Cemetery Beach

La musique de chambre bénéficie dans notre pays, depuis plusieurs années, d'un regain d'intérêt de la part d'un public aussi exigeant qu'attentif, et qui correspond sans doute à une pratique musicale plus intime, plus "secrète" que celle des grandes salles de concert ou d'opéra. N'est-ce point là le signe d'un affinement du goût, ainsi que d'une volonté d'initiation aux arcanes de la musique ? Ce Guide de la musique de chambre, conçu dans le même esprit et selon la même présentation que les précédents Guide de la musique symphonique et Guide de la musique de piano et de clavecin, aborde à son tour un vaste répertoire avec l'intention d'accompagner efficacement, par les informations essentielles qu'il apporte, l'écoute - et peut-être la pratique active - des oeuvres du genre. "Genre" dont les frontières, au demeurant, ne se tracent pas sans peine : on observera que, s'il regroupe l'ensemble des oeuvres écrites pour un petit nombre d'instruments (de deux à dix, en principe), il exclut certes toute la musique de piano, mais non celle pour le violon ou le violoncelle seul, par exemple. Quelque cent soixante-quinze compositeurs sont alphabétiquement représentés dans ce volume, avec une très grande variété d'analyses (ou de commentaires plus succincts) qu'enrichissent des précisions sur les formes et les "styles", les circonstances de composition, les dates et lieux de création, les durées moyennes d'exécution. Les oeuvres du répertoire de base sont toutes présentes, - avec l'intégralité des musiques de chambre des grands "classiques" (de Jean-Sébastien Bach à Pierre Boulez); mais d'autres moins connues sont offertes à la curiosité du lecteur-auditeur, - qui ressortissent à des "écoles" ou sphères d'influence nationales encore mal explorées (slaves, scandinaves, anglaises, américaines, etc.). Ainsi ce nouveau Guide, qui s'est aussi donné pour but d'éviter toute technicité ardue par l'emploi d'un vocabulaire accessible au plus grand nombre, devrait-il devenir l'inséparable compagnon de tout "chambriste" et, plus généralement, de tout véritable mélomane.

John Quelques-uns des livres que j'ai écrits portent sur la peinture et les artistes. Ces ouvrages doivent beaucoup à certains philosophes et historiens de l'art - à Wölfflin, Antal, Max Raphael, Klingender, Ortega y Gasset, Hauser, Berenson, Friedländer, Walter Benjamin et d'autres. Or je ne suis pas historien de l'art. Je suis trop impatient pour cela, je vis trop dans le présent. Quand je veux me rapprocher d'oeuvres d'art du passé, j'en fais des croquis. (Comme j'ai fait des croquis à partir des peintures de Titien.) Il s'agit cependant d'une approche gestuelle, non pas historique. En dessinant, on essaie de toucher, ne serait-ce qu'un instant - comme des enfants qui jouent au loup -, la vision du maître. Katya Une rivière peinte par Courbet, pour peu qu'elle contienne quelque chose de mon expérience de l'écoulement ou de l'humidité, vivait plus intensément et plus éternellement que je ne pourrais jamais le faire. Elle me dépassait ; et m'aspirait dans l'universel. Un prélude de Bach, s'il empruntait les mêmes sentiers qu'avait pu suivre l'une de mes rêveries, surpassait celle-ci en solidité et en relief - et lui faisait la grâce de lui prêter ces qualités après coup. [... ] Et je me suis mise à traquer tout autour de moi les promesses de cette consistance magique, à la fois permanente et éphémère, inimitable et universelle, toujours à l'affût de cette solidité soudaine, de cette brutale incarnation qu'on appelle le sens. [... ] Quand je suis allée visiter l'exposition Titien à Venise en 1990, j'ai imaginé le peintre venir en personne à ma rencontre, et je me suis vue étalée avec le pigment sur une portion de toile. J'ai voulu faire dériver de cette rencontre un dialogue avec John : lui qui m'avait soufflé comment la vie accueille l'art, lui qui savait avec moi que tout nous échappe encore.

L'histoire du sport est faite de records, de stars, de médailles et de paillettes. C'est à sa face cachée que convie cette Histoire secrète du sport, celle des vestiaires, des coulisses, des ficelles qui actionnent les champions et leurs exploits. Les vaincus, les tricheurs et autres parias, sans qui le sport n'aurait pas toute sa saveur, sont ici enfin remis en lumière. Le sport célèbre les vainqueurs, leur sourire et leurs larmes, leurs performances et leur fortune. On en oublie le plus souvent les vaincus, les tricheurs et les hommes de l'ombre qui fabriquent le sport business : agents, dirigeants, entraîneurs, entrepreneurs, financiers, journalistes, bookmakers, dealers. Derrière les Mohamed Ali, les Eddy Merckx, les Pelé et autres Federer, cet ouvrage parcourt deux siècles d'histoire au contact de ces personnages occultes dont on parle peu mais qui ont eu plus d'influence que quiconque sur l'évolution de la pratique et de l'industrie sportives. Ainsi de Horst Dassler, ancien patron d'Adidas, inventeur du marketing sportif, faiseur de rois, d'argent et de champions. Son empire produisit tous les grands dirigeants du sport mondial, présidents du CIO (Juan Antonio Samaranch, Thomas Bach) ou de la FIFA (João Havelange, Sepp Blatter, tous deux déchus pour corruption). Ainsi également de ces médecins italiens qui, dès les années 1950, développèrent la science du dopage et gangrenèrent le cyclisme et bien d'autres disciplines. Ou encore d'Avery Brundage, président du CIO de 1952 à 1972, qui s'opposa ardemment au boycott des Jeux olympiques de Munich (1936) au nom de l'apolitisme du sport cher à Pierre de Coubertin, lui-même misogyne et raciste. Ce sont ces figures cachées dans les bureaux, dans les lobbies, dans les arcanes, mais aussi les oubliés, les parias, les sans-grades, les perdants sans qui le sport ne pourrait jamais célébrer les vainqueurs, que cet ouvrage fait sortir de l'ombre.

What is a family ? And how is family experienced ? These questions, explored through artists' eyes, are at the heart of the exhibition, Real Families : Stories of Change, a collaboration between the Fitzwilliam Museum and the University of Cambridge Centre for Family Research. The book provides a catalogue of the exhibition in four sections, containing twelve illuminating essays that discuss the concept of the family. Real Families : Stories of Change focuses on art produced in the past 50 years, a period of significant change in how families are created and structured, with historical works woven into the exhibition to examine what is genuinely new, and what has remained the same, about the family. The catalogue includes reproductions of paintings, photography and sculpture. In the first section, 'What is a Family ? ', artists portray new forms of family, including families formed by assisted reproduction and families with LGBTQ+ parents, as well as families affected by divorce, adoption and infertility. The works prompt viewers to consider stereotyped beliefs about what makes a family and society's prejudice against childlessness. Second, 'Family Transitions' starts with artists' representations of motherhood, followed by an examination of the positive role that fathers play. Works on siblings speak to the dynamic and intense relationships that exist between siblings, and those on grandparents and grandchildren highlight the benefit of having each other in their lives. Artists also convey their complex feelings about their ageing parents. 'Family Dynamics' explores positive and negative relationships between couples, parents and children, and extended family, with works that foreground affection and rejection, comfort and conflict, enmeshment, estrangement and not fitting in. The works also examine the wider social, cultural and political influences on family relationships. Finally, 'Family Legacies' highlights the importance to many people of a sense of connection and belonging. This section explores the transmission of family from one generation to the next through genetic inheritance, social and cultural practices, language and objects, which can forge emotional connections and give rise to family memories.

