Poèmes par-dessus les toits. Edition bilingue français-arabe

Arun Kolatkar (1931-2004) est considéré comme l'un des plus grands écrivains indiens et sans doute comme la voix la plus singulière et la plus aboutie de la poésie contemporaine du sous-continent. Son oeuvre transgresse d'ailleurs les frontières nationales et sa portée est universelle. Kolatkar était à la fois un poète de Bombay (ville dont son oeuvre est indissociable) et un poète du monde, avec lequel sa poésie ne cesse de dialoguer. Peu d'écrivains eurent une démarche aussi éclectique que lui. A la fois héritier des avant-gardes européennes, des surréalistes et des poètes de la beat generation (il s'était lié d'amitié avec Ginsberg), imprégné de blues, de rock, du mouvement folk et de la culture populaire américaine, il était aussi plongé dans un ethos marathi, dans toute une mémoire collective orale et syncrétique, en particulier dans la tradition médiévale dévotionnelle en langues dites vernaculaires (la bhakti). C'est de la confluence et la réinvention mutuelle de ces langues, traditions, formes et histoires dont procède la voix singulière de Kolatkar. Kala Ghoda. Poèmes de Bombay tire son nom du quartier historique et artistique de la ville. "Kala Ghoda" signifie littéralement "cheval noir", en référence à une statue équestre du roi Edouard VII. L'espace autrefois occupé par cette statue forme un terre-plein triangulaire qui est l'épicentre de la nouvelle cartographie poétique de la ville. Pendant près de vingt ans, depuis la même table d'angle dans un café, le Wayside Inn, donnant sur le carrefour, Kolatkar a patiemment enregistré le spectacle qu'il avait sous les yeux, moins tel Georges Perec devant l'église Saint-Sulpice, comme la "tentative d'épuisement" d'un lieu spécifique, que pour célébrer l'impermanence inépuisable du quotidien. Cette poésie est une poésie de l'hospitalité.

L e b a p t ê m e Je te baptise Babel entre toutes les femmes Babel entre toutes les villes Babel de la diversité ambiguë comme les sexes nostalgique du paradis perdu - utérus maternel - centre du monde cordon ombilical. "Poète - crie Babel je suis l'aveugle des langues la Cassandre dans la nuit obscure des signifiants". Cristina Peri Rossi Après César Vallejo, Ida Vitale, Nicanor Parra et Fabio Morábito, "La Librairie du XXIe siècle" poursuit aux Editions du Seuil la publication des grandes oeuvres de la poésie latino-américaine. Cristina Peri Rossi est née en 1941 à Montevideo, en Uruguay. Ecrivaine, journaliste et activiste, elle a notamment publié Le Soir du dinosaure (nouvelles, Actes Sud, 1985), L'Amour sans elle (roman, Phébus, 1997) et Quand fumer était un plaisir (essai, Toute latitude, 2006). Elle a été la première femme à recevoir le Prix international de poésie Loewe (2009) pour son livre Playstation et s'est vu décerner en 2021 le prestigieux Prix Cervantès pour l'ensemble de son oeuvre.

"L'absence, je vois en chaque chose : ton regard reflète son néant. L'absence j'entends en chaque chose : ta voix sonne l'adieu du temps. En toute chose, je respire l'absence : ton souffle a de l'herbe la fragrance. Tout ce que je touche n'est qu'absence : ton corps s'évapore à présent. L'absence j'éprouve en chaque chose : ta bouche n'est que bannissement. L'absence je sens en chaque chose : absence, absence, absence."

"L'écriture [de Maya Noval] n'est pas seulement "engagée" , elle est d'une très grande présence sensible à la charge des événements que traversent et créent les hommes pour une histoire qui les assemble autant qu'elle les sépare. La dynamique de l'écriture repose en cette alternance de réflexion-méditation sur le devenir humain et l'adresse très personnelle souvent incantatoire de l'auteur à ce qui transcende le cours événementiel. L'ensemble reflète une vigilance de l'expression poétique dans l'histoire". Philippe Tancelin

