Havre

"Je me souviens de l'ironie avec laquelle on répétait dans ma famille qu'enfant, je "voulais tout". Pauvre naïve : naïve d'en avoir envie, naïve de croire que c'était possible et naïve de le dire. Naïve, je le suis restée et le revendique : have it all, vivre pleinement sa vie, ne pas renoncer avant d'avoir essayé, je voudrais que cela soit possible pour toutes les femmes. J'ai beaucoup reçu, beaucoup combattu et beaucoup obtenu. J'ai aussi connu dans de nombreux pays, d'innombrables destins de femmes qui m'ont fait réfléchir. J'ai vu dans leurs vies des reflets de la mienne. Aujourd'hui je voudrais partager ce que j'ai vu et vécu, donner envie à d'autres femmes d'oser, de rêver et de changer le monde". Nathalie Loiseau se souvient de la petite fille et de l'adolescente précoce, dont on ne savait pas quoi faire. Elle raconte ce parcours hors norme d'une jeune femme entrée à Sciences-Po presque par hasard et qui s'est pris de passion pour le service public, la diplomatie, y exerçant les plus hautes fonctions dans un monde encore très peu ouvert aux femmes. Un parcours qui l'a conduite à diriger l'Ena aujourd'hui, elle qui n'en est pas issue. Nathalie Loiseau nous raconte ses combats, ses rencontres, des situations tendres, drôles ou révoltantes. Elle nous livre une leçon de courage et d'optimisme où la "passion", la "curiosité" sont les maîtres-mots. Une histoire qui donne envie de ne renoncer à rien, de vivre pleinement sa vie de femme, de mère, de repenser nos rapports au travail et aux hommes.

Olive oil is good for preparing food and increases the natural flavors of ingredients without modifying their taste. The olive tree has been the symbol of eternal peace for thousands of years. One of my ancestors, a senior civil servant in the Spanish government, used to recount that culture and agriculture are the two best ways of making the most of one's time and money. Today, the seventh generation of our family of olive farmers still is in firm belief of the same ethos. Olive oil holds the heart and soul of Mediterranean culture, and we have used all of our passion and knowledge to strive to reach perfection, while at the same time respecting nature, and mixing traditions with avant-garde techniques. In today's ever-globalized society, where cultures meet and mix, olive oil, an eons-long symbol of the Mediterranean, finds itself on tables from Scandinavia to Australia to Japan. Basically, it is nothing more than the delicate and subtle juice of the olive. At the house of Nunez de Prado - ever conscious of maintaining quality - we harvest all of our olives by hand including those having fallen to the ground. Only hours later is the crop carried to the mill where the fruit is broken up by granite rolls and pressed. The precious liquid extracted from the produce is decanted naturally to isolate that minute quantity of vegetal deliciousness that is the oil. Though appearing simple, this extraction process, especially for a high quality oil, is nearly as complex as the production of a quality château wine, the term used in Spanish to describe olive oils as well.

"We all know that our world has become very indebted over the past decades and that its 'financialization' has reached proportions never observed before, at least in peacetime. But how serious is this phenomenon ? What are its consequences on the solidity of our financial system, on the functioning of our economy and on the future of our society ? Above all, we must understand how our world has surreptitiously changed its model for the past two decades. It has slipped to a strange paradigm, one in which the bulk of economic activity is now reflected in the rise in the value of financial assets at the expense of growth, wage income and productive investment. It is time to put an end to the reign of illusion and to reinstate the fundamental economic springs without which there can be no real growth. " J. de L. "No one alive today combines Jacques de Larosière's experience with an acuity about global finance. His sharp and cogent expression of alarm in this timely volume deserves and even demands the attention of the global financial community. " Lawrence Summers, Former Secretary of the United States Treasury and President Emeritus of Harvard "This is a must-read for those who want to understand the 'economic illusions' hiding in plain sight. And for those who are prepared to step-up to the benefit of a new generation. " Kevin Warsh, member of the Federal Reserve Board (2006-2018), and professor at Stanford "The book is a harsh criticism of the fairy tales that have guided monetary theory and the actions of central bankers in recent decades. " Vito Tanzi, Honorary President of the International Institute of Public Finance

Editorial par Charles Kaplan et Charles Nairac In Memoriam Professeur Ibrahim Fadlallah I. Doctrine - Débats / Articles - Debates - Have we been fighting the ISDS fight the right way ? , by Alexis Mourre - Impartiality and independence of arbitrators in France and Italy : Where do we stand ? , by Fabio Giuseppe Santacroce and Vincenzo Antonio Speciale - L'arbitrage et la protection des consommateurs : tertium non datur ? , par Francisco González de Cossío II. Chronique investissements / Investments Chronicle Sous la direction de Laurie Atchouk-Spivak, Arnaud de Nanteuil et Julien Cazala Investissements internationaux et arbitrage / International Investments and Abritation Avec la collaboration de Karen Azoulay, Camille Martini et Mathieu Raux Actualités - Etat des lieux des travaux multilatéraux sur la protection des investissements et le règlement des différends investisseur-Etat, par Mathieu Raux Compétence et recevabilité - L'avenir de la clause fork-in-the road : un choix irrévocable des arbitres en défaveur de cette stipulation ? , par Arnaud de Nanteuil - Droit de l'Union européenne et droit des investissements, par Karen Azoulay Fond - Le standard des Effective means - Une déclinaison de la protection contre le déni de justice ? , par Julien Cazala - Considérations environnementales dans l'arbitrage, par Camille Martini III. Panorama international de jurisprudence / Panorama Of World Case Law Sous la direction de Michael Polkinghorne et Louis Degos - Allemagne et Autriche, par Detlev Kühner et Jessica Noy-Gsell - Amérique latine, by Catalina Echeverri Gallego and Diego Romero - Canada, by R. Aaron Rubinoff and John Siwiec - France, Arbitrage interne et international, par Priscille Pedone et Bertrand Robert - Italie, by Michele Sabatini and Andrea Melchionda - Singapour, by Dr Matthew Secomb, Ethan Wang, Rachel Chiu and Viraen Vaswani - Suisse, par Pierre-Yves Gunter, Sabrine Schnyder et Rik Vincent Koning