Le Global Award for Sustainable Architecture, fondé en 2006, distingue chaque année cinq architectes qui partagent les principes du développement durable et d'une approche participative de l'architecture aux besoins des sociétés, au nord comme au sud de la planète. L'édition 2022 avait pour thème : "Le territoire : menace ou opportunité ? " A cette question cruciale, les lauréats choisis par le jury scientifique ont répondu à l'unisson : "La plus grande opportunité ! " Martin Rauch (Autriche), pionnier de la construction en terre, déclare le territoire comme sa première ressource. Dorte Mandrup (Danemark), Ömer Selkuc Baz et Okan Bal (Turquie) se nourrissent de l'Histoire et des histoires qui ont modelé les territoires sur lesquels ils travaillent. Anupama Kundoo (Inde) travaille avec le territoire, mais surtout avec ses habitants, leur savoir-faire et la force de leurs rêves. Le paysagiste Gilles Clément (France) transforme poétiquement chaque territoire, avec un minimum de gestes, en faisant confiance au vivant. Every year, the Global Award for Sustainable Architecture, which was founded in 2006, honours five architects who share the principles of sustainable development and a participative architectural approach to the needs of the societies of both the Global North and the Global South. The subject of the 2022 edition was "The territory : threat or opportunity ? " - a vital question that the award winners selected by the scientific jury responded to in unison with the answer : "The greatest possible opportunity ! " Martin Rauch (Austria), a pioneer of clay building, declares that territory is his primary resource. Dorte Mandrup (Denmark), Ömer Selkuc Baz and Okan Bal (Turkey) are inspired by History and the stories which have shapes territories on which they work. Anupama Kundoo (India) works with the territory but, above all, with its inhabitants, their savoir-faire and the power of their dreams. Landscape architect Gilles Clément (France) poetically transforms each territory with a minimum of intervention and by trusting in the living.

Gustave Moreau (1826-1898) is one of the most brilliant and enigmatic artists associated with the French Symbolist movement. This book accompanies an exhibition of some of the most extraordinary works he ever made, unseen in public for over a century. Moreau's watercolours of the Fables of Jean de La Fontaine (1621-1695) were created between 1879 and 1885 for the art collector Antony Roux and their stylistic range encompasses historicism and the picturesque, orientalist fantasies and near-abstract chromatic experiments. They were exhibited to great acclaim in Paris in the 1880s and in London in 1886, where critics compared the artist to Edward Burne-Jones. One critic commented on Moreau's ' keen apprehension of the weird. ' There were originally 64 works in the series, which was subsequently acquired by Miriam Alexandrine de Rothschild (1884-1965), but nearly half were lost during the Nazi era. The surviving works have not been exhibited since 1906 and they have only ever been published in black and white. This book is the first to reproduce them in colour - many shown actual size. Created at the height of the French 19th-century revival of watercolour, the variety of subject matter and technique, their colouristic effects and the sophistication of Moreau's storytelling, will be a revelation to readers. Preparatory drawings for the Fables, including animal studies made from life in the Jardin des Plantes demonstrate the wide-ranging research that informed Moreau's visions. Prints after Moreau's Fables by Félix Bracquemond (1833-1914) translate the jewel-like colours into monochrome in some of the most innovative etchings of the age, while the most delicate effects of the watercolours were also transformed into vitreous enamels. In-depth accounts of each watercolour, explaining the story and exploring Moreau's response to it. The introduction will place the series in the long history of illustrations of La Fontaine's canonical work, whose sources include Aesop's fables and traditional European and Asian tales, as well as considering Moreau in the context of his own, turbulent, times.

Les graffeurs new-yorkais qui se sont fait les dents en peignant des trains dans les années 70 et 80 ont transposé l'art de la rue Old Skool sur un support plus permanent et plus facile à collectionner dans ce livre, en utilisant des cartes de transport en commun, plutôt que des wagons de métro, comme toiles. GHOST, T-KID, QUIK, REVOLT, BLADE, SHAME125, COPE2, SKEME et d'autres ont décoré des cartes MTA ordinaires de 23 32 pouces avec leurs propres tags et graphismes, rappelant l'apogée du graffiti dans les trains new-yorkais. Seize sections, une pour chaque auteur, présentent un total de plus de 100 cartes, ainsi que de brèves déclarations sur l'évolution artistique et le style des peintres. Tel un "piece book" dynamique ou un carnet de croquis, cette collection est un échantillon exclusif des traits et tags caractéristiques des peintres sous forme portable. En fait, de nombreux artistes présentés ici ont utilisé l'art des cartes de métro comme tremplin pour passer du genre éphémère du marquage des trains à la plate-forme plus solide du circuit international des galeries d'art. New York graffiti writers who cut their teeth painting trains in the '70s and '80s transfer Old Skool street art to a more permanent, collectible medium in this book, using transit maps, instead of subway cars, as canvases. GHOST, T-KID, QUIK, REVOLT, BLADE, SHAME125, COPE2, SKEME, and others decorated ordinary 23" 32" MTA maps with their personal tags and graphics -echoing the heyday of New York train graffiti. Sixteen sections, one for each writer, feature a total of more than 100 maps, as well as brief statements about the painters artistic evolution and style. Like a dynamic "piece book, " or sketchbook, this collection is an exclusive sampling of the painters signature strokes and tags in portable form. In fact, many of the artists featured here have used subway-map art as a springboard from the fleeting genre of train-tagging to the sturdier platform of the international art gallery circuit.

Les liens qui unissent l'histoire de la Passion à la musique occupent une place privilégiée tant au sein du christianisme que de la culture européenne. Sans doute, est-ce dû largement à quelques chefs-d'œuvre absolus : la Matthäuspassion de Bach, The Messiah de Haendel, voire le Parsifal de Wagner. Des milliers d'autres œuvres musicales (de Schütz à Penderecki, de Telemann à Tristan Murail) ont illustré et paraphrasé ainsi les images que la tradition attache à la mort de Jésus. Toute tradition religieuse attribue à l'origine la forme présente de ses croyances. La seule Passion que nous connaissions est celle, non de l'histoire, mais des textes qui reflètent, une ou deux générations après les faits, le sens retenu ou donné par les auteurs des évangiles synoptiques et leurs communautés. Ce qu'ils ont raconté s'est trouvé prolongé dans une interprétation johannique désignant de façon répétée "les Juifs" comme ennemis de Jésus. Avec Méliton de Sardes se trouve scellé le double drame, chrétien par la mort de Jésus sur la croix, juif par la malédiction attachée à l'accusation de déicide. L'exaltation du premier n'empêchera pas l'accomplissement du second avec toutes les conséquences que l'on sait. Quelle est la part de la musique dans les commémorations qu'en a faites la Semaine sainte au fil des siècles ? Treize chapitres en parcourent les différents aspects : la Passion selon les textes (I à IV), la Passion dans la liturgie (V), à la Renaissance et à l'âge baroque, catholique ou luthérienne (VI à IX), revue par Beethoven ou Wagner (X), enfin la difficile confrontation de cette tradition religieuse avec le siècle d'Auschwitz (XI). Même si la musique n'y tient pas un premier rôle, la Passion traitée comme un spectacle par le théâtre ou le cinéma avait sa place dans ce bilan car les avatars d'Oberammergau (XII) et de certains films (XIII) illustrent les difficultés de la renonciation aux enracinements séculaires.

