exposition jane austen
Extraits
Photographie
Le Mont Saint-Michel. Regards numériques sur la maquette
Pourquoi le Mont-Saint-Michel continue-t-il de fasciner chaque années près de 2,5 millions de visiteurs, français et étrangers ? Que viennent-ils chercher ici : plus de mille ans d'Histoire, l'écho de Dieu mêlé à celui de la guerre, la beauté de la mer, du ciel et celle des pierres qui s'élèvent vers lui ? Tout cela participe de la magie d'un site extraordinaire, l'un de ces hauts lieux d'Histoire et de spiritualité, à l'architecture fabuleuse, qui font accourir les foules du monde entier. Ce livre, à la fois livre d'art et d'histoire, constitue beaucoup plus qu'un guide. Reflet d'une exposition et d'une médiation novatrices dont il s'inspire largement dans sa conception, confrontant réalité et " réalité mixte ", il permet de comprendre, de manière synthétique et claire, l'histoire du lieu au fil des siècles, ses transformations, ses métamorphoses et ses enjeux. A la beauté minutieuse de la spectaculaire " maquette " en relief, offerte en 1709 au Roi Soleil et conservée au musée des plans et reliefs, répondent documents rares, plans, photos du site et regards numériques qui en racontent l'évolution et en explorent l'histoire. C'est que le Mont-Saint-Michel, édifié avec ferveur à partir du Xe siècle, est une " frontière " : entre la Normandie et la Bretagne, entre le catholicisme et le protestantisme, entre la France et l'Angleterre, entre la terre et le ciel aussi. Il connut les guerres et les sièges, résista seul durant 30 ans aux Anglais, quand toute la Normandie était conquise, fut brûlé, reconstruit, agrandi, transformé au fil des siècle, l'architecture monastique passant du roman au gothique.Une chronologie très détaillée permet de suivre ces plus de dix siècles de prière et d'Histoire, d'art et d'architecture. Enfin, un " porte-folio " de Michael Kenna, photographe de renommée internationale, maître du noir et blanc, aux photographies comme hors du temps, vient clore cet ouvrage précieux dédié à ce site intemporel.
10/2018
Esotérisme
Revue Spirite (Année 1863). le spiritisme en Algérie, Elie et Jean Baptiste, étude sur les possédés de Morzine,
Ce numéro de la Revue Spirite contient, entre autres, le spiritisme en Algérie, Elie et Jean Baptiste, étude sur les possédés de Morzine, la barbarie dans la civilisation, sermons contre le spiritisme, sur la folie spirite, les faux frères et les amis maladroits, photographie des Esprits, suicide faussement attribué au spiritisme, un Esprit couronné aux jeux floraux, un tableau médianimique à l'exposition de Constantinople, une expiation terrestre, de la défense d'évoquer les morts, Esprits visiteurs, pluralité des existences et des mondes habités... Un an après l'apparition du Livre des Esprits, Allan Kardec se rend compte de la nécessité d'une revue mensuelle. Mais pour fonder un journal, il faut avoir des fonds. Allan Kardec n'en a pas assez. Il s'adresse à M. Tiedeman, ami des spirites et d'Allan Kardec. Mais Tiedeman hésite. Pendant ce temps, Allan Kardec demande l'avis des guides, par l'entremise de Mme E. Dufaux. On lui répond de mettre son idée à exécution et de ne s'inquiéter de rien. "Je me hâtai, dit Allan Kardec, de rédiger le premier numéro et je le fis paraître le 1er janvier 1858, sans en avoir rien dit à personne. Je n'avais pas un seul abonné, et aucun bailleur de fonds. Je le fis donc entièrement à mes risques et périls, et n'eus pas lieu de m'en repentir, car le succès dépassa mon attente. A partir du 1er janvier, les numéros se succédèrent sans interruption, et, comme l'avait prévu l'Esprit, ce journal devint pour moi un puissant auxiliaire. Je reconnus plus tard qu'il était heureux pour moi de n'avoir pas eu de bailleur de fonds, car j'étais plus libre, tandis qu'un étranger intéressé aurait pu vouloir m'imposer ses idées et sa volonté, et entraver ma marche ; seul, je n'avais de comptes à rendre à personne, quelque lourde que fût ma tâche comme travail".