Son itinéraire spirituel et sa place au cœur de l'Eglise, sa voie, sa " science d'amour " et son doctorat, sa présence universelle et son rayonnement missionnaire, Thérèse de l'Enfant-Jésus les doit essentiellement à son enracinement carmélitain. Une vérité souvent oubliée ou ignorée, voire même édulcorée dans la très abondante littérature thérésienne. Le Carmel, c'est l'un de ses premiers grands désirs conscients " ...j'ai désiré me faire religieuse dès l'éveil de ma raison et j'ai désiré le Carmel aussitôt que je l'ai connu parce que dans cet ordre je trouvais que toutes les aspirations de mon âme seraient remplies ". Thérèse le choisit " uniquement pour répondre à l'appel de Jésus " qui l'y a " transplantée " après l'avoir libérée de ses illusions. Elle s'y précipite " pour Jésus seul " afin d'y vivre le charisme de Thérèse d'Avila : " je suis venue pour sauver les âmes et surtout afin de prier pour les prêtres ". Elle s'y identifie au Crucifié. Elle y sera envahie par la science d'amour " après avoir altéré la soif d'amour de Jésus. Elle y enfantera les âmes. Elle s'y offrira en victime d'holocauste à l'Amour miséricordieux. Elle y réalisera son offrande sacerdotale en mourant, au cœur de l'Eglise dans une passion identique à celle de Jésus. Le Carmel sera son " arche sainte ", son " berceau ... sa délicieuse oasis ", son havre de paix et de bonheur durable, où les austérités elles-mêmes sont délicieuses et où tout se revêt de dimension théologale. Elle y grandit dans l'amour de Dieu et, en Lui, elle approfondit son amour du prochain. Oui, Thérèse est une carmélite prophète. Elle vit à fond le Carmel. Et le charisme du Carmel devient avec Thérèse une prophétie. Au Carmel, Thérèse est prophète. Elle est très tôt choisie par l'Ordre comme maîtresse de vie spirituelle : carmes et carmélites lui confient leurs noviciats dans tous les pays du monde. Elle remplira les noviciats mais veillera surtout à la formation des novices. Parmi ses disciples, l'on compte des saints, des vénérables, des serviteurs de Dieu, de grands écrivains et d'éminents responsables. Sa " petite voie " est reçue comme la voie authentique du Carmel. Je n'en veux pour exemple que sainte Thérèse Bénédicte de la Croix (Edith Stein) qui admire la vie d'amour de Thérèse. Chercheuse de la vérité, elle découvre aussi à son école l'amour comme la seule vérité. Carmélite prophète, Thérèse est universelle. Elle universalise le Carmel car, pour la jeune carmélite comme pour sa Madre, " le zèle d'une carmélite doit embraser le monde ", Jean Sleiman, o.c.d. Archevêque latin de Bagdad.

Des lettres inédites de la célèbre écrivaine, révélant des échanges inconnus avec de grands personnalités du XIXe siècle. Lorsqu'en 2004, à l'occasion du bicentenaire de la naissance de George Sand, je publiai un volume de 458 Lettres retrouvées (Gallimard), en même temps que l'anthologie des Lettres d'une vie en Folio, j'étais loin de me douter qu'une quinzaine d'années plus tard, je pourrais donner un nouveau volume de supplément à cette monumentale Correspondance rassemblée par Georges Lubin, qui en formerait donc le vingt-huitième volume. Voici donc 406 nouvelles lettres retrouvées, qui couvrent presque toute la vie de George Sand, depuis ses quinze ans jusqu'à ses derniers jours. La plupart de ces lettres, du court billet à la longue missive, sont entièrement inédites et viennent s'ajouter au corpus de la Correspondance, ou prennent la place de lettres déjà recensées (G. Sand ayant tenu à partir de 1863 une liste des lettres qu'elle écrivait) mais non retrouvées. D'autres, dont on ne connaissait que des extraits, sont ici publiées intégralement pour la première fois. Plus de 260 correspondants (dont une cinquantaine de nouveaux) sont ici représentés, des plus obscurs (certains n'ont pu être identifiés) jusqu'aux plus illustres, comme Barbey d'Aurevilly, Hector Berlioz, Henri Heine, Nadar, Armand Barbès, Eugène Sue, Victor Hugo, Louis Blanc, Eugène Fromentin, Jules Favre, Pauline Viardot, la Taglioni ; et les plus divers : parents, familiers, éditeurs, journalistes et patrons de presse, acteurs et directeurs de théâtre, écrivains, artistes, hommes politiques, domestiques, fonctionnaires, commerçants, hommes d'affaires, etc. L'intérêt de ce volume, en outre, est de donner, chaque fois qu'il a été possible, les lettres auxquelles Sand répond, ou les réponses aux lettres de Sand. On retrouve dans ces pages retrouvées les qualités d'humanité ainsi que l'insatiable curiosité de l'écrivain, que l'on suit jusqu'à ses toutes dernières lettres, en mai 1876, quelques jours avant sa mort. Thierry Bodin

Le séjour paradisiaque de Claudio Alessi s'est transformé en un véritable Enfer lorsqu'il a attrapé le COVID. Il raconte la maladie, mais également la bataille qu'il a livrée contre elle. Sportif de haut niveau, Claudio Alessi a relevé les plus grands défis des Arts martiaux, dont un camp extrême de karaté au Japon. (cf. Au-delà de soi-même, Editions Favre, 2012). L'épreuve qu'il a affrontée en juillet 2021 ne fut pas un combat contre un adversaire mais une lutte contre la mort. Atteint par le virus du Covid 19 lors de vacances en famille sur une île des Maldives, il y a vécu l'enfer. Rapatrié d'extrême justesse après une semaine cauchemardesque durant laquelle, sans boire ni manger, il a perdu 14 kilos, les traitements indispensables à sa survie ont été prodigués aux Hôpitaux Universitaires de Genève où il a été transféré à trois reprises aux soins intensifs. Hospitalisé par la suite à l'Hôpital de la Tour à Meyrin, il a pu entamer une réhabilitation physique et pulmonaire très difficile en raison de graves séquelles. Conjointement aux soins médicaux, physiologiques, ostéopathiques et psychologiques qui lui ont été dispensés, c'est grâce à un mental, un caractère et une volonté à toute épreuve que Claudio Alessi a échappé à une mort qui était imminente. Cette histoire est authentique. Outre les récits de Claudio et de son épouse Claudia à chaque épisode, Jacques Deschenaux, l'auteur de cet ouvrage, a rencontré ses deux filles et leur fils aîné, ainsi que plusieurs personnes qui ont contribué à la réussite de cette folle épopée. Déliées du secret médical, un professeur, des médecins, une infirmière, un physiothérapeute cardio respiratoire, un psychologue, un magnétiseur, un ostéopathe, un coordinateur opérationnel du Touring Club Suisse, et le directeur des Hôpitaux Universitaires de Genève ont apporté leurs témoignages. Rédigés à la première personne, les textes ont ensuite été soumis à chaque intervenant pour validation.

Il est aujourd'hui courant de brandir les droits de l'homme dans les relations internationales : certains Etats se prévalent d'une " diplomatie des droits de l'homme " dont la constance et l'efficacité sont pourtant sujettes à caution ; les ONG humanitaires se multiplient et croissent sans convaincre toujours ; la promotion des grandes causes justifie interventions, ingérences, actions violentes. Le remède ne serait-il pas pire que le mal ? Les droits de l'homme ne cachent-ils pas d'autres visées franchement politiques ? Les Etats sont-ils bien armés pour défendre les droits de l'homme face aux résistances du réalisme, aux impératifs économiques, aux défauts de puissance, aux coûts de l'intervention, à un droit resté résolument souverain, aux interdépendances entre gouvernants ? Progrès réel mais invention combien fragile, la judiciarisation progressive de la scène internationale, de La Haye à Arusha, de Pinochet à Habré, révèle, au-delà, un déplacement du sujet, source de toutes les incertitudes : du peuple souverain au nom duquel on rendait la justice à une " humanité " méta-souveraine au nom de laquelle on ne sait pas encore le faire. Mais peut-être la démocratie va-t-elle prendre sa revanche là où on ne l'attendait pas : dans le calcul réaliste de ceux qui découvrent que les dictatures étaient hier utiles et qu'elles sont coûteuses et encombrantes aujourd'hui alors que triomphent les besoins d'intégration. Les Etats sont plus que jamais sous surveillance : celle de conventions qui ne sont pas seulement ou pas toujours formelles, celle de leurs semblables dont ils dépendent de plus en plus ; celle d'un espace international sujet à bien des manipulations mais qui débat, agit, proteste et se mobilise. En cela, la demande des droits de l'homme est symptomatique des données nouvelles de la vie de la planète, de ses impasses et de ses promesses. En analyste incisif des Etats dans le monde contemporain, Bertrand Badie nous fait voir, entre éthique et volonté de puissance, les relations internationales sous un jour inédit.

