Design

Aujourd'hui, les James Bond sont des films d'action au même titre que n'importe quelle grosse production à succès. Personne, pourtant, n'a oublié que James Bond au cinéma a une longue histoire, et l'on se rappelle qu'il y a un style James Bond. Mélange de design contemporain, d'architecture radicale, le tout plongé dans un environnement technologique menaçant. C'est Ken Adam (1921), chef décorateur de génie, qui crée le premier style James Bond. A l'époque il est aussi chef décorateur pour le film de Stanley Kubrick, Docteur Folamour (1963). Il travaille sur sept films de la série Bond : du premier en 1962 à Moonraker en 1979. Il façonne les décors des premiers Bond selon une vision très personnelle, très cohérente stylistiquement, tout en étant très ancrée dans l'époque de la guerre froide, de la conquête de l'espace, et de l'architecture radicale. La double influence de l'esthétique fonctionnaliste du Bauhaus et du cinéma expressionniste allemand marque l'esthétique de ses décors : l'association explosive des contraires. Le présent ouvrage tente de décoder le plus précisément possible ces décors, créés de toutes pièces en studio. Le style Adam est constamment mis en relation avec le contexte idéologique, avec l'architecture, le design, l'art. Enfin, de nombreux objets créés par des designers comme Arne Jacobsen, Gaetano Pesce, Marcel Breuer, les frères Castiglioni ou encore Joe Colombo, jouent un rôle dans les films. Chacun est présenté et analysé pour comprendre pourquoi il donne du sens aux images et à l'action.

Depuis toujours les hommes fabriquent des choses qui répondent à leurs besoins matériels et traduisent leurs cultures. Domaine où l'inventivité est forte en Afrique subsaharienne, tant hier qu'aujourd'hui, le mobilier utilisé pour s'asseoir ou dormir constitue le sujet de ce livre abondamment illustré. La République démocratique du Congo offre un panorama de modèles de sièges très divers. L'anthropologue Viviane Baeke retrace avec érudition leurs liens étroits avec les pouvoirs politique et/ou religieux. Le siège est le double du roi. Il incarne en quelque sorte son "âme". Cette croyance est encore très vivante chez les Asante du Ghana. L'ethnolinguiste Christiane Owusu-Sarpong rapporte de façon minutieuse l'origine ainsi que les implications de cette tradition. Au-delà du temps et des frontières, les objets se transforment. Cependant des peuples semi-nomades ou sédentaires utilisent du mobilier dont les formes, comme le montre la contribution de l'architecte Rahim Danto Barry, se transmettent de génération en génération et s'adaptent aux contraintes des espaces intérieurs et extérieurs. Les objets traditionnels sont aujourd'hui fréquemment remplacés par des pièces contemporaines fabriquées en série. Les créateurs d'origine africaine concrétisent en toute liberté leurs réflexions, et l'inspiration de quelques-uns s'approche du répertoire des arts traditionnels, même s'ils sont, pour certains, formés en Europe et que leurs réalisations touchent, timidement, davantage l'Occident que l'Afrique elle-même. A cet égard, le texte de Joëlle Busca, critique d'art, questionne les enjeux d'une créativité aux prises avec les exigences d'un monde industrialisé. Design en Afrique ne vise nullement à confronter ancien et nouveau, mais essaie de montrer comment les besoins du quotidien stimulent depuis toujours l'inventivité. L'art du design, ouvert à des pratiques - telles que l'assemblage - fréquemment mises en oeuvre dans d'autres formes d'expression plastique, favorise ainsi l'émergence d'esthétiques nouvelles qui entretiennent souvent un dialogue original avec les cultures traditionnelles.

La bouteille, la carafe ou le verre à boire sont le point de départ d'une réflexion élargie, entraînant les lecteurs vers les détournements créatifs des plasticiens et designers. Une centaine d'oeuvres souvent insolites révèlent les immenses possibilités offertes par le matériau verre et la richesse de l'univers symbolique du vin. Mais plus qu'un catalogue d'exposition, cet ouvrage est aussi l'histoire d'une rencontre entre une commissaire d'exposition experte en design du verre, un vigneron rock'n' roll, libre et modeste à la fois, une designer engagée et inspirante, deux directeurs de centres de création verrière militants, un cinéaste sensible et malicieux, et l'équipe de la fondation. Des personnalités généreuses, à l'origine de la création de deux oeuvres inédites suscitées par la Fondation pour la culture et les civilisations du vin. Marion Eybert et Laurence Chesneau-Dupin