A l'occasion du 150e anniversaire de la mort de Soren Aabye Kierkegaard (1813-1855), cette série d'études proposée par le philosophe français André Clair contribue à situer ce penseur danois dans le réseau moderne des philosophies de l'existence. Penseur singulier, mais nullement isolé, Kierkegaard y est ainsi mis en perspective avec d'autres philosophes (de Descartes à Lévinas). Si l'interrogation éthique est privilégiée, les autres aspects d'une oeuvre complexe mais unifiée sont également bien présents. De même que les précédents livres d'André Clair sur Kierkegaard, celui-ci se situe dans le contexte des débats internationaux, en insistant toujours à la fois sur l'unité de l'oeuvre et sur la singularité de chaque écrit. André Clair poursuit son entreprise philosophique de lecture de grands textes, dans le but notamment de mettre en lumière la manière dont la dimension déontologique de l'éthique doit être rapportée aux enracinements et aux traditions dans lesquels s'inscrivent les fins que poursuit un sujet éthique. -- On the 150th anniversary of the death of Soren Aabye Kierkegaard (1813-1855), this series of studies from the French philosopher André Clair helps to situate the Danish thinker in the ensemble of modern philosophies of existence. Kierkegaard's unique but not isolated thinking is placed alongside that of other philosophers (from Descartes to Lévinas). Although the author focuses on ethics, other aspects of Kierkegaard's complex but unified work are also present. Like André Clair's previous books on Kierkegaard, this volume is placed in the context of international debates, always insisting on both the unity of the whole work and the uniqueness of each part. André Clair continues his philosophical task of reading great texts with the special aim of demonstrating how the deontological dimension of ethics must be in keeping with the roots and the traditions in which the finality of an ethical subject is inscribed.

Longtemps considérée comme le domaine réservé du spécialiste, la musique baroque est l'objet depuis plusieurs années d'un engouement incroyable. Grâce au zèle déployé par de nombreux musicologues, relayés par une génération de jeunes interprètes enthousiastes familiarisés à la pratique des instruments anciens, ce vaste territoire musical, demeuré pendant près de deux siècles quasi totalement ignoré, ne cesse de révéler ses trésors, restés souvent enfouis à l'état de manuscrit dans les bibliothèques du monde entier. Une telle situation appelait un véritable outil d'exploration de cette prodigieuse période d'effervescence musicale qui s'étend de 1600 à 1750 (soit depuis la naissance de l'opéra à Florence jusqu'à la mort de Jean-Sébastien Bach), propre à satisfaire l'appétit de connaissances dans ce domaine d'un public grandissant. Comment et dans quel contexte social, historique et géographique la musique s'est pratiquée dans les pays européens (France, Italie, Europe du Nord et centrale, îles Britanniques, Pays-Bas, péninsule ibérique) et dans le Nouveau Monde ainsi que dans les grands centres musicaux de l'époque (Vienne, Berlin, Dresde, Leipzig, Londres, Versailles...) ? Quel fut l'itinéraire artistique des compositeurs, interprètes, facteurs d'instruments du moment ? Quelles formes et genres musicaux étaient alors en vigueur ? De quels instruments disposait-on ? Quels types de voix étaient sollicités ? Comment cette musique doit-elle être interprétée selon les pays d'origine ? Comment ornementer ? Pourquoi l'authenticité est-elle si ardemment recherchée et discutée de nos jours ? Articles, notices biographiques, chronologie détaillée tentent ici de manière concise de répondre à toutes ces interrogations faisant de cet ouvrage un véritable compagnon de route sur les chemins du baroque. Préface de Christopher Hogwood Julie Anne Sadie, musicologue, professeur à l'université Rochester de New York, spécialiste de la période baroque, s'est entourée d'une équipe d'universitaires anglo-saxons mondialement connus dans leur domaine, comme Michael Talbot, Nigel Rogers, David Fuller, Peter Holman et d'autres encore dont son mari, Stanley Sadie, connu pour être le directeur du New Grove Dictionary, la plus célèbre encyclopédie musicale au monde.

Dans un premier volume consacré à la musique baroque (paru en 1992), Jean-François Labie s'interrogeait sur les liens exista entre la musique et le contenu spirituel des œuvres majeures du répertoire religieux. Pratiquant une lecture théologique de musique, il mettait en évidence la façon dont les grands compositeurs de l'époque (Monteverdi, Bach, Haendel...) avaient célébré le visa du Christ. C'est une démarche semblable qu'il adopte ici, à ceci près que les temps ayant changé, les questions auxquelles se confrontent les musiciens ne sont plus du même ordre. Alors que, aux siècles précédents, les différends théologiques qui séparaient catholique et réformés se retrouvaient dans la musique, l'époque moderne apporte d'autres clivages : la marque imprimée par le christianisme sur les consciences individuelles aussi bien que sur les travaux et les jours de la société se fait moins profonde ; dans un monde qui se sécularise, la religion est amenée à jouer d'autres rôles. Jean-François Labie a choisi quelques compositeurs, étudiant leur œuvre et le message, affirmé ou diffus, qu'elle contient Beethoven et Schubert inaugurent le siècle en un double manifeste l'autonomie de l'artiste qui choisit le langage dans lequel s'exprimeront sa foi et sa prière. La pluralité des approches ainsi fondé on verra Liszt (qui va jusqu'à prendre les ordres mineurs) marque profondément l'évolution de la musique et de la religion de son temps ; un siècle plus tard, Messiaen fait œuvre de théologien. 1 Wagner s'attaque à Parsifal... Britten, en net retrait vis-à-vis d l'institution ecclésiastique, égrène dans une multitude d'œuvres des métaphores christiques aisément repérables. Une réflexion religieuse profonde se confronte inévitablement à la mort (différents traitements du Requiem sont présentés ici : Verdi e Berlioz, Fauré, Saint-Saëns et Duruflé, Brahms...) ; l'ouvrage s'achève sur l'évocation de l'Apocalypse par le compositeur contemporain.

Ce volume de "Transversales" constitue le huitième volet des travaux de spécialistes des études sur le dix-huitième siècle français et britannique. Ces chercheurs tentent de redéfinir les modes opératoires de la sociabilité pour chacune des deux nations, à partir de sources célèbres ou méconnues, et s'interrogent sur la réalité de la supériorité du modèle français de la sociabilité. Le présent volume s'intéresse tout particulièrement à la circulation de ces modèles nationaux tout au long de réseaux familiaux, amicaux, marchands, savants ou encore diplomatiques qui ont le point commun de développer des formes de sociabilité fondées sur des échanges de nature conviviale ou encore sur un partage et une transmission de savoirs. Dans une aire géographique qui s'étend désormais à toute l'Europe ainsi qu'à ses colonies, cet ouvrage met au jour des phénomènes de transferts, d'échanges, de détournements et d'hybridation à travers une série d'études qui prennent en compte non seulement la dimension transnationale de la constitution des réseaux d'échanges mais aussi les parcours individuels. This volume is the eighth in the Transversales series published by a group of researchers of different nationalities on the topic of sociability in France and Britain during the Enlightenment. The research focuses on the extent to which a new model of sociability emerged in these nations during this period, and the similarities and differences between the ways this model developed on each side of the Channel. The present volume looks at the circulation of these national models along the lines of familial, friendship, trading, scholarly or diplomatic networks which all foster forms of sociability based on convivial exchanges and the sharing and transmission of knowledge. In a geographical area that now extends across Europe and towards its colonies, this book sheds light on modes of transfer, exchange, reappropriation and hybridisation through a series of case studies that highlight not only the transnational nature of these networks, but also individual trajectories.

Ce volume de Transversales constitue le septième volet des travaux de spécialistes des études sur le dix-huitième siècle français et britannique. Ces chercheurs tentent de redéfinir les modes opératoires de la sociabilité pour chacune des deux nations, à partir de sources célèbres ou méconnues, et s'interrogent sur la réalité de la supériorité du modèle français de sociabilité. Le présent volume s'intéresse plus particulièrement à la représentation et à la réinvention des espaces de sociabilité à partir de sources diverses, correspondance, oeuvres littéraires, archives de sociétés, essais philosophiques, films. Il met en évidence les dimensions urbanistiques et transgressives de l'espace, sa dualité, en étant à la fois imaginaire et physique et s'interroge sur le rôle de l'être humain, acteur et spectateur. La représentation des espaces de sociabilité, telle qu'elle est abordée dans cet ouvrage, pose la question de l'autorité et de la négociation opérée par l'individu entre liberté et appartenance à un groupe socio-culturel lui-même indissociable d' une nation en devenir. This volume is the seventh in the Transversales series published by a group of researchers of different nationalities on the topic of sociability in France and Britain during the Enlightenment. The research focuses on the extent to which a new model of sociability emerged in these nations during this period, and the similarities and differences between the ways this model developed on each side of the Channel. The present volume examines the representation and reinvention of sociable spaces through an excavation of various sources, letters, literary works, archives of societies, philosophical essays, films. It highlights the urbanistic and transgressive aspects of space, its duality, as it is at once physical and imaginary, and it questions the role of human beings, both as actors and spectators. The representation of sociable spaces, as it is dealt with in this work, raises the issue of authority and of the negotiation enacted by the individual between freedom and the membership of a socio-cultural group that is inseparable from a nation in the making.