Miguel Hernández vint au monde avec trois blessures : la vie, l'amour et la mort. Comme en témoigne sa poésie, malgré les tourments de l'existence, les liens de l'amour sont restés de loin les plus forts. La poésie de Miguel Hernández est Amour pour la femme, le fils, la nature de son enfance. Sa poésie est également solidarité vis-à-vis du peuple en souffrance. Ses vers sont le témoignage d'un coeur droit, sensible, fidèle à ses convictions. Le poète assumera les coups assénés dans son enfance par son père pour qu'il cesse de lire, l'arrêt prématuré de ses études, la mort de son premier fils, la distance de la femme aimée, la torture et les longs mois de réclusion dans des prisons successives lors de la Guerre civile espagnole. Dans ce premier tome de Poèmes d'amour dédié au grand poète, la traductrice Monique-Marie Ihry a fait une sélection judicieuse de textes déclinant ce thème dans son ensemble. Une préface détaillée présente la vie et l'oeuvre du grand poète mort prématurément à l'âge de 32 ans.

Présage de tumulte, effluves de fraîcheur Précédé d'un rugissement annonciateur, je vais vers les rochers, attiré par le bruit, O, reine des fleuves, Fontaine de Trevi. Surgissent des palais des cascades d'argent. Arrachés à la mer des coursiers se cabrant, Heureuses, les déesses te font bonne mine, Aqua virgo, Neptune devant toi s'incline. Et moi combien de fois, loin de Rome laissé, Implorant de revenir au jour fatidique Par-dessus l'épaule, j'ai jeté ma monnaie ! Et toi, fidèle, tu as exaucé mes voeux : En ce jour, tu fais du pèlerin un heureux, Le comblant de tes trésors, fontaine magique. Il faut avoir présente à l'esprit cette époque bouillonnante du tournant du 20e siècle en Russie. Un mouvement que le mot de symbolisme ne suffit pas à définir. C'était une éblouissante conjonction qui réunissait la crème de la société, depuis les artistes (poètes, écrivains, peintres, sculpteurs, compositeurs, architectes) jusqu'aux industriels et aux hommes d'affaires. C'est dans ce contexte qui lui a valu le titre de nouvelle Renaissance russe (Le Siècle d'argent) que s'épanouit la personnalité de Viatcheslav (Venceslav) Ivanov, qui fut à la fois poète, dramaturge, philosophe, traducteur, historien et critique littéraire. Cette multiplicité de dons et d'activités était tout à fait dans l'esprit de l'époque. Le paradoxe du poète est dans une sensibilité profonde, secouée par des tragédies existentielles, qu'il exprime dans une oeuvre poétique aux allures impersonnelles. Pétri de la tradition humaniste héritée de l'Antiquité, c'est aussi un européen convaincu et un homme à la piété profonde.

Présentation de la traductrice

Ce livre, le premier traité d'éthique en langue arabe, enfin traduit, est l'oeuvre d'un chrétien d'Orient qui vécut au Xe siècle. Tout d'abord attribué au mystique musulman Ibn 'Arabi et mis à la disposition d'un large public à la fin du XIXe siècle, ce texte décrit le cheminement, fait de modération et de partage, menant l'homme à la perfection. Dans une écriture limpide et élégante, le philosophe et théologien syriaque Yahya Ibn 'Adi, un des meilleurs connaisseurs d'Aristote au Moyen Age, expose comment, par le discernement, chacun peut parvenir à dépasser ses vices, et atteindre la beauté spirituelle. Maîtrise de soi, amour d'autrui, compassion, miséricorde, sincérité, équité... Sans que la religion du philosophe soit clairement exposée ici, les vertus imputées à l'homme parfait sont autant de vertus mises en avant par l'Evangile. Présenté et traduit par Marie-Thérèse Urvoy, spécialiste de l'histoire et de la langue arabe classique, ce texte redonne ses lettres de noblesse à la littérature arabe chrétienne, trop méconnue et pourtant fondatrice de toute une civilisation. Une lecture inédite et surprenante, à la confluence de la théologie et de la philosophie, de l'Occident et de l'Orient. EDITION BILINGUE ARABE-FRANCAIS