Après avoir dominé les routes du monde entier durant plus d'un siècle, le moment semble venu pour les voitures à essence de se ranger en bord de route, pour laisser la place à une nouvelle génération de véhicules : une génération qui roule à l'électricité. Et ce n'est pas tout : un nombre croissant de ces automobiles se conduira tout seul, sans conducteur aux pédales et au volant. Finalement, le rêve d'un salon sur roues, d'un lieu où l'on pourrait s'asseoir et se détendre sans se préoccuper de la circulation, devient réalité. Mais comment cela s'est-il produit ? Pourquoi donc un changement aussi révolutionnaire a-t-il eu lieu ? On entend parler de véhicules autonomes, hyperconnectés, influencés par les nouvelles technologies et le respect de l'environnement. Mais qu'en est-il exactement et à quoi ressemblera la mobilité de demain ? Nous y sommes presque, nous raconte Larry Edsall dans cet ouvrage rassemblant les aperçus 3D de différents prototypes de véhicules autonomes au design fluide et racé que les fabricants automobiles - des pionniers aux plus jeunes - ont mis au point. Mais les prouesses technologiques sont tout aussi importantes que leurs formes élancées dont le mariage promet une conduite toute en sécurité, plus écologique et, pourquoi pas, ludique. La mission ? Diminuer les émissions, réduire la circulation, éliminer les accidents tout en préservant le concept de mobilité individuelle qui a fait de l'automobile un élément essentiel de la vie moderne désormais présente aux quatre coins du globe. Nous ne sommes peut-être pas encore prêts mais les extraordinaires photographies et les informations que vous allez découvrir dans cet ouvrage vous y prépareront.

Concevoir du mobilier et des objets design pour les enfants, ou même simplement adapter des modèles classiques pour les tout petits sont des tâches qui nécessitent un talent particulier : les meubles, les accessoires et les jouets pour enfants doivent en effet respecter des règles de sécurité assez strictes, être faciles à entretenir, tout en faisant rêver les bambins grâce à leurs formes originales et à leurs couleurs chatoyantes. Comme beaucoup de parents le savent, aménager une chambre d'enfant est à la fois un plaisir et une tâche ardue : il faut toujours trouver le bon équilibre entre fonctionnalité et aspect ludique, entre gain d'espace et confort. Ce livre propose un panorama d'environ 250 objets et meubles emblématiques qui trouveront toute leur place dans l'univers des enfants et les éveilleront au monde du design et de l'esthétique. C'est aussi un hommage à la créativité débridée des designers qui savent se mettre dans la peau des enfants pour inventer des lits, des chaises, des jouets ou des objets du quotidien qui accompagneront les petits des premiers pas au seuil de l'adolescence. Source d'inspiration pour les parents - qu'ils pourront partager avec leur progéniture -, l'ouvrage est aussi un instantané du design qui séduira les professionnels et les collectionneurs.

Le mot design évoque une prolifération d'objets dont les qualités formelles seraient moulées sur leurs destinations fonctionnelles. Sa connotation la plus courante, c'est le consumérisme. Il a pourtant été promu par des avant-gardes artistiques et architecturales qui projetaient de reconfigurer la vie, pas (seulement) les fauteuils. Et aujourd'hui, il s'applique à des artefacts de toute nature, à toutes les échelles, bien au-delà des ustensiles du quotidien. L'idée de design court, tel le furet, à travers toute la culture "moderne", dans un rapport tendu avec l'architecture. Repartir de ce noeud historique pour élucider une notion complexe et controversée, tel est le choix fait dans ce numéro spécial de Critique, conçu par Claire Brunet.

Les démarches collaborées, dans le champ du design, des pratiques artistiques et professionnelles, des sciences appliquées et des techniques, imbriquant la recherche, la création et l'action, sont toujours stimulantes à observer pour un individu en formation. Elles offrent la possibilité d'une recherche pensée comme le passage entre l'action et la poétique, dans une mise à distance du quotidien mêlant l'expérimentation et le projet. Dans un tournant pragmatique et réflexif, où la richesse d'une recherche naît du croisement disciplinaire (de l'anthropologie aux arts, du design à l'histoire sociale, du sociomarketing à l'image, de l'espace aux conditions de vision, du rituel à la linguistique), la couleur blanche forme les exercices d'une expérience globale, celle du passé, mais aussi celle de demain. Blanc(s), un devenir de la couleur en train de se construire. Il s'agit ici d'un ensemble de textes issus d'un colloque international et de journées d'études ayant eu lieu dans le cadre d'une manifestation artistique et culturelle sur la couleur blanche, à Toulouse et Montauban.