L'automassage est un outil de bien-être simple, tout terrain et adapté à tous. C'est LA technique manuelle à intégrer sans plus attendre dans votre vie pour faire face aux désagréments du quotidien et prévenir les désordres physiques et émotionnels. A combiner avec les bienfaits des plantes et des bains de pieds grâce à ce guide pratique illustré. L'automassage des mains et des pieds est simple, gratuit et facile à apprendre. Il peut être pratiqué n'importe où, n'importe quand, à tout âge, et ne nécessite pas de tenue particulière ou de matériel spécifique. Il comprend des techniques graduelles pour s'adapter à chacun (intensité, amplitude, précision, temps...) et ne présente pas d'effets indésirables et peu de contre-indications. Au contraire, il recèle de nombreux bienfaits pour notre santé, comme la détente, la relaxation, le soulagement des douleurs et la prévention de certaines pathologies. Dans ce manuel, vous trouverez de très nombreux exercices illustrés d'automassages des mains et des pieds pour faire face aux petits désagréments du quotidien (stress, troubles digestifs, sommeil agités, douleurs articulaires, maux de tête...) et améliorer votre santé. Pour optimiser les automassages, vous trouverez des conseils issus de la naturopathie et de la phytothérapie, avec des guides d'usage et précautions d'emploi - huiles essentielles, huiles végétales et fleurs de Bach ont la particularité d'agir aussi bien sur le corps physique, émotionnel que psychique. Vous trouverez également des recettes d'onguents, baumes et crèmes à partir de plantes médicinales, et toutes les informations sur les accessoires, balles et rouleaux, pour décupler les effets de vos automassages. Enfin, inédit, une dernière partie est consacrée aux bains de pieds (pédiluve), technique simple et naturelle qui consiste à tremper ses pieds dans de l'eau de températures différentes et additionnée ou non de plantes, de gros sels ou de tout autre élément bénéfique. Parmi leurs nombreux bienfaits, ils peuvent contribuer à renforcer votre système immunitaire, soulager les douleurs, réguler la circulation sanguine, dissiper la fatigue, détoxifier, abaisser le niveau de stress et les états dépressifs...

La vie singulière de Lucien Ginsburg, dit Serge Gainsbourg, racontée par lui-même ? C'est le pari romanesque d'Eric Paridisi qui imagine, sans le trahir, l'autobiographie qu'aurait pu écrire " l'homme à la tête de chou "... Une exofiction plus vraie que nature. L'autobiographie que Gainsbourg n'a pas écrite " Je m'appelle Lucien Ginsburg et j'ai failli ne jamais voir le jour. [... ] Mon éveil artistique a été précoce. Une initiation à la beauté par la musique, de Bach à Cole Porter, un grand écart harmonique orchestré par mon père. Un pianiste complet dont la sensibilité ne s'exprimait qu'à travers une envolée de notes. La révolution bolchevique l'avait contraint à vendre ses talents place Pigalle, sur le marché des musiciens, dancings, brasseries, cabarets, mon père y passait ses nuits. Le jour, mes soeurs et moi ne pouvions éviter la leçon de piano. A quatre ans, cette profusion de touches noires et blanches me terrifiait, et lorsque j'en accrochais une, mon père me reprenait d'une voix tranchante. [... ] Mes parents n'étaient pas pratiquants, pas de synagogue, pas de shabbat, aucune fête religieuse, juste une carpe farcie pour la Pâque. Au menu, les zakouskis côtoyaient le jambon et les steaks cuits au beurre. Mes parents se considéraient comme français et républicains. Cependant, dès le début de l'Occupation, l'hystérie antisémite les avait relégués au rang de nuisibles. Désormais sans travail, mon père avait dû se résoudre à passer en zone libre. [... ] A l'école, un de mes professeurs déformait sciemment mon nom : Ginzbeurgue ! [... ] A Paris, les yellow stars se volatilisaient vers l'est. Après la guerre, je suis devenu Lucien Guimbard... " Lucien Ginsburg, dit Serge Gainsbourg, raconté par lui-même de son enfance à sa rupture avec Brigitte Bardot en 1968. Une prouesse littéraire, un magnifique hommage, à la fois juste et romanesque, dans le plus pur esprit de son modèle

Accompanying an exhibition at the Courtauld Gallery, London, Frank Auerbach : The Charcoal Heads presents a remarkable series of hauntingly beautiful largescale drawings by the artist. The catalogue includes a new piece of writing on one of the drawings from critically acclaimed novelist Colm Tóibín. This catalogue explores one of Frank Auerbach's most remarkable bodies of work - a series of large-scale portrait heads made in charcoal, produced during his early years as a young artist in postwar London. Auerbach (b. 1931) spent months on each drawing, working and reworking them during numerous sessions with his sitters. This prolonged and vigorous process of creation is evident in the finished drawings, which are richly textured and layered. Auerbach would sometimes even break through the paper and patch it up before carrying on. His heads thus emerge from the darkness of the charcoal with burning vitality, born of an artistic as well as a physical struggle with the medium. The process of repeated creation and destruction, of which these images bear the visible scars, speaks profoundly of their times, as people rebuilt their lives after the ruination and upending of the war. The exhibition will be the first time Auerbach's extraordinary drawings, made in the 1950s and early 1960s, have been brought together as a comprehensive group. They will be shown together with a selection of paintings he made of the same sitters ; for the artist, painting and drawing have always been deeply entwined. The accompanying catalogue - by Deputy Head of The Courtauld Gallery, Barnaby Wright, and with an essay by one of the greatest contemporary voices in the English language, Colm Tóibín - is the first publication to explore in depth this magnificent series. Tóibín spent several hours one afternoon in front of Auerbach's Self-Portrait (1958), which features on the front cover of the book, looking closely and taking notes. His essay is an account of his experience and offers new insights into the work and the nature of self-portaiture.

Le langage, l'écriture et les lettres sont les fondements de notre communication en tant qu'êtres humains, et la calligraphie célèbre la beauté inhérente de ce besoin de partage et de connexion. Ce volume présente ce que la calligraphie est devenue au XXIe siècle, avec 101 artistes issus du monde du graffiti, du tatouage, du graphisme, de la peinture, de l'illustration, de l'art de l'affiche, de la bande dessinée, et bien plus encore. Leurs différents supports, styles et langages, y compris imaginaires, montrent le potentiel et l'inspiration infinis de la transformation des lettres en art. Chaque artiste présente une brève biographie expliquant son parcours et ses inspirations, des exemples de ses oeuvres et un alphabet original. Les artistes, originaires de 20 pays, partagent des alphabets en couleurs vives et en noir et blanc, en clarté et en chaos, au crayon sur papier et à la peinture sur les murs. A notre époque numérique, où les écrans et les claviers ont pris le dessus, cet art ancien continue de prospérer. Language, writing, and letters are the basis of our communication as human beings-and calligraphy celebrates the inherent beauty of this need to share and connect. This volume showcases what calligraphy has grown to be in the 21st century, featuring 101 artists from the worlds of graffiti, tattooing, graphic design, painting, illustration, poster art, comics, and more. Their different mediums, styles, and languages, including imaginary ones, show the endless potential and inspiration of turning letters into art. Each artist featured has a brief bio explaining their background and inspirations, examples of their artwork, and an original alphabet. The artists, from 20 countries, share alphabets in vibrant color and black and white, in clarity and in chaos, in pencil on paper and paint on walls. In our digital age, where screens and keyboards have taken over, this ancient art still thrives.

