Gauguin

Claude Monet posa sa palette à Belle-Ile, Pierre-Auguste Renoir fut séduit par Douarnenez, Camille Corot tomba amoureux de Batz-sur-Mer, Paul Gauguin fit des paysages bretons sa muse, Paul Sérusier donna ses plus belles couleurs au Pouldu... C'est ainsi que la Bretagne, ses légendes, ses traditions, ses paysages d'embruns somptueux aux couleurs sereines, mélancoliques ou éclatantes, ses villes et villages à l'atmosphère si particulière, ont charmé quelques-uns des plus grands peintres du XIXe et XXe siècles. Des impressionnistes aux fondateurs de l'art moderne et aux pionniers de l'art contemporain, cet album richement illustré propose une traversée dans la palette et l'imaginaire des artistes qui ont immortalisé une des plus belles régions de France ! Une promenade enchantée à travers une Bretagne sauvage et légendaire, à la découverte d'oeuvres magistrales et de coloristes absolument uniques, à travers lesquels s'invente la modernité picturale.

Catalogue des tableaux modernes par Appian, E. Bastien-Lepage, Boggs... [et al. ] appartenant à la société B et Cie et des tableaux par Auguin, H. Bellangé, Cormon... [et al. ] appartenant à Monsieur G... / [expert] F. Marboutin Date de l'édition originale : 1910 Le présent ouvrage s'inscrit dans une politique de conservation patrimoniale des ouvrages de la littérature Française mise en place avec la BNF. HACHETTE LIVRE et la BNF proposent ainsi un catalogue de titres indisponibles, la BNF ayant numérisé ces oeuvres et HACHETTE LIVRE les imprimant à la demande. Certains de ces ouvrages reflètent des courants de pensée caractéristiques de leur époque, mais qui seraient aujourd'hui jugés condamnables. Ils n'en appartiennent pas moins à l'histoire des idées en France et sont susceptibles de présenter un intérêt scientifique ou historique. Le sens de notre démarche éditoriale consiste ainsi à permettre l'accès à ces oeuvres sans pour autant que nous en cautionnions en aucune façon le contenu.

Segalen, médecin de la Marine, ausculte le monde comme un grand corps. Faire de ce monde une part de soi, tel est pour lui l'enjeu de la littérature. Plus que d'autres, il a le don de percevoir la multiplicité du visible, l'instabilité des choses, la variété du sensible. L'exotisme est son affaire, mais pour en aborder les thèmes il a soin, précaution rare en son temps, de se débarrasser du poncif "palmier - chameau - casque colonial". Son appétence pour le divers n'est pas d'ordre ethnographique. Ce qu'il vise, c'est "une Esthétique du Divers". A sa mort à quarante et un ans, en 1919, trois livres seulement avaient paru : Les Immémoriaux, Stèles et Peintures. Des milliers de feuillets manuscrits attendent éditeurs et lecteurs. Les efforts d'Annie Joly-Segalen font peu à peu sortir de l'ombre cet édifice virtuel, "poésie encore ignorée et au sein de laquelle vit un mystère" (Pierre Jean Jouve, 1955). C'est sans doute cette lente maturation qui a fait de l'oeuvre de Segalen notre contemporaine inattendue. La nature des manuscrits, lieu d'un dialogue de l'auteur avec soi-même, interroge la notion même d'oeuvre et rend illusoire toute idée d'exhaustivité. Les genres, fiction, poésie, journal, essai, sont soit combinés, comme dans Le Fils du Ciel, projet d'art total, soit déjoués : "J'étouffe dans le Roman ! "En respectant comme jamais la présentation des documents autographes (images comprises), la présente édition ne renouvelle pas seulement la lecture du Fils du Ciel ou de l'Essai sur l'exotisme ; elle rend aux textes leur mouvement propre, celui d'une marche vers l'idée grandiose, et chimérique, que l'auteur se faisait de l'oeuvre à laquelle il les destinait.

Helen Hessel, la Catherine du film Jules et Him, mena une vie avec force et audace. Elle recontra l'écrivain Franz Hessel (Jules, dans le film) qu'elle épousa. Ils eurent deux fils, Ulrich et Stephan, puis elle vécut une passion avec Henri-Pierre Roché (Jim) pendant plus de quinze ans.Mais les 96 années de sa vie ne se résument pas à ses amours tumultueuses.Helen Hessel, lucide quant aux événements de son temps, fut journaliste en Allemagne, tira Franz des griffes du nazisme, et entra en Résistance. Elle eut une vie irriguée par les courants artistiques d'avant-garde. Elle côtoya Walter Benjamin, Marcel Duchamp, Man Ray, entre autres, et traduisit en allemand Lolita de Nabokov et Noa Noa de Gauguin.Durant presque un siècle, Helen Hessel, courageuse, volcanique et fascinante, eut de multiples vies, elle dont son amie Charlotte Wolf disait : "Elle pouvait aussi bien écrire un essai, que dresser un cheval ou conduire une auto. Une amoureuse du risque, qui faisait tout avec passion, qu'elle aime ou qu'elle haïsse."La première biographie d'une femme d'exception.