10/2017
Littérature française
Lanterne magique. Chroniques littéraires de Paris occupé
Arthaud louait sa "liberté poétique extrême", Max Jacob le saluait comme "un grand ingénieur du rêve", Claudel qualifiait son style de "jet de cocasserie splendide", Proust affirmait son "admirable talent" et Rilke le considérait comme l'un des plus grands poètes de son époque. Mais c'est Jean Paulhan qui définissait le mieux l'homme en évoquant "une sorte de tendresse humaine, une humanité humble, insistante". Léon-Paul Fargue était à la fois aristocrate et artisan, individualiste et humaniste, vagabond ami du confort mais farouchement anti-bourgeois ; il se trouvait aussi bien dans les cercles les plus mondains, autour de quelque princesse ou académicien, que sur le zinc d'un bar de la Villette. Les articles qu'il fit paraître dans la presse, rassemblés dans le désormais culte Piéton de Paris, l'ont consacré en 1939 comme l'amoureux attitré de la ville, le poète du macadam et l'un des maîtres de l'art de la chronique. Au plus sombre des années noires, il ne cède en rien au défaitisme. Au contraire, il en appelle à la confiance et poursuit son travail de mémorialiste de la fantaisie et du rêve. Ici, avec sa lanterne magique, il projette ses souvenirs : l'exposition universelle de 1900, les causeries chez Mallarmé, les peintres impressionnistes, Hugo le précurseur, l'actrice Réjane. Il parle de ses goûts, musique et création, raconte les fiacres des boulevards, la mode féminine, la tendresse des soirs de printemps. Mêlant réflexions littéraires, anecdotes érudites et scènes de la vie quotidienne, il s'interroge également sur l'actualité de son temps, en prenant soin de se ménager des désagréments de la censure. Grâce à la fulgurance de ses images, l'acrobatie de ses inventions, le saugrenu de ses comparaisons, Fargue nous entraîne dans une véritable fête où la songerie intime se confond avec la vie réelle, où les souvenirs d'amour sont le reflet doux-amer des souvenirs d'enfance.
01/2015
Bijouterie, horlogerie
Paul Brandt. Artiste joaillier et décorateur moderne
Pilier de la joaillerie moderne dans les années 20, Paul Brandt a exercé aux côtés des plus grands noms tels que Fouquet, Templier ou encore Sandoz. Né à la Chaux-de-Fonds en Suisse, il s'installe très jeune à Paris où il poursuit une formation éclectique (joaillier, peintre, sculpteur, graveur en médailles et sur pierres fines, émailleur...). Séduit par les arts appliqués, il se spécialise dans la création de médailles, puis de bijoux. D'abord dans un style Art nouveau, puis Art déco, il participe aux différents événements artistiques qui animent la capitale. Membre du jury, mais aussi participant de l'Exposition Internationale des Arts Décoratifs de 1925, il est présenté comme un des acteurs de la "transformation complète" et acquiert une renommée internationale. Paul Brandt pense ses bijoux comme des oeuvres d'art et théorise leur présentation à l'occasion de scénographies avant-gardistes pour lesquelles il collabore avec les plus grands architectes modernes de l'époque tels qu'Eric Bagge et Djo-Bourgeois. A partir des années 1930, il revient à un art plus "industriel" et étend son activité à la décoration intérieure. Cette première monographie illustre le talent de cet artiste majeur, tant dans la joaillerie que dans le domaine des arts décoratifs français et international. Retraçant l'ensemble de son parcours, elle montre l'étendue des compétences de Paul Brandt, dans le domaine du bijou, mais aussi dans les domaines de la médaille, de la décoration et de l'aménagement intérieur. Elle s'appuie sur un travail de recherche inédit et illustré par un important corpus de 350 documents iconographiques tiré de sources journalistiques, muséales ou issues d'archives publiques ou privées. Si son nom se fait discret dans l'actualité, il est aujourd'hui l'un des plus respectés et recherchés parmi les marchands et les spécialistes de la joaillerie moderne, comme en témoigne l'engouement pour ses créations sur le marché de l'art.
12/2022
Beaux arts
Architecture : mettre en forme et composer. Volume 13, continuum spatial
La notion de " continuum spatial " est un mode d'organisation de l'espace rendu possible notamment par l'usage d'ossatures métalliques puis en béton armé autorisant une certaine autonomie des enveloppes par rapport à la structure bâtie. Il ne doit pas être seulement envisagé sous son seul aspect formel et ses effets plastiques, mais aussi comme une façon d'habiter l'espace avec des pratiques spécifiques. Les limites entre les intérieurs habités et le contexte extérieur commencent à s'estomper. Un mode de vie nouveau ouvre la voie à un processus de dissolution entre domaines privé et public. Les caractères associés aux anciennes manières de définir l'espace, notamment résidentiel, par pièces distinctes et séries de plans se succédant dans une enfilade, disparaissent au profit de mise en continuité des parois-limites des pièces entre elles. De nouvelles enveloppes spatiales introduisent et mettent en valeur des suites modulables de vues, de lumières ou de passages entre les intérieurs et les extérieurs, avec une dématérialisation partielle de ces enveloppes tirant parti de correspondances d'alignements, de l'implicite à l'explicite. Les rapports plein-vides, les jeux de lumières directes ou réfléchis, les distributions sont effectivement modifiés. L'auteur distingue deux types d'opération pour décrire et analyser ce mode d'organisation en " continuum " : la décomposition et la fusion. Le pavillon de Barcelone de Mies van der Rohe (1929) et l'orphelinat d'Aldo van Eyck (1959) sont des références de décomposition contrôlée où les architectes utilisent un principe de dissociation et de compénétration des limites avec apparition d'espaces intermédiaires et des effets alternés d'ouverture et de fermeture. Le pavillon de la Finlande d'Alvar Aalto pour l'Exposition universelle de New York (1939) et la maison Duncan de Bruce Goff (1965-1967) déclinent des procédés de fusion. Ce mode exploite un jeu de déformations continues des parois sur le thème de l'ondulation dont les replis donnent lieu à des effets divers entre enveloppes internes et externes.
