Thalyssa Delaunay

De 1934 à sa mort en 1971, Alberto Magnelli (né en 1888 à Florence, venu vivre à Paris en 1931 ) a réalisé près d’une centaine d’estampes qui donnèrent lieu en 1980 à une rétrospective à la Bibliothèque nationale de France. Le catalogue sommaire publié à l’époque était toutefois loin de rendre compte de la variété des moyens mis en oeuvre (eau-forte, lithographie, sérigraphie, utilisation de gaufrage…) et surtout de témoigner du travail de recherche nécessité par chacune de ces impressions. Ce premier catalogue raisonné reproduit évidemment en couleurs toutes les estampes de Magnelli, mais il présente aussi toutes les variantes connues (également reproduites en couleurs) de chaque planche. Chacune de celles-ci est accompagnée d’un descriptif technique, d’un historique de sa réalisation et de la liste des collections publiques qui la possède. Cet ouvrage est aussi l’occasion de découvrir les remarquables collaborations de Magnelli tant avec des éditeurs d’exception comme Iliazd (pour Poésie des mots inconnus ou Rogelio Lacourière pêcheur de cuivres) ou Max Bill (10 Origin publié en 1942) qu’avec des artistes comme Arp, Sonia Delaunay ou Sophie Taeuber avec lesquels il réalisa, réfugié dans le Midi de la France pendant les années de guerre, une série d’oeuvres communes quatre mains » devenues après-guerre un exceptionnel album de lithographies. Ce livre est ainsi à la fois la référence, compte-tenu de sa précision scientifique, pour les musées, les galeries et les collectionneurs, mais il est aussi, pour les amateurs, une source de découvertes et de plaisir.

Fernand Léger (1881-1955) vécut à l'écoute de son temps. Tout en restant indépendant d'esprit et de création, il a manifesté toute sa vie une profonde curiosité pour le travail de ses contemporains : peintres, sculpteurs, poètes, danseurs ou architectes. D'un tempérament sociable et ouvert, il s'est entouré d'artistes avec lesquels il a entretenu des échanges, humains et artistiques, qui ont nourri sa réflexion et sa démarche de peintre. Ses relations amicales ont été l'occasion de mêler dans un même élan créateur, travail et amitié ; elles ont ouvert la voie à des expériences artistiques inédites et, parfois, à des projets collectifs. Richement illustré, ce catalogue met en lumière le dialogue formel et les influences mutuelles entre l'oeuvre picturale de Léger et celles de ses amis à travers plus de 40 "Vis-à-vis" d'oeuvres, créées par les grands noms de l'art moderne, Picasso, Braque, Matisse, Calder, Delaunay, et aussi par des artistes de la seconde moitié du XXe siècle, qui lui ont rendu hommage. L'oeuvre de Fernand Léger est en effet devenue une source d'inspiration féconde pour des artistes aussi différents que Francis Bacon, Erró ou Roy Lichtenstein, qui par-delà les générations, ont créé un lien fort, intellectuel et esthétique, avec leur prédécesseur. Véritable fête visuelle, et ouvrage invite le spectateur à redécouvrir l'oeuvre foisonnante et novatrice de Fernand Léger, grand pionnier de l'art moderne, mais aussi une relecture joyeuse et créative de l'histoire de l'art du XXe siècle.

Agriculteur champenois, Jacques de Bohan (1934-2005) fut de ceux qui révolutionnèrent l'agriculture de l'après-guerre. En tant que praticien agricole d'abord, dans une "Champagne pouilleuse", trop longtemps abandonnée à la routine. En tant que dirigeant agricole ensuite, manifestant une intuition qui fut à l'origine d'une profonde modernisation de l'organisation agricole française. Fondateur de Champagne Viande et de Champagne Céréales, le leader champenois exerça une influence profonde sur le destin de la coopération agricole, sans pour autant avoir endossé de mandats nationaux majeurs. Mais, pour aussi profonde que soit sa trace, Jacques de Bohan ne fut pas seul dans cette aventure. Aussi, Joseph Garnotel a-t-il tenu à lui associer une génération de leaders champenois, séparés entre eux de moins de quinze ans, qui prirent leur part dans l'essor de l'agriculture française : les Delaunoy, Garinois, Neeser, Yverneau... L'oeuvre de ces pionniers se poursuit sous nos yeux, au prix de mutations continues qui fraient de nouvelles perspectives aux agriculteurs, mais qui ne manquent pas de les interroger. Le livre ouvre aussi ce chapitre, en s'attardant notamment sur les défis actuels de la coopération agricole et sur l'avenir qu'elle se prépare.

La dramaturgie a constamment joué de la métaphore urbaine, ville ou cité, théâtre de tous les conflits exposés sur scène, véritable place publique, depuis OEdipe de Sophocle jusqu'à Dans la Jungle des villes de Brecht en passant par La Ville de Claudel. La dramaturgie récente perpétue ce lien dans des pièces telles que Electronic City de Falk Richter qui fait le portait de la ville générique entre aéroport, centre commercial et hôtel de transit. Le parallèle de la ville et du théâtre est-il encore opérant aujourd'hui ? L'espace théâtral a-t-il encore un sens à l'ère du numérique ? Se fondant sur ces questions, ce numéro de Théâtre/Public examine la place actuelle des lieux scéniques dans les villes en mutation, intégrant la relation acteurs/spectateurs, posant surtout la question du théâtre en tant qu'art, relativement à une approche scénographique, architecturale et urbaine, artistique et sociale. Le dossier comportera des contributions de Marcel Freydefont, Luc Boucris, Xavier Fabre, Marcel Roncayolo, Yann Rocher, Emmanuel Wallon, Catherine Blondeau, Antoni Ramon, Xavier Rovira, José-Manuel Castanheira, Ania Goldanewska, Serge Rangoni, Pierre Hebbelinck, Véronique Lemaire et Michaël Delaunoy, Mahtab Mazlouman, Beno Mazzone, Jean Chollet, Philippe Lacroix, etc, et des extraits significatifs de spécialistes de l'urbanisme comme Bernardo Secchi ou Olivier Mongin.

