Cervantes Shakespeare

CLEOPATREDonnez-moi ma robe, couronnez-moi. J'ai soifDe bien plus que la mort. Jamais plus maintenantLe vin de la grappe d'Egypte ne rafraîchira mes lèvres. Fais vite, ma chère Iras, fais vite et bien. Je crois entendreAntoine qui m'appelle. Je le vois qui se dressePour m'applaudir d'agir si noblement. Je l'entends qui railleLa chance de César, ce bien que n'octroient les dieuxQu'en justification de prochaines colères. Ah, mon époux, Je viens ! Que mon droit à ce mot, Mon courage le prouve. Je suis feu, je suis air, Et à la simple existence mortelleJ'abandonne mes autres éléments... En avez-vous fini ? Prenez alors la dernière chaleurQue dispensent mes lèvres. Adieu, bonne Charmian, Adieu, un long adieu, Iras. (Acte V, scène 2)

King Richard - A horse ! a horse ! my kingdom for a horse ! Catesby - Withdraw, my lord; I'll help you to a horse. King Richard - Slave, I have set my life upon a cast, And I will stand the hazard of the die. I think there be six Richmonds in the field; Five have I slain to-day instead of him. A horse ! a horse ! my kingdom for a horse ! they pass on. Le Roi Richard - Un cheval ! Un cheval ! Mon royaume pour un cheval ! Catesby - Retirez-vous, monseigneur ; je vous trouverai un cheval. Le Roi Richard - Manant, j'ai misé ma vie sur un coup de dé et j'en veux courir la chance. Je crois qu'il y a six Richmond sur le terrain : j'en ai tué cinq aujourd'hui à sa place. Un cheval ! Un cheval ! Mon royaume pour un cheval ! Ils sortent.

La Tragédie du roi Richard II Richard II (1595) est un conte d'hiver aux accents plus tristes que violents, sans batailles, dans une atmosphère de soleil couchant. Le roi est une figure mystérieuse et tragique, autant victime de lui-même que de Bolingbroke, son cousin usurpateur : " Je donnerai (...) mon vaste royaume pour une petite tombe. " Devenu poète, il aura le ciel pour domaine. Richard meurt au son d'une musique jouée par un petit palefrenier / Le soleil qui se couche, le finale d'une musique, Comme l'arrière-goût d'une saveur douce, Ont une douceur qui dure, Se gravent plus dans la mémoire que des choses Longtemps révolus. (Acte II scène I)

Un des trois grands poèmes narratifs de Shakespeare, en lequel se nouent les thèmes de la séduction, de la liberté et de la mort, de la place respective des sexes, dans le drame qui oppose l'amour à la chasse. Adonis se dérobe aux assauts de Vénus, et c'est pour succomber sous la charge, ou comme on voudra, l'étreinte, d'un sanglier. Le poème pose la question de l'identité : s'il y a un sujet, quel est-il et que peut-il ? Dans l'essai critique dont elle assortit sa somptueuse traduction, la philosophe Michèle Le Doeuff, spécialiste de la pensée élisabéthaine, montre comment Shakespeare se trouve au croisement de l'héritage médiéval et de la pensée moderne.

Elevé général des armées vénitiennes, Othello a épousé Desdémone : beauté noble, blanche et dévouée. Un triomphe pour ce Maure affranchi, au beau verbe, admirable, mais loin d'être admiré de tous... Iago, officier perfide, le hait. Distillant le mensonge à la façon d'un venin, celui-ci tissera un stratagème machiavélique pour faire chuter son maître. Le destin sera vicié, les coeurs purs périront. Quant à Othello, manipulé, aveuglé par la jalousie - ce "monstre aux yeux verts" -, il commettra l'irréparable. Histoire de peau, conte violent de l'amour trahi et tragédie du soupçon : immense classique, ce drame aussi noir que poignant exalte tout le génie de Shakespeare, dont le théâtre scrute avec une fascinante acuité le vertige des passions.