08/2019
Monographies
Avec le dessin
Premier ouvrage consacré au travail de dessin du designer Pierre Charpin, ce livre réunit une sélection de près de 120 oeuvres tirées de différentes séries réalisées entre 2005 et 2022. Si le dessin est une discipline artistique, il constitue également une étape majeure dans la pratique du design. Or, Pierre Charpin ne l'a jamais considéré comme une simple étape du processus de production d'un objet, mais bel et bien comme une pratique à part entière, traduisant la relation singulière que le designer entretient plus largement avec la forme. En lien direct avec ses intuitions et pensées, le dessin est perçu comme un moyen immédiat, intuitif et naturel de faire émerger une forme qui n'existe pas encore. A la différence du dessin appliqué, le dessin en tant que tel ne sert plus à représenter de forme ; il est lui-même forme. Les oeuvres montrées dans cet ouvrage se distinguent à la fois par la variété des techniques utilisées - crayons de couleurs, graphite, stylo, feutre, plume, craie grasse, craie sèche, encre de Chine, encre colorée - mais aussi par la permanence de certains motifs comme les lignes et les boucles, les rubans ou les arabesques, les dessins noirs ou colorés, réalisés par série, représentant souvent des formes élémentaires. Ces dessins ne nourrissent aucun objectifs pragmatiques ni économiques prédéfinis, et ne sont pas entrevus ni évalués par leur auteur au regard de l'aptitude et de la compétence mise en oeuvre pour leur exécution. Ils gagnent au contraire à être évalués par la justesse de l'énergie motrice à l'oeuvre et par cet acte de vie qui se déploie par lui même et pour lui même en leur sein. Le travail de Pierre Charpin fait l'objet d'une exposition à l'Hôtel des Arts à Toulon dans le cadre d'une programmation de la Villa Noailles du 5 mars au 30 avril 2022. En partenariat avec la Villa Noailles.
08/2022
Spécialités médicales
Effets sur la santé des fibres de substitution à l'amiante. Rapport établi à la demande de la Direction générale de la santé et de la Direction des relations du travail [du Ministère de l'emploi et de la solidarité
La France a été le 8e pays européen à interdire la production, l'importation et l'utilisation d'amiante. Cette décision s'appuyait, entre autres, sur l'analyse des effets sur la santé de l'amiante, tels qu'ils avaient été appréciés dans l'expertise collective réalisée par l'Inserm. La Direction des Relations du Travail et la Direction Générale de la Santé, partenaires de l'Inserm lors de cette première expertise, ont logiquement souhaité questionner l'Institut sur les effets sur la santé des fibres pouvant être utilisées en remplacement de l'amiante (d'autres produits de substitution, non fibreux, qui ne font pas l'objet de ce rapport).
Les fibres en cause sont les laines de verre, de roche et de laitier, les filaments continus de verre, les microfibres de verre, les fibres céramiques (toutes appartiennent au groupe des fibres minérales artificielles), et les fibres organiques, naturelles comme la cellulose, ou artificielles comme les polyvinylalcools et les para-aramides. Comme l'amiante, on les rencontre dans de nombreuses utilisations (isolations thermiques et phoniques, matériaux composites, produits de friction...).
Or la structure " fibre " de l'amiante était apparue comme un élément pathogénique important, au même titre que certaines de ses caractéristiques chimiques : toute nouvelle fibre proposée comme substitut à l'amiante (ou pour tout autre usage), doit donc être soupçonnée, a priori, d'être pathogène en raison de sa structure. Afin d'explorer cette potentialité, l'Inserm a réuni un groupe d'experts comprenant des épidémiologistes, des biologistes, des toxicologues, des pétrologistes, des médecins pneumologues et spécialistes des maladies professionnelles.
Le présent ouvrage fait le point sur les données les plus récentes concernant les effets sur la santé humaine de l'exposition à ces fibres (dermatose, maladies respiratoires non tumorales, cancers) et les données expérimentales mettant en lumière les mécanismes qui peuvent y conduire. A la fin de l'ouvrage, une synthèse résume l'état des connaissances et souligne certaines incertitudes graves qui gagneraient à être rapidement levées.