Le livre ultime sur la " nouvelle culture cocktail " : design, inspiration, histoires, recettes. Tous les passionnés en témoignent : un cocktail, c'est bien plus qu'une recette. C'est une atmosphère, le témoignage d'une époque, une secrète alchimie, le pari fou de créer constamment de nouvelles émotions gustatives, visuelles et artistiques. Conçu comme une invitation à la découverte de la culture cocktail - de son histoire et de ses inspirations, des recettes les plus classiques aux plus innovantes, des saveurs, des épices, des sirops qui font le renouveau de la mixologie -, ce livre est aussi et surtout une porte ouverte sur l'imagination et la création. Car dans un cocktail, tout est question d'inspiration, du design du verre au choix du nom, poétique ou insolite, de la palette de cou leurs aux parfums liquides. Une inspiration qui se nourrit de tous les arts : littérature, cinéma, architecture, musique et danse, gastronomie bien sûr et même peinture... Riche d'une histoire qui a traversé les siècles et les conti nents, l'art du cocktail est l'un des plus complets et des plus vivants qui soient. Ce livre en est le mani feste : le " Drink Design " permet de créer et de partager, au-delà du cocktail, une véritable expérience.

Le mot design apparaît au milieu du XIXe siècle dans une Angleterre où l'industrialisation conduit à des questionnements sur l'aspect des produits nouveaux. C'est aux Etats-Unis, avant la Seconde Guerre mondiale qu'il se généralise pour qualifier une activité créatrice dont le but est de concevoir les formes des objets, afin d'en améliorer l'esthétique mais aussi les performances Son histoire est indissociable des grandes mutations qui ont marqué les sociétés occidentales au XXe siècle : la puissante accélération des processus de fabrication d biens "manufacturés" liés au machinisme et à la maîtrise de matériaux nouveaux, ainsi que l'aspiration du plus grand nombre à un cadre de vie meilleur. Cet ouvrage couvre la période de l'après-guerre à nos jours, qui constitue une sorte d'âge d'or du design dans son acception la plus courante. A partir de 1945, il se développe en effet sur le terreau de la modernité et de l'efficacité. En cherchant à se dépouiller des styles du passé, les créateurs et les industriels remodèlent les objets du quotidien: de l'électroménager de Dieter Ram. pour Braun en Allemagne aux objets de la table de Danese en Italie, en passant par le mobilier de Charles et Ray Eames pour Herman Miller aux États-Unis. Aucune uniformité dans ce paysage et, après la perfection nordique, l'Italie, elle, assoit son image tant par le dynamisme de son industrie que par les puissant, personnalités de ses designers, de Gaetano Pesce à Ettoi Sottsass. Au moment où les idées et les modèles circulent, Philippe Starck, par sa stature, incarne à part: des années 1980 le design pour le plus large public. Cette discipline en perpétuel mouvement revêt aujourd'hui de multiples expressions: du projet "Super Normal" de Jasper Morrison aux créations les plus fantasques du collectif Droog Design. Ce faisant, elle gagne en démocratisation et le design le plus sophistiqu d'Apple est aujourd'hui à la portée de tous. Fondée sur l'étude des grands pays industrialisés et écrite par les meilleurs spécialistes du sujet, cette vaste synthèse enrichie de plus de 650 illustrations permet d'aborder la variété des domaines touchés par le design tout en les replaçant dans le contexte de leur époque : expositions, aménagements intérieurs, campagnes publicitaires.

Longtemps réduit à un terme fourre-tout et confus, le design accompagne désormais les grands changements sociétaux, technologiques, économiques et écologiques. Jean-Louis Frechin, pionnier du design numérique et acteur incontournable du design européen, retrace l'histoire de cette discipline et nous fait découvrir son évolution, ses champs d'action et ses mutations à l'heure du numérique. Il traite notamment du nouveau système des objets, des services, des interfaces, de la transition énergétique, de l'éthique, des makers, de l'intelligence artificielle, et révèle tous les potentiels du design, ses tensions, ses responsabilités, et même ses utopies. Cet ouvrage de référence s'adresse aux créatifs, aux innovateurs et à tous ceux qui s'engagent dans les transformations de notre époque.