WILLIAM SHAKESPEARE Le Conte d'hiver Perdita Votre jeune saison... et la vôtre et la vôtre, Vous qui portez toujours, sur vos branches pures, Votre virginité en fleur... O Proserpine, Que n'ai-je encor les fleurs qu'en ton effroi, Du char de Pluton tu laissas tomber ! Le narcisse Qui point avant que l'hirondelle ne se risque Et qui émeut les vents de Mars de sa beauté, Et la violette, sombre mais plus suave Que les paupières de Junon ou que l'haleine De Cythérée. Les pâles primevères Qui meurent non mariées, sans avoir vu Dans tout son feu Phébus. (Acte IV scène IV)

Avant de diviser son royaume entre ses trois filles, le roi Lear demande à chacune de lui prouver son amour. Alors que les deux aînées n'hésitent pas à jouer la carte de la flatterie, Cordélia se montre plus réservée. Blessé dans son orgueil par le refus de sa benjamine, Lear déshérite la seule de ses filles qui l'aime d'un amour véritable. Mais par sa vanité, Lear a provoqué sa perte. Bientôt banni à son tour, abandonné de tous, il sombre dans la folie. Le chaos s'empare du royaume maudit de Grande-Bretagne. Emmené par un monarque dont l'amour-propre entraîne la propre chute, la fin de son royaume et la mort de ses proches, ce drame familial épingle la bouffissure et l'hypocrisie des courtisans du XVIe siècle anglais.

Quatre aristocrates s'engagent-ils à étudier trois ans sans voir femme qui vive ? Le hasard voudra que leur serment à peine scellé, quatre beautés se présentent au palais. La galanterie commande qu'elles y soient reçues avec empressement mais le serment contraint à les «loger aux champs». Une quadruple intrigue amoureuse pourrait toutefois se nouer : au premier regard, les quatre aristocrates oublient études et serment pour ne plus penser qu'aux sonnets qui déclareront leur amour à ces dames. Les entrées et sorties entre «cour» et «jardin» au théâtre permettent à ces sonnets précieux, confiés à des rustres incapables de les lire mais empressés à les transmettre, de circuler entre diverses mains. Ces imbroglios de commedia dell'arte ne suffiraient pas à empêcher l'intrigue amoureuse d'aboutir si l'ironie vengeresse des quatre dames, éconduites avant que d'être aimées, ne veillait à ce que toute peine d'amour soit d'avance perdue.

Ce volume réunit l'ensemble de l'oeuvre lyrique de Shakespeare et met un point final à l'édition des Ouvres complètes de Shakespeare dans la Pléiade. Vénus et Adonis (1593) et Le¿Viol de Lucrèce (1594) ont connu en leur temps un vif succès, notamment de scandale : si l'on ne voit parfois dans ces petites épopées mythologiques et érotiques que des exercices d'imitation sur des sujets tirés d'Ovide, leur charge subversive, bien réelle, n'échappa pas aux lecteurs contemporains. Les Sonnets (1609), au contraire, sont passés presque inaperçus lors de leur publication. Ils sont pourtant devenus l'un des fleurons de l'oeuvre de Shakespeare. Loin de n'être qu'un miroir où se lirait la vie bisexuelle de WilliamS. à travers le triangle amoureux que le poète y dessine avec le "beau garçon" et la "noire maîtresse" auxquels il s'adresse, le recueil, ici retraduit par Jean-Michel Déprats, possède une force qui excède largement la question sexuelle. Figures de styles et effets sonores contribuent à d'infinis croisements entre les mots et la pensée (et la pensée dans les mots). Il n'y a pas d'interdits de langage pour Shakespeare : son invention est aimantée par une subversion, morale et esthétique, de tous les instants. En France, les sonnets ne sont traduits qu'à partir de 1821, et ce n'est qu'en 1857 que François-Victor Hugo en donne une traduction intégrale. Traductions et réécritures se multiplient ensuite. L'anthologie qui clôt le volume donne à saisir les métamorphoses auxquelles s'est prêté, et continue de se prêter, ce monument de la poésie universelle.

