimitant de fait, une frontière spirituelle et morale. Des centaines de noms, de lieux, de revues, de mouvements ou d'associations liés au martinisme... Pour chaque personne, date et lieu de naissance et de décès, profession, grades acquis dans les diverses associations initiatiques fréquentées, éviction, bibliographie, ouvrages publiés... Ce dictionnaire contient les notices biographiques d'acteurs du Marti­nis­me historique, dont l'appartenance à ce mouvement a été publiquement reconnue. Certaines personnalités sensibles à l'intérêt suscité par cette mou­vance spiritualiste figurent également dans cet ouvrage afin de rap­por­ter leurs observations et leurs témoignages. - Chaque notice s'appuie sur des sources historiques indexées en bibliographie ; - La graphie Coen (s) ou Cohen (s) s'applique en fonction du corpus initial ; - Notices sur les Ordres et Associations ; - Liste des notices par ordre alphabétique ; - Index des noms propres (hors notice biographique particulière).

Ce roman qui visite quatre décennies, des années 70 jusqu'à nos jours, retrace l'évolution d'une société où les justes perdent pied peu à peu. Ils y seront bientôt en déshérence. Gaëtan, le premier narrateur, en quête d'une origine, chercher symboliquement le premier de sa lignée jusque qu'aux confins de la préhistoire. Sur le plateau Vellave, ces marches du pays Occitan, il trouvera une terre d'accueil pour ses idéaux que la vie taille en pièces. La magie, le merveilleux, le souffle des dieux, baignent tout le roman, faisant bon ménage avec ces instants cocasses que réservent de drôles de rencontres. Deux femmes complices (la soeur et la maîtresse du narrateur) réussiront, à l'encontre de ses croyances cathares, à lui donner un fils, Aurélien, qui sera un jour cet ado si drôle, si franc, plein de bon sens, débordant d'amour pour les siens et partageant avec son père le don de connivence avec les chats. Dans ce vaste pays qui court à sa perte, déchiré entre deux mondes aux idéologies antagonistes, mais toutes deux faites d'égoïsmes, de haines et de violences, il sera à la fin de l'Histoire le dernier Paria d'Occitanie. L'auteur, épris de son personnage, avouera après quarante chapitres : " Oh, comme j'eusse aimé l'accompagner dans son rêve, le dormeur hors de saison, jusque dans l'aube froide du tableau dont il avait rêvé ! " Nota : l'auteur s'est attaché à rédiger son roman en langue française, c'est-à-dire en respectant la graphie traditionnelle et non celle d'une langue "rectifiée" en 1990, ni cette autre, dite "langue inclusive", carrément fantaisiste. Illustration de la quatrième de couverture : portrait original de Gaëtan au début du roman, acrylique sur toile par Sonia Orépük.

L'Autre c'est moi est l'aboutissement d'un travail mené par deux enseignants, Serge Boulaz et Francesco ? -Maria Oriolo, avec une cinquantaine d'élèves de 12 à 15 ans du Cycle d'orientation de Genève. L'idée émerge lorsque Serge Boulaz, enseignant d'arts visuels, se propose d'explorer la façon dont nous appréhendons les images d'aujourd'hui et les confrontons à nos vies. Liant cette réflexion à la situation migratoire actuelle, il demande à ses élèves de choisir sur ce thème une photographie de presse qui les touche particu­lièrement. Ils ont alors pour tâche de reproduire l'image en suivant la technique de la mise au carreau, par le dessin et la peinture. Ce travail de transposition - qui exige attention, patience et préci­sion - a pour objectif de faire vivre à l'élève ce que dit la photo­graphie, et d'y laisser l'empreinte de ses émotions. Francesco ? -Maria Oriolo, enseignant de français, prolonge cette ex­pé­rience en montrant à ses élèves les peintures réalisées par leurs pairs. Il leur demande de faire le choix d'une peinture et de prendre le temps de l'observer. L'immersion dans la réalité évoquée par l'image est cette fois rendue possible par l'écriture de strophes poé­tiques. La poésie devient alors un moyen d'aller chercher au plus profond de soi ce que peut ressentir l'autre, en devenant cet autre, l'espace d'un instant. Ce livre est une rencontre de regards, d'univers et de formes. L'oeuvre dans son ensemble émerge d'un travail collectif, qui fait intervenir des élèves d'horizons et de sensibilités différents. Ce n'est rien d'autre qu'un voyage vers soi-même pour mieux comprendre l'autre. L'autre devient alors un reflet de soi.