Initié au tir à l'arc en 1984, j'ai eu la chance, le bonheur d'être sélectionné et de participer aux championnats de France de tir chasse à Puyloubier en 1986 et à Hirsingue en 1987. La bonne précision de ces tirs me rassura quant à l'objectif sous-jacent en moi, de chasser à l'arc de manière éthique suffisante. J'ai, dès lors, pêché, chassé le petit gibier puis le grand gibier à l'arc avec succès. Encouragé, galvanisé par ces émotionnantes approches, ces contacts de proximité avec le gibier, j'ai projeté de me rendre en Afrique afin d'y rencontrer, totalement immergé dans une nature encore vierge, quelques grands animaux sauvages (Burkina Faso, et République centrafricaine). Dès l'automne 1990, fasciné par la proximité du gibier, je commençais également la pratique d'approches à de très faibles distances des sangliers, seul, sans chien, et armé seulement d'un épieu de chasse. La fascination générée par la qualité de certains arcs traditionnels, tant arcs droits que recurves, et par les avantages des arcs à poulies ou à levier ont également nourri ma curiosité. Dès lors, mes connaissances d'un registre davantage technique cette fois, ont considérablement grandi me permettant de réaliser les énormes avancées réalisées au coeur de l'archerie depuis la Seconde Guerre mondiale. Ces diverses connaissances sont le coeur, le but de cet écrit et des nombreuses photographies l'illustrant.

Venant combler un manque de référence en la matière consa- crés au chanvre, cet ouvrage offre une approche plus globale, transversale, et multi-située du chanvre, rendant compte d'un enchevêtrement de problématiques. Un objet de recherche que se partagent aujourd'hui tant les designers que les ingénieurs, les agronomes, les sociologues, les histo- riens mais également les étudiants, les enseignants, les collectivités locales, ou encore les agriculteurs, les coopératives, les professionnels de la construction, du textile, de l'agro-alimentaire, etc.

Reflecting the broad range of accomplishment common among Victorian gentlemen, Frederick Edward Hulme (1841-1909) was the author of works on art, plants, heraldry, cryptography, proverbs, flags, wildflowers and other topics. In this rare volume of floral designs, he drew upon his botanical and artistic knowledge to create a host of motifs designed to instruct art students in the proper treatment of floral forms. Over 230 copyright-free illustrations depict an attractive array of floral and foliate motifs in a striking variety of colors matched to a broad range of fanciful designs. Formats include borders, repeats, geometric forms, allover patterns and much more. Bold in form and striking in their inspiration, these authentic Victorian designs are carefully reproduced here for practical and inspirational use by today's artists and craftspeople. Illustrators and graphic designers will also find a wealth of material for use in interior, advertising and textile design.

Le monde est entré dans une période d'innovation sans précédent en accélération permanente, donnant naissance à une nouvelle ère économique. L'économie traditionnelle s'en est trouvée radicalement bouleversée. L'une des principales caractéristiques de la révolution digitale réside dans la cadence et l'amplitude de l'innovation qu'elle génère en continu et selon un phénomène exponentiel. Cet ouvrage propose une immersion au sein de cette nouvelle économie, celle des entreprises du digital. Des entreprises dont les leaders sont devenus en un temps record des colosses financiers animés par des manières de faire propres et singulières, tant elles sont en rupture avec l'ancienne économie. Des entreprises qui sont orientées "corps et âme" autour de la volonté de fournir une expérience client exceptionnelle. Des entreprises qui ont une vocation par définition globale, déployant leur modèle d'hyper croissance à l'échelle mondiale et grignotant de proche en proche de nombreux secteurs d'activité.

FIND EFFECTIVE SOLUTIONS TO MACHINE COMPONENT PROBLEMS! While focusing on the fundamentals of component design, this practical text helps readers learn how to solve engineering problems that involve mechanical components. A proven problem-solving methodology guides readers through the process of formulating machine component problems accurately and presenting solutions clearly. In addition, numerous solved examples and end-of-chapter problems help readers master the material. Graphical procedures help readers visualize the solution format, develop added insight about the significance of the results, and determine how the design can be improved. NEW FEATURES OF THE THIRD EDITION * Open-ended design problems have been added to most chapters. These problems are based on making decisions that involve materials, geometry, and operating conditions. * Material selection charts are now included as an aid in choosing appropriate materials for specific applications. * Finite element analysis is covered in several sections to provide an introduction to this useful tool. * Web site addresses are added throughout the text, providing access to additional information on topics ranging from industrial standards to properties of materials. * Innovative, web-based problems are integrated throughout the text, requiring use of the Internet to solve design problems. * The text has been completely updated with new illustrations and photographs. * A CD-ROM, included with the text, contains HiQ Software by National Instruments, three representative sample problems with solutions, and MathCAD and HiQ problems.