Ce recueil est conçu comme un jeu spatial particulièrement adapté à la petite enfance. Bernard Friot explore en mots poétiques et truculents les adverbes de lieu : où ? ici, là, dessous, derrière, dessus, en haut, en bas, dedans, partout, à travers, etc. Treize poèmes s'enchaînent comme une promenade, se répondent, se font écho comme des éléments dans l'espace. L'écriture de Bernard Friot est tout à la fois ludique, humoristique et par cette composition spatiale, elle devient philosophique. Nous avons longtemps cherché l'illustration de ces poèmes : une image narrative avec, par exemple, un chat en haut d'une armoire pour "en haut", serait-elle bienvenue ? Sans doute le corps enseignant apprécierait-il cette spatialisation graphique comme outil pédagogique ? Mais nous avons finalement choisi le travail graphique de Jérémie Fischer, qui est le premier illustrateur auquel nous avions pensé en lisant ces poèmes. Jérémie Fischer marche en montagne et, au retour de ses marches, colle des papiers. Ses collages sont presque abstraits, mais paradoxalement, en face des poèmes de Bernard Friot, ils deviennent presque narratifs et dans tous les cas, ils nous parlent d'espace. Héritières de Leo Lionni dans "Petit-bleu et Petit-jaune", les masses colorées de Jérémie Fischer libèrent ici l'imaginaire du (jeune) lecteur. Et le recueil nous semble plus riche.

Dans la nuit londonienne, un enfant parti à la recherche de son ombre vient réveiller Wendy et ses deux frères. Qui est-il et d'où vient-il donc, ce garçon vêtu de feuilles qui ne connaît pas son âge et ignore ce qu'est un baiser ? Intrigués par Peter Pan et par la fée Clochette qui l'accompagne, les trois enfants les suivent au pays de l'Imaginaire, sur une île merveilleuse, où les enfants perdus, le capitaine Crochet et de nombreuses aventures les attendent. Mais peut-on se réfugier dans l'imaginaire pour toujours et refuser de devenir adulte ?

Joue et colorie avec Olaf et ses amis dans chaque page de ce cahier distingué.

Qui a tué Athena Popoulos, la jeune héritière grecque dont on vient de retrouver le corps près du manoir de Lady Exner ? Les souvenirs resurgissent et les langues vont bon train au cours de la soirée organisée par la truculente vieille dame en l'honneur des anciennes élèves de St-Polycarp - et parmi elles, Regan Reilly qui a préféré la carrière de détective privée à de trop sérieuses études de droit. En acceptant d'accompagner Lady Exner sur le Queen Guinevere, Regan aura plus tôt qu'elle ne le pense l'occasion d'exercer ses talents : la clé du crime se trouve à bord. Et l'assassin est prêt à tuer de nouveau... Quand on a pour mère la reine du crime, on hérite d'un certain goût pour le meurtre. Pour son premier roman, Carol, fille de Mary Higgins Clark, nous offre une intrigue mouvementée à bord d'un luxueux bateau de croisière, une enquêtrice de charme, une collection de personnages excentriques. Un cocktail détonnant de suspense, d'humour et d'angoisse.

En se rendant à la réunion des anciennes de Saint-Polycarp, dans le manoir de l'excentrique lady Exner, Regan Reilly ne songeait qu'à oublier ses soucis de détective pour évoquer d'agréables souvenirs. Mais, ce soir-là, dans un bois, tout près du manoir, on retrouve le corps d'Athena Popoulos, une jeune héritière grecque, disparue dix ans plus tôt. Et l'évocation du passé prend les allures d'un début d'enquête... qui se poursuivra à bord du Queen Guinevere, un paquebot de luxe sur lequel ont embarqué la jeune détective et la vieille lady. C'est là que se trouve l'assassin et tout indique que c'est aux deux femmes qu'il en veut maintenant...

La Santa Maria n'a pas porté chance aux Italiens : l'un d'eux se noie, et quand les « métèques » envisagent de vendre, la nouvelle fait le tour de Bernadine, petit port australien replié sur lui-même. Pour Jack Foster, l'occasion est belle. La Santa Maria lui permettrait de se lancer dans la grande pêche, la plus lucrative, celle du thon. La saison va commencer. Il a toutes les chances d'amortir rapidement le bateau et d'assurer enfin l'avenir de sa famille. Reste à trouver l'argent, à empiler les emprunts à très brève échéance, puis à tenter le coup. En envoyant la prudence valser par-dessus bord.Kenneth Cook écrit sous tension. Sa narration, magnifique et sauvage, est à l'image de son pays, l'Australie. Martine Laval, Télérama.