Le 28 août 1963, devant la foule rassemblée à l'occasion de la célèbre Marche sur Washington, Martin Luther King prononce un discours qui marquera l'histoire des Etats-Unis et du monde entier. "I have a dream" est une formule connue de tous, mais que se cache-t-il réellement derrière ces mots martelés par King ? Gary Younge nous raconte ce rêve, depuis sa genèse jusqu'à ses résonnances contemporaines en nous immergeant au coeur de cette allocution devenue mythique. Il dépeint le contexte social et politique de l'époque au sein duquel il est bon de redonner à Martin Luther King sa juste place - décrié par beaucoup, adulé par d'autres, ses prises de position n'ont pas toujours fait l'unanimité au sein de la communauté afro-américaine. Le contexte également de la rédaction du discours, avec des anecdotes insolites comme l'intervention d'un de ses conseillers à la veille de la Marche critiquant l'anaphore légendaire : " C'est plat, c'est cliché. Vous l'avez déjà trop utilisée. " Un conseil suivi par King qui se ravisera finalement devant les micros en improvisant avec son talent d'orateur. Puis nous sommes transportés de l'estrade jusqu'à la foule, du bureau de Kennedy jusqu'aux réunions du FBI. Gary Younge nous conduit au plus près de l'événement en nous entraînant dans une narration quasi romanesque qui s'intéresse à toutes les facettes, certaines totalement inconnues, de ce moment historique. Histoire d'un rêve est un livre passionnant pour comprendre la journée du 28 août 1963 et ses conséquences politiques jusqu'aux élections de Barack Obama puis de Donald Trump. Gary Younge compose un ouvrage documenté avec rigueur et porté par une émotion toute particulière : celle d'assister au discours de King, puis de confronter son rêve à notre réalité. Traduit de l'anglais par Colin Reingewirtz.

When we were children, we believed anything was possible... This book is a fantasy novel originally written for children. But, if you are a father or a mother, a teacher or a writer, if you still have some bits of fantasy in your soul... then, this novel is for you too. We all know how geniuses changed the world with their childlike Imagination, and how people use creative thinking to solve problems. This is a story about hope ; "Sons of Fantasy" shares the story of M. Alger, a father grieving for the loss of his dear wife, who left him with two beautiful kids. Norris and Socrates were adjusting to life without Mom... But things got more complicated when one of them was paralyzed because of a severe psychological trauma due to an overdose of fantasy... This family has a very interesting neighbor who lives a few feet away. He has a weird little hobby, reading books in the most unlikely places... He for example travelled to Romania and read "Dracula" by Bram Stoker in the Castelul Bran Castle, because it's said that the main character Dracula lived in it. And then all of a sudden he stopped travelling... He got a month ago a big long hat that belongs to the greatest witch that lived during the middle ages, "Moje Gayla". In fact, after being burned by the church, one of her relatives kept her belongings inside a wooden box... and in the twentieth century one of her grandchildren donated the box to "The Magic Square Museum" in London. Genius bought the hat at a public auction as an art relic to decorate one of his rooms. Could this weird neighbor be the reason of Socrates' psychological trauma ? Or maybe he is the one who will cure him ? And what has the hat to do with all this ?

The monastery of Port-Royal has been a favorite subject of scholarly research mainly because of its involvement with the founder of Jansenism in France, St-Cyran, and its family connections with Antoine Arnauld who was the theologian of the movement. Less studied, but also significant, was the role played by the reform of port-Royal by Mère Angélique Arnauld, and its continuance by her niece, Soeur Angélique de St-Jean Arnauld d'Andilly, in the Cistercian reforms of the Seventeenth Century. F. Ellen Weaver, who completed her doctorate at Princeton University and is now teaching Church History at the University of Notre Dame in Indiana, has traced the evolution of this important reform from its Cistercian beginnings to its emergence as a model of Jansenist ideal and practice, pointing toward its final enduring influence in French Catholicism as a mythic symbol of heroic resistance of a community to oppressive authority in the name of freedom of conscience. She has done a careful textual analysis of the development of the Constitutions de Port-Royal during the period in which the controversies were raging (1948-1684) to illustrate this evolution fromCistercian to Jansenist character of the reform, and to point out continuities which have semetimes been overlooked in the polemic against the Jansenists. This work represents a significant contribution to studies in the religious history of modern France in general, and to monastic and counter-reformation studies in particular. Une étude neuve, unique en son genre, sur la place tenue par Mère Angélique Arnauld à Port-Royal et sur le rôle joué par sa nièce dans les réformes cisterciennes du dix-septième siècle. L'examen approfondi des Constitutions de Port-Royal révèle l'idéal janséniste et fournit une contribution non négligeable aux recherches sue l'histoire religieuse de la France moderne.

Jacqueline Lamba est la jeune femme qui, une nuit de mai 1934, décide d'aller à la rencontre d'André Breton. Avec lui, elle flâne jusqu'aux premières lumières du matin dans un Paris enchanté. Quelques mois plus tard, elle devient sa femme, la mère d'Aube, unique enfant du poète. Breton dédie à Jacqueline ses oeuvres L'Amour fou, L'Air de l'eau, Fata Morgana. Muse de l'écrivain et des photographes surréalistes, Jacqueline Lamba est surtout, et tout d'abord, une artiste d'un talent remarquable et d'une exceptionnelle sensibilité. Dans sa peinture se reflètent le courage et la passion d'une femme scandaleusement belle et rebelle qui a su se révolter contre les valeurs conservatrices de la société, en vivant toute sa vie dans l'art et pour l'art. Elle a été en contact avec les plus grands artistes et intellectuels du XXe siècle : Antonin Artaud, Claude Cahun, Marcel Duchamp, Max Ernst, Frida Kahlo, Dora Maar, Picasso, Diego Rivera, Jean-Paul Sartre, Trotski et beaucoup d'autres. Elle a vécu à une époque de grande effervescence artistique, littéraire, révolutionnaire. De Paris à New York, du Mexique à la Provence, de Marseille, où elle se réfugie à la villa Air-Bel avec d'autres intellectuels de l'Amérique du nord, où elle a fait plusieurs séjours avec son deuxième mari, le sculpteur américain David Hare. Jacqueline Lamba traverse des lieux et des moments fondamentaux de l'histoire. Protagoniste du passage du surréalisme à l'expressionnisme abstrait américain, son art, comme sa vie, est avant-gardiste, lyrique, provocateur, car comme elle l'écrit dans son Manifeste de peinture, Jacqueline Lamba a toujours vécu et peint "au nom de la liberté et de l'amour" .