Alicia n'avait que 20 ans lorsque Living on the Earth a été publié : ce qui n'était à l'origine qu'une brochure consignant les savoirs nécessaires pour opérer un retour à la terre est devenu un best-seller et le symbole de toute une génération. Enfin traduit en français, à l'occasion de son 50e anniversaire, Vivre sur la Terre est une invitation au bonheur et à la liberté ! A 19 ans, après des études d'art et de mode, Alicia rejoint une communauté hippie en Californie où, très vite, elle se met à consigner et illustrer les savoirs des gens qui l'entourent. Un an plus tard, ce qui ne devait être qu'une simple brochure à l'usage des membres de la communauté devient un livre et connaît un immense succès : en deux semaines seulement, les 10 000 exemplaires édités par The Bookworks sont épuisés. La seconde édition publiée par Random House se vendra quant à elle à 350 000 exemplaires en 10 ans. A l'image de son autrice et des années qui l'ont vu naître, Vivre sur la Terre ne répond à aucune règle. Il se construit au fil des expériences vécues, relatées et illustrées par Alicia. On y trouve tout : comment fabriquer des produits de beauté et d'entretien mais aussi des outils ou des instruments de musique, jardiner, conserver et cuisiner ses récoltes, bivouaquer, coudre sans machine, et même accoucher naturellement, etc. Le tout est magnifiquement illustré de dessins au trait qui se mêlent à la graphie d'Alicia et font de ce livre une véritable oeuvre d'art ! A l'heure où les modes de vies écolos sont de plus en plus plébiscités et considérés comme " modernes ", ce livre nous rappelle qu'il y a 50 ans émergeait toute une génération de pionniers de la décroissance. Peace & Love !

L'histoire s'écrit avec des dates et des faits, lesquels impriment autant de points remarquables sur la ligne infinie du temps. La chaîne ainsi formée raconte les actions et les réalisations notables des hommes. Les mots ne suffisent pas à en tisser le récit : d'autres langages complémentaires se révèlent nécessaires. Matérialité de l'image et discursivité verbale oeuvrent conjointement à la construction de la mémoire et du sens. Les langues ont leur histoire, comme les événements : elles sont elles-mêmes l'un des événements les plus importants de l'Histoire ; sans elles l'Histoire n'aurait pas d'histoire. Une langue s'aborde à la verticale ou à l'horizontale : à la verticale (diachronie) comme le produit d'une sédimentation continuelle des strates du passé ; à l'horizontale (synchronie) comme un état de fait et une réalité vivante en acte. La langue se parle (discours), s'écrit (texte), et se regarde aussi (graphie). Les pleins et les déliés des lettres de l'alphabet (pour ne rien dire des dessins des idéo-/syllabogrammes qui les ont précédés) composent la grande fresque de la parole. Chaque livre est une fleur jaillie du creuset des possibilités liées à la créativité humaine. Leur enchaînement chronologique alimente les annales de la science et de la pensée. Dans le prolongement des opuscules (programmatiques) précédents (Id est. La Pensée aphone, 2019 ; Comme un encombrement. Livre-tableau, 2020 ; Index Graecus. Cum indicibus necessariis, 2020), cet ouvrage invite à une plongée originale dans l'histoire de la langue grecque, sous la forme d'un thésaurus bibliophilique de " pages " de titres remarquables du point de vue philologique, esthétique et graphique. Le feuilletage de l'ensemble réjouit la vue et titille l'esprit.