11/1999
Zootechnie
La transformation fromagère caprine fermière. 2e édition
Bien fabriquer pour mieux valoriser ses fromages de chèvre Le producteur de fromages fermiers n'est pas un simple éleveur : il produit, il transforme, il vend. Son métier évolue en permanence et nécessite de nombreuses compétences dans des domaines très variés. Cette nouvelle édition de La transformation fromagère caprine fermière, augmentée et actualisée, fait le point sur les changements intervenus ces dernières années que ce soit sur l'évolution de la législation en vigueur, nationale et européenne, la règlementation ou les processus de production. Document de synthèse indispensable aux producteurs, cet ouvrage prend en compte tous les aspects scientifiques, techniques, économiques et surtout pratiques de la production laitière et de la transformation fromagère caprine. Organisé en 5 grands chapitres, le livre aborde les principaux points qu'il est nécessaire de maîtriser pour réussir dans ce domaine très spécialisé : - les bases de la production laitière caprine (anatomie de la mamelle, traite, composition et qualité du lait) ; - la législation sur la transformation et la vente des fromages (législation concernant le cheptel et le statut des ateliers, les processus de production, les règles d'étiquetage des fromages, les conditions de transport, d'exposition et de vente) ; - les différentes classifications et caractéristiques des principaux fromages de chèvre français ; - la transformation fromagère fermière (les facteurs à maîtriser, les étapes de la fabrication et leur déroulement, les processus de fabrication des principaux fromages, du yaourt et du sérac, la valorisation du lactosérum) ; - les règles d'hygiène et la conception de la fromagerie, ses équipements et les investissements à prévoir. Cet ouvrage se veut avant tout pratique et adapté à un public de terrain. La richesse des nombreuses illustrations et photographies en couleurs, et les exemples concrets portant aussi bien sur les caractéristiques des fromages, les différentes phases de la transformation fromagère, ou la création d'un atelier, en font un guide particulièrement attractif et sans équivalent sur le marché français.
02/2021
Essais biographiques
James Ensor à Bruxelles
Il est habituel de présenter James Ensor (1860-1949) comme un peintre ostendais. Sans nier l'importance de la reine des plages dans la vie du citoyen Ensor, c'est surtout ailleurs, à Bruxelles principalement, que James Ensor accède au rang d'artiste. C'est à l'Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles qu'il se forme. C'est à Bruxelles qu'il noue les contacts déterminants pour sa carrière d'artiste. C'est à Bruxelles qu'il se fait connaître. C'est à Bruxelles qu'il expose au salon des XX dès 1884. C'est surtout à Bruxelles qu'il trouve des acheteurs. C'est dans la capitale qu'il fait imprimer ses eaux-fortes, toute sa vie durant. A la belle saison, lorsque le beau monde débarque à Ostende en villégiature, c'est encore avec des gens venus de la ville et de l'étranger qu'Ensor entre en contact. Depuis Ostende, Bruxelles n'est jamais très loin. Et cela, grâce à un acteur capital de la vie de l'artiste qui est resté inaperçu : le train. Le réseau ferroviaire belge de l'époque est un réseau exceptionnel, en densité, en extension et en fréquence, tant du point de vue du transport des personnes que des marchandises. A partir de Bruxelles, Ensor rejoint facilement la ville d'Anvers ou celle de Liège. Grâce à un service de colis postaux performant, les oeuvres d'Ensor circulent facilement en Belgique et à l'étranger, ce qui contribue à la renommée de l'artiste. La première oeuvre d'Ensor achetée par l'Etat belge, en 1895, est destinée à un musée bruxellois. La première exposition consacrée à Ensor est bruxelloise. La plus grande rétrospective jamais consacrée à l'artiste a lieu à Bruxelles. Le chef-d'oeuvre de James Ensor, L'entrée du Christ à Bruxelles en 1889, met Bruxelles à l'honneur. Les rapports singuliers entre l'artiste et Bruxelles méritent d'être mis en lumière. C'est le propos de ce livre.
03/2021
Littérature française
Les procès contre les animaux au Moyen-Âge. Excommunications, exécutions publiques et autres supplices intentés au monde animal d'après les chroniques judiciaires d'époque
Les procès intentés aux animaux étaient des procès dans lesquels l'accusé était un animal qui se voyait reprocher un délit, un crime ou un dommage comme il l'aurait été à un être humain, en principe seul sujet de droit ou justiciable. Taureaux, vaches , chevaux, porcs, truies, coqs, rats, mulots, limaces, fourmis, chenilles, sauterelles mouches, vers et sangsues : tous ont eu maille à partir avec la justice pour avoir nui aux hommes ou offensé Dieu, à des degrés divers. Les procès déploient toute la solennité et les moyens utilisés pour les accusés ordinaires et se soldent par des peines qui vont du bannissement au supplice, en passant par l'excommunication. Ces procès sont de deux types. Les premiers sont prononcés par des tribunaux laïcs à l'encontre d'animaux domestiques (cochons, chevaux, boeufs, chiens, coqs, ânes, etc.) reconnus coupables de blessure ou d'homicide. La peine appliquée est souvent la mise à mort par la pendaison, le bûcher[2], la décapitation, etc. Des rituels d'exposition, d'humiliation ou de mutilation peuvent être associés selon la gravité du crime. Dans neuf cas sur dix, c'est un cochon qui est conduit devant le tribunal : l'animal est vagabond (il sert d'éboueur dans les grandes villes) et provoque inévitablement des accidents. Le propriétaire de l'animal, quant à lui, est rarement inquiété. Les seconds procès sont prononcés par les autorités ecclésiastiques à l'encontre d'animaux de petite taille (insectes, rongeurs) qui détruisent les récoltes. Ces derniers sont plus difficiles à appréhender et s'apparentent davantage à des fléaux. Dès lors, on recourt à l'exorcisme, on les déclare maudits ou l'on procède à leur excommunication. Le témoignage le plus ancien d'un procès de ce genre concerne le diocèse de Laon, où l'évêque Barthélemy aurait, en 1120, déclaré maudits et excommuniés les mulots et chenilles qui avaient envahi les champs. L'année suivante, il réitère ses anathèmes à l'encontre de mouches.