Trouverait-on les souris minuscules s'il n'y avait pas les immenses éléphants ? Qu'est-ce qui est en haut ? qu'est-ce qui est en bas ? La réponse dépend de ta place à toi. Pars pour un voyage sens dessus dessous dans le monde des contraires, où les apparences sont parfois trompeuses...

La beauté du Mawal réside dans le fait qu'il est un des arts oraux nécessitant un savoir-faire, tant pour la récitation que pour le chant. Le Mawal est un vers court caractérisé par une structure rythmique, commune à tous les Mawals arabes, mais ils diffèrent relativement, d'un pays à l'autre, dans le nombre de vers et le changement des rimes. Cependant, en général, ils se ressemblent dans leur principe rythmique commun, caractérisé également par leur langue mondaine, simple, la compréhension facile de paradoxes linguistiques et stylistiques dans le dialecte courant, stimulant ainsi la mémorisation des paroles et du rythme chez le récepteur.

"Le musée d'Orsay a, dans son identité même, le goût du dialogue entre les époques. Musée de la genèse de la modernité, des révolutions de 1848 à la déclaration de guerre de 1914, il fait un pont entre l'art classique et l'art moderne. Cette tradition de conversation entre les époques est également une conversation entre les formes de la création : peinture, sculpture, photographie, architecture, arts décoratifs...
C'est dans la période couverte par le musée d'Orsay que s'est révélée l'invention du cinéma, en même temps que toutes les autres pratiques artistiques se redéfinissaient et que la figure de l'artiste moderne - pensons à Courbet - se manifestait d'une façon de plus en plus précise. Tous ces aspects font qu'il ne pouvait y avoir de meilleur premier invité du musée d'Orsay que Julian Schnabel. Peintre célébré depuis les débuts de sa carrière à la fin des années 1970, il a profondément changé la peinture, en interrogeant le fait même d'être peintre aujourd'hui.
[... ] Nous l'avons invité à venir choisir dans la collection, librement, les oeuvres qui entreraient en résonance, en conversation avec sa propre perception de l'art ; à les présenter d'une façon neuve pour nous, et telle que seul un artiste aurait pu en envisager les échos ; et enfin à venir nous en offrir sa perception, et nous rappeler ce que nous oublions parfois, à quel point ces oeuvres que nous admirons sont présentes, physiquement, et ne cessent d'avoir une vie propre".
Laurence des Cars.

"La lecture de ce nouveau recueil confirme une idée déjà ancienne chez l'auteur à propos des pouvoirs du langage poétique dans ses rapports avec le temps. Il s'agit d'une question fondamentale, car elle sous-tend la problématique de la consolation qui est à l'oeuvre dans Por el gran mar/Par la vaste mer et qui rapproche le poète de la pensée religieuse, ou à tout le moins, met au premier plan la valeur de l'Esprit qui habite toute conception de l'art. On a souvent dit que l'art tend à éterniser ce qui passe ; de là à dire que l'art console, il n'y a qu'un pas que Andrés Sánchez Robayna se garde de franchir et il établit même une distinction entre l'objet de sa passion, qui a cessé d'être, et la distance que permet l'art face à la passion ordinaire. Cette distance entre l'imaginaire et le concret est féconde puisqu'elle ouvre la possibilité de dégager du réel une forme et une essence. Bien qu'il s'agisse d'une position idéaliste, Andrés Sánchez Robayna adhère à l'idée que la médiation esthétique n'enferme pas dans l'illusoire." Extrait de la postface de CLAUDE LE BIGOT