"Exprimer l'amour de deux amoureux par un mariage de deux complémentaires, leur mélange et leurs oppositions, les vibrations mystérieuses des tons rapprochés". (Vincent Van Gogh). "au milieu d'un bombardement comme météorique d'atomes qui se feraient voir grain à grain" (Antonin Artaud, Van Gogh le suicidé de la société) Interné 9 ans dans les hôpitaux psychiatriques, Artaud regagne Paris en mai 1946. Il a vécu la période de l'Occupation dans les asiles de Ville-Evrard et de Rodez, et demeure marqué par le bombardement atomique de Nagasaki. Au Musée de l'Orangerie s'ouvre, en janvier 1947, une exposition Vincent Van Gogh. La visite de l'exposition, les lettres de Van Gogh à son frère ébranlent le poète. Dans les semaines qui suivent, il rédige "Van Gogh le suicidé de la société". Texte de voyant. Texte apocalyptique. La peinture de Van Gogh s'y révèle atomique, lézardée, fissurée. Rhizomatique. Artaud et Van Gogh se font face. Ils se retrouvent happés l'un dans l'autre, entraînés, broyés, tour à tour fragmentés dans le maelström de la touche de l'un, la graphie nerveuse et électrique de l'autre. La boucherie des guerres sociales antérieures se perpétue. L'exécution de Vincent Van Gogh et d'Antonin Artaud, ces deux "suicidés de la société", est un crime perpétré par la masse, un meurtre et un assassinat commis par la bonne société et l'ensemble de ses institutions. VAN GOGH/ARTAUD. CINE-ROMAN. CINE-PEINTURE. L'univers entre dans un processus de déflagration généralisée. La trame de leurs oeuvres se fissure. Disséminées, les touches, les boucles de l'écrit et les hachures du trait forment une matière riche. Dense. Qui ouvre la porte aux audaces de l'art moderne et contemporain... Les André Masson et Jackson Pollock, Soutine et Fautrier, Francis Bacon et Cy Twombly.

This catalogue accompanies the first exhibition devoted to a fascinating group of drawings by the Anglo-Swiss Henry Fuseli (1741-1825), one of eighteenth-century Europe's most idiosyncratic, original and controversial artists. Best known for his notoriously provocative painting The Nightmare, Fuseli energetically cultivated a reputation for eccentricity, with vividly stylised images of supernatural creatures, muscle-bound heroes, and damsels in distress. While these convinced some viewers of the greatness of his genius, others dismissed him as a charlatan, or as completely mad. Fuseli's contemporaries might have thought him even crazier had they been aware that in private he harboured an obsessive preoccupation with the figure of the modern woman, which he pursued almost exclusively in his drawings. Where one might have expected idealised bodies with the grace and proportions of classical statues, here instead we encounter figures whose anatomies have been shaped by stiff bodices, waistbands, puffed sleeves, and pointed shoes, and whose heads are crowned by coiffures of the most bizarre and complicated sort. Often based on the artist's wife Sophia Rawlins, the women who populate Fuseli's graphic work tend to adopt brazenly aggressive attitudes, either fixing their gaze directly on the viewer or ignoring our presence altogether. Usually they appear on their own, in isolation on the page ; sometimes they are grouped together to form disturbing narratives, erotic fantasies that may be mysterious, vaguely menacing, or overtly transgressive, but where women always play a dominant role. Among the many intriguing questions raised by these works is the extent to which his wife Sophia was actively involved in fashioning her appearance for her own pleasure, as well as for the benefit of her husband. By bringing together more than fifty of these studies (roughly a third of the known total), The Courtauld Gallery will give audiences an unprecedented opportunity to see one of the finest Romantic-period draughtsmen at his most innovative and exciting. Visitors to the show and readers of the lavishly illustrated catalogue will further be invited to consider how Fuseli's drawings of women, as products of the turbulent aftermath of the American and French Revolutions, speak to concerns about gender and sexuality that have never been more relevant than they are today. The exhibition showcases drawings brought together from international collections, including the Kunsthaus in Zurich, the Auckland Art Gallery in New Zealand, and from other European and North American institutions.

Les graffeurs new-yorkais qui se sont fait les dents en peignant des trains dans les années 70 et 80 ont transposé l'art de la rue Old Skool sur un support plus permanent et plus facile à collectionner dans ce livre, en utilisant des cartes de transport en commun, plutôt que des wagons de métro, comme toiles. GHOST, T-KID, QUIK, REVOLT, BLADE, SHAME125, COPE2, SKEME et d'autres ont décoré des cartes MTA ordinaires de 23 32 pouces avec leurs propres tags et graphismes, rappelant l'apogée du graffiti dans les trains new-yorkais. Seize sections, une pour chaque auteur, présentent un total de plus de 100 cartes, ainsi que de brèves déclarations sur l'évolution artistique et le style des peintres. Tel un "piece book" dynamique ou un carnet de croquis, cette collection est un échantillon exclusif des traits et tags caractéristiques des peintres sous forme portable. En fait, de nombreux artistes présentés ici ont utilisé l'art des cartes de métro comme tremplin pour passer du genre éphémère du marquage des trains à la plate-forme plus solide du circuit international des galeries d'art. New York graffiti writers who cut their teeth painting trains in the '70s and '80s transfer Old Skool street art to a more permanent, collectible medium in this book, using transit maps, instead of subway cars, as canvases. GHOST, T-KID, QUIK, REVOLT, BLADE, SHAME125, COPE2, SKEME, and others decorated ordinary 23" 32" MTA maps with their personal tags and graphics -echoing the heyday of New York train graffiti. Sixteen sections, one for each writer, feature a total of more than 100 maps, as well as brief statements about the painters artistic evolution and style. Like a dynamic "piece book, " or sketchbook, this collection is an exclusive sampling of the painters signature strokes and tags in portable form. In fact, many of the artists featured here have used subway-map art as a springboard from the fleeting genre of train-tagging to the sturdier platform of the international art gallery circuit.