"Commencées dans l'agitation, les comédies se terminent dans le calme, contrairement aux tragédies qui, commencées dans le calme, finissent en tempête". La formule est du dramaturge Thomas Heywood, elle date de 1612 et a le mérite de la simplicité. Mais c'est aussi sa limite, le genre "comédie", si c'en est un, étant quant à lui plutôt complexe. Shakespeare a écrit dix-huit pièces ainsi désignées, et ce qu'ont en commun La Comédie des erreurs (1590-93) et La Tempête (1611) ne saute pas aux yeux. Reste qu'il est possible d'identifier dans cet ensemble trois phases, que recoupent à peu près les trois volumes de la Pléiade. Après une première époque (1590-1598 ; tome I) qualifiée de "maniériste" et au cours de laquelle Shakespeare renverse les codes de l'amour pétrarquiste, c'est plus que jamais le sentiment amoureux qui confère leur (problématique) unité aux comédies écrites entre 1598 et 1604-06 (tome II). Il irrigue toutes les intrigues, des plus désopilantes aux plus romantiques, et s'accommode de toutes les modalités du comique. Comique énorme des Joyeuses Epouses de Windsor, "comédie sans comique" à l'autre bout du spectre : Tout est bien qui finit bien finit bien, mais contre toute attente. Entre ces deux extrêmes se déploient les "comédies brillantes". Jouant de la duplicité des apparences (trompe-l'oeil et anamorphoses sont alors en vogue), irrésistiblement séduisantes, elles mettent en scène le miroitement et les intermittences des cours. La dernière phase (1607-1613 ; tome III) réunit des pièces traitées de tous les noms : romances (drames romanesques), "comédies du renouveau", pièces "bâtardes", "tragi-comédies" - ni comédies, car la mort rôde, ni tragédies, car on n'y meurt pas assez. (Il ne manque en somme à ce chapelet de qualificatifs que la "tragédie comico-historico-pastorale" imaginée par Polonius dans Hamlet.) C'est le temps des harmonies paradoxales : s'y accordent le comique et l'odieux, le rire et la peur, les danses et les funérailles. La joie des héros du Conte d'hiver "patauge dans les larmes", la tristesse du Palamon des Deux Nobles Cousins "est une sorte de joie composite". Les intrigues de ces dernières pièces sont complexes. Strange est le mot qui, d'écho en écho, les traverse toutes. Les contrées sont inconnues, les rebondissements inattendus, les apparitions déconcertantes. Le merveilleux règne sans partage sur l'île enchantée de La Tempête. Puis "ce spectacle insubstantiel" s'évanouit ; Prospéro et ses semblables étaient "de l'étoffe dont les rêves sont faits". Les dernières comédies mettent en lumière le paradoxe de leur art : éphémères productions d'insaisissables rêveries, invraisemblables "histoires d'autrefois", elles pourraient ne pas nous concerner, et pourtant nous habitent. C'est avec elles que s'achève la publication de l'édition bilingue du théâtre de Shakespeare à la Pléiade.

C'est donc un paysage onirique bouleversant que nous avons sous les yeux. D'une profondeur, d'une vérité à la fois troubles et infinies. Toute la pièce commence avec la jalousie du roi Léonte, comme un excès d'amour qui en un cillement se transforme en folie. Dès cet instant, elle semble courir vers la catastrophe et l'écriture prend le rythme cataclysmique et malade de la psyché du roi. Nous avons sous les yeux l'immensité du récit intime, le paysage diffracté de la douleur. C'est en cela que la pièce est une pièce-monde, qui nous révèle ce que nous sommes, en puissance, au plus profond de nous. Ce que nous perdons. Ce que nous retrouvons. C'est peut-être cela l'hiver du conte : le feu qui brûle sous la glace et qui s'apaise quand le Temps a accompli son oeuvre. Jean-René Lemoine