Le corps, la maison, la ville, la nature, les animaux, la mer, la Terre, les sciences, les sports, l'Histoire, l'univers... Ce bel ouvrage aux pages cartonnées et propose plus de 180 volets à soulever pour stimuler l'imagination des enfants et leur faire découvrir le monde. - De grandes et belles images avec plein de détails à observer - Des animations originales pour en savoir plus ou comprendre comment ça marche - Des questions-réponses pour attiser et satisfaire la curiosité - Des textes vivants et accessibles à lire à voix haute

Sommaire Revue du droit public 3-2023 Dossier : La montée en puissance du fait religieux dans la jurisprudence de la cour de justice de l'Union européenne - La montée en puissance du fait religieux dans la jurisprudence de la Cour de justice de l'Union européenne, par Laurent Coutron - Discrimination au travail et liberté de religion, par François Biltgen - La liberté de religion est-elle soluble dans le marché ? Le droit de l'Union européenne et le financement des entités religieuses, par Olivier Dubos - Quelle place pour la liberté de religion dans le contentieux de l'asile ? , par Caroline Boiteux-Picheral - Existe-t-il une communauté de sources de la liberté de religion ? , par Sébastien Van Drooghenbroeck - Quelle place pour la liberté de religion dans la hiérarchie des droits ? , par Mustapha Afroukh Table ronde : La réception en droit français des exigences européennes relatives à la liberté de religion, par Pierre-Yves Gahdoun, Lauren Blatière, Olivia Bui-Xuan, Frédéric Dieu et Eric Sales DOCTRINE - DROIT ADMINISTRATIF La protection contre les décisions administratives inopinées. Lecture contemporaine de l'arrêt du Conseil d'Etat Compagnie des mines de Siguiri du 22 novembre 1929, par Benoît Delaunay Qu'est-ce qu'une mesure gracieuse ? , par Themistoklis Raptopoulos La jurisprudence administrative face aux forces de l'ordre : un processus de légitimation juridique de l'usage de la force, par Clément Rouillier - DROIT CONSTITUTIONNEL Imbroglio, quiproquo, mécano autour de la motion référendaire, par Dorothée Reignier - DROIT ETRANGER Le modèle suisse du vote par correspondance, par Maxime Charité - DROIT INTERNATIONAL Covid-19, le droit international public revisité ? , par Emile-Derlin Kemfouet Kengny - FINANCES PUBLIQUES Le contrôle du Conseil constitutionnel sur les "cavaliers budgétaires" , par Vivian Laugier

DOSSIER : LA MONTEE EN PUISSANCE DU FAIT RELIGIEUX DANS LA JURISPRUDENCE DE LA COUR DE JUSTICE DE L'UNION EUROPEENNE - La montée en puissance du fait religieux dans la jurisprudence de la Cour de justice de l'Union européenne, par Laurent Coutron - Discrimination au travail et liberté de religion, par François Biltgen - La liberté de religion est-elle soluble dans le marché ? Le droit de l'Union européenne et le financement des entités religieuses, par Olivier Dubos - Quelle place pour la liberté de religion dans le contentieux de l'asile ? , par Caroline Boiteux-Picheral - Existe-t-il une communauté de sources de la liberté de religion ? , par Sébastien Van Drooghenbroeck - Quelle place pour la liberté de religion dans la hiérarchie des droits ? , par Mustapha Afroukh Table ronde : La réception en droit français des exigences européennes relatives à la liberté de religion, par Pierre-Yves Gahdoun, Lauren Blatière, Olivia Bui-Xuan, Frédéric Dieu et Eric Sales DOCTRINE - DROIT ADMINISTRATIF La protection contre les décisions administratives inopinées. Lecture contemporaine de l'arrêt du Conseil d'Etat Compagnie des mines de Siguiri du 22 novembre 1929, par Benoît Delaunay Qu'est-ce qu'une mesure gracieuse ? , par Themistoklis Raptopoulos La jurisprudence administrative face aux forces de l'ordre : un processus de légitimation juridique de l'usage de la force, par Clément Rouillier - DROIT CONSTITUTIONNEL Imbroglio, quiproquo, mécano autour de la motion référendaire, par Dorothée Reignier - DROIT ETRANGER Le modèle suisse du vote par correspondance, par Maxime Charité - DROIT INTERNATIONAL Covid-19, le droit international public revisité ? , par Emile-Derlin Kemfouet Kengny - FINANCES PUBLIQUES Le contrôle du Conseil constitutionnel sur les "cavaliers budgétaires" , par Vivian Laugier

- Chroniques : Carnets de route. Issoudun, passage d'art obligé // L'état des choses. Chillida / Serra : les Trônes de fer basques - Actualités : Peinture flamande et art contemporain à Peyrassol / L'Ecole de Paris en villégiature à Céret / Hyperréalisme au musée Maillol / Vieira da Silva à Marseille / François Dilasser, ronde des formes à Eymoutiers / Parentalité en oeuvres à Dreux / Les déchirure - Découvrir : Füssli. Moraliste tourmenté. Musée Jacquemart-André, Paris Edvard Munch sur le rivage. Musée d'Orsay, Paris / Galerie Poggi, Paris Gérard Garouste violent contre lui-même. Centre Pompidou, Paris Betye Saar, un art de la traversée. Frac Lorraine, Metz Biennale de Lyon. La fin du monde entre deux eaux. MACLyon / Musée Guimet / Usines Fagor / Lugdunum / Musée de Gadagne, Lyon Christian Jaccard en feux et noeuds, en rouge et noir. Espace Art Absolument, Paris Art Orienté Objet, vivre l'animal en soi. Domaine de Chamarande Mathieu Cherkit, peindre à portée des yeux. Galerie Xippas, Paris Anne-Sylvie Hubert. Peinture plurielle. Entretien - Collectionner : Moderne Art Fair. Esprit moderne St-Art, une édition du renouveau Foires. Salon d'Automne, MacParis, Art Karlsruhe - Collectionner / En galeries : Khaled Takreti, de Paris à Beyrouth / Dubuffet chez Lelong et Jeanne Jaeger Bucher / Mohamed Lekleti à la galerie Valérie Delaunay - Débattre : Mécenat. La Bourse Révélations Emerige fait preuve d'amour Muséographie. Grotte Cosquer, sauvée des eaux à Marseille ? - Débattre / Livres : Visages atomisés de Karl Beaudelere / Penser la perception avec Jean Daive / Ayman Baalbaki, l'or dans la boue / Enquête sur Goya dans la revue Techné - Chroniques : Continent-média. Guerre en Ukraine : qu'en est-il du boycott de la culture russe ? // Pages d'art. Musées : étudier, montrer... et restituer ?