Les graffeurs new-yorkais qui se sont fait les dents en peignant des trains dans les années 70 et 80 ont transposé l'art de la rue Old Skool sur un support plus permanent et plus facile à collectionner dans ce livre, en utilisant des cartes de transport en commun, plutôt que des wagons de métro, comme toiles. GHOST, T-KID, QUIK, REVOLT, BLADE, SHAME125, COPE2, SKEME et d'autres ont décoré des cartes MTA ordinaires de 23 32 pouces avec leurs propres tags et graphismes, rappelant l'apogée du graffiti dans les trains new-yorkais. Seize sections, une pour chaque auteur, présentent un total de plus de 100 cartes, ainsi que de brèves déclarations sur l'évolution artistique et le style des peintres. Tel un "piece book" dynamique ou un carnet de croquis, cette collection est un échantillon exclusif des traits et tags caractéristiques des peintres sous forme portable. En fait, de nombreux artistes présentés ici ont utilisé l'art des cartes de métro comme tremplin pour passer du genre éphémère du marquage des trains à la plate-forme plus solide du circuit international des galeries d'art. New York graffiti writers who cut their teeth painting trains in the '70s and '80s transfer Old Skool street art to a more permanent, collectible medium in this book, using transit maps, instead of subway cars, as canvases. GHOST, T-KID, QUIK, REVOLT, BLADE, SHAME125, COPE2, SKEME, and others decorated ordinary 23" 32" MTA maps with their personal tags and graphics -echoing the heyday of New York train graffiti. Sixteen sections, one for each writer, feature a total of more than 100 maps, as well as brief statements about the painters artistic evolution and style. Like a dynamic "piece book, " or sketchbook, this collection is an exclusive sampling of the painters signature strokes and tags in portable form. In fact, many of the artists featured here have used subway-map art as a springboard from the fleeting genre of train-tagging to the sturdier platform of the international art gallery circuit.

Publié en 2014, ce livre est rapidement devenu une référence auprès des enseignants et étudiants de musique. Epuisé, il nous a donc semblé mériter une réédition. L'auteur examine ici un problème complexe et rarement abordé de l'évolution de la musique occidentale classique : comment est-on passé de la musique modale du Moyen Age et de la Renaissance, à la musique tonale de l'époque baroque, musique tonale qui reste majoritaire dans la culture occidentale ? Cette interrogation débouche sur toute une série de questions demeurées obscures et qui font de la période baroque l'aboutissement d'une véritable révolution du langage musical en même temps que sa stabilisation jusqu'à nos jours : pourquoi, parmi les multiples modes possibles au Moyen Age, n'en a-t-on retenu que deux : le mode majeur et le mode mineur ? Pourquoi certains accords reviennent-ils plus souvent que d'autres ; ou encore : pourquoi l'apparition du tempérament égal ? Pour ne citer que quelques aspects. Laurent Fichet retrace et analyse cette évolution en faisant appel aux principaux traités de l'époque, comme ceux de Mersenne et de Jean-Philippe Rameau, ainsi qu'aux théories plus récentes de musicologues comme Carl Dahlhaus, Jacques Chailley, Serge Gut, etc. De plus, il commente et reproduit au fil du texte plus d'une centaine d'extraits d'oeuvres de compositeurs, du XVe au XVIIIe siècle (Josquin des Prés, Pergolèse, Couperin, Bach, Mozart, etc.). Un dernier chapitre est consacré à la pérennité de la musique tonale dans la production musicale contemporaine, notamment à travers la pratique instrumentale ou dans la chanson de variétés. Agrégé de musique et docteur en musicologie, Laurent Fichet a été longtemps chargé de cours à l'université de Paris-Sorbonne tout en étant professeur dans divers collèges et lycées. Inspecteur d'académie depuis 2002, il est aujourd'hui directeur adjoint des services de l'Education nationale en Maine-et-Loire.

This beautifully illustrated catalogue presents a selection of exceptional seventeenth-century Dutch drawings from the Peck Collection in the Ackland Art Museum at the University of North Carolina at Chapel Hill. Featuring many previously unpublished and rarely exhibited works, the catalogue brings together examples by some of the best-known artists of the era such as Rembrandt, Jacques de Gheyn II, Samuel van Hoogstraten, and Frans van Mieris. The collection was donated to the museum in 2017 by the late Drs. Sheldon and Leena Peck. The transformative gift is comprised of over 130 largely seventeenth- and eighteenth-century Dutch and Flemish drawings, establishing the Ackland as one of a handful of university art museums in the United States where northern European drawings can be studied in depth. Drawn to Life presents around 70 works from this exceptional and diverse group of drawings amassed by the Pecks over four decades. Featuring new research and fresh insights into seventeenth-century drawing practice, the catalogue and accompanying exhibition celebrates the creativity and technical skills of Dutch artists who explored the beauty of the natural world and the multifaceted aspects of humanity. The catalogue features a broad selection of scenes of everyday life, landscapes, biblical and historical scenes, portraits, and preparatory studies, forming a dynamic and representative group of Dutch drawings made by some of the most outstanding artists of the period, including Abraham Bloemaert, Jacob van Ruisdael, Esaias van de Velde, Bartholomeus Breenbergh, Pieter Molijn, Aelbert Cuyp, Adriaen van Ostade, Ferdinand Bol, Nicolaes Maes, Jan Lievens, Gerard ter Borch, Adriaen van de Velde, Nicolaes Berchem, and Cornelis Dusart. Key sheets of remarkable quality by lesserknown artists such as Guillam Dubois, Herman Naiwincx, Willem Romeyn, and Jacob van der Ulft, also comprise a core strength of the collection, and serve as a testament to the visual acuity of the Pecks as collectors. At the heart of the Peck Collection are several sheets by Rembrandt, including the sublime Noli me Tangere ; a beautifully rendered late landscape, Canal and Boats with a Distant View of Amsterdam ; and the superbly charming Studies of Women and Children, which was the last of Rembrandt's seventeen known drawings with an inscription in his own hand to reach a public collection. Meticulously researched and written by Robert Fucci, Ph. D. , Drawn to Life introduces both scholars and drawings enthusiasts to the depth and beauty of the Peck Collection at the Ackland Art Museum.

Anthony Speelman is the doyen of English art dealers specializing in Dutch Golden Age art. Vividly written and handsomely illustrated, his memoirs offer fascinating insight into the sometimes secretive world of Old Masters. This book will appeal not only to dealers, collectors and others in the fine art world, but also to would-be collectors eager for a glimpse behind the curtain. These memoirs cover a lifetime of dealing in Old Masters at the very highest level. Speelman's career started under the guidance of his father Edward, whose own biography has much to tell. Over the years, Speelman has sold paintings to many of the world's greatest collectors, including Norton Simon, Paul Mellon, Baron Thyssen, Harold Samuel, Charles Clore and the Wrightsmans in New York, along with world renowned museums such as the Getty, the Louvre and the National Gallery, London, among many others. He writes about his encounters with these eminent bodies in a light-hearted style, sometimes amusing, always extremely interesting - including an anecdote about a recent meeting with a Chinese billionaire with a penchant for fine wine. The two monkeys in the title refer to two paintings of a monkey holding a peach by George Stubbs, the outstanding English animal painter. Anthony describes how he discovered one of these masterpieces as a 'sleeper' in a Sotheby's sale. Early in his career Anthony's rooms in Piccadilly were broken into and a number of paintings stolen, including a George Stubbs painting of a spaniel. An intriguing tale follows, ending with the paintings recovered some eighteen months later after a failed blackmail attempt on the part of the thieves. Amongst his accomplishments, Speelman was for many years chairman of the vetting committee at the annual Maastricht art fair. He describes the working of the committees which ensure that all works exhibited are correctly described. Still active in the art world, he is currently chairman of the vetting committee of the prestigious annual Masterpiece art fair in London. Other chapters detail Speelman's travels to California, New York and Paris, his interest in gastronomy and his thrilling adventures in the world of horseracing. The book is beautifully illustrated with examples of works that have passed through the author's hands. The wide range of illustrations is not limited to Dutch art and includes works by Canaletto, Stubbs, Raphael, Tiepolo, Melendez and other Old Masters.