" Titus Andronicus (ou La Très Lamentable Tragédie romaine de Titus Andronicus, en anglais The Most Lamentable Romaine Tragedy of Titus Andronicus) est peut-être la première tragédie de William Shakespeare, et certainement la plus sanglante. Elle décrit un cycle de vengeances qui oppose Titus, général romain imaginaire, à son ennemie Tamora, reine des Goths. A partir du xviiie siècle, cette pièce a été un peu délaissée. En effet à l'instar de T. S. Eliot, nombreux étaient ceux qui jugeaient que "Titus Andronicus est une des pièces les plus stupides que l'on ait jamais écrites" (Selected Essays, 1917-1932). Cette aversion se fondait sur l'horreur de l'horreur donc, et rejet d'un supposé Grand Guignol".

Othello, un "noble Maure" tout juste marié à Desdémone, s'apprête à affronter les Turcs, à la tête de la flotte vénitienne. Par chance, les navires turcs ont été détruits par une tempête, et Othello est nommé gouverneur de Chypre. Iago, qui convoitait la place de second d'Othello, échue à Cassio, tient le Maure de Venise pour responsable et décide de se venger de lui. Il commence par évincer Cassio en l'enivrant et en déclenchant une émeute dont il rejète la faute sur le bras droit d'Othello, qui le répudie. Puis il va faire germer la jalousie dans l'esprit de son seigneur, en lui faisant croire que Desdémone le trompe avec Cassio...

Ce volume rassemble trois comédies badines et féroces : multipliant personnages, lieux et intrigues, elles peignent une grande fresque turbulente et frivole où s'enchevêtrent les thèmes de l'amour et de la vertu. La légèreté apparente du bal des masques, qu'il ait lieu à Venise, à Messine ou au coeur d'une forêt des Ardennes, vacille ici et là sous l'effet d'un souffle tragique ; au coeur de la comédie, Shakespeare déploie une réflexion sur les pouvoirs de la fiction : "Le monde entier est un théâtre, et tous, hommes et femmes, n'en sont que les acteurs. Tous ont leurs entrées et leurs sorties, et chacun y joue successivement les différents rôles d'un drame en sept âges" (Comme il vous plaira, II, 7).

L'action se déroule en Grèce et réunit pour mieux les désunir deux couples de jeunes amants, Lysandre, Démétrius, Hélène et Hermia. Hermia veut épouser Lysandre, mais son père, Egée, la destine à Démétrius, dont est amoureuse Hélèna. Lysandre et Hermia s'enfuient dans la forêt, poursuivis par Démétrius, luimême poursuivi par Hélèna. Pendant ce temps, Obéron, roi des fées, a ordonné à Puck de verser une potion sur les paupières de sa femme, Titania. Il entre dans la forêt avec Puck. Pendant la nuit, la confusion règne...

Deux frères jumeaux ont deux esclaves, jumeaux comme eux, et qui portent le même nom... D'où le titre de cette pièce...

UN LIVRE FACILE A LIRE ET A COMPRENDRE ! C'est l'histoire de Roméo et Juliette. Roméo est un jeune homme de la famille Montague. Juliette est une jeune fille de la famille Capulet. Un soir d'été, Roméo et Juliette tombent amoureux. C'est le début d'une grande histoire d'amour. Mais leurs familles sont ennemies. Les Montague et les Capulet se détestent. Roméo et Juliette vont-ils réussir à vivre leur amour ? Roméo et Juliette est la tragédie amoureuse la plus connue de William Shakespeare. William Shakespeare est l'auteur de théâtre anglais le plus important du XVIe siècle (16e siècle).