Coran Arabe Français

Coran Arabe Français

En ce temps-là, à la fin de xixe siècle, pour l'atteindre, le voyageur descendait à Aquilée, avant d'emprunter de lourds landaus et le vaporino, dans les sinuosités d'un cours d'eau et de canaux à travers la lagune. Alors, au terme d'un itinéraire en soi, isolé du monde, hors du temps et voilé jusqu'au dernier instant, se découvrait l'île de Grado, lambeau de terre et de sable, balayé par les vents, sous le soleil et sur le merveilleux miroir azuré de la mer et du ciel. Là, sur cette île, fille de la jadis puissante Aquilée et mère de Venise, où la vie, depuis des siècles, a ralenti, jusqu'à s'arrêter presque, et où quelques pêcheurs habitent de modestes maisons ou des cabanes de paille ou de roseaux sur des saillies de boues argileuses, les casoni, au milieu de ces visages sur lesquels le dur labeur a gravé rides et sillons de fatigue, d'êtres qui savent à peine lire, d'humbles et d'humiliés à la foi solide, ardente, naît le poète Biagio Marin (1891-1985). De 1912 à sa mort, son oeuvre ne cessera de chanter ce monde. Lumière et voix, luse et vose, de même que la liturgie, les hymnes, les psaumes, écho des patriarches anciens, les chants d'amour et de louange, la récitation du rosaire et les rites ancestraux, parmi lesquels la procession à Barbana, le perdón, fascinent Marin. Ses vers, à de rares exceptions, sont en dialecte de Grado (gradese), un dialecte séculaire, au développement comme à l'arrêt, qui n'est plus le frioulan et pas encore le vénitien. Les consonnes, liquides et douces, y transforment le t italien en d (duto pour tutto), le c en s (baso pour bacio, ou crose pour croce), ou le v en b (bose ou vose pour voce)... Les douleurs se disent duluri et non dolori ; le nid : nío et non nido ; les vents : vinti et non venti... Et de longues voyelles tendent à suspendre tout écoulement. En ce dialecte se donnent les thèmes de Marin : la mer, matricielle (mar, la mer ; mare, la mère), et les bancs de sable (dossi), le soleil (sol) et les nuages (nuòlo), parfois orageux (nenbo), la lumière (luse) et quelques couleurs, où resplendissent le bleu intense de l'azur (selesto ou asuro), le turquin, le rouge, l'or et le blanc, et qui rarement se mélangent, mais sont, d'après Pier Paolo Pasolini, " utilisées "pures", chacune dans sa zone, pour constituer un paysage absolu et complètement poétisé ". Ajoutons-y les bateaux, trabacs, bragozzi et vaporini, quelques gemmes et autant de fleurs, au nombre desquelles la rose, sur le rosier ou dans la roseraie (rosèr), et l'on aura une idée presque complète de ce qui fait le socle de la plupart des poèmes. Certes, Marin a traversé le xxe siècle, en a connu quantité de mouvements, de courants et d'avant-gardes artistiques, en a vécu les barbaries et en a consigné, dans ses carnets, bien des sollicitations, au point selon Carlo Bo de s'identifier avec son époque, mais son oeuvre est restée identique à elle-même, insulaire, d'un seul bloc, de son commencement à sa fin. Immobile, immuable est cette oeuvre, par ses thèmes, brodant sur les mêmes paysages et les mêmes valeurs, sur d'identiques motifs, aussi ténus que les avancées du temps, mais aussi par ses mots invariants, quelques centaines tout au plus, moins d'un millier assurément, et dans sa forme, célébration du quatrain, ce paradigme de l'expression populaire. Une circularité, une permanence en résultent. Aussi la litanie est-elle leur genre, en miroir des siècles et des années aussi inconsistants, interminables, que les heures : le " non-temps " de la mer, du ciel et de la lagune. La langue, anoblie, semble défaire les liens du poème avec l'Histoire, la culture et la vie sociale, mais celles-ci font puissamment retour par le dialecte et par les rites des gens de l'île. " Profonds, les thèmes qui parcourent la poésie de Marin, d'une valeur éternelle pour tous les hommes : la fraîcheur de la nature toujours résurgente, l'affectivité de ses différentes intensités et nuances, le scintillement de l'"occasion" en laquelle semble se manifester un simple prodige et pourtant des plus rares, le ciel et la mer comme réalité, métaphores d'une immanence divine qui se dépasse en halos de transcendance, le murmure des voix de la quotidienneté perçu comme une constante et imperceptible musique ", commente Andrea Zanzotto. Dès lors, le principe de cette oeuvre poétique est le dénuement, l'abrégé des contenus du monde, la réduction de la variété de celui-ci à quelques signes essentiels : rares éléments ou mots, à l'identique, du moins en apparence, comme dans une cérémonie à vif. Le vocabulaire pauvre, choisi, ferait même de Marin, selon Pasolini, un poète pétrarquien, et non dantesque, élargissant dans le champ sémantique et syntaxique, par des combinaisons toujours renouvelées, ce qu'il restreint dans le champ lexical. D'où une conciliation des contraires, et une si chrétienne coïncidence : la pauvreté promet la richesse, l'agrandissement immense, au point de faire de Grado un modèle de l'univers entier, d'une totalité achevée et parfaite. Car Grado et le monde, c'est tout un. Une telle distension imite, " par essentialité " commente encore Pier Paolo Pasolini, le sentiment religieux. En 1949, Marin publie la première édition des Litanies de la Madone, un recueil composé à partir de 1936, et qu'il n'avait pas souhaité rendre public auparavant, pour éviter toute méprise sur sa " laïcité " - à l'instar du Rossignol de l'église catholique de Pasolini. C'est un chant de louange à la mère, la sienne, bien sûr, du nom de Marie, et qui mourut jeune de tuberculose, et les autres qui se sont brûlées au service de Dieu et de leurs prochains. L'image, si humaine, de la Madone, presque adolescente, tendre et proche, dans sa maternité, de la sensibilité populaire, célèbre avec Marin la créativité de Dieu. " Dans l'itération des apostrophes latines, selon la tradition mariale qui résonnait en lui depuis l'enfance, vibrent les anciens rites populaires de l'île de Grado, les prières chorales dans la grande basilique de Sant'Eufemia, le culte de la Madonna delle Grazie, la ritualité séculaire de la procession votive des bateaux de la région à la Madone de Barbana, le rosaire privé des femmes, et lui se distrait en suivant un rayon de soleil ; parmi elles, la grand-mère qui prend soin de lui, orphelin ; et se détache, des années lointaines, l'image de la mère perdue trop vite, lui laissant à peine le souvenir d'un petit visage souriant penché sur lui, avec ses boucles blondes et ses yeux bleus, et l'écho perdu de douces paroles que le temps a consumées ; et un regret sans fin ", écrit Edda Serra, l'éminente spécialiste de l'oeuvre marinien. Pourtant, s'élevant contre l'Eglise, dont il n'accepte ni l'institution, matérialiste, sinon idolâtre, ni la discipline, ni les sacrements, Marin révoque le " sacerdotalisme ", qui serait devenu plus que Dieu, comme dans la légende du Grand Inquisiteur de Dostoïevski. A l'inverse, dans ses rituels d'identification de soi et du monde, qu'il soit minéral, végétal, animal ou humain, depuis la plus humble amibe et jusqu'à l'être le plus philosophe, le plus poète ou le plus saint, il tend à l'union de l'île et du sujet poétique, résolvant voluptueusement, par un sensualisme chaud, avec ivresse, l'autobiographie dans des paysages, sous la lumière de la Création. Sous une telle lumière, ce que chante la poésie, c'est ce que le philosophe Massimo Cacciari appelle la " liesse ", qui lui confère sa force, et dont les symboles sont le vol, les cieux, les oiseaux et les nuages, la proue du navire menant au loin, le blanc, pour fuir la mort et faire le désespoir léger. Chant du peu de terre, de la ligne incisive qu'est l'horizon marin, de la lagune ouverte, plongée dans le grand silence des cieux, du soleil et de l'orgue des vents invisibles, du vol des nuages, de leur rougeoiement au couchant et de leur dissolution sous l'éclat de Midi, de l'été à l'air chaud et léger, consolant l'âme de sa tristesse et de sa solitude (solitàe), et tendant au néant (ninte) de l'expérience mystique, le creuset ardent de la vie manifesterait alors davantage que la puissance et la gloire de Dieu, son amour, et notre misère si nous nous éloignons de Lui.