Pour ceux qui aiment les romans initiatiques, l'aventure humaine, la science fiction... Nous vivons une bien drôle d'époque... Comment y échapper ? Comment en sortir, partir ou oser partir ? Jeune femme exaspérée par la société actuelle, Abell décide de prendre un billet de train pour le bout du monde ; là où l'attend sûrement quelque chose de neuf, quelque chose de meilleur. C'est au cours de son voyage qu'une série de "hasards" va la mener bien au-delà des terres, bien au-delà d'elle-même jusqu'aux confins d'une aventure dont les rencontres en seront le fil à dénouer. Personnage à part entière de l'aventure : "D'où venons-nous ? Que sommes-nous ? Où allons-nous ? ", le tableau de Paul Gauguin, sera le centre d'une énigme initiatrice pour cinq personnages, tous réUnis malgré eux pour devenir des Lumineux, des témoins privilégiés de ce fil ténu qui tisse les mondes du visible et du non-visible. Et tel un guide sacré, le fils du fils de la tribu des "Hiva Oa" rythmera leurs pas autant que leurs découvertes...

L'étrange parfum des fleurs exotiques, la couleur des balisiers, la poétique de la toponymie, les formes tropicales transformées en forces, le cimetière qui est une plage, la trace sur le sable d'un enfant à venir, le pays natal où l'on n'est pas né, la vie sous l'eau, le regard d'un serpent, l'oeil d'un poisson flûte, la lenteur des animaux marins, les séquences d'une pêche miraculeuse, les lumières de la nuit dans un mouillage, l'ombre de Gauguin, la géométrie cosmique d'un squelette d'oursin, le surgissement d'un cercueil, la secousse d'un tremblement de terre, les temps de l'holothurie ou du colibri, le langage des bateaux, la déesse rousse du volcan, les lumières d'un vaisseau fantôme, la naissance de la nuit, la cérémonie d'une noce païenne, l'énergie du rayon vert, le partage des eaux avec une tortue, la furie d'un combat de coqs, la mélancolie du carnaval : la poésie est toujours autobiographique. Voici l'un de mes journaux.

Après un premier livre sur la création artistique et littéraire, l'auteur suit les traces de Freud (où le créateur va-t-il chercher sa matière ? ) et cherche à comprendre comment on devient créateur, pourquoi et à quoi sert la création. L'auteur analyse la vie et l'uvre de nombreux créateurs. Tel le rêve nocturne, la création, qu'elle soit artistique ou littéraire, tend à l'accomplissement d'un désir ou à la réalisation d'un fantasme, amoureux ou meurtrier. L'uvre permet d'élaborer les traumatismes sexuels, les deuils, de recréer l'objet ou de restaurer le soi. L'auteur cherche à le prouver avec des peintres (Gauguin, Picasso, Niki de Saint-Phalle) une sculptrice (Camille Claudel) un cinéaste (Bergman) des écrivains (Anaïs Nin, Lou Andréas Salomé, Virginia Woolf, Mishima). Le créateur est un être d'exception qui a su faire fructifier un don génial mais c'est aussi un être humain qui souffre et aime comme tous les autres humains. L'uvre est bien une voie royale qui mène vers l'inconscient.

Eliphas Lévi est le plus bel exemple des marginaux visionnaires et prodigieux comme en a produit le XIXe siècle avant que l'échec de 1848 n'en brise le moule. L'ex-abbé Alphonse-Louis Constant (1810-1875) a tenté, d'abord par le christianisme, puis par le socialisme, enfin par l'occultisme, d'élever la destinée de l'homme contemporain ballotté par les tempêtes qui agitent le siècle. Emprisonné à trois reprises, sous trois régimes politiques successifs, pour des ouvrages comme Le Catéchisme de la liberté, La Voix de la famine, Caligula (comparé à Napoléon III), il est l'apôtre du féminisme dans l'église et dans la vie sociale. Et l'ami des grands réformateurs, en particulier Flora Tristan, future grand-mère de Gauguin. Devenu Eliphas Lévi et retiré du monde réel et de ses vanités, il consacre ses dernières années à rédiger, dans une prose éblouissante, Dogme et Rituel de la haute magie, Histoire de la magie et La Clef des grands mystères. Trois ouvrages considérables qui ont influencé des personnages aussi divers que Nerval, Baudelaire, Victor Hugo, André Breton.