Conçu à partir de communications faites à Lisbonne au colloque du Centre de Recherches et d'Echanges sur la Diffusion et l'Inculturation du Christianisme (CREDIC) de 2011, avec l'appui du Centro de Histaria de Além-Mar (CHAM), du Centro de Estudos de Historia Religiosa (CEHR) et de la Sociedade de Geografia de Lisboa (SGL), cet ouvrage est amplement ouvert au domaine lusitanien dont il révèle des aspects souvent méconnus : l'apport de la langue portugaise à la naissance de la graphie latine du vietnamien (quôc ngu) ou la naissance et le développement du protestantisme lusophone en contexte missionnaire (Asie et Afrique). Du Brésil et des pays lusophones d'Afrique à l'Extrême-Orient, il s'agit d'un domaine extrêmement varié, dans lequel s'est déployé pendant cinq siècles le génie portugais, porté à l'accommodement, au panachage, au métissage, à tous les empirismes, ce que résume le terme intraduisible de agir com jeito. Même hors du domaine portugais, le champ missionnaire se prête mal à l'esprit de système ou à l'élaboration de théories universelles. Une part de bricolage, au sens le plus noble du terme, intervient toujours dans les processus de christianisation, ce que démontrent amplement les contributions de ce volume dont l'éventail chronologique est aussi ouvert que divers les pays évoqués. La mise en perspective - Traduire, Transmettre, Transculturer - montre amplement que si tous les nouveaux venus d'Europe en Amérique, Afrique ou Asie ont cherché à transmettre, les uns ont jugé décisif et suffisant de traduire, certains cherchant même à imposer leur langue, alors que d'autres, ont jugé indispensable d'aller jusqu'à la transculturation du message qu'ils apportaient. Nées de diagnostics variés et de délibérations difficiles, ces voies diverses sont autant de pédagogies missionnaires. Ces vingt-cinq communications ne pourront qu'achever de convaincre le lecteur que les dogmatismes théologiques ou culturels n'ont point de place dans l'histoire des missions, dans la plupart des cas, mais pas en tous cependant.

Le 30 septembre 1937, Antonin Artaud, expulsé d'Irlande, est "débarqué" au Havre. Quelques jours plus tard, il est transféré à l'asile départemental d'aliénés de Seine-Maritime de Sotteville-lès-Rouen, dans le quartier hommes de Quatre-Mares. Les lettres qu'il rédige alors décrivent avec acuité le vécu d'angoisse et de désespoir d'un aliéné, masquant son identité sous des noms d'emprunt pour manifester toutes ses récriminations avec une énergie hors du commun qui le caractérisera tout au long de sa vie. Il est ensuite placé à Paris, à l'hôpital Sainte-Anne, le 1e avril 1938 ; il y demeurera jusqu'au 27 février 1939. Les lettres présentées confirment l'état pathologique d'Artaud, son obsession : sortir de ces lieux. Malgré ses conditions de vie et d'enfermement, il ne cesse d'écrire, de dessiner, et réclame sans cesse du papier. Après Sainte-Anne. Antonin Artaud est interné à l'asile de Ville-Evrard, où il demeurera jusqu'au 22 janvier 1943. La quantité et la qualité des documents qui sont présentés sont d'une imposante richesse sur l'état psychologique et physique d'Artaud, avec toujours cet impérieux besoin de s'exprimer malgré la maladie, les privations. Compte tenu de la misère régnant alors dans les asiles, qualifiée d'"extermination douce", et du danger que courait l'artiste, sa famille et ses amis vont réussir à obtenir un nouveau transfert pour l'asile de Paraire, à Rodez, en février 1943. Dans ce volume sont transcrites les lettres, dans leur graphie originale, qu'Artaud a rédigées entre 1937 et 1943. Nombreuses sont celles qui furent retenues par l'administration. A Roger Blin ou à André Gide, à Balthus ou au chancelier Hitler, Artaud lance ses invectives, ses suppliques et ses cris de souffrance. Ces écrits témoignent de la puissance d'une pensée fulgurante, météorique, prophétique, géniale dans ses possibilités d'expression et de création, un réservoir d'énergie inépuisable qui va oeuvrer toute sa vie, pour le conduire dans l'au-delà des rivages de la raison.