Sans répit, les Super Super volent à la rescousse de tous ceux qui ont besoin d'aide : le Père Noël, les enfants du carnaval, et même les animaux que garde le père de Juju ! Mais la vie de super héros est loin d'être simple et Juju et Aglaé sont prêts à tout pour protéger leur secret... même à faire croire qu'ils sont amoureux !

Cette édition éclaire d'un jour nouveau la poésie de Lord Byron (1788-1824), et plus particulièrement son rapport à l'Orient. Elle rassemble quatre oeuvres en vers (trois poèmes narratifs : Le Corsaire, Le Giaour, Mazeppa ; et une ode : Oraison vénitienne). L'aspect novateur du projet consiste à proposer une traduction neuve qui ne privilégie pas le respect contraignant de la métrique aux dépens du rythme et du sens. La forme est donc versifiée mais garde une certaine liberté : ces poèmes orientaux sont des récits d'action et de superbes romans d'aventure, et il était essentiel d'en préserver l'élan. Par leur influence sur de nombreux artistes (Hugo, Pouchkine, Tchaïkovski, Liszt, Delacroix...), leur beauté et leur modernité, ces quatre oeuvres orientales constituent une référence incontournable, et il est important de les rendre à nouveau accessibles au public curieux des oeuvres fondatrices de la poésie européenne.