Sur une terre d'artistes où a fleuri l'Ecole de Pont-Aven, une autre révolution esthétique est en marche, celle du Hangar't. Tout près de là en effet, le petit bourg de Nixon en voit de toutes les couleurs depuis trois décennies. Une aventure unique, collective qui (re)peint joyeusement les mémoires autour d'un noyau dur de ruraux plus enclins à manier la fourche que le pinceau. En voisin, Gauguin lui-même n'aurait pas désavoué leur audace : des vaches bleues ou roses, des blés rouges, des ciels mauves, jaunes et des coiffes bretonnes multicolores. Les peintres-paysans du Hangar't ont eu plus que leur "quart d'heure de célébrité" promis par Andy Warhol — un cousin celui-là, à la mode de Bretagne. Il s'exposent partout en France et à l'étranger, et jusqu'à Manhattan, dans les pas mêmes du Pop Art. Un phénomène salué par la presse et, très sérieusement, par les critiques d'art. Trente ans déjà. Et le Hangar't est toujours là.

Catalogue officiel de l'exposition Picasso bleu et rose au musée d'Orsay du 18 septembre 2018 au 6 janvier 2019. Le musée d'Orsay et le musée national Picasso-Paris organisent une manifestation exceptionnelle consacrée aux périodes bleue et rose de Pablo Picasso. Pour la toute première fois en France , cette période essentielle de la carrière de l'artiste est traitée dans son ensemble. Cet ouvrage propose une lecture renouvelée des années 1900 - 1906 de Picasso, en réunissant des chefs d'oeuvres, pour certains jamais présentés en France, ainsi qu'un ensemble important de peintures, de dessins, et la totalité de la production sculptée et gravée de l'artiste. La présentation de cette exposition au musée d'Orsay manifeste la volonté d'inscrire le jeune Picasso dans son époque. Ses différentes productions sont ainsi remises en contexte avec le travail de ses contemporains ou prédécesseurs, espagnols et français (Casas, Nonell, Casagemas, Steinlen, Degas, Toulouse-Lautrec ou Gauguin). Cette exposition sera ensuite présentée à la Fondation Beyeler à Bâle du 3 février au 26 mai 2019.

Ile de Robinson, Bretagne hantée, improbable Patagonie, rêveuses Marquises ou dédale d'un Pékin mystérieux... Et si la géographie était la plus belle des consolations ? Bagages en main, l'écrivain-voyageur Jean-Luc Coatalem nous embarque au gré des latitudes pour un périple dans le temps, l'imaginaire, mais aussi les souvenirs et les lectures. Et parce que, chez lui, la géographie n'est pas qu'une affaire de cartes mais aussi un millefeuille de noms et de saveurs, chacune de ses escales livre son lot de rencontres et d'échos. Drôles, inattendues ou insolites, elles ont toutes quelque chose en commun. Appelons ça l'émotion du Grand Dehors ! Ici, une troublante Goanaise, un surfer à Niue, des mutins tatoués, un cargo en rade à Valparaiso, là un hôtel oublié à Terre-Neuve, une Italienne sur les rives d'un lac, sans oublier les traces de Rimbaud ou de Cendrars, à Aden ou à Marseille, et les paysages marquisiens de Gauguin. Une fugue qui, par cent chemins, ressemble à des retrouvailles. L'Ailleurs y a décidément le goût épicé du monde. Départ immédiat !

Ambroise Vollard, lorsqu'il ouvre en 1893 sa première boutique rue Laffite à Paris, est un nouveau venu dans le monde du marché de l'art. Il va en devenir l'un des plus puissants acteurs. Et jouer un rôle décisif dans la reconnaissance et la diffusion de l'œuvre d'artistes majeurs. Dès ses débuts, Vollard se passionne pour Manet, Degas, Gauguin, Renoir, organise les premières expositions de Van Gogh et de Cézanne, des peintres nabis, ou encore du jeune Picasso. Redoutable négociateur, audacieux dans ses choix mais patient, il adopte d'emblée une stratégie financière efficace : se constituer un stock important, acheter à bas prix, procéder à des échanges, promouvoir " ses " artistes en les exposant et faire habilement monter la cote. Son génie du commerce l'amène rapidement à organiser des partenariats avec d'autres marchands, à travailler avec les grands collectionneurs européens, puis à s'ouvrir au marché américain. C'est ce parcours exceptionnel qu'Isabelle Cahn nous invite à découvrir, à travers les mille et une transactions du marchand et de ses trésors.