Claudia Nervo, grande vedette du cinéma mexicain, appartient à la race légendaire des monstres sacrés. Elle a mis son génie, sa volonté et sa passion à construire son personnage, qu'elle met en scène à chaque instant. Déesse, panthère, prêtresse de son propre culte, elle se veut sans mémoire, sans passé et sans avenir, acharnée à imposer l'une ou l'autre de ses images aux photographes, producteurs, acteurs et reporters qui hantent sa demeure d'un luxe fabuleux. A côté de Claudia parée de métal ou de fourrures, sa secrétaire en tailleur strict. Autour d'elle, de très jeunes filles, "sirènes" de la mythologie, qui lui doivent tout, portent les toilettes qu'elle a étrennées, imitent son maquillage, et servent à mettre en valeur sa beauté faite d'artifice, devant laquelle l'éclat même de la fraîcheur paraît fade. Pour Guillermo, le narrateur - son fils -, cette maison est la "zone sacrée" où convergent ses désirs, ses espoirs, ses rêves, ses souffrances les plus secrètes. La seule raison de vivre, la seule définition de Guillermo face au monde, c'est d'être le fils de Claudia Nervo à qui il porte une passion absolue, frisant l'inceste. Qu'il transforme son appartement en musée d'Art Nouveau, qu'il aménage sa chambre à l'image de celle de Sarah Bernhardt, qu'il torture ses chiens de race (cadeau de Claudia) en leur imposant des cantates de Bach à plein volume avant de les jeter sous les roues des voitures, qu'il passe des soirées solitaires à regarder de vieux films, il ne s'agit pour lui que d'évoquer, d'appeler, de repousser, de punir sa mère. Et s'il flirte avec Bela, l'une des "sirènes", peut-être n'est-ce que pour l'offrir en holocauste à sa mère, afin que celle-ci chasse la jeune fille et réagisse enfin à lui, fasse preuve de jalousie en lui coupant les vivres pendant quelques heures. Tout le reste n'est que souvenirs, évocations, rêves, fils ténus tissés autour de cette obsession de la mère, qui atteint son paroxysme lorsque, en l'absence de Claudia, Guillermo pénètre dans sa chambre aux mille glaces et revêt ses toilettes, ses perruques, sa folie peut-être.

Dépression, anxiété, douleur chronique phobies, pensées obsessionnelles. Ces maux que nous ressentons ne sont peut-être pas dus à ce que nous croyons. Outre nos expériences quotidiennes et les déséquilibres chimiques de notre cerveau, d'autres facteurs peuvent expliquer les difficultés que nous rencontrons. La clé, nous dit Mark Wolynn, se trouve peut-être dans l'histoire de nos parents, de nos grands-parents et même de nos arrière-grands-parents. Les dernières recherches scientifiques corroborent ce que beaucoup pensent depuis longtemps : il se pourrait que des expériences traumatisantes soient transmises de génération en génération. Cela n'a pas commencé avec toi ! s'appuie sur les travaux de grands spécialistes du stress post-traumatique, dont la neuroscientifique Rachel Yehuda de la faculté de médecine du Mount Sinai et le psychiatre Bessel van der Kolk, auteur du livre Le Corps n'oublie rien. Même si la personne qui a subi un traumatisme initial est décédée, même si son histoire a été oubliée, tue ou dissimulée, la mémoire de cette histoire et les sentiments qu'elle a nourris peuvent continuer à vivre. Ces héritages émotionnels sont souvent cachés, encodés au sein des gènes ou sous-jacents dans nos manières de parler, et en se transmettant ainsi au sein de la famille, ils jouent un rôle crucial dans notre santé émotionnelle et physique. Pionnier dans le domaine de l'héritage traumatique, Mark Wolynn travaille auprès de patients depuis plus de vingt ans. Cela n'a pas commencé avec toi ! est un guide pragmatique qui présente les principales caractéristiques de son approche thérapeutique par le langage. Les méthodes d'auto- analyse aident le lecteur à réfléchir à ce qui se cache derrière les mots, les comportements, les angoisses et parfois même les symptômes physiques qu'il nous arrive d'éprouver. Critiques : " Mark Wolynn fait un travail magistral de dévoilement de la manière dont la souffrance non résolue de nos ancêtres, et souvent inconnue de nous, nous handicape et nous lie douloureusement à eux. Il nous donne les outils et les compétences - ; grâce à une approche combinant compréhension, dialogues imaginatifs et reconnexion empathique - ; pour se libérer et se soigner soi-même. " - ; James S. GORDON, MD, auteur de Unstuck : Your Guide to the Seven-Stage Journey Out of Depression. " Un travail audacieux, créatif et emphatique. " - ; Sharon Salzberg, auteure de Loving, Kindness and Real Happiness. " Ce livre révolutionnaire offre une explication fascinante à propos des traumatismes héréditaires et fournit des outils nouveaux et puissants pour soulager ses souffrances. Mark Wolynn est un guide sage et fiable sur le chemin de la guérison. " - ; Tara Brach, auteure de Radical Acceptance et True Refuge.

Le titre est également bien approprié à cette sortie (du moins on l'espère !! ) de pandémie, car il faut dire que les contacts ont manqué ces derniers 20 mois et ils sont le moteur de notre progression. Repartons du bon pied grâce à ces mises au point qui sont consacrées aux principales articulations. 4 chapitres concernent l'épaule : les deux premiers traitent de l'imagerie par Gabriel Corcos et de la prise en charge, par Gilles Daubinet, de la primoluxation. Anne-Sophie Billard nous apprend ensuite à ne pas passer à côté des "petites" fractures, parfois ignorées et qui génèrent souvent des douleurs chroniques. Philippe Collin détaille l'une d'entre elles, celle du processus coracoïde et nous montre comment la traiter. Plus distalement, au niveau du poignet et de la main, Mathilde Gras nous indique la conduite à tenir devant un traumatisme du poignet à radiographies initiales normales, cela rappellera des souvenirs à bien d'entre nous !! Eric Roulot aborde un autre sujet intéressant en nous expliquant la prise en charge d'un "Jersey finger" . On passe ensuite au membre inférieur avec deux chapitres importants ; tout d'abord Alexis Nogier qui nous parle de la conduite à tenir en cas de coxopathie chez un jeune sportif et Quentin Monzani qui montre comment ne pas méconnaitre une fracture de fatigue du bassin ... cela nous est tous arrivé !!! 4 chapitres sont consacrés au genou. Deux pour le pivot central avec le kyste infiltrant du croisé antérieur par Jean-Baptiste Courroy et la prise en charge de la rupture du croisé postérieur par Romain Rousseau. Deux autres sujets sont également consacrés à cette articulation : Philippe Thelen nous fait le bilan de ces lésions de la racine du ménisque médial, difficiles à détecter et Raphaël Coscas nous montre comment ne pas se faire piéger par l'artère poplitée !! La cheville et le pied ne sont pas oubliés. Sylvie Besch et Roberto Purello d'Ambrosio font le bilan de la rupture du tendon calcanéen et son conflit avec la partie postérosupérieure du calcanéus est abordé par Jean-Louis Brasseur. Michel Créma nous rappelle que l'entorse de la cheville n'est pas limitée à la talocrurale et que cette erreur d'articulation est une cause fréquente de douleurs chroniques après entorse. Fabrice Thévenin détaille, dans un dernier chapitre, le problème de la surcharge du deuxième métatarsien chez le sportif. Au total donc 16 chapitres abordant et montrant les bonnes pratiques à ne pas méconnaitre dans 16 sujets importants de la pathologie traumatique des sportifs.