Paru en 1971, publié dans plus de vingt langues, mais indisponible en français depuis 1974, Design for the Real World est, bien plus qu'un classique de l'histoire du design, le livre-manifeste de tout design politique et écologique. Il vise l'inclusion sociale plutôt que le profit monétaire, lutte contre l'asservissement des besoins au marché, prône le respect de l'environnement plutôt que l'exploitation illimitée de la nature et de ses ressources. Cette réédition critique de la traduction française, accompagnée d'essais d'Alison J. Clarke et Emanuele Quinz, offre un aperçu du programme de Victor Papanek : confier au design une mission révolutionnaire, qui, aujourd'hui plus que jamais, révèle son étonnante pertinence.

Le design japonais présenté pour la première fois à travers le prisme des couleurs traditionnelles Les couleurs traditionnelles sont utilisées au Japon depuis le VIIe siècle, initialement pour indiquer le rang et la hiérarchie sociale. Au fil du temps, leur signification s'est élargie. Cet ouvrage présente de manière simple et accessible 200 couleurs (iro en japonais) illustrées par un ou plusieurs objets allant des kimonos du XVIe siècle aux chaises contemporaines en passant par de simples ustensiles de cuisine et des céramiques. Il permet ainsi de découvrir le design japonais de manière approfondie. Ecrit par Rossella Menegazzo, co-autrice de l'ouvrage devenu une référence Wa : L'essence du design japonais, cet élégant livre à la reliure japonaise s'adresse à tous les amateurs de design et du Japon.

Qu'y aurait-il de foncièrement changé aujourd'hui dans la manière moins, peut-être, de transmettre le design (son histoire, sa culture, sa théorie) que de former au design ? - selon l'acception jadis retenue notamment par Johannes Itten et Walter Gropius touchant à l'intériorité de l'être, à son accomplissement et ne se rapportant nullement ici au formatage de l'esprit, au dressage ou conditionnement de l'action ; former (ou, symétriquement, se former) au design ne serait autre, en l'espèce, que viser (ou convoiter) l'accès aux "savoir-penser' et 'savoir-créer" conjugués permettant l'approfondissement de la subjectivité et favorisant la construction d'une conscience aussi éclairée que libre. Autour de cette question complexe, mais du reste essentielle, plusieurs acteurs francophones de l'enseignement du design ici réunis partagent leurs regards, leurs convictions et réflexions, tentant ainsi d'y apporter certains éléments de réponse.

Septième titre de la collection Techniques du Manga. Dans cet ouvrage, on apprend à dessiner toute sorte d'accessoire pour les vêtements, les objets du quotidien, les moyens de transport et des armes dans des scènes dynamiques. Ce manuel se compose de 200 pages d'explications pas à pas, avec une très vaste gamme d'exemples et références pour vous accompagner du dessin du personnage à celui des planches de votre manga. Chaque élément est décomposé en formes géométriques de base, approfondi et personnalisé pour étudier son rôle dans la caractérisation du personnage ou de la scène et dans la transmission d'une information aux lecteurs.

Cet ouvrage réunit les recherches et communications présentées en 2021 lors des 24e et 25e Journées internationales de marketing horloger, qui ont eu lieu en ligne en février, ainsi qu'en présentiel en novembre dans le cadre de la 10e Biennale du patrimoine horloger. Il fait suite aux douze volumes d'une collection qui a pour but de faire rayonner le savoir-faire des entreprises horlogères et de leurs partenaires. Horlogerie : où vas-tu ? Ce livre fournit de nombreuses réponses aux questions qui se posent sur les perspectives du secteur horloger : la relation entre les jeunes et les montres, la perception et l'avenir du Swiss Made, les perspectives des points de vente, du design et de la manière de lire l'heure. Il contient en outre un savoureux entretien avec Walter von Känel, fidèle de Saint-Imier, qui a oeuvré 57 ans au service de l'horlogerie suisse.