Si, au moins depuis la Déclaration des Droits de 1789, dont l'article 15 proclame : "La Société a le droit de demander compte à tout Agent public de son administration" , la question de savoir pourquoi les responsables publics doivent répondre de leurs actes, ne se pose plus, celle de savoir comment ils le font et même comment ils devraient le faire, est toujours débattue, surtout à une époque où s'amplifie la défiance des citoyens à l'égard de la démocratie représentative et de son personnel politique et administratif. Sous quelles formes, et devant quelles instances s'exprime et doit s'exprimer ce que certains appellent la redevabilité, d'autres la responsabilité, d'autres encore la "répondance" , des gouvernants, des élus et des fonctionnaires ? Bien que relevant de systèmes politico-juridiques aux configurations parfois assez dissemblables sinon opposées, les universitaires et praticiens français et étrangers dont les contributions sont réunies dans cet ouvrage, ont apporté à ce questionnement multidimensionnel des réponses plutôt concordantes, allant dans le sens de l'extension continue de mécanismes préventifs et répressifs. Cet ouvrage est issu des travaux du colloque international intitulé "Comment les responsables publics doivent-ils répondre de leurs actes ? " , qui s'est tenu à la Faculté de Droit, d'Economie et des Sciences Sociales de l'Université de Tours les 28 et 29 novembre 2019 et a été organisé sous l'égide de l'Institut de Recherche Juridique Interdisciplinaire (IRJI), par Mathilde Collin, Bénédicte Delaunay, Christian Garbar, Anne Jeannot, Pierre Mouzet, Véronique Picard, Véronique Tellier-Cayrol et Corinne Touret, sous le patronage du comité scientifique composé de Jacques Caillosse, Antony Taillefait et Christian Vigouroux.

Cette exposition présente deux figures majeures de l'expressionnisme allemand et du mouvement Der Blaue Reiter [Le Cavalier bleu], Franz Marc (1880-1916) et August Macke (1887-1914). Dès 1910, ces artistes nouent une amitié portée par leur intérêt commun pour l'art français et plus particulièrement, pour Cézanne, Van Gogh, Gauguin et le fauvisme, qu'ils découvrent lors de leur séjour à Paris. Tous deux expriment dans leurs premiers tableaux, souvent peints en plein-air, une même fascination spirituelle pour le paysage et la nature. C'est au moment de leur rencontre en 1911 avec Vassily Kandinsky et de la création de l'Almanach du Blaue Reiter, que leur peinture prend un tournant plus radical, plus stylisé. Franz Marc abandonne la peinture de plein-air et commence à peindre ses fameux chevaux bleus qui inspirent le titre de la revue. Si Marc co-édite avec Kandinsky l'Almanach, August Macke en réunit les visuels ethnographiques et rédige une étude sur les masques africains. Très actifs, ils collaborent également à l'organisation d'expositions internationales d'avant-garde comme à Cologne en 1912 et à Berlin en 1913 tout en poursuivant leur propre évolution. Ainsi Franz Marc, marqué par l'exposition des Futuristes italiens et par les tableaux de Robert Delaunay, se tourne vers l'abstraction en 1913. Macke, quant à lui, va se distancier de la spiritualité intellectuelle de Kandinsky pour privilégier un rapport plus évident entre l'homme et la nature notamment au cours de son voyage en Tunisie avec Paul Klee. Mobilisés dès août 1914, les deux artistes meurent au front laissant des oeuvres inachevés mais emblématiques du versant hédoniste, coloré et séduisant de l'expressionnisme allemand.

Le Chandelier est paru dans la Revue des deux Mondes en 1835. Il a ensuite été monté au Théâtre-Historique le 10 août 1848. Une jeune actrice prometteuse, mademoiselle Maillet, remplissait le rôle de Jacqueline. Elle mourut quelques mois plus tard. La distribution des autres rôles était si défectueuse et l'exécution si insuffisante, que le public put à peine comprendre la pièce. C'était une oeuvre trop délicate pour attirer la foule au boulevard du Temple, elle disparut après quelques représentations. Le 29 juin 1850, il reparut sur l'affiche de la Comédie-Française, avec Delaunay dans le rôle de Fortunio et Allan dans le rôle de Jacqueline, et cette fois elle fut jouée avec une rare perfection. C'est pourquoi on a considéré les artistes de la Comédie-Française comme ayant créé les rôles. Cette histoire est celle du chandelier qui brûle les doigts de celui qui l'avait allumé : le notaire maître André est courroucé contre sa femme, la jeune et jolie Jacqueline, car un de ses clercs a vu un homme escalader son balcon. Il veut en acquérir la preuve pour mener la coupable en justice... Adaptations : A l'opéra-comique : En 1861, Jacques Offenbach, qui a écrit la musique de scène pour la production de la Comédie-Française, donne une suite à la pièce sous la forme d'un opéra-comique intitulé La Chanson de Fortunio. En 1907, André Messager écrit Fortunio, un opéra-comique adapté de la pièce. Au cinéma : En 1910, André Calmettes réalise pour le cinéma une adaptation de la pièce sous le titre La Mésaventure du capitaine Clavaroche. A la télévision : En 1974, Paul Blouin réalise pour la télévision de Radio-Canada le téléthéâtre Le Chandelier, avec Daniel Gadouas. Claude Santelli réalise Le Chandelier, un téléfilm diffusé pour la première fois le 17 décembre 1977.

Le Super Constellation, un appareil mythique. Premier avion de ligne qui traverse l'Atlantique sans escale de New York à Paris : 7000 mètres d'altitude de croisière, cabine pressurisée et climatisée. Constellation. C'est sous ce nom évocateur d'étoiles et de lignes imaginaires que Christoph Asendorf place sa recherche : astres au firmament ou lignes aériennes, c'est bien dans le ciel qu'il tresse un formidable réseau d'influences et de relations réciproques dans les arts plastiques, l'architecture, la sociologie, la sphère militaire et la philosophie... L'histoire de l'aéronautique, tout au long du siècle dernier, a fait naître de nouvelles manières de concevoir et de percevoir l'espace, aujourd'hui devenues familières. Le ciel est un espace de transformation, c'est aussi désormais le lieu d'où l'on regarde. Car l'aéronautique a radicalement changé la façon de voir le monde. La vue d'en haut allait produire des effets incalculables sur les arts et la culture : Kasimir Malevitch l'emploie comme métaphore du rapport suprématiste à l'espace ; Robert Delaunay avec Tour Eiffel et Jardin du Champ de Mars l'utilise comme un vecteur d'abstraction ; László Moholy-Nagy en fait le programme d'un nouvel humanisme dans son Bauhaus-Buch de 1929 et Le Corbusier, sous l'effet de cette "nouvelle vision", invente de nouveaux types de planification urbaine. Dans un mouvement de balancier continu, l'auteur parcourt les différentes évolutions techniques du siècle, convoquant les deux Guerres mondiales, pour révéler à quel point l'accélération des déplacements et la vitesse des communications liées au développement de l'aéronautique nous obligent toujours davantage à comprendre le territoire comme un "espace-temps". Une riche iconographie, véritable fil conducteur, accompagne son cheminement.?