Cet ouvrage sur l'approche DevSecOps est destiné à tout professionnel membre d'une équipe opérationnelle IT ou de développement qui souhaite intégrer la sécurité dans sa pratique quotidienne et disposer des bons outils pour sécuriser ses développements à chaque étape du cycle de vie des services. L'auteur commence par expliquer en quoi l'implémentation de la sécurité transforme en profondeur le fonctionnement des équipes au sein d'une entreprise, notamment les équipes de développement, avant de présenter en détail les notions d'intégration et de déploiement continus (CI/CD). En guise de mise en pratique, il propose au lecteur d'implémenter étape par étape son propre pipeline d'intégration continue en Python en utilisant Gitlab-CI. Deux chapitres présentent ensuite en quoi Docker et Kubernetes sont des outils incontournables dans une approche DevSecOps. Pour en détailler l'installation, la configuration et l'utilisation, l'auteur s'appuie sur plusieurs exemples : déploiement d'un site Wordpress avec Docker Compose, analyse de la sécurité des images Docker avec Dockle et Trivy, sécurisation d'un cluster Kubernetes avec Kube-Bench, Kube-Hunter et les CIS Benchmark, analyse de la sécurité des fichiers YAML décrivant les objets Kubernetes avec KubeLinter et Checkov. Les vulnérabilités appréhendées dans ces exemples sont détaillées afin que vous puissiez les reconnaître et les corriger. Les notions importantes du domaine de la cybersécurité sont explicitées, notamment le vocabulaire associé et les différents types d'attaques en mettant l'accent sur le Denial of Service et le Brute Force, ainsi que les principaux composants de la cryptographie (chiffrement symétrique, asymétrique, algorithmes de hash, Rainbow Table, fonctionnement des PKIs et des certificats digitaux). Un chapitre explore la sécurité du développement et les bonnes pratiques à mettre en oeuvre autour du SDLC et du SSDLC avec le Threat Modeling et la publication d'une Secure Coding Checklist. L'auteur y détaille également les différents environnements à mettre à disposition des développeurs ainsi que l'utilisation de l'outil WebGoat pour créer un environnement de Pentest à partir duquel les trois premières catégories du TOP10 de l'OWASP seront étudiées. Les bonnes pratiques liées à la gestion des évènements et à la supervision de la stack applicative sont parcourues. L'ouvrage se termine par la mise en oeuvre concrète de l'approche DevSecOps au sein d'une entreprise (définition des objectifs de sécurité, développement d'une culture de la cybersécurité, implémentation d'un dépôt certifié d'images et d'artefacts, gestion du versioning de manière sécurisée et sécurisation des serveurs web), par une présentation des pratiques de SCA, SAST, DAST, ainsi que de l'utilisation de Terraform en contexte sécurisé.

Quelles sont les relations entre les produits toxiques dans notre environnement (COV, glyphosate, bysphénol, nitrites, etc.) et notre santé. Quels sont vrais risques ? De très nombreux produits toxiques sont présents dans notre environnement : dans l'air que nous respirons, dans notre alimentation, dans l'eau que nous buvons, dans les médicaments, etc. Les médias se font régulièrement l'écho de problèmes liés à ces produits toxiques et le grand public se pose de nombreuses questions bien légitimes. Des enseignants-chercheurs, spécialistes en toxicologie répondent de façon simple, compréhensible et sans jargon à un bon nombre de ces questions. Ils abordent simplement les grands concepts : - quelle différence entre le danger et le risque ? - la dose fait-elle le poison ? - qu'est-ce que l'effet cocktail ? - quelle différence entre le principe de prévention et le principe de précaution ? - comment les valeurs réglementaires de concentrations dans les différents milieux sont-elles élaborées ? - quel rôle joue l'environnement sur notre santé depuis notre naissance ? Les auteurs répondent ensuite aux questions posées actuellement par un certain nombre de produits toxiques. Il peut s'agir de pesticides dont on parle beaucoup comme le glyphosate ou le chlordécone, il peut s'agir aussi des contaminants de l'alimentation, de la pollution atmosphérique, des nitrites dans la charcuterie. Plan provisoire Les principes à bien comprendre -La dose fait-elle le poison (C. Batias) -Le danger vs. le risque, quelle différence ? (C. Batias) -Qu'est-ce que l'effet cocktail ? (C. Demeilliers) -Principe de précaution, principe de prévention (V. Danel) -Le risque relatif (V. Danel) -Evaluation de risques et valeurs toxicologiques de référence (C. Demeilliers) -Qu'est-ce que l'exposome (titre provisoire, sera changé) (C. Demeilliers) -Le règlement Européen REACH (C. Demeilliers) -Le bénéfice-risque en Santé (I. Verron, L. Ferrari, LA Vincent) -Applications mobiles et risque toxique (F. Pons, S. Billet) Les toxiques et groupes de toxiques -Contaminants et alimentation (J. Guitton & MC Chagnon) -Un exemple plus en détails : les nitrites (F. Pons) -Fausses allergies alimentaires (JP Arnould) -Les perturbateurs endocriniens (PH Villard & H. Schroeder) Y. Landkocz ? oUn exemple plus en détails : le diéthylstilbestrol (C. Batias) -Les médicaments dans l'eau (J. Guitton) -Glyphosate et chlordécone (F. Saint-Marcoux) -Les poisons autour de nous (E. Verron, L. Ferrari, I. Passagne, A. Courtois) -Les plantes sont-elles bonnes pour la santé ? (LA Vincent, L. Ferrari) -Tout ce qui est naturel est-il non toxique ? (L. Ferrari, LA Vincent) -La pollution atmosphérique, air extérieur, air intérieur (H. Schroeder, S. Billet, Y. Landkocz) -Les nano-particules (O. Joubert, E. Verron, A. Biola Vidamment) -Les rayonnements ionisants (F. Coudoré, JP Arnould)

En épigraphe de la note finale de son recueil, Michèle Finck a placé ce mot d'ordre de Rilke : "Faire des choses avec de l'angoisse." Comme Balbuciendo était placé sous le signe de la double épreuve d'une séparation et de la mort du père, La Troisième Main a été écrit dans des circonstances très particulières : "Ce livre, composé d'une suite de cent poèmes d'extase musicale, a été écrit dans le noir et la pénombre, après une opération de la cataracte. Comme si, en opérant les yeux, on avait ouvert quelque chose de plus profond : brèche dans l'écoute ; non pas poèmes sur la musique, mais poèmes à et avec la musique ; poésie et musique intensément mêlées, qui tournoient tout au bord du silence. Noir avec torche de musique." Sept parties jalonnent cet itinéraire nocturne à travers les grandes oeuvres musicales, des plus classiques aux plus contemporaines : Vers l'au-delà du son ; Musique, opus neige et feu ; Pianordalie ; Violoncelle psychopompe ; Musique devance l'adieu ; Golgotha d'une femme ; Musique heurte néant. Comment décrire la subtile alchimie qui transmute la musique entendue en poème, comme un précipité de quelques mots, nullement descriptifs ni impressionnistes, mais rendant la même chose autrement, par d'autres moyens qui ne sont plus les sons mais les mots, avec leur propre économie et leur rayonnement propre. Il s'agit de transcription comme telle ouverture d'opéra de Rossini ou tel symphonie de Beethoven a pu être transcrite pour piano solo par Lizst. Et l'étrange est que les noms des oeuvres et des interprètes deviennent eux-mêmes comme des éléments du texte. Citons le premier de ces poèmes-transcriptions, comme un coup d'archet : "Bach : Cantate lch habe genug. /Hans Hotter. Anthony Bernard. //Seigneur, c'est assez. Baryton descendu /Tout au fond des sons jusqu'à la douleur. /Tout au fond du silence jusqu'à l'amour. / La musique relie les vivants aux morts. / Elle est leur étreinte. Leur bouche-à-bouche." Ainsi chemine l'écriture en creusant sans cesse davantage, du Lamento d'Arianna de Monteverdi au Kat'a Kabanova de Janacek ; du Chevalier à la rose de Strauss à Sequenza Ill de Berio ; des Leçons de ténèbres de Couperin au Strange Fruit de Billie Holiday ; de la Lulu-Suite de Berg au Arsis et Thésis de Michaël Levinas.