01/2023
Littérature portugaise
Collectif Brasa. Textes à lire à voix haute
Indépendant, politique et poétique, l'ouvrage assemble des poèmes, chansons, essais, pièces de théâtre, manifestes, performances et autres formes littéraires hybrides, orales et/ou écrites traduites pour la première fois du portugais au français. Le recueil est composé de textes choisis par les commissaires d'exposition et chercheuses abigail Campos Leal, Cintía Guedes et Diane Lima, toutes trois impliquées dans la mise en place de pratiques décoloniales et non hétérocisnormatives dans l'art contemporain, les milieux universitaires et mouvements autogérés brésiliens. Textes à lire à voix haute est mené sous l'impulsion du collectif de traduction Brasa - Luana Almeida, Valentina D'Avenia, Léa Katharina Meier, aurore/a zachayus. Toutes les quatre ont écrit la postface du recueil et composé le glossaire qui l'accompagne. "Ecrire est toujours une tâche inutile : écrire pour enterrer les morts. éclats, débris, décombres, ruines. Jusqu'à devenir gravier. Jusqu'à devenir pétrole. On sait qu'on a mu^ri quand on mange en sachant ce qu'on va chier. Où il est possible de donner le change et de faire ses comptes. écrire pour enterrer l'homme blanc qui habite en nous. Culture de la barbarie ; collapse de la colonie, batteurs de casseroles éclats d'obus dans la face de la population séquestrée ; coup d'état ; le temps est de celui de la crainte ; encore un corps au sol ; encore une file de corps". Elton Panamby, Par les charognes d'hier, d'aujourd'hui et de demain. abigail Campos Leal transite entre philosophie et arts comme manière de créer de la pensée et des poétiques qui contribuent matériellement, tant à la destruction du Monde colonial qu'au fait d'imaginer et de créer des formes d'habiter la Terre radicalement autres. Elle est professeure au sein de la spécialisation en Sciences Humaines et Pensée Décoloniale à la PUC-SP. Elle est l'une des organisatrices du Slam Marginália, compétition de poésie pour les personnes trans.
11/2022
Genres et mouvements
Etoffes et littérature. Les étoffes dans la littérature au XIXe siècle
Le XIXe siècle voit se développer l'intérêt des écrivains pour les tissus d'ameublement, aussi bien dans la décoration de leurs demeures que dans l'écriture de leurs romans. Certains auteurs sont particulièrement investis dans le choix des tissus meublant leurs intérieurs : Honoré de Balzac, Victor Hugo, George Sand, Edmond et Jules de Goncourt, Emile Zola et Guy de Maupassant. A une époque où l'obsession de l'apparence et la recherche du confort s'amplifient, jusqu'à créer des pièces habillées du sol au plafond, les étoffes reflètent la manière dont les écrivains s'approprient leur univers intime. La décoration, voire la mise en scène comme chez Hugo ou les Goncourt, recouvre des dimensions multiples : sociale, professionnelle, économique, créative, esthétique, symbolique, sensuelle, psychologique. Avec la floraison des romans réalistes, les textiles décoratifs occupent une place importante au fil des pages, parmi les détails caractérisant les personnages, et constituent un langage à part entière. Les auteurs utilisent une grande diversité de tissus, dont les sonorités rythment le texte : la moire, le damas, le velours d'Utrecht ou de Gènes, le lampas, le brocart pour les plus évocateurs. Sous l'impulsion de la révolution industrielle, de nouveaux thèmes se déploient : le développement des manufactures, l'apparition des grands magasins, la transformation de l'économie et des métiers du textile. Le Cousin Pons, Bel-Ami, Au Bonheur des Dames, Nana, La Conquête de Plassans illustrent ces univers. A contre-courant, Chateaubriand était peu intéressé par les tissus d'ameublement pour ses demeures, mais utilisait le vocabulaire des étoffes pour tisser des métaphores en lien avec la nature, tandis qu'Atala et Les Martyrs furent transposés dans les toiles imprimées. Cet ouvrage invite à une réflexion sur le rapport de l'écrivain aux étoffes, tant dans la sphère privée que dans ses écrits. Il accompagne et prolonge une exposition consacrée aux textiles d'ameublement chez les écrivains et dans la littérature au XIXe siècle, présentée au Domaine départemental de la Vallée-aux-Loups - parc et maison de Chateaubriand, en partenariat avec la Maison Pierre Frey.