Quitter tout, un mari violent, une vie suspendue, une belle maison en Normandie pour un destin choisi, façonné de passion, d'exigence. Et de belles rencontres. Tel est le parcours d'Auréliane, la quarantaine cabossée, qui renaît aux jours, en Bretagne, grâce à son métier lié à la mer... A trente-sept ans, promise à un bel avenir, diplômée de biologie marine, Auréliane a pourtant tout abandonné à la demande de son mari Fabien, prospère entrepreneur normand, pour vivre dans une superbe maison en bord de mer près du Havre. En apparence, Auréliane a tout pour être heureuse... Mais un matin, elle se retrouve à l'hôpital, cassée de partout, incapable de se souvenir de sa "malencontreuse chute dans l'escalier". Auréliane est victime de violences conjugales mais depuis des années pratique le déni. Une émission de Thalassa va cependant raviver la flamme de son ancienne passion pour la mer, et surtout refaire émerger le rêve de sa vie : la création d'une entreprise vouée à l'exploitation alimentaire des algues. Elle ne doute pas un instant que son mari va l'encourager. Elle y voit un renouveau pour son couple, une autre vie... Fabien ne lui a-t-il pas demandé pardon et proposé de l'emmener à Roscoff. Après quelques jours sur la côte bretonne, humiliations et coups alternent à nouveau avec réconciliations et cadeaux démesurés. Les rêves d'Auréliane sont une fois encore mis de côté. Mais lorsque, quelques mois plus tard, elle se retrouve enceinte, une ultime scène de violence la pousse à fuir en pleine nuit. Direction la Bretagne, Roscoff et le penty de sa grand-mère. Pour l'enfant qu'elle porte, plus question de se laisser aller. Auréliane va retrousser ses manches, créer son entreprise et surtout ne plus jamais subir. Certes, il lui faudra commencer au bas de l'échelle, mais elle va croiser l'amitié, les coups de main inattendus, la solidarité, un cuisinier très inventif, tout un monde prêt à suivre la belle blonde que l'on croyait fragile. Reste Fabien qui n'est pas décidé pour autant à laisser échapper... sa proie.

La Femme de trente ans est un roman d'Honoré de Balzac écrit entre 1829 et 1842. L'ouvrage est classé dans les Scènes de la vie privée de La Comédie humaine et est dédié au peintre Louis Boulanger. Histoire du texte La chronologie de sa publication est difficile à retracer dans la mesure où Balzac n'a cessé de retoucher ce texte, le découpant en fragments publiés de manière éparse, y rajoutant des chapitres, avant de réunir l'ensemble sous son titre définitif en 1842 dans l'édition Furne. En 1830, Balzac publie, dans la revue La Silhouette, sans signature, Une vue de Touraine, qui sera l'essentiel de la première partie du roman, complétée en 1831 dans la Revue des deux Mondes et parue sous le titre Le Rendez-vous1, 2. Cette même année, La Caricature publie sous pseudonyme La Dernière Revue de Napoléon, qui formera le début de cette première partie. La Revue de Paris publie en 1831, sous le titre Les Deux Rencontres, le texte qui sera la cinquième partie du roman, puis Le Doigt de Dieu, qui formera la première moitié de la quatrième partie. La troisième partie du roman, publiée en 1832 dans la Revue de Paris, est intitulée A trente ans. Cette même année, les quatre parties, auxquelles l'auteur a ajouté L'Expiation3, sont réunies dans les Scènes de la vie privée parues aux éditions Mame et Delaunay-Vallée sans qu'un titre global les réunisse. C'est en 1834 que Madame Charles-Béchet publiera l'ensemble remanié, avec les noms des protagonistes modifiés, et deux ajouts importants que sont les chapitres La Vallée du torrent et Souffrances inconnues, sous le titre Même histoire. D'autres transformations ont lieu pour la publication du texte chez Werdet en 1837, puis chez Charpentier en 1839. La Femme de trente ans ne prend son titre définitif, avec les parties reliées entre elles, que dans l'édition Furne de 1842.

Un jeune peintre turc d'à peine vingt-cinq ans au talent éclatant et à la personnalité éblouissante s'impose comme l'une des révélations du Paris d'après-guerre. Nejad Devrim, né en 1923 à Istanbul, séduit autant par la richesse de sa peinture que par son charme personnel. Il devient un habitué du salon d'Alice B. Toklas, compagne de Gertrude Stein. Clotilde Scordia s'est lancée sur la trace de ce dandy génial qui, après avoir enthousiasmé Paris et New York, disparut en Pologne. Pour Georges Boudaille, l'oeuvre de Nejad Devrim (1923 - 1995) se comprend comme une recherche du point de jonction entre l'héritage islamique et l'art occidental. Arrivé à Paris en 1946, il vient se confronter à la modernité et se lance à corps perdu dans la grande aventure de la Seconde Ecole de Paris. Son travail, imprégné d'héritage oriental qu'il ne reniera jamais, se tourne résolument vers l'abstraction. Dès l'année suivante, une galerie lui consacre une exposition personnelle et, en 1950, il est choisi par le galeriste Sidney Janis pour exposer à New York avec Pollock et de Kooning. Jusqu'à la fin des années 60 il continuera d'exposer, de voyager en Europe, aux Etats-Unis, en Asie centrale et en Union soviétique, fondera avec le critique Charles Estienne le Salon d'Octobre, se liera d'amitié avec de nombreux autres artistes et particulièrement Sonia Delaunay dont il sera très proche. Quand il choisit à sa façon de tourner le dos au succès, de quitter Paris et de s'exiler en Pologne, c'est l'un des plus brillants et singuliers artistes de l'abstraction qui s'éclipse. Malgré cet effacement volontaire, il sera toujours reconnu comme un artiste déterminant. Sa peinture frappe immédiatement par la richesse de ses couleurs et de ses constructions, d'une force d'apparence presque brutale mais toujours maîtrisée. A la veille du centenaire de sa naissance, voici une monographie très attendue.