Bernhard Schlink nous propose dans ce recueil de nouvelles sept variations sur le thème du mensonge. Tout en illustrant des sujets de société très contemporains comme l’euthanasie ou les réseaux de prostitution, des thèmes plus classiques comme la jalousie, le conflit générationnel ou les regrets à la veille de la mort, l’auteur allemand scrute à chaque fois les fonctionnements du couple. Que ce soit le flûtiste modeste tombé amoureux d’une riche héritière ("Arrière-saison"), l’écrivain qui croit se protéger par des petits mensonges sans importance ("La nuit à Baden-Baden"), ou encore l’homme qui pense sauver son mariage en se coupant du monde ("La maison dans la forêt"), les héros de Schlink se distinguent souvent par une forme de lâcheté qui finit par les perdre. La nouvelle la plus dramatique du recueil est sans doute "L’inconnu dans la nuit" , où les non-dits dans un couple, qui doit surmonter le traumatisme dû à l’enlèvement de la femme pendant plus d’un an en Arabie Saoudite, auront des conséquences tragiques. Les trois dernières nouvelles ont en commun de mettre en scène des personnages plutôt âgés. Quand dans "Le dernier été" le personnage principal, atteint d’un cancer des os, souhaite recourir à l’euthanasie sans oser en parler à son épouse, le protagoniste de "Bach à l’île de Rügen" souhaite seulement se réconcilier avec son fils et lui parler de son couple, avant de mourir. La toute dernière nouvelle du recueil nous propose l’histoire d’une vieille dame qui parle à sa petite-fille des mensonges et des renoncements, et d’un fiancé abandonné… Bernhard Schlink possède un talent indéniable pour nous parler de ces situations en apparence banales qui posent néanmoins de vraies questions de morale. Sa capacité à esquisser des personnages incarnant des dilemmes et des interrogations d’ordre éthique, qui a fait le succès d’un livre comme Le liseur, se trouve ici condensé dans la forme courte et transposée dans des situations moins dramatiques et plus quotidiennes que dans ses romans. Mensonges d’été se situe néanmoins bien dans la continuité de l’oeuvre de Schlink. Le recueil a été un très grand succès dans les pays de langue allemande et devrait ravir son lectorat français tout autant.

Depuis 1840, plus de 700 000 timbres ont été émis par plus de 1000 pays, territoires ou administrations postales. Mais quels sont tous ces pays ? Où se situent-ils ? Parmi eux, lesquels existent encore et lesquels ont "disparu" ? Depuis quand ou pendant combien de temps ont-ils émis des timbres ? Quelles légendes, surcharges ou monnaies permettent d'identifier leurs timbres ? Quels autres pays ont utilisé leurs timbres, par exemple en les surchargeant ? Que sont devenus les pays "disparus" ? C'est autant de questions auxquelles cet ouvrage de recherche philatélique se propose de répondre. Plus de 5200 légendes, surcharges ou monnaies utilisant des caractères romains, celtiques, grecs ou cyrilliques ou encore des symboles ou des nombres sont listées par ordre alphabétique. Chacune renvoie à l'un des 1024 pays ou administrations postales émettant ou ayant émis des timbres, lesquels apparaissent dans la même liste alphabétique sous la forme d'encadrés où sont rassemblées des informations essentielles sur les émissions postales du pays. Véritable Guide de Recherche Philatélique, le Tome de Référence des Catalogues est un complément indispensable aux catalogues philatéliques et un outil unique de travail et de recherche pour assister le philatéliste dans l'identification et la recherche de nouveaux timbres et l'organisation de sa collection. / Since 1840, over 700,000 stamps have appeared in over 1,000 different countries, territories or postal authorities. But what are all these countries ? Where are they located ? Which ones are "dead" and which ones are still "alive"? When and for how long had stamps been issued in these countries ? What are all the inscriptions (legends, overprints, currencies...) that allow these stamps to be identified ? What other countries have possibly used the same stamps, for instance by overprinting them ? What happened to the "dead ountries"? This book provides the answers to all these questions. Over 5200 legends, overprints or currencies using either Roman, Gaelic, Greek or Cyrillic letters or even symbols or numbers are listed alphabetically. Each such inscription is heading to the name of the 1024 countries, territories or postal authorities which have issued or continue to issue stamps today. These "countries" are inserted as shaded sections in the same alphabetical list where essential data on the country and its postal activity are summarized. The Handbook of Philatelic Research is a complement to the philatelic catalogues and a unique tool that will assist the stamp collector in stamp identification, search for new stamps and organisation of the collection.

Glenn Gould est à mon avis la personnalité la plus importante du monde musical actuel, non seulement en tant que pianiste, mais en tant que penseur du phénomène musical: compositeur, écrivain, sociologue, théoricien et prophète de nouveaux modes de communication, moraliste enfin. Aussi mon premier souci après sa mort, en octobre 1982, a-t-il été de mettre à la disposition du public français la totalité de ses écrits. Ce livre et celui qui l'a précédé - Le dernier puritain - contiennent à quelques très rares exceptions près, l'ensemble de la littérature gouldienne. Je me suis en effet efforcé d'y inclure tous les textes écrits à une époque ou une autre par Gould, quelle que soit leur destination (pochettes de disques, journaux ou périodiques, conférences). Mais je me suis aperçu en outre que dans certains cas il était possible d'y adjoindre quelques textes de scénarios radiophoniques, de films ou de télévision, à condition de les adapter aux nécessités de l'écrit, et parfois même de les monter par inserts à l'intérieur de textes déjà existants, auxquels ils pouvaient apporter un nouvel éclairage ou une nouvelle substance. Inutile de préciser que, ce faisant, j'ai eu le sentiment de me prêter à une procédure d'une nature foncièrement gouldienne, qui ma permis de recréer, à quelques années de distance, l'exaltation de ce que furent nos séances de travail en commun, et qui était également la seule méthode permettant d'offrir au lecteur le panorama le plus vaste possible de la pensée de Gould. Dans ce deuxième volume, j'ai choisi de regrouper ses écrits en six parties, consacrées à Bach, à Schoenberg, à ses essais critiques, à ses oeuvres personnelles tant musicales que radiophoniques, à ses analyses et à ses réflexions, dont un passionnant développement sur la musique en Union soviétique , parties que j'ai entrecoupées "d'interludes" morceaux pleins de fantaisie où Gould, avec le saisissant mélange de sérieux et d'humour qui le caractérise traite de l'esprit de compétition, des applaudissements au concert, de la musique d'avant-garde ou de la critique en général. J'ai pensé heureux de conclure ces deux tomes en musique, en publiant pour la première fois en France la partition intégrale de So you want to write a fugue, cette fugue fameuse écrite par Gould (paroles et musique) pour une émission de télévision, et largement diffusée ensuite par le disque.