Le livre-ardoise Montessori Les cycles de vie permet à votre enfant d'enrichir les connaissances de votre enfant sur le fonctionnement de la nature et développer sa curiosité pour les animaux. Le support entièrement effaçable est adapté aux enfants dès 3 ans : pratique et ludique, l'ardoise est idéale pour développer la motricité de l'enfant et enrichir son vocabulaire. Les cycles de vie, le livre-ardoise éveille l'intérêt des enfants dès l'âge de 3 ans. En mettant en application la pédagogie Montessori, il permet une découverte du cycle de vie des animaux au travers de l'exemple du poisson, de la grenouille, de la tortue, du cheval, de l'oiseau et du papillon. Chaque double-page est consacrée à un animal et propose de découvrir le cycle de vie suivant plusieurs étapes : 1) J'observe le cycle de vie et je le suis avec mon doigt 2) J'apprends le nom de chaque étape du cycle et je le relie au bon endroit 3) Je reconnais les étapes et je réalisé des activités avec le feutre effaçable (dessiner, relier, identifier le nom, ...). 4) J'efface et je n'ai pas peur de me tromper, je recommence autant de fois que je veux. En plus du tracé, cette ardoise permet de développer d'autres apprentissages tels que : Nommer et associer différents éléments d'un cycle de vie Visualiser la graphie des mots Savoir reproduire un modèle Compléter un dessin et laisser libre cours à sa créativité Stimuler sa capacité de mémorisation Se Sensibiliser à la protection de l'environnement La pédagogie conçue par Maria Montessori au début du XXe siècle place l'enfant au coeur de son apprentissage en favorisant son autonomie et le développement de sa créativité. L'acquisition des premières notions s'effectue de façon active, dans un contexte rassurant et bienveillant pour l'enfant qui progresse à son rythme, sans avoir peur de se tromper. Avec son support effaçable, le livre-ardoise est un support sensoriel et ludique idéalement adapté à la pédagogie Montessori.

Beaucoup d'ouvrages dits sacrés, qu'ils soient bien ou mal compris sont, pour le moins, lus dans leur langue originale. La Bible, pourtant, et surtout les cinq premiers chapitres de la Genèse ont été constamment mal interprétés du fait que leur graphie ne se compose pas des lettres d'un alphabet (comme on le croit communément depuis plusieurs millénaires) ni, a fortiori, de mots auxquels on peut attribuer le sens qu'on leur donne habituellement dans la langue parlée. Dès lors, il est de la plus haute importance de savoir que les différents signes dont on se sert comme lettres dans l'alphabet hébraïque constituent les éléments d'un véritable code chiffré. Chaque signe est un idéogramme et à chaque signe correspond un nombre, dont le sens est précis. Ces nombres, eux aussi, ne sont pas à prendre dans leur signification arithmétique. Ce qu'ils dé-signent, en réalité, ce sont les différents aspects de l'énergie vivante à l'oeuvre dans l'univers. Les noms : Adam, Eve, Caïn, Abraham, Jacob, Esaü, etc. , sont également des idéogrammes. Ces pseudo-personnages sont purement symboliques et leur fonction première est d'illustrer les divers états de conscience par lesquels passe l'humanité, ainsi que les rapports de ceux-ci avec la vie, telle qu'elle apparaît à tout instant. Il en ressort que la Vie est un processus sans fin, caractérisé par l'alternance vie-mort/vie-mort, qu'il importe de pouvoir accepter après l'avoir affectivement intégrée. La Bible restituée propose donc une lecture des livres de la Genèse conforme à leur code chiffré originel (la Cabale) et montre comment ce code éclaire non seulement ces textes mais aussi certains aspects des Evangiles de Matthieu et de Jean. Le sens révolutionnaire qui se dégage de cette lecture devrait, semble-t-il, intéresser directement les chrétiens, les juifs et les musulmans, car, bien compris, le langage de la Bible est une révélation enfouie que l'on se doit de restituer dans toute sa clarté originelle". .