Le projet "Histoire du Jazz en France", a réuni pendant trois années un grand nombre de chercheurs, dans et hors l'université, en France et à l'étranger. Plusieurs rencontres ont permis de confronter les points de vue et de préciser ce que pourrait être une histoire générale du jazz en France. Ce premier volume réunit les plus significatifs des travaux issus de ces débats. Quatre champs complémentaires se sont dégagés. Le premier est chronologique : les années 1920, particulièrement fécondes pour la réflexion. Qu'il s'agisse de l'effet d'étrangeté provoqué par l'orchestre militaire de James Reese Europe, de la danse, du rôle de "Bricktop" sur la scène parisienne, du lien au jazz d'un écrivain comme Pierre Mac Orlan ou des relations à la France de l'orchestre anglais le plus célèbre de l'époque, celui de Jack Hylton, cette décennie apparaît bien comme celle de toutes les naissances, d'un intense foisonnement créé par l'irruption du nouveau-né. Médiateurs et médiations ensuite : le jazz ne s'est pas seulement imposé par ses musiciens mais par tous ceux qui l'ont fait connaître. Outre des réflexions sur la nature de ces médiations et sur les rapports du jazz et de la philosophie, on retrouve la radio sous l'Occupation et l'action d'Hugues Panassié, Charles Delaunay, Boris Vian ou Sim Copans. La musique et les musiciens ne sont pas pour autant oubliés. Django Reinhardt, André Hodeir, Bernard Peiffer, Barney Wilen, Michel Petrucciani, Martial Solal en premier lieu, mais aussi les grandes formations de l'après-Deuxième Guerre mondiale. Les régions enfin : la France ne se réduit pas à Paris, même si la capitale attire la lumière avec un naturel toujours renouvelé. La tâche est ardue, tant les traces sont rares, les sources réduites. Elle est ici abordée pour la Bourgogne, la région lilloise et Marseille. Premier volume de la collection "Jazz en France", cet ouvrage se propose de poser des jalons, d'ouvrir des pistes nombreuses pour une histoire plus vaste, encore à écrire.

Cet ouvrage rassemble des études s'efforçant de repenser à nouveaux frais la question des relations entre le cinéma et les arts plastiques. Cette question, vieille comme le cinéma, comporte une multitude d'"entrées", de facettes qui sont dans un premier temps synthétisées, puis explorées à partir de cas particuliers qui permettent de dépasser les généralités d'usage. Entre l'appel d'Aragon de 1918 à voir les avant-gardes s'emparer du cinéma et l'appropriation de plus en plus courante dans les arts actuels des techniques filmiques et du cinéma comme machine, spectacle, modalité temporalisée de la représentation, que s'est-il passé ? Pour qui se trouve, comme Charlot, à claudiquer de part et d'autre d'une frontière d'ailleurs incertaine entre ces deux "champs", la recherche des proximités et des différences s'impose sans cesse à l'esprit, mettant à jour l'inégalité de statut entre les oeuvres et leurs signataires de part et d'autre, mais aussi les continuels transferts, échanges, greffes et rapports de domination réciproque. Presque tous les grands artistes du XXe siècle ont été tentés (Picabia, Klein), ont pratiqué (Léger, Hains, Warhol, Serra, Nauman) ou ont côtoyé le cinéma (Picasso), y compris pour le refuser (Malevitch, Delaunay). Et bon nombre de cinéastes ont cultivé une affinité pictorialiste (Feuillade, Kubrick, Godard). Un curieux chassé-croisé règle bien souvent les rapports des cinéastes et des artistes : les premiers ont voulu très tôt légitimer leur "art" en reprenant à leur compte les valeurs esthétiques dont les artistes entendaient s'affranchir en recourant au contre-exemple du cinéma. De nos jours, les cinéastes indépendants et expérimentaux participent pleinement aux problématiques de l'art contemporain au point d'envisager leur "entrée au musée", et certains artistes opèrent un mouvement inverse en valorisant les attributs du cinéma industriel, son imagerie et es procédés narratifs. Les échanges et les contaminations n'ont donc pas cessé entre deux champs que l'économie continue cependant de séparer : les textes qu'on trouvera ici réunis abordent l'un "au risque" de l'autre.

Le contenu de cet ouvrage est un ensemble de textes destinés aux enseignants du secondaire afin de faire connaître certains thèmes de recherche actuelle en mathématiques et aux étudiants de master de mathématiques pour leur permettre d'élargir leurs connaissances et leur culture mathématiques. Chaque théorie est accompagnée d'exemples à la fois simples et non triviaux pour y accéder ou même s'y initier de façon sommaire. SOMMAIRE D'Euclide au grand théorème des nombres premiers de Hadamard et de La Vallée Poussin en passant par Euler, Tchebychev, Dirichlet et les autres... , par Hervé QUEFFELEC. 1. Euclide le jeune premier - 2. Euler et Tchebychev - 3. P. -G. Lejeune-Dirichlet et les caractères - Dirichlet dans les quarantièmes rugissants : L(l, c) _ 0 - 4. Dirichlet et sa descendance intellectuelle. Le dernier théorème de Fermat : la stratégie d'Andrew Wiles, par Jean D'ALMEIDA. 1. Un peu d'histoire - 2. Ingrédients - 3. La stratégie. Suites prévisibles et imprévisibles, par Martine QUEFFELEC. 1. Introduction - 2. Instruments de mesure - 3. Premiers exemples - 4. Désordre et théorie des nombres. Transcendance et indépendance algébrique, par Sandra DELAUNAY. 1. Quelques définitions et rappels - 2. Introduction - 3. Démonstration du théorème des six exponentielles - 4. Indépendance algébrique - 5. Une nouvelle méthode de transcendance - 6. Les groupes algébriques. Groupes de Galois en géométrie énumérative, par Jean D'ALMEIDA. 1. Théorie de Galois classique - 2. Prolongement analytique - 3. Groupe de Galois et groupe de monodromie - 4. Applications géométriques. Analyse des séries divergentes, par Frank LORAY. 1. La théorie asymptotique et les séries k-sommables - 2. La transformée de Borel et la multisommabilité - 3. Les fonctions résurgentes et le calcul étranger. Phénomène de prolongement de Hartogs, par Vincent THILLIEZ. 1. Introduction - 2. Le problème du prolongement. La cohomologie comme exemple d'invariant topologique, par Aziz EL KACIMI ALAOUI. 1. Les variétés différentiables - 2. La cohomologie de de Rham - 3. Exemples de calcul - 4. Autres méthodes de calcul - 5. Quelques digressions. A propos de marches aléatoires et de processus de branchement, par Sylvie ROLLY. 1. Introduction - 2. Une marche aléatoire dans Zd - 3. Vers le mouvement brownien - 4. Systèmes de diffusions browniennes branchantes. Index général