Gilbert Woodbrooke, photographe obsédé par les jeunes Nippones en uniforme, s'envole pour l'île de Hokkaidô, au nord du Japon, afin de négocier une précieuse statuette de Gauguin appartenant à son galeriste escroc, l'inévitable Julius B. Hacker. L'acheteur potentiel est un richissime patron d'industrie, ancien officier des forces d'occupation en Chine, lié à l'extrême droite et aux yakuzas. Négligeant tous les avertissements, Woodbrooke se laisse peu à peu enfermer dans un huis-clos terrifiant qui le précipite à la rencontre de son propre passé on retrouve, échappée d'un asile psychiatrique, la jeune Kikuyo d'Averse d'automne - et de l'Histoire la plus noire du Japon : le " viol de Nankin ", en 1937, où périrent près de 200 000 soldats et civils chinois. Ce quatrième épisode de La Crucifixion en jaune, sur fond désolé d'hiver sibérien, achève l'odyssée extrême-orientale de l'insouciant Woodbrooke qui, contraint d'affronter les dégâts de ses précédents voyages, voit sa promenade hygiénique d'artiste fétichiste virer inexorablement au chemin de croix.

Découvrir la noblesse de l'odorat, tel est le but de ce livre, qui fait d'un sens négligé un objet de réflexion à part entière. Chantal Jaquet remet en cause les préjugés sur l'odorat comme sa prétendue faiblesse, son caractère primitif ou immoral et met au jour la manière dont l'esprit nous vient aussi du nez. Le rôle décisif des odeurs dans la constitution de la mémoire et de l'affectivité ainsi que dans la construction de l'identité et de l'altérité est rappelé. Cette réhabilitation de l'odorat vise la promotion d'un véritable art olfactif qui dépasse le simple usage cosmétique des parfums et substitue le " sentir beau " au " sentir bon ". L'élaboration d'une esthétique olfactive repose sur la recherche des expressions artistiques de l'odeur, aussi bien dans la littérature de Huysmans, Balzac et Proust, que dans la musique de Debussy, la peinture de Gauguin ou la sculpture de Rodin. Elle s'appuie également sur les tentatives historiques de création pure de parfums ou les installations dans l'art contemporain.

Cet ouvrage retrace l'histoire de l'impressionnisme, de ses mouvements précurseurs à son apogée, et remonte aux sources normandes de cette révolution artistique. Boudin, Renoir, Monet, Courbet sont autant d'artistes mis en avant dans ce livre exceptionnel qui présente leurs oeuvres ainsi que leurs parcours respectifs, à travers la presse de l'époque, la correspondance des artistes et leurs journaux intimes. Jacques-Sylvain Klein revient d'abord sur la révolution romantique et naturaliste entre 1820 et 1850 (Turner, Isabey, Corot, Millet), puis aborde la quête de lumière des années 1850-1870 avec la représentation des lieux de villégiature de la côte normande par Boudin, Courbet, Monet ou Jongkind (Etretat, Fécamp, Honfleur, Trouville...) et enfin "la déferlante impressionniste" (1870-1900) avec les premières expositions impressionnistes par les maîtres Monet, Pissarro et Gauguin, et les célèbres séries de Monet (Meules, Cathédrales) qui peint à la fin de sa vie inlassablement "Les Nymphéas" apothéose de son oeuvre célébrant la nature et ouvrant de nouvelles perspectives à la peinture du début du XXe siècle.