Les graffeurs new-yorkais qui se sont fait les dents en peignant des trains dans les années 70 et 80 ont transposé l'art de la rue Old Skool sur un support plus permanent et plus facile à collectionner dans ce livre, en utilisant des cartes de transport en commun, plutôt que des wagons de métro, comme toiles. GHOST, T-KID, QUIK, REVOLT, BLADE, SHAME125, COPE2, SKEME et d'autres ont décoré des cartes MTA ordinaires de 23 32 pouces avec leurs propres tags et graphismes, rappelant l'apogée du graffiti dans les trains new-yorkais. Seize sections, une pour chaque auteur, présentent un total de plus de 100 cartes, ainsi que de brèves déclarations sur l'évolution artistique et le style des peintres. Tel un "piece book" dynamique ou un carnet de croquis, cette collection est un échantillon exclusif des traits et tags caractéristiques des peintres sous forme portable. En fait, de nombreux artistes présentés ici ont utilisé l'art des cartes de métro comme tremplin pour passer du genre éphémère du marquage des trains à la plate-forme plus solide du circuit international des galeries d'art. New York graffiti writers who cut their teeth painting trains in the '70s and '80s transfer Old Skool street art to a more permanent, collectible medium in this book, using transit maps, instead of subway cars, as canvases. GHOST, T-KID, QUIK, REVOLT, BLADE, SHAME125, COPE2, SKEME, and others decorated ordinary 23" 32" MTA maps with their personal tags and graphics -echoing the heyday of New York train graffiti. Sixteen sections, one for each writer, feature a total of more than 100 maps, as well as brief statements about the painters artistic evolution and style. Like a dynamic "piece book, " or sketchbook, this collection is an exclusive sampling of the painters signature strokes and tags in portable form. In fact, many of the artists featured here have used subway-map art as a springboard from the fleeting genre of train-tagging to the sturdier platform of the international art gallery circuit.

"Aux Etats-Unis surtout, mais aussi, à divers degrés, dans les pays d'obédience anglo-saxone, l'Euthyphron est un dialogue très prisé au point de servir d'introduction à des enseignements de logique dans la mesure où il est considéré comme un bon exercice dans ce domaine en raison du morceau 10 a-11 b, si âprement disputé". "Ce morceau "logique" revêt également une dimension que l'on est forcé de considérer comme "théologique" dans la mesure où une tendance significative du commentarisme, allant sans doute bien au-delà de la préoc-cupation initiale de Platon, voit dans le dilemme ("Le pieux est-il pieux parce que les dieux l'aiment, ou les dieux aiment-ils le pieux parce qu'il est pieux ? ") l'expression d'un débat théologique général : le Bien est-il le Bien parce que Dieu le commande ou bien Dieu commande-t-il le Bien parce qu'il est le Bien ? " [C'est ce problème que les Anglo-Saxons appellent Euthyphro Dilemma]. "Deux autres thèmes retiennent également l'attention, et cette fois davantage celle des spécialistes. L'un, qui ouvre le dialogue, porte, au-delà de la distinction entre dikè et graphi, sur des aspects essentiels du droit grec ancien. Le second, qui conclut le dialogue, à la suite du fameux morceau 10 a-11 b, retrouve un problème classique du premier platonisme, la nature et/ou l'unité des vertus à travers le rapport entre Piété et Justice". "En France, et dans le monde francophone en général, on peut déplorer un certain retard qu'accusent les travaux d'interprétation de l'Euthyphron. En dehors de l'Euthyphron de Platon, dû à Jean-Yves Chateau, il n'y a guère que le récent ouvrage de Dan Solcan : La piété chez Platon. Une lecture comparée de l'Euthyphron et de l'Apologie (Paris, L'Harmattan, 2009)". Le but de ce travail très méticuleux de Djibril Samb est de combler le retard de la France et du monde francophone par rapport au monde anglo-saxon dans le commentarisme de l'Euthyphron.