In London in 1770 Georg Christoph Lichtenberg (1742-1799) remarked, 'What a work could be written on Shakespeare, Hogarth and Garrick ! There is something similar in the genius of all three. ' Two-and-a-half centuries on, Robin Simon's highly original and illuminating book takes up the challenge. William Hogarth (1697-1764) and David Garrick (1717-1779) closely associated themselves with Shakespeare, embodying a relationship between plays, painting and performance that had been understood since Antiquity and which shaped the rules for history painting drawn up by the Académie royale in Paris in the seventeenth century. History painting was considered the highest form of art : a picture illustrating a moment drawn from just a few lines in a revered text. Hogarth's David Garrick as Richard III (1745) transformed those ideas because, although it looked like a history painting, it was also a portrait of an actor in performance. With it, Hogarth established the genre of theatrical portraiture, a new and distinctively British kind of history painting. This book offers a fresh examination of theatrical portraits through close analysis of the pictures and of the texts used in performance. It also examines the central role of the theatre in British culture, while highlighting the significance of Shakespeare, Hogarth and Garrick in the European Enlightenment and the rise of Romanticism. In this context another trio of genius features prominently : Lichtenberg, Gotthold Ephraim Lessing and Denis Diderot. Familiar paintings and performances are seen in an entirely new light, while unfamiliar pictures are also introduced, including major paintings and drawings that have never been published. The final chapter shows that the inter-relationship between plays, painting and performance survived into the age of cinema, revealing the pictorial sources of Laurence Olivier's legendary film Richard III.

Si tout le monde a en tête le Je vous ai compris de De Gaulle, le Un rideau de fer s'est abattu à travers le continent européen de Churchill ou le Ich bin ein Berliner de Kennedy, peu en revanche connaissent vraiment le reste des discours d'où proviennent ces fameuses paroles et encore moins les contextes historiques. Les 5 ouvrages de la collection Les grands discours de l'histoire offrent la possibilité d'aller au-delà de ces " phrases choc " en permettant la lecture des différents discours dans leur entièreté, tout en resituant chacun d'entre eux dans son époque. Ces prises de parole les plus célèbres du vingtième siècle ont, à l'époque, choqué, ému ou tout simplement touché le plus grand nombre, et résonnent encore aujourd'hui avec la même vivacité qu'hier. Sont rassemblés dans ce cinquième volume onze discours prononcés par des personnalités d'exception. 1. WOODROW WILSON, le 8 janvier 1918 Les quatorze points 2. PIERRE DE COUBERTIN, le 28 mai 1925 Testament sportif 3. ARISTIDE BRIAND, le 27 août 1928 La renonciation à la guerre HAILE SELASSIE I, le 30 juin 1936 Appel à la Société des Nations 5. JEAN XXIII, le 11 octobre 1962 Ouverture du concile Vatican Il 6. MARTIN LUTHER KING. le 28 août 1963 I have a dream 7. RENE CASSIN. le 10 décembre 1968 Discours d'acceptation du prix Nobel SALVADOR ALLENDE, le 1l septembre 1973 Mon sacrifice ne sera pas vain 9. ANOUAR EL-SADATE le 20 novembre 1977Discours devant la Knesset 10. NELSON MANDELA. le 10 mai 1994 Déclaration d'investiture 11. YITZHAK RABIN. le 4 novembre 1995 Le peuple israélien aspire à la paix

Venise, Vues dessinées est une?invitation à découvrir la Sérénissime à travers?une suite de 64 dessins inspirés des védutistes des?XVIIIe et XIXe siècles. Planches panoramiques des merveilles?architecturales de la Cité des Doges, intérieurs ancestraux foisonnants?de détails, cadrages insolites dans les ruelles... Vincent Brunot nous entraîne?à sa suite dans une promenade à la fois poétique et documentaire dans les divers quartiers de cette ville unique, si riche d'histoires et de rêves, mais à la fois si fragile... /Views of Venice is an invitation to discover "La Serenissima" through a set of 64 drawings inspired by the vedutisti of the 18th and 19th centuries. Panoramas of the architectural wonders that proliferate across the city of the Doges, ancestral interiors rich in detail, original compositions in the alleyways... Vincent Brunot gives us a guided tour, both poetic and descriptive, around the di erent parts of this unique city, rich in history and reverie, but also sensitive and threatened./ " Quand je commence à dessiner, le temps se ge et, au l des heures, l'animation des lieux berce mon travail, mais c'est une Venise intemporelle?qui apparaît sur la feuille : celle de Guardi et de Canaletto, avec ses perspectives inchangées depuis des siècles, ou celle des premières photographies qui, avec leur long temps de pose, ne retenaient ni les passants ni les touristes... " Vincent Brunot/ "While drawing, I'm oblivious to time. Ambient?life ows through my work. But with Venice, what appears on the paper is timelessness. This is the Venice of Guardi and Canaletto, with perspectives that have remained unchanged down the centuries. It's also that of the rst photographs, which, with their long exposure time, captured neither passers- by nor tourists..." Vincent Brunot

THE WOMAN WHO KNEW TOO MUCH tells the engaging life story of the epidemiologist whose discoveries about radiation risk have revolutionized medical practice and challenged international nuclear safety standards. For more than forty years, Dr. Alice Stewart has warned that tow-dose radiation is far more dangerous than has been acknowledged. Although an outstanding scientist with more than 400 peer-reviewed papers to her name, her controversial work has only recently begun to receive significant attention, because it lies at the center of a political storm. In the 1950s when doctors would routinely x-ray pregnant women, she began research at Oxford that led to the discovery that fetal x-rays doubted a child's risk of developing cancer. When she was in her seventies, she again astounded the scientific world by showing that the U.S. nuclear weapons industry was far more dangerous than commonly believed, a finding that embroiled her in an international controversy over radiation risk. In recent years, she has become one of a handful of independent scientists whose work is a lodestone to the antinuclear movement. In 1990, the New York Times called her "perhaps the Energy Department's most influential and feared scientific critic." The Woman Who Knew Too Much traces Dr. Stewart's life and career from her early childhood in Sheffield and medical education at Cambridge to her research positions at Oxford and the University of Birmingham, where she still maintains an office. The book joins a growing number of biographies of pioneering women scientists such as Barbara McClintock, Rosalind Franklin, and Lise Meitner and will find a wide range of appreciative readers, including those interested in the history of science and technology and of the history of women in science and medicine. Activists and policymakers will also find the story of Alice Stewart compelling reading.