Vincent Van Gogh, le premier des écologistes ? Gauguin a-t-il trahi ? Le suicide de qui ? Ce petit livre pédagogique explique en quinze textes clairs et concis la portée décisive de l'oeuvre tout en renversant les idées reçues régulièrement véhiculées sur l'artiste. La folie de Van Gogh a marqué sa vie et son oeuvre de façon tragique, et a aussi contribué à cette vision romantique de l'artiste incompris et maudit dont la gloire fut cruellement posthume. De ces pertes de contrôle, le peintre parle très tôt et son instabilité se manifeste dès les années de collège. Mais le jeune homme, lecteur boulimique et affamé d'images, croit aussi aux vertus thérapeutiques de l'art et du monde rural qu'il commence par idéaliser. Très tôt, il sentira le besoin de se rapprocher du monde du travail, afin de soulager les nécessiteux, puis les peindre. C'est d'abord le monde de la mine, où il apporte la parole du Christ, qui passe dans ses dessins, ce sera ensuite celui des travailleurs de la terre. Le peintre Millet domine déjà ses pensées. Mais Van Gogh n'entend pas peindre en suiveur autodidacte, ni se contenter d'une existence marginale. Il va se perfectionner avec une détermination sans faille. D'Anvers à Paris, son cursus est cumulatif, efficace et impressionnant. Maîtrisant parfaitement les données du marché de l'art, il enrôle Theo, son frère cadet, dans un pari sur l'avenir. Vincent sait que l'impressionnisme étant en passe de devenir une valeur marchande, le futur finira par sourire à la génération qui vient après... Le 20 février 1888, il s'installe à Arles qui marque le tournant, le zénith, le point culminant, le plus grand épanouissement de la décennie de l'activité artistique de Van Gogh. Des centaines de tableaux et de dessins naissent alors, plus solaires, plus fervents, plus élaborés et poignants que jamais. Avec l'aggravation de sa schizophrénie, il ne reste plus à Van Gogh que de conquérir Paris. Mais qui, en dehors de Theo et peut-être de Gauguin, peut comprendre le vrai secret de cette peinture qui tend à l'éclat majeur, à la maîtrise d'elle-même entre les crises qui se rapprochent ? En raison de l'incompétence du docteur Gachet, la dernière sera la bonne. Reste les milliers de preuves, devant Dieu, d'un moderne qui aurait tant aimé devenir à la fois le Rembrandt et le Delacroix de son temps... Au-delà des mythes poisseux, cette folie-là reste à comprendre.

L'exposition inédite organisée par la Fondation Louis Vuitton réunit un ensemble de cent trente chefs-d'oeuvre parmi les plus emblématiques de la collection Sergueï I. Chtchoukine, créée à Moscou par le grand mécène russe. Depuis Le Déjeuner sur l'herbe (1866) de Claude Monet, le hiératique Mardi gras (1888-1890) de Paul Cézanne, l'odalisque tahitienne Eh quoi, tu es jalouse ? (1892) de Paul Gauguin, le panneau luminescent de L'Atelier du peintre (1911) de Henri Matisse, pour se conclure sur les Trois femmes (1908) et les papiers collés de Compotier, grappe de raisin, poire coupée (1914) de Pablo Picasso, la magnificence de la collection Chtchoukine trouve pleinement à s'exposer ici. Elargie à un ensemble d'une trentaine d'oeuvres majeures des avant-gardes russes, dont Contre-relief (1916) de Vladimir Tatline, la Ligne verte (1917) d'Olga Rozanova, ou la table monochrome du Carré noir (1929) de Kazimir Malévitch, l'exposition "Icônes de l'art moderne" porte à l'extrême l'amplitude de ce parcours de la création aux XIXe et XXe siècles. La présentation de ces oeuvres d'exception, formant le creuset sensible de notre regard commun, constitue une exemplaire "leçon de peinture".

Le masque demeure un objet énigmatique par excellence, empreint à la fois de l'inquiétante étrangeté d'une feinte du visage et du jeu sur les apparences. Objet de métamorphose destiné à dissimuler le visage à des fins religieuses ou théâtrales dans les sociétés anciennes, le masque connut en Europe, notamment en France, un renouveau et un succès considérable à la fin du me siècle et au début du XXe siècle, entrant en résonance avec tous les arts visuels. Étape dans la réalisation d'un portrait, réduction de ce dernier à l'essentiel, élément décoratif ou architectonique, ce genre de la sculpture, pourtant si familier, a rarement été étudié pour lui-même. Réunissant des œuvres majeures de Rodin, Carriès, Böcklin, Klinger, Gauguin, Picasso et d'artistes moins célèbres mais dont la production de masques se révèle souvent très surprenante, cet ouvrage dresse ainsi une galerie de portraits, réelle et imaginaire, séduisante ou menaçante, qui se prête à la fantaisie sérieuse des audaces expérimentales de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle et propose un cheminement autour d'une histoire ininterrompue du visage défait. Une fraction, troublante, d'humanité.

Du livre de comptes, autrement appelé "brouillard", offert par monsieur et madame Ginoux, les propriétaires du Café de la Gare à Arles, Vincent Van Gogh a fait un carnet de dessins qu'il a emporté avec lui pendant deux années cruciales, dans ses pérégrinations en Provence, entre mai 1888 et mai 1890, pour réaliser des paysages, des esquisses, quelques portraits, dont celui de Gauguin, et son autoportrait, de face, saisissant. On découvre ainsi toute la gamme du génie dans les derniers mois de sa vie, juste avant la remontée fatale vers Auvers-sur-Oise. Ce document d'une valeur historique et esthétique inestimable a traversé plus de cent vingt ans d'oubli pour ressurgir aujourd'hui comme un trésor intact, dont l'analyse détaillée de Bogomila Welsh-Ovcharov permet de saisir toute la mesure et le retentissement. Elle raconte l'histoire passionnante de ce "brouillard", et resitue chaque dessin dans le contexte de l'oeuvre de Van Gogh et de son séjour à Arles puis à Saint-Rémy-de-Provence. Ce livre est l'acte de divulgation d'un carnet enfin retrouvé, et porté à la jouissance de chacun.