Au travers d'archives inédites, ce livre analyse en profondeur les toutes premières traductions françaises des deux bulletins de Global Tools, les entretiens exclusifs d'Andrea Branzi, Gaetano Pesce, Gianni Pettena, Ugo La Pietra, Alessandro Mendini et deux écrits qui dialogue, l'un de Paolo Deganello et l'autre de Franco Raggi. Ce dernier présent Global Tools ainsi : "Ceux qui ont fondé ou participé à la Global Tools s'intéressaient à la construction d'un programme d'activités de recherche éducative et productive qui partait d'en bas, dans le but théorique de libérer la créativité individuelle des superstructures culturelles qui empêchaient ou ralentissaient la capacité d'expression, selon l'hypothèse de travail libre, anarchiste (mais organisé), d'expérimentations dans le domaine du design, du vivre et du construire... La tentative fut aussi de revenir à une sorte de "condition primaire" de fabrication qui impliquait les "outils" individuels, les premiers ustensiles à notre disposition permettant d'interagir avec le monde extérieur comme les mains, les pieds, les sens, le corps, et leur perception. Parmi les sujets abordés, il y avait aussi une série de sujets qui venaient de l'expérience des groupes anarchistes américains, anglais et autrichiens. Nous avons condensé une tendance très généralisée et omniprésente, bien que souterraine. Une recherche expérimentale et expressive associée à une anti rhétorique du projet et une quasi-annulation de la pratique de conception canonique pour concevoir sa guérison grâce à une "auto-thérapie"".

Histoire complète et très illustrée de l'émergence de New York comme capitale culturelle du monde après la Seconde Guerre mondiale, racontée avec brio par trois spécialistes réputés dans leurs domaines respectifs : Annie Cohen-Solal (arts plastiques), Paul Goldberger (architecture et design) et Robert Gottlieb (arts du spectacle). Comment New York a émergé après la guerre en tant que capitale du monde dans tous les secteurs de la création arts, architecture, design, musique, théâtre et danse. Les années entre 1945 et 1965 sont une période d'échanges fructueux et intenses entre poètes et critiques, artistes et marchands d'art, musiciens, danseurs et chorégraphes, architectes et designers. Annie Cohen-Solal, a signé de nombreux best-sellers, dont une biographie de Jean-Paul Sartre et une du marchand d'art Leo Castelli qui fait revivre la fermentation artistique de cette époque : les légendaires galeries, les critiques et les collectionneurs influents, et les artistes eux-mêmes, depuis les expressionnistes abstraits Pollock, Rothko et de Kooning jusqu'à Johns, Rauschenberg et Warhol. Paul Goldberger, ancien critique d'architecture pour le New York Times et le New Yorker, nous guide à travers les chefs-d'œuvre modernistes qui renouvellent le paysage new-yorkais : la Lever House de Gordon Bunshaft, le Seagram Building de Mies van der Rohe, le siège des Nations Unies de Le Corbusier et Wallace Harrison, le restaurant Four Seasons de Philip Johnson et son pavillon de l'Etat de New York à l'Exposition universelle de 1964, le Guggenheim Museum de Frank Lloyd Wright, le Terminal TWA d'Eero Saarinen à l'aéroport d'Idlewild, et, naturellement, le Lincoln Center la réponse de New York aux grandes plazzas du monde. Il nous conduit aussi dans les magasins, bureaux et appartements raffinés de l'époque, évoque le mobilier dessiné par les icônes du modernisme, de Charles et Ray Eames à Florence Knoll et George Nelson, et il nous présente les réalisations des grands publicitaires de l'époque, celles que l'on voit dans la série télévisée Mad Men. Il conclut le chapitre en retraçant la bataille philosophique qui s'est jouée entre les urbanistes qui souhaitaient tout raser pour reconstruire à neuf (le camp de Robert Moses) et les partisans de la préservation du patrimoine et de l'authenticité des vieux quartiers (le camp de Jane Jacobs). Robert Gottlieb, ancien rédacteur en chef du New Yorker et membre du conseil d'administration du New York City Ballet, aujourd'hui critique de danse pour New York Observer, nous invite au théâtre, à Broadway et off Broadway, pour nous faire revivre la grande époque de la comédie musicale, du Carousel au Roi et moi, de My Fair Lady à West Side Story, ainsi que les pièces intenses de Williams, Albee et Miller, et les productions très novatrices de Shakespeare in the Park de Joseph Papp. Il nous entraîne dans les clubs de jazz de Harlem et de la 52e Rue pour rencontrer Miles Davis, Charlie Parker, Billie Holiday et Dizzy Gillespie ; sur les scènes de l'univers de la danse, où George Balanchine et le New York City Ballet ont révolutionné le ballet et où Martha Graham, Merce Cunningham, José Limón, Paul Taylor et Alwin Nikolais enthousiasmaient le public avec cette nouveauté américaine qu'a été la danse moderne. Il nous accompagne enfin dans les cabarets et night-clubs légendaires le Blue Angel et le Café Society Downtown, le Latin Quarter et Copacabana où des vedettes aussi diverses que Pearl Bailey, Barbra Streisand, Mike Nichols et Elaine May, Harry Belafonte, Carol Burnett et Woody Allen ont fait leurs débuts. Et quand les expositions d'art, les pièces de théâtre, les revues et les spectacles de danse ont baissé le rideau, Mr Gottlieb nous invite à finir la soirée au Stork Club ou au El Morocco. Richement illustré de centaines de tableaux, dessins, photographies, plans, affiches et autres documents de l'époque, New York Mid-Century est une évocation stimulante d'une période remarquablement féconde dans l'histoire de la ville. Le style et l'esthétique de cette époque connaissent d'ailleurs actuellement un grand renouveau.