Les 154 sonnets de Shakespeare (1564-1616) sont mystérieux à plus d'un titre. Ecrits avant les grandes tragédies, ils furent publiés en 1609 sans l'accord de l'auteur. La dédicace était adressée à " M. W. H. ", initiales qu'aucun érudit n'a jamais décryptées de façon certaine. Il est aussi question d'une Dame Noire (Dark Lady), que l'on n'a pas davantage identifiée. Mais le destinataire des Sonnets, pour l'essentiel, est clairement un homme. Ils expriment, sur le mode lyrique, tous les aspects de la passion amoureuse : vénération de la beauté, jalousie, angoisse de la mort et du temps qui passe. L'œuvre préfigure le pessimisme d'Hamlet et d'Othello, tout en célébrant le bonheur d'aimer avec les accents de Roméo et Juliette.

Iago est déterminé à détruire Othello, un général vénitien réussi qui a promu un autre homme nommé Cassio au lieutenant au lieu de lui. Roderigo est amoureux d'une femme nommée Desdemona, qui a déjà épousé secrètement Othello. Iago accepte d'aider Roderigo à sortir d'Othello. Iago envoie Roderigo au père de Desdemona, Brabantio, qui accuse Othello de faire passer Desdemona avec lui par la sorcellerie. Desdemona défend Othello, et leur mariage est validé devant le duc. Othello, Iago, Desdemona, Cassio, Roderigo et la femme Emilia d'Iago épousent à Chypre pour combattre les forces turques qui ont atterri là-bas. Une fois que la fête arrive, ils découvrent que la flotte turque a été détruite lors d'une tempête. Iago reçoit Cassio en état d'ébriété et le provoque dans un combat avec Roderigo. Othello blâme Cassio pour le combat et le dépouille de son rang. Iago envoie alors Cassio pour demander à Desdemona s'il est possible de convaincre son mari de le réintégrer. Emilia, l'assistant de Desdemona lors du voyage, prend un mouchoir que Desdemona tombe. Iago le prend, sachant qu'il sera utile plus tard. Il convainc Othello que quelque chose se passe entre Cassio et Desdemona, et se dépeint comme la seule confidente fidèle d'Othello. Othello favorise Iago au lieutenant. Iago plante le mouchoir dans la chambre de Cassio et dit à Othello d'écouter pendant qu'il a eu Cassio pour parler de l'affaire. En réalité, il demande à Cassio son affaire avec une femme nommée Bianca, mais Othello manque le nom et pense qu'il parle de Desdemona. Il décide de tuer Desdemona et demande à Iago de tuer Cassio. Iago convainc Roderigo pour le faire pour lui, et Othello procède terriblement à Desdemona. Roderigo attaque Cassio alors qu'il part de Bianca, mais il est blessé ; Iago (déguisé) attaque Cassio et prétend ensuite arriver sur scène pour aider. Iago tue Roderigo pour le garder silencieux, et accuse Bianca de s'arranger pour tuer Cassio...

"Il n'y a aucun travail de comparaison à faire entre les différents et merveilleux travaux autour de Shakespeare. Chaque travail de traduction est différent : il s'agit d'un geste pour comprendre l'auteur, connaître le théâtre pour lequel il écrivait et sa contextualisation autant sociale, poétique que métaphysique. D'autre part, la connaissance de la langue dans laquelle on traduit a toujours plus d'im- portance que la langue depuis laquelle on traduit. Il faut tenter de recréer un nouveau texte fidèle à un esprit plus qu'à un contenu, fidèle à une forme plus qu'à un sens, fidèle à une esthétique plutôt qu'à un discours. Ne plus penser la traduction comme un problème mais comme une chose incroyable, un outil merveilleux : voilà ce que permet le théâtre. Puisque Shakespeare est aussi atemporel qu'universel, pertinent satire qu'exigeant tragédien : ce travail semble couler de source. Les pièces peuvent renaître sans cesse, non plus par l'intermédiaire unique de la mise en scène, mais aussi par le travail de traduction et d'adaptation dramatique qui nous fait penser le texte dans une nouvelle époque, pour un autre public et grâce à une langue différente qui ne doit détériorer ni la poésie ni le sens profond du verbe décryptant l'âme humaine avec toujours plus de véracité. Et puis l'important, n'est-ce pas la soif d'énergie vitale que nous apporte la poésie ? Ainsi, pour ce qui est du travail d'adaptation, il sera donc fait en étroite collaboration avec le metteur en scène. Le texte de cette création relève d'un double travail qui ne peut exister qu'ensemble. Cette nouvelle traduction de la pièce ne peut donc pas se détacher de l'adaptation pour la mise en scène qu'elle propose". Clément Camar Mercier Pièce pour 3 comédiennes et 6 comédiens