On pourrait dire d'Eugène Carrière (1849-1906) qu'il fut l'homme de son temps et qu'il est par là même, incontestablement, du nôtre. Ami des sculpteurs Rodin et Bourdelle, il fut aussi le proche des plus grands écrivains d'alors, dont il exécuta de fameux portraits : Verlaine, Mallarmé, Daudet... Il lui fallut encore se consacrer à l'enseignement en ouvrant en 1890 l'académie Carrière. Henri Matisse et André Derain, entre autres, y seront ses élèves. Et comme artiste peintre, qui peut encore prétendre ne pas connaître ses toiles étonnantes, comme faites de vague et de pudeur, où dominent des clairs-obscurs aux nuances brunes et grises, où formes et contours semblent tendre au fantomatique et l'évanouissement au profit de l'essence même de la présence ? Enfin, bien sûr, comme s'il pouvait s'agir ici d'une évidence, Eugène Carrière n'a pas manqué non plus d'écrire : sur Rodin, Gauguin, Isadora Duncan, sur l'art antique et sur ses propres conceptions de l'art et de son enseignement. Réunis ici, ces textes ne manqueront donc pas de mettre en lumière cet autre aspect de l'existence et de la création d'Eugène Carrière.

Refus des élégances et des traditions académiques, découvertes et fréquentations d'oeuvres issues de cultures considérées comme " barbares " ou " archaïques " par l'Occident, le primitivisme est l'une des données centrales de l'histoire des avant-gardes artistiques à partir de la fin du XIXe siècle. Le dessein de cet ouvrage est de proposer une histoire non seulement artistique, mais encore culturelle du phénomène, de prendre toute la mesure de cette nostalgie d'une création vierge du pastiche et des règles machinalement appliquées. Peinture et sculpture y tiennent un rôle central, mais poésie, littérature, critique et travaux savants y ont aussi leur part. La préhistoire, les miniatures médiévales, les primitifs italiens, l'Egypte, Byzance : les références sont nombreuses et hétérogènes dès l'époque de Gauguin, qui est aussi celle de Huysmans et des Nabis. Avec Matisse, Derain, Picasso et Braque interviennent les " fétiches " africains ou océaniens dont on a fait l'origine trop exclusive du fauvisme et du cubisme, oubliant que leur révélation s'inscrit dans un processus largement antérieur, épisode après d'autres, dans la recherche du renouvellement des formes et de leur exaltation.

En 1902, le peintre Eugène Carrière apprend qu'il est atteint d'un mal incurable. A la charnière entre les XIXe et XXe siècles, il a atteint une notoriété considérable. Souvent classé parmi les peintres symbolistes, il a déployé un style et une vision artistique qui n'appartiennent qu'à lui, à une période où la création artistique est d'une fécondité exceptionnelle. Dans le coma à la suite d'une intervention chirurgicale, il vogue dans un espace-temps indéfini au cours duquel il revisite les étapes de sa vie avec lucidité. Dans ses souvenirs, une large place est laissée aux amitiés qu'il a nouées avec Auguste Rodin, Paul Gauguin, le poète Francis Jammes, Emile Zola, les critiques d'art Jean Dolent et Gustave Geffroy, Georges Clemenceau, Isadora Duncan et tant d'autres. Il se remémore les actions qu'il a menées au nom de la liberté d'expression, notamment la création du Salon d'automne, ou à travers son projet de l'éducation par l'art. Féministe avant l'heure, dreyfusard, il aura été à la pointe des combats de son temps.

Durant l'été 1888, Hugo Boch, jeune peintre d'origine belge, prend pension chez Marie Gloanec, à Pont-Aven. Ce village pittoresque du Finistère attire l'avant-garde qui, rejetant l'académisme, cherche à peindre d'après nature. Même des Américains viennent ici finir leurs études, comme ils iraient à Rome... Le chef de la meute est un certain Gauguin, autodidacte à la grande gueule qui croit en son génie, et mène une correspondance avec un type intéressant à ce qu'on dit, un Hollandais, Vincent Van Gogh, reclus dans le Sud. Hugo, lui, n'est plus sûr de vouloir continuer à peindre, après avoir raté l'entrée aux Beaux Arts. Ce qui l'intéresse vraiment, c'est la photographie, mais elle n'est pas encore considérée comme un art, au mieux comme une aide technique pour les peintres ou un passe-temps... Bientôt ses parents, des industriels de la faïencerie Villeroy et Boch, lui coupent les vivres. Durant les deux années qui suivent, Hugo fait rupture avec les siens, s'enferme dans une certaine solitude, à la recherche, peut-être, de sa singularité, notamment un rapport énigmatique avec la mort au travers de la photo...