Quelques mots singuliers entendus enfant dans la conversation ses grands, quelques cartes figurant les monuments d'une cité mythique, un livre qui tombe d'un rebord de table et s'ouvre à la page du 2 mai 1950, une villa blanche qui vous rappelle l'Afrique, et un vieux poste de radio, et revoilà la légende du Rosebud, le souvenir qui imprègne le présent et dont le parfum ne se dissipe jamais, et qui aide, transforme l'avenir en un jardin vivable, comme Bogart trouve la force de quitter Ingrid Bergman en lui disant, pendant que l'avion mouline du brouillard sur la piste, We'll always have Paris. " Et c'est ainsi, dans Casablanca, que les deux amants réussissent à continuer à vivre, à se séparer s'il le faut et à suivre chacun son propre chemin, en se souvenant de leur idylle dans le Paris d'avant l'occupation allemande. En puisant dans cette réserve de lumière. Avec ce livre entièrement dédié à un sentiment, celui du " merveilleux ", à sa naissance et son cours à travers la vie d'un homme - la sienne - l'auteur nous invite à le suivre dans son propre puits de lumière. Nous aurons toujours Paris est conçu sous forme de boucle, et c'est dans le perpétuel aller-retour entre les rêveries de l'enfant, ses projections et leur prolongeaient à l'âge adulte, dans leur décalage, souvent, que se glisse le merveilleux, que se construisent la vie et l'œuvre, avec leurs impasses, fausses pistes, déceptions et surprises. Il n'est donc pas, ou très peu, question de Paris dans ces pages. Mais plutôt de pérégrinations et de rencontres : du Japon à l'Afrique, et de julien Gracq à Ismail Kadaré ou Albert Cossery, quand ce n'est pas l'ombre du toujours énigmatique B. Traven.

En 1945, l'artiste français Jean Dubuffet invente l'oxymore "Art Brut" pour désigner les oeuvres réalisées par des autodidactes en marge du circuit officiel. Ayant réuni ces travaux sous forme de collection, il fera don de cet ensemble en 1971 à la Ville de Lausanne, qui inaugure la Collection de l'Art Brut en février 1976. Cet ouvrage, publié à l'occasion des quarante ans du musée, revient sur la naissance de l'institution lausannoise et sur les moments clés qui ont jalonné son développement. Il met également en lumière la première manifestation hors les murs de la Compagnie de l'Art Brut, intitulée "L'Art Brut" et présentée en 1949 à la galerie René Drouin, à Paris. Revisiter cet événement permet d'en mesurer l'audace et toute la portée critique pour l'époque. - In 1945, the French artist Jean Dubuffet coined the oxymoron "Art Brut" to designate works made by autodidacts on the margins of official art circles. Dubuffet went on to form a collection of such works, which in 1971 he donated in its entirety to the City of Lausanne, where the Collection de l'Art Brut opened in February 1976. Published for the fortieth anniversary of the museum's inauguration, the present volume retraces the birth of the Lausanne institution and addresses the key moments that have marked its development. It casts new light on the first event of its kind to be held outside the walls of the Compagnie de l'Art Brut, entitled L'Art Brut and presented in 1949 at the Galerie René Drouin in Paris. Revisiting this event afresh is a perfect opportunity for assessing the critical impact of an exhibition that broke new ground at the time.

Souvent présenté comme une activité archaïque, l'extractivisme, c'est-à-dire l'exploitation de produits forestiers à des fins commerciales, pourrait n'être que le témoignage de l'un des divers cycles économiques que le Brésil a vécus. Mais les mouvements des collecteurs de latex d'hévéa, aux revendications relayées par diverses institutions, et une opinion publique sensibilisée aux problèmes écologiques l'ont propulsé au centre des débats sur la gestion des écosystèmes forestiers. La question de sa place dans le développement régional est posée. Mais que sait-on de sa viabilité écologique ? Comment peut-il s'adapter aux changements écologiques et sociaux qui affectent aujourd'hui l'Amazonie ? Dans un contexte mondial de mise en culture de nombreuses espèces, de fabrication massive de produits de synthèse, pourquoi un tel intérêt autour de cette activité ? Comment l'extractivisme peut-il participer à de nouvelles formes de gestion de la forêt associant conservation et mise en valeur ? Often presented as an archaic activity, extractivism, that is to say the exploitation of the forest products for commercial purposes, might be merely a feature of one of the various economic cycles that Brazil has experienced. However, movements of rubber tree latex collectors, with claims relayed by various institutions, and public opinion aware of ecological problems, have made it a central element of discussions concerning the management of forest ecosystems. The question of its position in regional development is raised. But what is known about its ecological viability? How can it adapt to the ecological and social changes that currently affect Amazonia? Why is so much interest shown in this activity in a global context in which numerous species are cultivated and massive quantities of synthetic products are manufactured? How can extractivism form part of new types of forest management combining conservation and development?

Sous la direction de Jérémie Kroubo Dagnini, vingt intellectuels de haute facture, parmi lesquels Christian Béthune (Université Jean Monnet), Eric Doumerc (Université de Toulouse 2), Steve Gadet (Université des Antilles), Stéphanie Melyon-Reinette (Université des Antilles), Christine Dualé (Université de Toulouse 1), Marco Robinson (Rust College, Mississippi), mais aussi le conteur franco-camerounais André Ze Jam Afane et le chanteur réunionnais Danyel Waro, rendent un vif hommage aux musiques noires, recensées désormais au patrimoine musical mondial. Dans le cadre d'une approche pluridisciplinaire faisant appel autant aux réflexes d'historien que de sociologue, d'anthropologue, d'ethnologue, de musicologue, de spécialiste des études postcoloniales, de caraïbéaniste ou tout simplement d'artiste, ces penseurs ont décidé d'oeuvrer en commun pour répondre à de nombreuses interrogations sur le sujet : dans quel(s) contexte(s) se sont développées ces musiques ? Quel est leur but ? Quelles pratiques comportementales (rituelles, vestimentaires, corporelles, sexuelles) les accompagnent ? Quels messages (politique, social, idéologique) se diffusent par leur biais ? Quelle a été la réaction des pouvoirs publics face à celles-ci ? En quoi s'inscrivent-elles dans une culture de résistance ? Résistance contre qui ou quoi ? En quoi jouent-elles un rôle de contre-pouvoir ? Une liste qui n'est évidemment pas exhaustive. Le tout en gardant à l'esprit les notions de "production", de "réception", de "circulation" et d"hybridation", et en prenant ces manifestations culturelles noires comme objets d'analyse dans un monde qui change. Et pour le plaisir des mélomanes, le blues, le jazz, le bebop, la soul, le maloya, la dub poetry, le dancehall, le reggaeton, le zouk, le gwoka, le rap, le krumping et les musiques afro-brésiliennes sont à l'honneur dans cette collection d'essais inédits. Un véritable " must have " pour tous les passionnés de musiques noires.

La mythologie viking sous la plume de Gaiman. Un must have collector ! Nourri des légendes nordiques, Neil Gaiman s'approprie la grande saga des dieux scandinaves qui lui ont inspiré son chef d'oeuvre American Gods. De la genèse des neuf mondes au crépuscule des dieux et l'ère des hommes, il redonne vie à : Odin, le plus puissant des Dieux ; Thor, son fils tumultueux ; Loki, fils de géant et frère d'Odin, escroc et manipulateur inégalable... Voici les aventures de ces divinités mythiques. Les trésors des dieux - Loki a fait une mauvaise farce : il a scalpé Sif, la femme de Thor. Celui-ci le menace de destruction s'il ne trouve pas un moyen de remplacer sa chevelure. Loki se rend alors chez les nains et organise une compétition entre deux clans. Chacun devra forger trois cadeaux pour les dieux. Mais les frères Brokk et Eitri challengent Loki : s'ils gagnent la compétition, ils veulent sa tête. Loki fera tout son possible pour les faire échouer mais en vain : les deux frères sont ceux qui ont forgé Mjollnir, le fameux marteau de Thor. Les enfants de Loki - Présentation des enfants normaux et monstrueux de Loki, et récit de l'enfermement de ces derniers : Fenrir le loup géant, Jormungundr le serpent et Hel. Le mariage inhabituel de Freya - Un géant a volé le marteau de Thor, et pour le rendre, il veut que Freya devienne sa femme, qui évidemment refuse. Thor se déguise donc en femme pour récupérer son marteau. Les pommes d'immortalité - Loki accepte la demande d'un aigle : lui apporter la déesse Idunn et ses pommes d'immortalité. Seules ses pommes permettent aux dieux de conserver leur jeunesse. Mais à quel prix ? Et la dernière nouvelle : Ragnarok : la destinée finale des dieux