Ce catalogue est publié à l'occasion de l'exposition "La couleur crue" qui se tiendra à Rennes au musée des Beaux-Arts du 25 juin au 13 septembre 2020 (dates à confirmer) L'exposition se concentre sur la relation entre la couleur et la matière. Derrière ce lien étroit, apparaît d'emblée la question - essentielle pour les artistes - de l'existence de la couleur à l'état naturel et de sa relation à la lumière. Comment existe-t-elle dans la matière même ? Peut-on toucher la couleur ? Peut-on la traverser ? Peut-on la capter, la figer, la transmettre ? Le terme de couleur crue renvoie aux éléments fournis en profusion par la nature, aux forces telluriques et aux socles communs d'une histoire de l'art plurimillénaire. Elle peut suggérer l'aspiration à une forme de simplicité, voire de pureté (originelle), par opposition aux sophistications des sociétés matérialistes. Elle peut également exprimer l'emploi direct d'objets trouvés, de matériaux considérés comme non nobles et des techniques artisanales abondamment remis au centre de la question artistique par plusieurs générations d'artistes du XXe et XXIe siècles, de l'Art & Craft à l'Arte Povera jusqu'à aujourd'hui. Enfin, la couleur crue c'est aussi des procédés chimiques et des expérimentations menées depuis toujours par les artistes. L'exposition explore ainsi la couleur de la matière dans la variété des formes et des formats dont les artistes se sont saisis : couleurs naturelles et artificielles ; pigments simplement recueillis ou transformés. Elle entre dans les profondeurs de la matière-couleur à travers des oeuvres, des processus et des expérimentations aussi bien naturels que technologiques, qui vont de la matière la brute à la plus insaisissable et instable. Liste provisoire d'artistes : Caroline Achaintre, Dove Allouche, Michel Blazy, Michele Ciacciofera, Edith Dekyndt, Sonia Delaunay, Daniel Dewar et Grégory Gicquel, Dan Flavin, Gérard Gasiorowski, Katharina Grosse, Ann Veronica Janssens, Anish Kapoor, Mike Kelley, Aglaïa Konrad, Wolfgang Laib, Perrine Lievens, Vincent Malassis, Flora Moscovici, Jean-Luc Moulène, Florian et Michaël Quistrebert, Evariste Richer, Anri Sala, SARKIS, Jennifer Tee, Adrien Vescovi, herman de vries, Jessica Warboys, Remy Zaugg...

Cet ouvrage propose, à travers la présentation de quelque deux cents oeuvres en grande partie inédites, une nouvelle lecture des débuts de la photographie. Gustave Le Gray (1820-1884), le plus grand photographe français du Second Empire, a initié à la photographie toute une génération de praticiens amateurs venant de tous les milieux sociaux. Autour du maître, ils élaborent une esthétique de rupture qui n'a plus aucun rapport avec l'enseignement des Beaux-Arts. En avance de plus de soixante-dix ans sur le mouvement moderniste de l'entre-deux-guerres, leurs images surprennent par leur audace et leur perfection. Le catalogue s'ouvre sur une courte rétrospective de Le Gray, une sorte de condensé de son oeuvre. Sept photographies significatives - mais pas les plus connues - visent à rappeler l'étendue de ses recherches, de ses réalisations et de ses prouesses. Une première partie consacrée aux particularités de "l'école", représentée par la quasitotalité des élèves, cerne les pratiques communes au groupe. Après avoir évoqué le lieu de l'apprentissage - la maison atelier isolée au milieu de terrains vagues -, l'ouvrage aborde successivement le sujet, son traitement, puis la composition à travers l'obsession de la géométrie tout en refusant la symétrie. Il est aussi question de la place et du rôle du spectateur pour une meilleure lecture des détails. Le Gray, conscient d'élaborer avec l'outil photographique une nouvelle façon de voir, laisse un manifeste visuel. C'est aussi à travers ce groupe que s'élabore le concept de série en photographie et que se manifestent les premières collaborations artistiques, affirmées et revendiquées. Les exigences de la prise de vue se prolongent dans le soin apporté à la qualité des tirages. Les premiers collectionneurs, ceux des années 1850, ne s'y sont pas trompés, choisissant les oeuvres de Le Gray et celles de son cercle. Dans une seconde partie, l'ouvrage présente l'oeuvre de cinq auteurs majeurs, connus ou méconnus : Nègre, Le Secq, Greene, Delaunay et Tournachon. Le travail de ce dernier est une révélation puisque plusieurs de ses portraits, très fameux pour certains, étaient jusqu'ici connus sous la signature de son frère Félix. Un éclairage nouveau est ainsi fait sur les relations ambiguës qu'entretinrent les frères Tournachon, Nadar le fameux et Adrien l'incompris, à qui l'on redonne sa juste place.

Ce livre retrace le parcours étonnant d'une musique apparemment étrangère à nos traditions artistiques mais qui, en l'espace de quelques décennies, s'est enracinée profondément dans le paysage culturel français et est passée du statut de musique populaire méprisée à celui d'art à la légitimité aujourd'hui incontestée. L'histoire commence en 1917 avec l'arrivée des troupes américaines et avec les premières revues de music-hall qui suscitent l'engouement d'un public sensible à la nouveauté rythmique. Mais il faut attendre les années trente et l'action décisive d'un noyau d'amateurs puristes emmenés par Hugues Panassié et Charles Delaunay pour que le jazz commence à être reconnu comme un art véritable, distinct de la musique de variété. Un travail en profondeur est alors mené, visant à faire connaître, comprendre et diffuser cette musique qui fascine un public grandissant : un réseau associatif couvrant l'ensemble du territoire se structure peu à peu ; des tournées sont organisées (Louis Armstrong, Duke Ellington, Dizzy Gillespie...), tandis que les amateurs devenus entrepreneurs de spectacles fondent les premiers festivals et salons du jazz au monde ; des compagnies de disques voient le jour et peu à peu, les médias ouvrent leurs colonnes, leurs antennes et leurs écrans à une nouvelle musique défendue âprement par des critiques batailleurs et dont les rencontres avec d'autres modes d'expression tels que la littérature, le cinéma ou la peinture manifestent la fécondité artistique. Pionnière dans la reconnaissance du jazz, la France devient une terre d'accueil pour de nombreux musiciens qui viennent s'y établir : Sidney Bechet, Kenny Clarke, Mezz Mezzrow, Bill Coleman et bien d'autres. A leur contact se forment des artistes français qui, après les précurseurs Django Reinhardt et Stéphane Grappelli, apparaissent en nombre dès le lendemain de la Seconde Guerre mondiale : avec Martial Solal, Barney Wilen, André Hodeir, Michel Portal, Daniel Humair, Didier Lockwood ou Michel Petrucciani, chaque décennie aura vu des talents s'imposer de plus en plus nombreux sur la scène internationale et conquérir les faveurs du public, témoignant d'une installation dans le paysage culturel français qui connaît son point d'orgue en 1986 avec la création de l'Orchestre national de jazz. Premier de cette importance jamais écrit sur le sujet, l'ouvrage est enrichi de nombreux documents iconographiques inédits.