03/2022
Littérature érotique et sentim
Small Changes Tome 1 : Dépasser ses doutes
Ginger Holtzman s'est toujours battue dans la vie. Pour le succès de son salon de tatouage, pour être respectée dans la profession, pour monter son exposition de peinture. C'est une femme forte et indépendante, qui ne se laisse pas faire et qui a élevé cette habitude au rang d'art. Et d'ailleurs, ça tombe bien. Parce qu'entre gérer sa boutique, prendre soin de ses amis et s'empresser de terminer ses tableaux, elle n'a quasiment plus une minute à elle. Et au final... tant mieux. Ainsi, elle ne remarque pas à quel point elle est seule. Elle s'en sortira sans l'aide de personne, comme elle l'a toujours fait. Christopher Lucen vient d'ouvrir un café dans le sud de Philadelphie. Après des années à errer de ville en ville à la poursuite de quelque chose d'indéfinissable, il recherche un sentiment d'appartenance à une communauté. Il savoure à présent la complicité tranquille nouée entre lui et ses clients réguliers, et prend plaisir à les satisfaire. Mais ce qu'il recherche par-dessus tout, c'est l'amour. Dès leur rencontre, Christopher a le coup de foudre, mais Ginger... n'est pas franchement convaincue. Christopher est magnifique et gentil, c'est vrai ; les extrêmes s'attirent et leur attirance mutuelle fait des étincelles. Mais s'éclater au lit est une chose. Tomber vraiment amoureux, c'en est une autre. Et c'est terrifiant. Quand le monde de Ginger commence à s'effondrer autour d'elle, elle doit se rendre à l'évidence : pour remporter ce combat, elle devra se montrer vulnérable. C'est une bataille qu'elle ne pourra pas gagner seule. Léger Changement est le premier volet d'une nouvelle saga qui s'inscrit dans l'univers de la série Ici et ailleurs, dont sont issus les personnages, mais cette histoire peut se lire séparément. La série Small Changes comportera des histoires d'amour hétérosexuelles et homosexuelles.
03/2019
Monographies
Martine Doytier
Martine Doytier est une artiste trop tôt disparue. . Telle une fine chroniqueuse de son temps et du monde artistique dans lequel elle vivait et au moyen d'une technique picturale étonnante, chacune de ses oeuvres raconte une histoire dans laquelle s'exprime sa sensibilité à fleur de peau, son caractère ardent et la constante recherche de perfection qui la caractérisait. Martine Doytier Une vie d'artiste, 1947 - 1984. Ce livre accompagne la rétrospective que la ville de Nice consacre à Martine Doytier, une artiste trop tôt disparue et qui laisse une oeuvre peinte impressionnante par de nombreux aspects. Telle une fine chroniqueuse de son temps et du monde artistique dans lequel elle vivait et au moyen d'une technique picturale étonnante, chacune de ses oeuvres raconte une histoire dans laquelle s'exprime sa sensibilité à fleur de peau, son caractère ardent et la constante recherche de perfection qui la caractérisait. Ce livre, largement illustré et comportant plusieurs textes essentiels pour la connaissance de cette oeuvre, retrace l'histoire de cette artiste hors norme et souvent jugée inclassable. L'exposition, dont le commissaire est Marc Sanchez, se tiendra à L'Artistique à Nice, à compter du mois de septembre 2023. La couverture du livre reproduit la grande peinture intitulée " Autoportrait " que Martine Doytier a réalisé patiemment entre 1979 et 1984 et qui est demeurée inachevée. La partie de l'image en couleurs présente l'artiste au travail, son bracelet d'ivoire au bras, et se représentant entourée de ses proches : des personnalités telles que Claude Fournet le Directeur des Musées de Nice de l'époque, Arman entouré de ses oeuvres, son fils Brice en tenue de judoka, le petit monde des gardiens et des conservateurs de musées niçois, un dîner d'artistes à la Villa Masséna ou deux de ses animaux fétiches : sa grande chienne Urane et son cochon d'Inde Bété. Pour cette couverture, les autres parties du tableau sont recouvertes par la couleur grise que Martine Doytier utilisait comme couleur préparatoire pour ses toiles.