Stéphane Lovighi-Bourgogne et Stéphane Ménétrier se sont rencontrés en 1996, à Barjols, dans l'arrière-pays varois. Stéphane Ménétrier qui avait promené ses objectifs par-delà les frontières fut tout de suite subjugué par les toiles, pleines de mondes, d'un jeune Lovighi. A cette époque, un premier recueil, tiré à compte d'auteur, mêlant les dessins de l'un et les photos de l'autre, voit le jour ; comme une trace nécessaire pour sceller cette amitié devenue inévitable. Quelques années après, Stéphane Lovighi-Bourgogne installe son atelier à Cotignac, et commence, dès lors, ces rendez-vous plus réguliers entre ces deux Stéphane, où quand l'un, photographie, l'autre, dessine sa peinture. Deux regards croisés - l'un sur l'autre - pour deux voyages créatifs mais qui, au fond, racontent une seule et même aventure : celle d'une mâle tendresse, toute contenue, entre ces deux écorchés qui se sont bien trouvés. Stéphane Lovighi-Bourgogne and Stéphane Ménétrier met in 1996 in Barjols, in the Var countryside. Stéphane Ménétrier, who had travelled far and wide with his camera, was immediately captivated by the paintings, filled with different worlds, of a young Lovighi. It was at this time that a first self-published collection combining the drawings of one and the photographs of the other was created, like a necessary trace sealing a friendship that had become inevitable. A few years later, Stéphane Lovighi-Bourgogne set up his studio in Cotignac and from then on, more regular meetings between the two Stéphanes began, where one photographed and the other drew his paintings. Two perspectives - one on the other - for two creative journeys, but which, in the end, tell one and the same adventure : that of a masculine tenderness, all reined in, between these two hypersensitive souls who have chosen each other.

Une fleur de lotus sortant de l'eau pure, / Naturelle, dépourvue de toute décoration, telle devrait être la poésie selon Li Bai. Il vécut au VIIIe siècle et demeure la figure la plus marquante de l'époque Tang, considérée comme l'âge d'or de la poésie chinoise. Mais il y a trois mille ans que les Chinois sont poètes et que leur poésie est en quête d'harmonie. Qu'elle dit le monde tel qu'il est : Affaires humaines, changeants nuages, Pourquoi ? (Gao Qi, XIVe s.). Rêve à ce qu'il pourrait être : Les fleurs de pêcher sur l'eau s'éloignent ; Il est un autre monde, pas celui des humains (Li Bai). Aspire à l'union avec la nature : Je crains de vieillir plus vite si les fleurs sont fanées (Du Fu, VIIIe s.). Dénonce ce qui détruit les êtres de l'intérieur : Pleurs jamais taris, Souillures jamais lavées, Ardeur jamais consumée, Honte jamais épurée, Cette vie incertaine, évanescente, Où trouvera-t-elle enfin son havre de paix ? (Guo Moruo, 1892-1978.) Se laisse hanter par l'Histoire : Les lianes sauvages, mues par on ne sait quel amour, étreignent les os blanchis par la guerre (Yuan Haowen, XIIIe s.). Fixe pour l'éternité les moments fugitifs des amours heureuses : Défense au soleil de relever les stores de tes yeux, Défense à la brise de brosser tes sourcils, Personne ne doit te réveiller, Ouvrons l'ombre d'un pin pour couvrir ton sommeil (Wen Yiduo, 1899-1946). Et rivalise avec les autres arts, peinture ou calligraphie : Le vent remue l'écume : mille pétales de fleurs ; Les oies touchent le ciel : une rangée de caractères (Bai Juyi, VIII-IXe s). Reproduire trois mille ans de poésie en deux fois moins de pages, il ne faut pas y songer. Mais le choix des plus beaux textes, jades entre les cailloux, est en Chine une pratique aussi ancienne que la poésie même ; la première anthologie, le Shijing, aurait été compilée par Confucius au Ve siècle avant notre ère. Dans un temps où la Chine se fait moins remarquer par l'éclat de sa littérature que par ses exploits économiques, la Pléiade propose, en quelque 1850 poèmes dus à plus de 400 auteurs, une traversée de l'océan poétique qu'elle a produit. Il fallait faire des choix représentatifs : on s'y est efforcé, sans suivre aveuglément les anthologies chinoises. Car il convenait aussi de choisir des textes qui soient parlants pour (et puissent être dits par) le lecteur francophone. La musique des mots, les rythmes, les couleurs, les images doivent résonner dans notre langue pour que quelque chose de l'imaginaire de l'auteur nous soit transmis. Les traducteurs qui ont tenté l'aventure l'ont fait avec leurs goûts, leur talent, leur amour des textes, et l'idée que se fait chacun d'eux de la Chine et de sa littérature. Dans le paysage qu'à eux tous ils ont redessiné, chacun tracera sa propre route.

A l'ombre de Collserola, sous le mont Sant Pere Màrtir et à deux pas de l'ancienne ville de Sarrià se détache l'imposante silhouette du monastère Santa Maria de Pedralbes, l'un des plus beaux exemples d'art gothique catalan. C'est un havre de paix au milieu de l'effervescence d'une ville comme Barcelone. Il nous transporte dans le passé. Ce monastère a été érigé en 1327 par une reine, Elisenda de Montcada, dernière épouse du roi Jacques II le Juste, à l'intention d'une communauté de femmes qui consacraient leur vie sur terre à la prière, conformément à la règle des clarisses, soeurs spirituelles des Franciscains. Les liens qui unissaient le monastère à la ville de Barcelone et à la couronne lui ont permis de perdurer dans le temps, de sa fondation à nos jours, resté presque inchangé pour ce qui est de ses murs et des biens meubles que la communauté a précieusement conservés au fil des siècles. Malgré la disparition d'une partie de son trésor artistique, le monastère de Pedralbes reste un exemple rare de permanence et de témoignage d'une communauté religieuse féminine à un même emplacement depuis des centaines d'années jusqu'à aujourd'hui. En 1972, dans la continuité d'un pacte très ancien conclu entre la reine fondatrice et les représentants de l'ancien Conseil des Cent de la Ville de Barcelone, la communauté de clarisses se tournait vers la mairie barcelonaise en vue de signer un accord selon lequel la municipalité convenait de construire un nouveau couvent destinée à la communauté, en échange de quoi le bâtiment historique serait ouvert au grand public en tant que musée. C'est ainsi que, depuis 1983, le monastère de Pedralbes dévoile son magnifique intérieur, dont l'un des cloîtres gothiques les plus grands du monde dans son style, et toutes les salles où se déroulait la vie de la communauté, qu'elles aient été consacrées au culte ou aux tâches quotidiennes, ainsi que les diverses collections d'objets qui sont l'expression tangible du vécu de cette communauté. Ces dernières années, le musée du monastère s'est adapté et a relevé les défis posés par une société diverse et plurielle. Ainsi, le musée ne se présente plus uniquement comme un espace où salles et objets d'un passé historique sont conservés et montrés, mais comme un lieu ouvert à tous, où les témoignages de ce passé nous interpellent. Les visiteurs ne se contentent plus d'observer, mais sont invités à aborder tous les aspects qui expliquent la vie de la communauté au fil du temps, en dialogue avec le monde extérieur, mais aussi en lien total avec notre présent. Patrimoine, Femmes et Spiritualité ont défini historiquement l'essence de ce monastère et constituent la base du récit et de la programmation que propose aujourd'hui le musée du monastère de Pedralbes.