" Publié à l'occasion des vingt ans de la Galerie kreo, cet ouvrage retrace les activités visionnaires de ce laboratoire dédié au design contemporain. Réunissant un entretien avec ses fondateurs, Clémence & Didier Krzentowski, des essais de compagnons de route de l'aventure kreo, des contributions inédites de designers et une chronologie mettant en regard les activités des designers de la galerie avec le monde du design contemporain, le coeur de cette publication est l'Almanach, répertoriant la totalité des expositions "made in kreo" organisées, depuis 1999, à Paris et, depuis 2014, à Londres. Pour cette partie, nous avons fait le choix de reproduire, autant que possible, des photographies, documents et textes contemporains des expositions. Quinze collectionneurs, proches de la Galerie kreo, témoignent également de leur relation aux designers qu'ils ont pu y rencontrer. Depuis 2010, je collabore avec la Galerie kreo pour l'édition d'ouvrages et l'écriture de textes. Se plonger dans les archives, évoquer avec les designers les origines et contextes de leurs expositions, prendre la mesure de la singularité de chacun d'entre eux, tout comme de la cohérence de la vision du design défendue par Clémence & Didier Krzentowski, fut une source de plaisir intellectuel - le meilleur alliage possible - qui, j'en suis sûr, sera renouvelé à chaque future exposition. " Clément Dirié.

"Ce sont des expériences vécues, communes, qui motivent ma réflexion sur le design et les enjeux de ses formes de recherche. [... ]" (Lysianne Léchot Hirt, Recherche création en design à plein régime...) Ce livre réunit une sélection d'essais marquants de Lysianne Léchot Hirt, historienne du design, chercheuse et pédagogue suisse ayant largement contribué à théoriser la recherchecréation en design. La recherche-création se caractérise par son interdisciplinarité : elle propose un horizon concret de réflexion sur les enjeux contemporains du design et de disciplines connexes (urbanisme, art...), établissant par là une position intermédiaire dans la conversation fertile entre art et design. Cet ouvrage envisage les démarches de recherche-création comme une forme d'ethnographie ou d'anthropologie et invite à repenser notre quotidien, par exemple à travers la résolution de questions techniques et l'invention de nouveaux modes relationnels entre les personnes. Les textes de Léchot Hirt et les autres essais réunis dans ce volume défendent la thèse que la recherche est indispensable à la construction d'un regard critique et lucide sur notre présent, tout en contribuant à la construction de notre futur.

Ce livre de référence décortique les principes fondamentaux de la conception des jeux, non seulement des jeux vidéos mais aussi des jeux de cartes, des jeux de plateau, des jeux créatifs, etc... Il amène à réfléchir sur le processus créatif de tout type de jeu (vidéo, société, sport, etc.) et à développer son potentiel imaginatif. Son contenu est structuré en 35 chapitres. Le chapitre 1 est centré sur un premier élément : le designer. Les chapitres suivants ajoutent un à un de nouveaux éléments construisant peu à peu le système complexe des interrelations entre le designer, le joueur, le jeu, l'équipe, le client... En outre 112 "points de vue " au fil du texte permettent de réfléchir à la conception des jeux. Chacun rassemble une petite série de questions qu'il est utile de se poser au cours du projet. Ce ne sont pas des recettes mais des outils de réflexion. A la fin de ce livre vous aurez à la fois sur le papier et dans votre tête une carte de ces relations qui constituent un jeu. Celle qui est importante c'est celle qui est dans votre tête. Le but de ce livre est de vous aider à construire vos cartes et à les améliorer. Cette troisième édition s'est enrichie d'exemples en réalité virtuelle et en réalité augmentée largement utilisées dans les jeux vidéo.