02/2024
Thèmes photo
Sebastiao Salgado. Territoires et vies
" Sebastiao Salgado nous livre un portrait de notre monde qui parle de la voix la plus rare qui soit, cette voix qui nous dit des choses que nous ne voulons pas savoir, des choses, peut-être, que nous ne savons pas appréhender, mais qui, lorsqu'on nous les dit, s'imposent instantanément comme vraies " (Salman Rushdie, préface). Les cent trente-six images sélectionnées pour l'exposition que la Bibliothèque nationale de France consacre à ce grand photographe dans le cadre de l'année du Brésil, témoignent de l'action de l'homme sur son milieu naturel ou, au rebours, de l'adaptation de ce dernier aux données d'un environnement en mutation. Qu'il s'agisse de la vie simple et rude des paysans d'Amérique latine ou des Indiens d'Amazonie, de la condition des orpailleurs de la Serra Pelada, du prolétariat urbain issu d'un exode rural massif, de la difficile survie des populations d'Afrique menacées par la guerre et décimées par la famine, jusqu'à cette nature originelle et intacte que donnent à découvrir ses récents travaux, le photographe affirme avec force son souci d'informer et d'inciter à la prise de conscience. Ayant exploré tous les continents, et revenant sur son enfance dans un entretien exclusif avec le Brésilien Joaquim Marçal de Andrade, Sebastiào Salgado évoque en effet son propre rapport au " territoire " : " Il y a une chose très importante pour moi et qui, parfois, n'est pas bien comprise : c'est la question de la dimension de mes projets, le vaste territoire qu'ils couvrent. C'est parce que je viens d'un pays qui est grand comme l'Europe. Je m'y suis habitué... Si l'on va de Paris en Russie, c'est comme d'aller du Minas Gerais jusqu'à São Paulo, c'est un peu comme d'aller de ma ville jusqu'à Bahia. Ces grandes dimensions je les connais depuis que je suis tout enfant. "
10/2005
Entrepôt de données
Kubernetes. Gérez la plateforme de déploiement de vos applications conteneurisées, 2e édition
Ce livre s'adresse aux administrateurs système qui souhaitent maîtriser le déploiement de Kubernetes et comprendre en quoi il répond aux nouveaux enjeux informatiques liés à l'arrivée des containers. Le lecteur découvre ainsi les différentes fonctionnalités de Kubernetes qui lui permettront de gérer des containers et leur cycle de vie et de mettre en place toutes les briques indispensables à un cluster de production. Pour appréhender au mieux la lecture de ce livre, des notions sur l'administration d'un système Linux, sur le principe de fonctionnement des couches réseau, sur l'utilisation de Git ainsi que la connaissance d'un environnement Cloud sont recommandées. Tout au long du livre, l'auteur s'appuie sur des exemples concrets pour aider le lecteur dans sa découverte de Kubernetes et dans l'assimilation des concepts étudiés. Après l'installation de l'environnement et des outils indispensables pour suivre les exemples du livre, l'auteur familiarise le lecteur avec les concepts propres à Kubernetes tels que le cycle de vie d'un container, les pods, les services ou le tableau de bord. Au fur et à mesure, le lecteur découvre des concepts plus avancés comme la persistance des données, l'hébergement d'applications en cluster, la mise en place de réplications entre plusieurs pods, la gestion des briques internes de Kubernetes ou le gestionnaire de paquets Helm. Puis l'auteur présente comment installer et configurer Kubernetes afin d'aider le lecteur à mettre en place un cluster, dans le cloud ou sur des machines classiques, avant de détailler l'exposition d'une application sur Internet, les polices réseaux, la sécurisation SSL, les montées en charge ou encore la surveillance applicative. Pour finir, le lecteur trouve dans les derniers chapitres une introduction au maillage de services avec Istio, ainsi que des informations sur la gestion des droits d'accès, sur la notion d'opérateur ou encore sur la gestion de l'application dans un système d'intégration continue.
05/2022
Photographes
Nous. Edition bilingue français-anglais
C'est à l'âge de 14 ans que l'auteur italien, né en 1937 dans un village des Abruzzes, commence la photographie dans le studio familial. Très vite, il en devient le photographe principal et se spécialise dans les prises de vues extérieures. Manifestations, fêtes du Travail, réunions politiques et syndicales... Mario Carnicelli aime s'immerger dans les événements qui rythment la vie de ses concitoyens. Alternant entre le noir et blanc et la couleur, il développe peu à peu un style documentaire au croisement de la photographie humaniste et de la street photography. S'il assiste à des événements majeurs comme les funérailles du communiste Togliatti en 1964, ce sont avant tout les individus qui l'intéressent et ce qu'il peut percevoir de la société à travers eux. Faisant de la rue son observatoire, il parvient toujours à saisir un geste, une expression, un regard au milieu d'une foule ou au détour d'une rue. Ainsi, de l'Italie aux Etats-Unis en passant par l'Asie, son oeuvre est une véritable analyse sociétale des cinquante dernières années. Ce livre est édité dans le cadre du Prix Viviane Esders, dédié aux photographes professionnels de plus de 60 ans, décerné à Mario Carnicelli en 2022. Mario Carnicelli est né en 1937 à Atri en Italie et commence à travailler dès l'âge de 14 ans dans l'entreprise familiale de photographie. Il commence véritablement sa pratique de photographe dans les années 1970 lorsqu'il ouvre son magasin à Florence sur la Piazza del Duomo. Entièrement dédié à son studio, il obtient une reconnaissance tardive notamment à l'occasion de la publication de son premier livre C'era Togliatti, paru en 2014 chez Danilo Montanari Editore. Cette série fait l'objet d'une grande exposition personnelle au Palazzo Fabroni, puis au Musée national des Arts et Traditions populaires à Rome. A partir de 2018, ses photographies sont présentées à la David Hill Gallery de Londres permettant à son travail d'atteindre un plus large public.