Le droit a toujours tenté d'appréhender et de résoudre les conflits qui peuvent naître du déplacement géographique des individus comme des choses. Si un certain nombre de solutions semblaient acquises en droit, force est de constater que les raisons tout comme les modes de la mobilité spatiale ont pu muter et se diversifier. La mobilité est assurément liée aux circonstances d'ordre économique, social, personnel, familial, environnemental, culturel, politique et philosophique qui forment la conjoncture de notre société à un instant ou à une époque déterminée. Or, le droit qui a pour objectif général de réglementer la vie des femmes et des hommes en société, ne peut nier les nouveaux enjeux de la mobilité, en tant que motifs de son intervention et de son évolution. Il apparaît nécessaire aujourd'hui de s'interroger sur l'opportunité et la pertinence d'apporter de nouvelles réponses aux questions juridiques posées par ces déplacements tant a l'Intérieur de nos frontières qu'à l'extérieur. Pour ce faire, l'étude préliminaire de la loi n° 2019-1428 du 24 décembre 2019 d'orientation des mobilités révèle le contexte politique dans lequel s'inscrit le fait individuel et social de mobilité des personnes, des biens et des services. Le cadrage qui en résulte oriente autant les politiques de la mobilité que les solutions de mobilité en fonction, avant tout, des enjeux environnementaux importants. L'environnement figure comme un premier enjeu à la fois global et central de la mobilité, révélant des objectifs tels que la décarbonation et la préservation de l'état de nature de sites, sources d'interrogations en termes de liberté de circulation et de responsabilité (Première partie). L'économie fait partie intégrante des réflexions liées aux enjeux de la mobilité, puisque bien qu'animée par un être conscient y greffant des motivations variées, la mobilité prend également place dans l'organisation et la vie des personnes. Elle caractérise les échanges, les services et s'adapte, avec des moyens associés, aux nouvelles perspectives que d'aucuns leur accolent (Deuxième partie). La protection des individus, notamment lorsqu'ils sont vulnérables, par l'effet d'un état passager ou durable (handicap, âge...) ou d'une situation considérée comme défavorable, essentiellement dans l'hypothèse ici de la conclusion d'un contrat de travail ou de consommation, représente un enjeu aussi fondamental lié au fait d'être et de demeurer mobile, sans subir de contraintes, de pressions, d'atteintes ou d'abus (Troisième partie). La famille, enfin, en tant que groupe structurant l'identité des personnes et cristallisant la plupart de leurs aspirations, connaît une mobilité qui lui est singulière parce qu'en conduit les individus à faire siens des mobiles qui les amènent à se déplacer, notamment à l'étranger pour y rechercher l'effet de droit satisfaisant (Quatrième partie), Actes du colloque des 5 et 6 novembre 2019 organisé à Rouen et au Havre par le CUREJ et le CERMUD.

Abri pour la nuit, havre de réconfort et de convivialité, les refuges alpins sont des lieux emblématiques de la moyenne et haute montagne. Des repères pour les alpinistes chevronnés comme pour les randonneurs d'un jour. Ce numéro accompagne l'exposition "Refuges alpins. De l'abri de fortune au tourisme d'altitude" que le public est invité à découvrir au Musée dauphinois à Grenoble du 4 juin 2020 au 21 juin 2021. Trouver un lieu où passer la nuit en sécurité, telle est la première fonction du refuge, celle-là même des hospices implantés sur les grands cols qui accueillaient les voyageurs au Moyen Age et les dérobaient au froid, à la neige et à la peur de la mort. Avec la naissance de l'alpinisme et la création des clubs alpins, l'arc alpin se couvre peu à peu de refuges de toutes tailles et de toutes sortes (cabanes non gardées, refuges " gardiennés ", " hôtels " d'altitude, etc.). Ces dernières années, nouveau bouleversement, les refuges se métamorphosent ici en ateliers culturels, là en observatoires du changement climatique, ailleurs en lieux touristiques, devenant même le but de certaines randonnées (et non plus seulement une étape). Ce sont toutes ces mutations que ce numéro de L'Alpe va examiner à la loupe. AU SOMMAIRE DE CE NUMERO DE PRINTEMPS : - De l'abri au tourisme Dans son exposition, le Musée dauphinois se penche sur l'histoire des refuges, réfléchit à leurs usages et à l'imaginaire qu'ils véhiculent. - Système débrouille Les cabanes de bergers, prisées aujourd'hui, n'ont longtemps été qu'un abri spartiate. - Un laboratoire architectural Depuis la fin du XVIIIe siècle, combien de structures ont été expérimentées pour abriter alpinistes et randonneurs ? - Des modèles de durabilité ? Comment construire un abri dans les conditions extrêmes de la haute montagne avec le moins d'impact sur l'environnement ? - (Ré)inventer l'inventaire ? L'Inventaire du patrimoine a lancé une campagne photographique atypique sur les refuges des Alpes françaises. - Un p'tit coin d'paradis Formidable, cet (autre) inventaire sur les... toilettes en montagne (! ) entrepris par le photographe suisse Marco Volken. - Chroniques des hauteurs Les livres d'or des refuges sont une source précieuse pour suivre l'évolution des pratiques. - Le casse-tête du casse-croûte Le refuge du col de la Vanoise accueille une centaine de visiteurs par jour. Une foule incertaine qu'il faut nourrir. - Gardienne du Temple (Ecrins) Marie Gardent est gardienne. Elle évoque son quotidien là-haut... - Portfolio : Uli Wiesmeier Quarante ans de photographie. Un regard respectueux et corrosif, lumineux et sombre. - La nouvelle vie des refuges Buts de randonnées, pôles culturels, échappatoires pour urbains en mal d'authenticité ou écoles de la montagne : quelles seront les fonctions des refuges demain ? - Brèves de refuges Guide, Claude Gardien a fréquenté les bat-flanc de centaines de refuges et y a glané des petites tranches de vie.