Ce guide propose d'aborder les avant-gardes de la première moitié du XXe siècle, soit les démarches artistiques qui, au-delà de leur diversité, marquent une rupture ouverte vis-à-vis de l'art institutionnel et de la société où elles naissent. Durant cette période, traversée par les deux guerres mondiales, une nouvelle génération d'artistes remet en cause la figuration - le Carré noir sur fond blanc de Malevitch (1915), première oeuvre suprématiste, constitue un tournant vers l'abstration absolue - et jusqu'à la notion même d'oeuvre d'art - en signant la Fontaine (1917), Marcel Duchamp entreprend la désacralisation de l'oeuvre d'art, élevant un urinoir à ce rang. Ils s'agit d'artistes en rebellion, clairement inscrits dans le champ politique (George Grosz), qui s'affranchissent des canons picturaux (Pablo Picasso), repensent la couleur et la lumière (Robert et Sonia Delaunay), se rapprochent de l'art primitif (Matisse), s'attachent aux thèmes de leur temps (dénonciation de la guerre et du nazisme chez Otto Dix, solitudes urbaines chez Edward Hopper). Si l'expressionnisme (fauvisme en France, Die Brücke en Allemagne) s'élève contre l'immobilisme de l'art académique, l'idée même d'espace pictural est totalement renouvelée par le cubisme, tandis que le futurisme s'intéresse au dynamisme des images. Ces recherches multiformes, des " papiers collés " de Braque à l'" automatisme psychique pur " préconisé par Breton dans son Manifeste du surréalisme (1924), en passant par l'expérience politique du Bauhaus, école d'architecture et d'art dirigée par Walter Gropius (1919-1933), sont autant de reflets d'un siècle en mutation. Ce livre propose d'aborder les avant-gardes du xxe siècle à travers trois axes. Les différents mouvements artistiques sont décrits dans le premier chapitre, de l'Art nouveau à l'art concret en Europe, en passant par le japonisme, la Section d'or, De Stijl ou le muralisme ; le deuxième établit une " géographie de l'art " , mettant en avant des villes européennes et américaines particulièrement actives au cours de cette période ; le troisième, enfin, présente 59 artistes marquants, d'Alexandre Archipenko à Grant Wood, mais aussi Marc Chagall, Frida Kahlo, Man Ray ou Chaïm Soutine. La circulation entre les différents courants et artistes est facilitée par des renvois à d'autres articles, mentionnés à la fin des fiches techniques très détaillées. Un index complète cet ensemble.

Voilà un drôle d'abécédaire ! 26 mots du quotidien sont associés à une oeuvre d'art (tableau ou sculpture) classique ou contemporaine de façon pour le moins inattendue : par exemple le mot "Atchoum" introduit le Sphinx de Gizeh sans nez, le mot "bras" fait face à la Vénus de Milo qui n'a pas de bras, le mot "compote" est placé à côté d'un tableau de Cézanne montrant des pommes ou le mot "laine" renvoie à un tableau de Rosa Bonheur proposant des moutons dans un champ... Par ce jeu entre des mots et des images, volontairement décalés, l'enfant va découvrir un monde artistique de façon humoristique. Pour un premier pas dans l'art tout en douceur et en sourire. Pour un moment d'échange en famille ou à l'école... Et pour jongler avec les lettres de l'alphabet... A comme atchoum, B comme bras, C comme compote, D comme dentifrice, E comme écouter, F comme frisbee, G comme gardien, H comme habits, etc. Une première sensibilisation à l'art En route pour une visite guidée (par le rire) dans un musée idéal (et atypique). Ce livre est destiné aux enseignants des classes les plus jeunes, qui veulent aborder l'art d'une façon simple et ludique. Il plaira aussi aux parents qui veulent sensibiliser leurs enfants à la peinture et à la sculpture. Les 26 mots proposés font partie du quotidien des enfants et les 26 oeuvres sont un résumé éclectique du monde de l'art. Pour cette première découverte, on pourra cheminer entre des artistes de renom d'hier ou d'aujourd'hui, hommes et femmes : de Botticelli à Daniel Buren, en passant par Arcimboldo, Vincent Van Gogh, Keith Haring, Rosa Bonheur, Suzanne Valadon ou Sonia Delaunay. Une initiation ludique pour entrer dans l'art sans méfiance et en toute liberté ! Une approche simplifiée pour un jeune public Cette nouvelle édition de l'"ABC d'art" a été retravaillée avec une approche simplifiée pour un meilleur accès pour les plus jeunes : une compréhension plus immédiate du rapport entre le mot et l'oeuvre, un second degré facile à appréhender et déclencheur de rire. Avec un renouvellement de la moitié des oeuvres. Et toujours beaucoup d'humour ! A lire dès 5 ans, sans besoin de prérequis artistique.

Inscrit à l'Académie Julian en 1903 où il fréquente l'atelier de Jules Lefèbvre. Il se lie d'amitié avec Roger de La Fresnaye, Paul Véra et Louis Marcousis. En 1907 il rencontre Robert Delaunay qui lui fera connaître Apollinaire, Gleizes, Metzinger et Léger. Après un court passage à l'Académie Ranson il prend son premier atelier. Ces années d'avant-guerre sont des années d'expérimentations intense. Il hésite encore entre influences impressionnistes, cézanisme géométrique, réminiscences fauves et cubisme tempéré. En 1910, il débute au Salon d'Automne ainsi qu'à celui des Indépendants. Il participe également à d'importantes expositions, entre autres à la deuxième organisée par le "Blaue Reiter" à Munich en 1912. Sa première toile importante Le Tennis lui permet de devenir sociétaire du Salon d'Automne. Après la guerre Lotiron intègre l'importante galerie Marseille où il rejoint Segonzac, Luc-Albert Moreau ou encore André Mare. Son style s'affirme à partir des années 1920 dans une combinaison toute personnelle qui mêle le souvenir de la sincérité ingénue du Douanier Rousseau, le sens de la composition, de l'opposition des formes et du rythme des couleurs hérités de Cézanne avec une palette restreinte mais riche de nuances. Ses oeuvres, généralement de petits formats mais ne manquant jamais de monumentalité, restituent sans emphase et avec sensibilité le climat d'une époque, d'une France au quotidien. Lotiron évite néanmoins tout pittoresque et toute anecdote. En 1921, la galerie Druet lui consacre une première exposition particulière. Lotiron s'impose comme l'un des paysagistes les plus en vue de son époque. Par l'intermédiaire de Paul Guillaume, le collectionneur américain Barnes fait l'acquisition, en 1923, de quatre oeuvres représentatives de son travail. Robert Lotiron sera alors présent dans toutes les grandes expositions mettant en avant l'art indépendant français de cette période. Ses oeuvres sont régulièrement acquises par l'Etat et il bénéficie dans les années 30 de plusieurs commandes de décorations murales. Vers la fin de la décennie, son art se fait plus sévère sans renoncer néanmoins au raffinement de la couleur. Après la Seconde Guerre Mondiale, il enrichit ses recherches en abordant la lithographie. Sa vision se fait de plus en plus directe et dépouillée. Il s'éteint le 18 avril 1966. Farouchement indépendant, Robert Lotiron a accueilli "toutes les libertés qui permettent d'augmenter le pouvoir d'expression, modifiant les éléments du tableau ou l'importance des valeurs sans soucis exagéré de la réalité objective". Ainsi peut-il affirmer au soir de sa vie : "Libre d'engagement, je peins pour mon plaisir et mon tourment".