Première publication française, en recueil, d'un choix de poèmes inspirés par l'expérience de la guerre. Isaac Rosenberg, proche en cela de Wilfred Owen ou de Siegfried Sassoon, n'écrit pas sur la gloire des combats et la grandeur des sacrifices, mais en homme qui souffre et qui mesure l'inanité indescriptible d'une guerre qui semble n'avoir d'autre but que de broyer les hommes. Traduction et présentation de Sarah Montin. Edition bilingue.

A l'occasion de la publication de Poèmes tardifs dans la collection " Pavillons ", ce recueil de poésie inédit en France, écrit après des décennies de silence poétique, Circé et autres poèmes de jeunesse paraît dans la collection " Pavillons Poche ". " Margaret Atwood, poète ? L'idée pourrait presque faire sourire, tant l'image de l'écrivaine s'est construite autour du roman et de ses prolongements au succès planétaire que sont les adaptations télévisées de Captive et de La Servante écarlate. Mais les faits sont là : c'est par la poésie que Margaret Atwood est entrée en littérature au début des années 1960. Et elle n'a jamais cessé d'écrire de la poésie. De se référer à la poésie. D'habiter le monde en poète. Circé et autres poèmes de jeunesse rassemble dix années de création poétique. Dix années d'éclosion, qui précèdent et accompagnent l'émergence de l'oeuvre romanesque. Dans le cycle de Circé sur lequel s'achèvent ces poèmes de jeunesse, Margaret Atwwod s'attache à la magicienne qu'Ulysse rencontre lors de son Odyssée, s'intéresse à la manière dont les femmes survivent dans les structures qui les déshumanisent. Et rêve pour elles d'un avenir meilleur. " Bruno Doucey " Voici un recueil de la poétesse canadienne Margaret Atwood qui saute au visage de celui qui le lit. Par ses mots, elle se saisit du parcours de Circé. Mais à sa manière : la Circé qui se dévoile ici nous semble inconnue. " Loup Besmond de Senneville, La Croix

Ce volume, présenté dans une traduction de Pierre Leyris qui fait référence, se compose de plusieurs groupes de poèmes suivis de notes (certaines établies par T S Eliot lui-même). Premiers poèmes, Mercredi creux, Mercredi des cendres, Poèmes d'Ariel, Quatre quatuors, éclairent une oeuvre poétique qui a dominé la première moitié du XXe siècle. La Terre vaine, le chef-d'oeuvre de T S Eliot, désormais considéré comme un classique de la poésie anglo-saxonne, complète ce recueil.

Ce volume, présenté dans une traduction de Pierre Leyris qui fait référence, se compose de plusieurs groupes de poèmes suivis de notes (certaines établies par T. S. Eliot lui-même). Premiers poèmes, Mercredi creux, Mercredi des cendres, Poèmes d'Ariel, Quatre quatuors, éclairent une œuvre poétique qui a dominé la première moitié du siècle. La Terre vaine, le chef-d'œuvre de T. S. Eliot, désormais considéré comme un classique de la poésie anglo-saxonne du XXe siècle, complète ce recueil.

L'oeuvre de Dulce María Loynaz (1902), élève une éblouissante défense de la poésie pure. Il n'est aucun thème essentiel qui ne se ressource dans son lyrisme d'une peu commune limpidité d'expression : le destin, la mort, l'amour, le mystère des rêves... Les mots ont chez elle un pouvoir magique et inné de métamorphose. Figure la plus éminente de la poésie féminine contemporaine en Amérique latine, elle reçut en 1992, le prestigieux prix Miguel de Cervantes.

Recueil de poèmes et de fragments écrits par la poétesse entre 1945 et 1959 et retrouvés après sa mort.

De Sombras y de Luz présente un choix de vingt-cinq poèmes écrits par Edicto Garay entre 1974 et 2020, en édition bilingue espagnol-français (traductions en français de Véronique Brunet). Il est enrichi par des dessins de Betty Boixader et des photographies de Jean-françois Noël.