ATTENDANT News, my good Lord, from Rome. ANTONY Grates me ! The sum. CLEOPATRA Nay, hear them, Antony : Fulvia perchance is angry ; or, who knows If the scarce-bearded Cæsar have not sent His powerful mandate to you, "Do this, or this ; Take in that kingdom, and enfranchise that ; Perform't or else we damn thee". ANTONY How, my love ? CLEOPATRA Perchance ? nay, and most like : You must not stay here longer, your dismission Is come from Cæsar, therefore hear it, Antony. LE SERVITEUR Des nouvelles, monseigneur, de Rome. ANTOINE C'est fâcheux ! Résume. CLEOPÂTRE Non, écoute-les, Antoine : Fulvie peut-être est irritée, ou qui sait Si ce César presqu'imberbe ne t'envoie pas Ses puissants commandements : " Fais ceci ou cela ; Saisis ce royaume, et affranchis cet autre ; Exécute, ou sinon nous sévissons ". Antoine Comment, mon amour ? CLEOPÂTRE Peut-être, ai-je dit ? C'est bien plutôt certain : Tu ne dois pas t'attarder ici plus longtemps ; ta révocation Est là, qui vient de César, c'est pourquoi prête l'oreille, Antoine.

Entre une cérémonie de noces brutalement interrompue et un mariage unissant deux êtres connus pour se haïr, Beaucoup de bruit pour rien nous rappelle que l'amour ne suit jamais un cours régulier. Etincelante et jubilatoire, cette comédie romantique n'en repose pas moins sur un constat amer : tout n'est que vanité et aimer, c'est d'abord s'éprendre de soi-même, pour le meilleur et pour le pire.

Fallait-il tuer César pour que les Romains restent libres ? Cet assassinat, accompli au nom d'un idéal ardent (et pour d'autres motifs plus obscurs), se retourne contre ses auteurs et précipitera la transformation de la République en Empire. Shakespeare en trace la chronique et se garde de laisser filtrer son sentiment sur la justification et l'opportunité du meurtre, ou sur ce qu'il faut penser de ses conséquences. Il se contente de mettre en jeu les passions et les erreurs humaines et leur façon de changer le cours de l'Histoire. Pièce surprenante par sa multitude de recoins intimes et tendres qui cassent ou rehaussent l'ironie terrible du mouvement d'ensemble. Pièce étonnamment fraîche. Pièce fulgurante : elle n'aboutit à aucune leçon, mais l'époque actuelle s'y réfléchit.

Suivi d'un texte de Georges Lavaudant

Cette oeuvre (édition relié) fait partie de la série TREDITION CLASSICS. La maison d'édition tredition, basée à Hambourg, a publié dans la série TREDITION CLASSICS des ouvrages anciens de plus de deux millénaires. Ils étaient pour la plupart épuisés ou uniquement disponible chez les bouquinistes. La série est destinée à préserver la littérature et à promouvoir la culture. Avec sa série TREDITION CLASSICS, tredition à comme but de mettre à disposition des milliers de classiques de la littérature mondiale dans différentes langues et de les diffuser dans le monde entier.