"On trouvera dans ces pages à la fois des textes autrefois connus de toute personne ayant accompli des études secondaires (Heureux qui comme Ulysse... ou Comme on voit sur la branche...), d'autres qui n'ont été découverts qu'assez récemment (Sonnets de La Ceppède, Papillon, Mage, Sponde ou Vermeil), d'autres enfin dont on peut raisonnablement penser qu'ils n'ont eu pratiquement aucun lecteur depuis le moment de leur publication (les Sonnets jetés en avant-propos de Flammermont) ou de leur copie manuscrite (le Brouillas de quelques miens vers de Louis de Gallaup de Chasteuil). La supériorité des premiers sur les seconds et les derniers, encore implicitement admise aujourd'hui par l'école ou l'université, ne m'apparaît plus aussi évidente. Cette anthologie s'inscrit donc dans un mouvement, assez général quoique lent, de réévaluation critique de la poésie du passé. Le titre que j'ai choisi est emprunté à un vers de Guy Le Fèvre de La Boderie. Le Soleil du soleil est la divinité. Placer cette longue suite de sonnets sous ce titre implique un jugement esthétique global sur la première tradition du sonnet français : que sa contribution la plus originale et la plus accomplie à l'histoire de la forme (considérée comme forme poétique majeure) ne se situe pas dans la ligne de la poésie amoureuse d'origine plus ou moins directement pétrarquiste (même si les sonnets de L'Olive de Du Bellay, de L'Amoureux Repos de Des Autelz, de l'Hécatombe à Diane, de d'Aubigné, ceux de Jodelle, du capitaine Lasphrise ou d'Abraham de Vermeil n'ont pas à souffrir d'une comparaison avec leurs équivalents italiens, anglais, espagnols, néerlandais ou allemands) mais dans celle d'une inspiration religieuse (qu'elle soit catholique ou protestante), et singulièrement dans ce qu'on a désigné sous le nom de poésie de la méditation, représentée ici par Mage, Sponde ou La Ceppède mais aussi par La Boderie, Marin Le Saulx, Pierre Poupo, le président Favre, Nicolas Le Digne, Pierre de Croix, César de Nostredame, Flammermont ou Chasteuil (pour ne citer que les oeuvres les plus marquantes)". Jacques Roubaud.

Le jeu, toujours recommencé, est donc infini. Assemblages, recouvrements, juxtapositions. Bleus, rouges, jaunes. Lignes, surfaces, figures. Une exposition de Georges Troubat est toujours une expérience singulière : comme un musicien avec un ensemble limité de notes, l'artiste multiplie les variations, les improvisions, offrant l'étonnante impression d'un ruissellement permanent. Cet homme a toujours été très actif dans sa vie ; rien n'est définitif, le courant nous emporte et il nous faut nager avec lui. L'acte créatif n'existe que répété puisqu'il est lié à la marche, aux mouvements du temps, aux passages des saisons, aux rythmes du monde. La peinture de Georges Troubat est vivante, au sens plein : elle régie son pas sur les impulsions du vivant. Son animation procède de la vie elle-même, à laquelle elle retourne comme un acquiescement permanent. Cet homme que l'on croit pressé est un nageur ébloui, et sa peinture témoigne pour un monde qui ne serait qu'éblouissement. The game that is started over and over, is then infinite. Assemblages, collections, juxtapositions. Blus, reds, yellows. Lines, textures, shapes. An exhibition of Georges Troubat is always a peculiar experience : just like a musician with a few limited notes, the artist multiplies the variations, improvisations, offering the astonishing feeling of an on-going flow. This man was always very active in his life, but nothing lasts forever, the flow takes us with it and we have to swim with it. The creative act only exists by repetition as it's tied to the pace, to the mouvements of time, to the passing seasons, to the world's rhythms. George Troubat's painting is alive, taking on the whole meaning of the word : it regulates its pace on the impulsion of the living. Its animation begins from life itself, to whom it goes back to, like a perpetual approbation. This man, who we think in a hurry, is a dazzling swimmer and his painting attests for a world which would only be dazzling.

Le Global Award for Sustainable Architecture, fondé en 2006, distingue chaque année cinq architectes qui partagent les principes du développement durable et d'une approche participative de l'architecture aux besoins des sociétés, au nord comme au sud de la planète. L'édition 2022 avait pour thème : "Le territoire : menace ou opportunité ? " A cette question cruciale, les lauréats choisis par le jury scientifique ont répondu à l'unisson : "La plus grande opportunité ! " Martin Rauch (Autriche), pionnier de la construction en terre, déclare le territoire comme sa première ressource. Dorte Mandrup (Danemark), Ömer Selkuc Baz et Okan Bal (Turquie) se nourrissent de l'Histoire et des histoires qui ont modelé les territoires sur lesquels ils travaillent. Anupama Kundoo (Inde) travaille avec le territoire, mais surtout avec ses habitants, leur savoir-faire et la force de leurs rêves. Le paysagiste Gilles Clément (France) transforme poétiquement chaque territoire, avec un minimum de gestes, en faisant confiance au vivant. Every year, the Global Award for Sustainable Architecture, which was founded in 2006, honours five architects who share the principles of sustainable development and a participative architectural approach to the needs of the societies of both the Global North and the Global South. The subject of the 2022 edition was "The territory : threat or opportunity ? " - a vital question that the award winners selected by the scientific jury responded to in unison with the answer : "The greatest possible opportunity ! " Martin Rauch (Austria), a pioneer of clay building, declares that territory is his primary resource. Dorte Mandrup (Denmark), Ömer Selkuc Baz and Okan Bal (Turkey) are inspired by History and the stories which have shapes territories on which they work. Anupama Kundoo (India) works with the territory but, above all, with its inhabitants, their savoir-faire and the power of their dreams. Landscape architect Gilles Clément (France) poetically transforms each territory with a minimum of intervention and by trusting in the living.

Les graffeurs new-yorkais qui se sont fait les dents en peignant des trains dans les années 70 et 80 ont transposé l'art de la rue Old Skool sur un support plus permanent et plus facile à collectionner dans ce livre, en utilisant des cartes de transport en commun, plutôt que des wagons de métro, comme toiles. GHOST, T-KID, QUIK, REVOLT, BLADE, SHAME125, COPE2, SKEME et d'autres ont décoré des cartes MTA ordinaires de 23 32 pouces avec leurs propres tags et graphismes, rappelant l'apogée du graffiti dans les trains new-yorkais. Seize sections, une pour chaque auteur, présentent un total de plus de 100 cartes, ainsi que de brèves déclarations sur l'évolution artistique et le style des peintres. Tel un "piece book" dynamique ou un carnet de croquis, cette collection est un échantillon exclusif des traits et tags caractéristiques des peintres sous forme portable. En fait, de nombreux artistes présentés ici ont utilisé l'art des cartes de métro comme tremplin pour passer du genre éphémère du marquage des trains à la plate-forme plus solide du circuit international des galeries d'art. New York graffiti writers who cut their teeth painting trains in the '70s and '80s transfer Old Skool street art to a more permanent, collectible medium in this book, using transit maps, instead of subway cars, as canvases. GHOST, T-KID, QUIK, REVOLT, BLADE, SHAME125, COPE2, SKEME, and others decorated ordinary 23" 32" MTA maps with their personal tags and graphics -echoing the heyday of New York train graffiti. Sixteen sections, one for each writer, feature a total of more than 100 maps, as well as brief statements about the painters artistic evolution and style. Like a dynamic "piece book, " or sketchbook, this collection is an exclusive sampling of the painters signature strokes and tags in portable form. In fact, many of the artists featured here have used subway-map art as a springboard from the fleeting genre of train-tagging to the sturdier platform of the international art gallery circuit.