Premier ouvrage consacré au jeu vidéo indépendant, Indie Games a été réalisé avec la complicité de studios de développement emblématiques tels que PlayDead et Amanita Design, et des valeurs montantes du jeu vidéo indépendant, comme League of Geeks ou Team Cherry. Ce livre permet de découvrir la surprenante histoire du jeu vidéo indépendant et le parcours de ses principaux acteurs. Superbement illustré, il contient plus de trois cents images issues des titres qui révolutionnent l'univers vidéoludique. Fourmillant d'anecdotes et enrichi d'entretiens avec des personnalités dont le savoir-faire réinvente le jeu vidéo, le texte met en évidence le parcours du combattant des créateurs de jeux indépendants, de la conception jusqu'à la commercialisation en passant par le marketing. Cette passionnante exploration permet de mieux cerner les spécificités des titres " indés ". Innovants par leurs thématiques, leur traitement graphique, leurs gameplays, leur écriture et leur sound design, il était temps de rendre hommage à l'audace de ces créateurs qui rendent leurs lettres de noblesse au jeu vidéo. Bounthavy Suvilay est doctorante en lettre moderne et invite régulièrement la pop culture sur les bancs des facultés. Elle est notamment connue pour être l'ancienne rédactrice en chef du magazine IG et ses publications autour de Dofus. Elle a aussi travaillé pour le site jeuxvideo. com.

Il s'agit toujours de suggérer une conception de la technique fondée sur une notion de "poussée" , de concevoir à partir de cette notion comment des inventions peuvent s'installer dans la culture et de distinguer dans cette installation deux moments, celui de l'économie et celui de la découverte. Le livre admet une hypothèse qui n'est sûrement pas des plus fréquentes, savoir que les opérations artistiques sont parentes de la technique et de son histoire. A occuper pareille position nous ne sommes aujourd'hui disposés ni du côté de la technique ni du côté de l'art. L'une et l'autre se posent séparément. Chez les spécialistes de la technique, on ne voit pas d'inconvénient à cette séparation quand bien même elle aboutit à laisser hors du champ le monde pourtant fort appareillé de l'audio-visuel et des médias. Chez les artistes, ce n'est pas négligence mais revendication : tout un ralliement s'est fait autour d'une idée spéculative de l'art qui ne pouvait procéder que d'une prise de distance à l'égard de la chair des techniques. S'il y a une pensée du design au deux sens possibles de l'expression (une pensée qui s'attache à faire cas du design et une pensée qui vient de lui), elle n'est d'aucun de ces côtés. Il s'agit, pour rappeler une formule fameuse, de chercher à lier fonction et forme.

Un playbook visuel et pas à pas. Le lecteur progresse logiquement de l'étude des besoins, à la définition d'une stratégie écosystémique puis à sa délinaison aux équipes, projets et concepts. Une méthodologie qui invite à partir des besoins précis d'un client pour remodeler, grâce au Design Thinking et à ses canevas (Lean Start-up Canvas, Business Model Canvas...), toute la chaîne de valeur pour tirer son épingle du jeu commercial. Ce guide dessine un nouveau cadre conceptual (Ecosystem Design Canvas) applicable à toute entreprise, tout secteur ou activité à développer. Il est stucturé en séquences d'une double page mêlant retours d'expérience (Cas WeWork, Uber. .), pratiques et outils à s'approprier.

Régulièrement désignés comme responsables de cyber-attaques, la Chine, la Russie, l'Iran et la Corée du Nord sont pourtant loin d'être les seuls Etats à conduire de telles opérations. Or c'est exclusivement sur cette "bande des quatre" que Washington, pratiquant volontiers le naming and shaming, braque les projecteurs. Ces dénonciations publiques disent beaucoup de la politique étrangère américaine et de la stratégie d'influence de Washington, de son intransigeance. Les Etats-Unis façonnent ainsi les perceptions à leur avantage, dans le débat crucial sur le droit international applicable au cyber-espace et dans la perspective d'imposer des sanctions à leurs adversaires. Un ouvrage clair et une approche innovante et pionnière pour comprendre cet enjeu hautement politique dans un domaine opaque des relations internationales : la cyber-conflictualité. "Il est assez rare de pouvoir souligner les mérites d'un (très) jeune chercheur qui publie un ouvrage de référence avant même d'avoir soutenu sa thèse de doctorat. L'appréciation n'est pas seulement celle de l'auteur de cette préface, mais des trois jurys composites qui ont primé sans hésiter le mémoire de master dont ce livre est issu."

Retrouve Sam le pompier et tous ses amis dans ce livre de gommettes aux formes simples, adaptées aux plus petits.