Cette édition propose des traductions qui, presque toutes, ont déjà subi (victorieusement) l'épreuve de la scène. Soucieuses de la théâtralité du texte et de son oralité, elles respectent l'alternance de vers (rimés ou non) et de prose, et s'efforcent de rendre justice au pouvoir d'invention poétique et dramaturgique de Shakespeare. Elles sont dues, pour la plupart, au maître d'ouvre de l'édition, Jean-Michel Déprats, qui les soumet ici à une nouvelle épreuve : celle de la confrontation avec l'original anglais. Car cette édition est bilingue. Autre vérité bonne à dire : depuis le XVIIe siècle, le texte des ouvres de Shakespeare n'a cessé d'être « amélioré » par ses éditeurs successifs. Rien d'étonnant à cela : aucune édition ancienne n'est susceptible de servir de référence absolue. On croit d'ailleurs savoir que Shakespeare n'est pas intervenu personnellement dans la publication de ses pièces. Il convenait donc de tenir le plus grand compte de la mouvance du texte et, dans le même temps, de se garder d'une sorte d'« impressionnisme éditorial » qui aurait consisté à s'autoriser des manipulations de toute nature dans l'espoir toujours déçu de saisir l'insaisissable, de retrouver ce qui est perdu : « le véritable Shakespeare ». Shakespeare reste un mystère...

Un roman-quête sur la tante de l'auteur, anglaise à Paris qui a tenté de survivre pendant la Deuxième Guerre Mondiale. 40 photos.

De nombreuses traductions des Sonnets de Shakespeare sont disponibles : est-il nécessaire d'en publier une de plus ? La présente traduction vaut réponse à cette question. Du fait de l'extraordinaire richesse de ces sonnets, chaque traduction privilégie certains de leurs aspects et en écarte d'autres (traduire en incorporant tous les aspects reviendrait à copier le texte anglais) ; cette traduction choisit de ne pas "rendre" le vers de Shakespeare, de ne pas se préoccuper de la rime, de laisser tomber les jeux de mots, les allitérations et les enjambements, de ne pas transposer dans un français de la fin de la Renaissance - d'autres traductions s'y attachent et y parviennent à divers degrés. Cette traduction ne tente évidemment pas non plus de "recréer" les Sonnets en français, il faudrait être poète, ce ne serait plus une traduction, et ce ne serait sans doute plus du Shakespeare. Les aspects qu'ici j'ai tenté de reproduire représentent, pour simplifier, l'enveloppe des 154 sonnets, le discours du narrateur - du "je", à ne pas confondre avec Shakespeare -, les mots dont il se sert, leur ordre de même que leurs répétitions et leurs échos dans chaque sonnet et dans l'ensemble des sonnets. Il ne s'agit pas d'une traduction en prose - selon Valéry : "On met en prose comme on met en bière" - mais de poèmes en prose, avec leur scansion, leur rythme, leur musique. Le sonnet shakespearien (douze vers en trois quatrains non séparés par un interligne, et un couplet de deux vers, ou distique) est ici présenté en deux paragraphes : les quatrains, séparés par une espace longue, et le couplet. Quatrains et couplet forment donc l'unité structurelle de chaque sonnet traduit ; cette unité plus grande que le vers permet d'éviter la contrainte qu'aurait requise la régularité du vers, contrainte que les aspects retenus pour cette traduction rendaient intenable. Bernard Hoepffner, 1999 Nous republions la traduction de B. H. (Mille et Une Nuits, 1999).

" Les Deux Gentilshommes de Vérone (The Two Gentlemen of Verona) est une comédie de William Shakespeare qui date du début de sa carrière. Elle présente la liste de personnages la plus réduite de tout le canon shakespearien et c'est dans cette pièce que Shakespeare met pour la première fois en scène une jeune fille se déguisant en garçon. La pièce aborde les thèmes de l'amitié et de la fidélité, mais elle doit une grande partie de sa saveur comique au personnage du clown Lancelot, serviteur du changeant Protéo, et à son chien Crab "le plus bel exemple de cabotinage de tout le théâtre shakespearien" selon un critique"

Tome 1 : Les Deux gentilshommes de Vérone -La Mégère apprivoisée - La Comédie des erreurs - Peines d'amour perdues - Songe d'une nuit d'été. Tome 2 : Le Marchand de Venise - Les Joyeuses commères de Windsor - Beaucoup de bruit pour rien - Comme il vous plaira - La Nuit des rois.