DICTIONNAIRE DE VOYAGE EN AFRIQUE 200 PHRASES USUELLES TRADUITES DANS 40 LANGUES DE 54 PAYS D'AFRIQUE Voici un nouveau dictionnaire pour que les français puissent enfin parler au peuple d'Afrique. Un beau livre de présentation et de découverte des 40 principales langues d'Afrique sur les quelque 2000 langues vivantes qui y sont recensées, soit environ le tiers des langues du monde. Ces langues étant réparties en quatre familles linguistiques : l'afro-asiatique, la nigéro-congolaise, la nilo-saharienne et la khoïsan. L'Afrique, 3ème continent par sa superficie elle est plus vaste que les Etats-Unis, la Chine, l'Inde et l'Europe de l'Ouest réunis. A elle seule elle compte 20% de la population mondiale et sera l'une des prochaines économies mondiales. Déjà l'Afrique concentre six des dix pays à plus forte croissance au monde. Plusieurs langues sont des langues d'avenir pour les futures générations qui voudront avoir accès à ces marchés et établir des relations. Le swahili est la langue africaine la plus enseignée dans le monde et la langue comptant le plus grande nombre de locuteurs de l'Afrique noire. Sa connaissance ouvre déjà de belles perspectives. Grâce à ce dictionnaire, les touristes, les gens d'affaires, les étudiants, en situation quotidienne, pourront échanger ou exprimer des phrases simples, et ainsi se déplacer plus facilement dans les différents pays d'Afrique. 200 phrases et expressions classées par ordre alphabétique permettant de se sortir d'embarras, d'une mauvaise situation ou de se tirer d'affaire en Afrique. Mais aussi 200 phrases clés pour communiquer, échanger, interpeller, entamer une conversation, se faire comprendre, poser des questions, demander des renseignements dans la langue locale. Un passeport plurilingue de 40 langues pour visiter l'Afrique et échanger en cas de besoin ou d'envie avec les populations autochtones. Et si vous êtes curieux des principales langues d'Afrique et des écritures, allez donc voir dans ce livre la graphie de langues telles que le tigrinya, le swahili, l'oromo, le yoruba et de mes deux langues préférées le wolof et le haoussa. Un livre pratique qui se veut être une vitrine des principales langues ainsi qu'un précieux instrument de communication en tout point d'Afrique. Un dictionnaire moderne pour une relation directe avec les principales langues du continent africain.

" Je m'efforce, moi, quand j'écris une page pornographique, de dire ce qui se passe dans la peau, dans le ventre, dans les reins, dans l'anus, dans le vagin... Et pour ce faire, je suis forcé d'avoir recours à des métaphores, la description clinique n'apportant rien sur le plan sensible. " Jacques Abeille Si les Porn Studies commencent à avoir quelque reconnaissance en France, on ne concède guère de valeur à la production pornographique, qui garde la réputation d'être répétitive, mécanique, aussi éloignée de toute poésie que peut l'être une recette de cuisine ; bref, elle est seconde et dépourvue, dit-on, de cette originalité qui est à la source de toute oeuvre d'art. Construite au fil d'une vie, l'oeuvre double de Jacques Abeille / Léo Barthe bouscule avec vigueur ces préjugés. En poète et plasticien, le Janus Abeille / Barthe fait de la graphie d'Eros non une subversion du geste noble du créateur mais la condition première de l'existence et de la création. Fidèle à ce déplacement des discours et à leur croisée, ce volume se veut polyphonique : on y entendra la voix d'Abeille / Barthe à travers une nouvelle inédite, Toute licence, qui traite de l'innocence des jeux érotiques et de leur consubstantialité avec tout geste poétique. Selon un rythme régulier et pour prendre résonance, viendra s'intercaler dans ce texte la voix de critiques, spécialistes de littérature contemporaine (Jean-Michel Devésa et Pierre Vilar), d'érotisme (Patrick Wald Lasowski) ou de fantastique (Eric Vauthier), de la sexologue Nadine Grafeille et d'un artiste familier d'Abeille (le plasticien Philippe Lemaire). Léo Barthe est le pseudonyme non dissimulé de Jacques Abeille, auteur d'une oeuvre conséquente dans le domaine de l'imaginaire, à travers notamment " Le Cycle des contrées " (Le Tripode). Il a parallèlement, sous le nom de Léo Barthe, publié de nombreux textes érotiques à La Musardine (Camille, L'Animal de compagnie, La Demeure des Lémures, Princesse Johanna), ainsi qu'une trilogie, De la vie d'une chienne, au Tripode. Ce volume poursuit l'étude de l'oeuvre de Léo Barthe / Jacques Abeille, entreprise il y a cinq ans dans Le Dépossédé (Le Tripode), sous la direction d'Arnaud Laimé, maître de conférences à Paris 8.