Entre Melville et Segalen, un grand livre ambigu, à la fois documenté et mélancolique, consacré. à la mystérieuse civilisation des îles Marquises - l'archipel le mieux perdu du Pacifique, où quelques tribus d'hommes oubliés par l'Histoire menaient encore, il y a un siècle et demi de cela, dans des paysages grandioses, une vie quasi édénique. Tout un monde de rites, d'harmonie, de beauté incroyablement raffinée, bientôt assassiné par l'impatience conquérante de l'Occident. Max Radiguet (1816-1899), témoin et acteur de ce drame, en trace ici le récit pathétique, dans une prose retenue mais qui ne peut s'empêcher dirait-on de céder à la poésie - comme feront après lui Gauguin, Jack London et tant d'autres, fascinés à leur tour par cette terre de songe. Un classique de la littérature voyageuse depuis longtemps introuvable en librairie. Mais surtout un livre qui pose. par anticipation, quelques-unes des questions centrales qui tourmentent notre modernité - et d'abord celle-ci : pourquoi cherchons-nous à si bien mettre à mort, au nom d'un " progrès " qui n'en est un qu'à nos yeux, la libre sauvagerie du monde ?

Catalogue officiel de l'exposition Camille Pissarro, le premier des impressionnistes de l'exposition au musée Marmottan Monet à Paris du 23 février au 2 juillet 2017. Cet ouvrage rend compte de la première exposition monographique consacrée à Camille Pissarro organisée à Paris depuis trente-six ans. Quelque soixante-quinze de ses chefs-d'oeuvre, peintures et tempéras, provenant des plus grands musées du monde entier et de prestigieuses collections privées retracent l'oeuvre de Camille Pissarro, de sa jeunesse dans les Antilles danoises jusqu'aux grandes séries urbaines de Paris, Rouen et du Havre de la fin de sa vie. Considéré par Cézanne comme "le premier des impressionnistes", Pissarro est l'un des fondateurs de ce groupe. Il est également le seul à participer à leurs huit expositions. Compagnon et ami fidèle de Monet, maître de Cézanne et de Gauguin, inspirateur de Seurat, défenseur de Signac, Pissarro est un artiste majeur et incontournable. Intellectuel polyglotte, engagé et militant, à l'écoute des jeunes générations, son oeuvre, puissante et en perpétuelle évolution, offre un panorama unique des recherches qui ont animé les cercles impressionnistes et postimpressionnistes de la seconde moitié du XIXe siècle.

" Un fou, Vincent Gogh ? " protestait Antonin Artaud. Pour le diagnostic, deux camps s'opposent : les Arlésiens - et même son ami, Gauguin - décrivent cet étranger comme une " bête curieuse ", un " fou dangereux " s'oubliant dans l'absinthe, et ne méritant pas mieux que l'internement immédiat ; d'autres voient dans la " fracture mentale " de l'artiste une fragilité passagère. Lui-même affirmera : " Comme peintre, je ne signifierai jamais rien d'important, je le sens absolument. " Et pourtant... Non, Van Gogh n'est pas fou. Il l'écrira lui-même : " Si je suis toqué, tant pis, je préfère ma folie à la sagesse des autres. " Schizophrène, épileptique, possédé par le Malin, " impressionnable " selon sa formule ? - Le vrai visage de Van Gogh reste dans l'ombre. François-Bernard Michel s'applique à retracer l'itinéraire peu commun de celui qui ne se sera pas tant abîmé dans l'absinthe que dans une profonde mélancolie. Ni psychanalyste ni critique d'art, mais scrutateur de la face humaine de Van Gogh, François-Bernard Michel s'attaque à une énigme : Fou-suicidé, peintre des ventes records, plagié, exclu récupéré par la société du spectacle, Vincent Van Gogh reste-t-il un soleil noir ?