Née en 1891, passionnée par la peinture et la musique, Hélène Henry n'a jamais suivi aucune formation spécifique lorsqu'elle arrive à Paris, à 25 ans. Elle commence par acheter un petit métier à main, s'installe dans un atelier et crée des écharpes qu'elle vend à des couturiers comme Worth ou Nicole Groult. Elle apprend seule à se servir de son métier à tisser et en 1923, elle montre des essais à Francis Jourdain, dont les poteries l'inspirent. Il expose ses créations dans sa boutique et la présente à Pierre Chareau et au cercle de leurs amis "modernes" (Paul Poiret, Pierre Legrain, Jacques-Emile Ruhlmann). La même année, elle s'installe dans un atelier plus grand. H. Henry dessine et peint : bandes, rayures, damiers, motifs géométriques ou dégradés subtils d'une seule teinte. Elle expérimente de nouvelles techniques pour juxtaposer ou opposer des matières ou des points de tissage, en invente de nouveaux. Par le jeu des reliefs et des masses, ses créations semblent être réalisées en trois dimensions. Elle est la première en France à utiliser des fibres artificielles, rayonne ou viscose-fibrane, qu'elle croise avec des fils de coton et de laine. En 1925, elle participe à l'ambassade française du pavillon de la Société des artistes décorateurs (SAD), qui lance le style Arts déco lors de l'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de Paris, où ses tissus sont exposés dans le bureau-bibliothèque de P. Chareau et dans la salle de repos. Elle quitte la SAD en 1929 pour participer à la fondation de l'Union des artistes modernes (UAM), aux côtés de Mallet-Stevens, Herbst, Jourdain, Templier, Charlotte Perriand, Sonia Delaunay et d'Eileen Gray, entre autres. Elle reçoit des commandes pour la Villa Noailles de Mallet Stevens, à Hyères (1924) ; le palais du maharajah d'Indore (1930) ; le palais de la Société des nations, à Genève ; le paquebot Normandie ; l'Exposition internationale des arts et techniques de Paris en 1937. Après la guerre, elle participe, avec ses anciens amis de l'UAM, aux expositions de la section "Formes utiles" du Salon des arts ménagers où elle décline ses écossais, ses bandes et ses constructions rigoureuses. Mais ses créations, réalisées à la main, en exclusivité pour un client précis, ne trouvent plus preneur : ses remarquables pièces uniques ne peuvent lutter avec les tissus industriels qui arrivent sur le marché européen. Elle supervise cependant le tissage de ses modèles jusqu'à sa mort, en 1965. 20 ans plus tard, son talent est redécouvert grâce à des galeristes spécialisés et à des expositions comme Les Années UAM, au musée des Arts décoratifs de Paris, fin 1988-début 1989, ou Pierre Chareau, au Centre Pompidou à Paris, (1993-1994).

Le collectif qui a écrit ce livre est composé de personnes qui enseignent ou ont enseigné en REP+ (durant 5 ans ou plus) et qui se sont rencontrées soit en formation initiale, soit dans un collège, notamment le collège Sonia Delaunay de Grigny (91), pour la majorité. Ils sont issus d'académies de formation, de génération différentes et de disciplines différentes (CPE, Mathématiques, EPS, Arts Plastiques, Histoire Géographie, chercheur). Ils ont soit "subit" , soit choisit leur affectation en REP+... Ils ont tous vécu des débuts en REP+ avec pour seules armes : leur envie de bien faire, leur soif d'apprendre et des collègues prêts à les aider. Au fur et à mesure de leurs années en REP+ et au fil des rencontres, ils se sont aperçus que tout comme pour eux, la formation initiale ne prépare pas ou peu à enseigner en REP+... C'est au cours d'un échange sous forme de blague et face au désarroi des "nouveaux" que Patrick Rayou a dit à Baptiste Jardinier "il faudrait écrire un guide pour aider les nouveaux" . La graine venait d'être plantée et deux ans plus tard elle germait avec la création du collectif, dans lequel chacun des acteurs a souhaité apporter son vécu auprès des collègues. Les membres du collectif sont dans une démarche de partage, y compris dans leur façon de vivre le métier au quotidien. Leur objectif n'est pas de dire comment faire le métier d'enseignant, mais bien de partager leurs façons de faire, de questionner les façons de faire, afin de donner des "billes" pour faciliter l'entrée dans le métier surtout en REP+. S'il est un conseil à retenir c'est celui-ci : "ne restez jamais avec vos problèmes, allez vers vos collègues, échangez, remettez vous en question sans jamais douter de vos compétences" . "? L'équipe du collège de Grigny qui nous propose dans les pages qui suivent un outil précieux pour bien débuter dans un collège REP (qu'il soit ou non "plus"). Précieux car il contient à la fois des conseils pratiques, des indications objectives précises, des suggestions utiles, mais aussi présente un aperçu de ce que peut être le métier d'enseignant accueillant un public pour qui l'école est finalement si importante, que cela soit perçu ou non par les élèves. Une vision très réaliste et lucide, mais aussi positive, encourageante. On est loin de cette professeure qui vous dit "l'important, c'est de tenir jusqu'à la Toussaint" ou de cet autre qui proclame d'un ton ronflant : "Surtout, ne laisse rien passer ? ! " (une injonction désastreuse, car de toutes façons intenable). Il ne s'agit pas ici de "tenir" ou de "tenir sa classe" , mais de pouvoir créer les conditions propices aux apprentissages, puisqu'on est là non pas pour que les élèves "se tiennent sages" , mais pour les faire réussir scolairement, pour les instruire avant tout, pour leur permettre de se construire connaissances et compétences. Le calme dans la classe, le respect des règles de vie, ce ne sont que des moyens, certes indispensables, mais que des moyens, pas la finalité de l'école ? ! ? " Extrait de la préface de Jean-Michel Zakhartchouk