Qui croit encore de nos jours aux fantômes ? Pourtant, bien des fois au cours de mes promenades dans Paris, en m'arrêtant devant une plaque "Dans cette maison vécut", j'ai ressenti un frisson. C'est ce délicieux frisson que Michel Longuet nous invite à partager, en poussant les portes d'un Paris mystérieux et méconnu, resscuscité sous sa plume par d'exquises esquisses, tirées des carnets intimes que ce flâneur professionnel remplit depuis près de vingt ans en arpentant la capitale. Cette oeuvre follement libre, atypique et émouvante, est une plongée fascinante dans le dédale des rues de Paname et de ses faubourgs, une promenade amoureuse où la littérature jaillit d'un trait de fusain. Avec une élégance et une délicatesse rares, Michel Longuet entrelace textes et croquis pour nous emmener à la rencontre de quelques spectres qui n'ont pas fini de nous hanter:«En sonnant chez Méliès, Lautrec, Marquet, Gauguin, Atget, Calder, Beckett, Michaux et Follain, chez toutes ces personnes parties sans laisser d'adresse, je me suis retrouvé face à des fantômes. Il ne restait plus qu'à les faire parler.

Quels sont les compagnons les plus appréciés des humains ? Les chiens et les chats ! Le petit caméléon Léon adore jouer avec eux, qu'ils soient teckels, siamois, épagneuls, angora, caniche, persan, dalmatien, ou... chat de gouttière ! Léon, le héros de la collection Mini Léon, interagit de façon originale et ludique avec treize oeuvres d'art d'époques et de cultures variées : Renoir, Hopper, Franz Marc, R. Campbell, Foujita, Pat Scott, Gauguin... L'auteure : Hélène Le Héno Titulaire d'un DEA en histoire de l'art, Hélène Le Héno est une ournaliste indépendante ? Elle collabore régulièrement à des revues spécialisées. Elle a publié plusieurs ouvrages grand public et jeunesse, en particulier aux éditions Larousse. Ses domaines de prédilection sont la Mythologie et l'Art. Illustrateur et graphiste, Guillaume Trannoy publie netre autres chez Hatier. Il met en image le petit Léon de toute la collection Mini Léon. La collection Mini Léon Art, Anglais, Humour, un cocktail vitaminé dès 3 ans Un concept original : l'interaction d'un personnage espiègle avec des oeuvres d'art sélectionnées par thèmes Une mise en page façon strip de BD Une double page documentaire et ludique Un livre bilingue

Médecin de marine, voyageur, archéologue, sinologue, critique d'art, éditeur, romancier et poète, Victor Segalen fut aussi un grand épistolier : sur les 500 lettres conservées, 200 ont été sélectionnées qui jalonnent les principales étapes d'une vie courte et exceptionnelle, vécue à un rythme effréné. De la Bretagne à la Polynésie sur les traces de Gauguin, puis en Chine, parcourue au cours de plusieurs expéditions archéologiques, il écrit presque quotidiennement à ses parents, sa femme, ses maîtres, ses amis. Miroir à multiples facettes de sa personnalité, ces lettres, où sont évoquées les figures tutélaires (de Rimbaud à Huysmans, Debussy et Claudel), les amitiés, les amours, sont également un témoignage de son regard sur les vingt premières années du XXe siècle et surtout de la naissance et de l'écriture de chacune de ses oeuvres dont trois seulement furent publiées de son vivant. Alors que ses forces physiques le trahissent, il écrit Thibet, un "poème lyrique d'escalade et d'effort" long et dépouillé, dont les séquences sont à l'image de ce pays qu'il ne parviendra jamais à atteindre. Il meurt en 1919. Sa mort reste entourée de mystère et a prêté à bien des interprétations : accident ou suicide ? Il avait 41 ans.

Qui êtes-vous, Victor Segalen ? Et pourquoi, depuis si longtemps, me hantez-vous ? Breton. Brestois. Militaire, marin et poète. Cavalier émérite, marcheur infatigable, vous restez distant et troublant. En 1903, vous pélerinez sur les traces de Gauguin, aux Marquises. Deux ans plus tard, à Djibouti, sur celles de Rimbaud. En 1909, vous traversez la Chine et vous recommencerez. Puis vous vous risquez dans la Cité interdite de Pékin, derrière un séduisant jeune homme, amant de l'impératrice. Vous résidez ensuite à Hanoi et achetez votre opium. Plus tard, vous mourrez dans la forêt du Huelgoat, loin de votre épouse et de cette autre femme que vous aimez. Quarante et un ans. Un peu tôt pour mourir. Ou se laisser partir - comme on glisse, la nuit, d'un paquebot dans l'océan. Cette fois, vos pas m'auront entraîné dans votre sillage. Mon souffle mélangé au vôtre dans le roman vrai de votre vie. J. -L. C. L'écrivain-voyageur donne une chaleur romanesque à sa biographie du médecin-poète. Alexandra Schwartzbrod, Libération. Dans une belle et précise évocation de Victor Segalen, Jean-Luc Coatalem interroge le mystère et la nécessité de l'ailleurs. Patrick Kéchichian, La Croix. Prix Femina essai 2017.