11/2023
Beaux arts
Dürer et son temps, de la réforme à la guerre de trente ans. Dessins allemands de l'Ecole des Beaux-Arts
Cet ouvrage est publié à l'occasion de l'exposition Dürer et son temps qui se tiendra aux Beaux-Arts d'octobre 2012 à janvier 2013. Il présente l'exceptionnelle collection de dessins allemands de l'Ecole des Beaux-Arts, qui conserve des oeuvres allant du milieu du XVe au milieu du XVIIe siècle. Rares, les dessins allemands sont peu collectionnés en France et mal connus. Cette publication rassemble pour la première fois un ensemble de textes très complets sur les artistes de cette période et plus de mille illustrations en couleur. Aux côtés de la centaine de dessins de l'Ecole exposés et tous reproduits dans le livre, plus de neuf cents images de comparaison (tableaux, gravures, dessins, sculptures) provenant de collections publiques et privées et souvent inédites documentent la collection. Il offre un panorama passionnant de la création artistique des grands centres allemands de la Réforme à la guerre de Trente Ans : Nuremberg, Augsbourg, Munich et Prague pour ne citer que les principaux. Les artistes les plus célèbres, comme Dürer, Baldung Grien, Hans Holbein l'Ancien, Graf, sont représentés par des oeuvres magistrales. Cette publication est le résultat de recherches menées depuis plus de vingt ans par Emmanuelle Brugerolles, conservateur du Cabinet des dessins des Beaux-Arts et David Guillet, historien de l'art et directeur adjoint du musée de l'Armée. Outre les notices documentaires sur les dessins de la collection des Beaux-Arts, les deux auteurs, qui ont fait appel à la contribution de Camille Debrabant, dans un long texte introductif nous livrent une étude passionnante sur Dürer et ses influences. Elle est complétée par un texte de Naïma Ghermani sur le contexte historique et artistique de la Réforme et par une contribution de Thomas DaCosta Kaufmann sur l'importance des cours à la fin du XVIe et au début du XVIIe siècles. Ce catalogue que l'on pourrait qualifier d'encyclopédique, effectue une recension attendue des spécialistes mais aussi de tous les collectionneurs et amateurs. Il est complété par un appareil historique (bibliographie, index, catalogue raisonné des filigranes)
11/2012
Beaux arts
Théâtres
Héritière de quelque cinq mille pièces réunies entre 1945 et 1971 par le fondateur du concept d'Art Brut Jean Dubuffet, la Collection de l'Art Brut possède aujourd'hui un ensemble de plus de 70000 oeuvres, fruit de recherches et d'acquisitions conduites depuis plus de quarante ans. Cet ouvrage de la série "Art Brut. La collection" accompagne la quatrième édition des biennales de l'Art Brut. Ces expositions présentent des productions issues exclusivement des collections du musée lausannois, dont certaines n'ont encore jamais été montrées au public. Explorer les relations entre le théâtre et l'Art Brut ouvre des perspectives inédites dans la manière d'appréhender les oeuvres et permet de réunir des travaux de nature très diverse : dessins, peintures, photographies, sculptures ou parures. De nombreux films et documents, provenant pour l'essentiel des archives de la Collection de l'Art Brut, nous livrent de précieuses informations sur le contexte de création des oeuvres et leur apportent une dimension supplémentaire. Parmi les auteurs sélectionnés, certains s'approprient les codes du théâtre dans l'intention de construire un projet dont ils sont les premiers bénéficiaires. D'autres témoignent d'une pratique de la mise en scène ou de la "performance", qui est ici intuitive. Ils se parent de tenues et d'accessoires fabriqués par leurs soins, et leur corps devient le support de messages qu'ils partagent ou revendiquent, en se confrontant à l'espace public. D'autres enfin définissent un univers singulier au sein de leurs oeuvres, en imaginant un contexte, des personnages, un décor, une lumière et un jeu théâtral.
12/2019
Régionalisme
L'Ardèche volcanique
Maryse Aymes est géologue ardéchoise et enseignante, membre actif de la Société géologique de l'Ardèche et du comité scientifique du Géoparc des Monts d'Ardèche. En 1991 elle crée l'association "Clapa, roches nature et paysages" afin de promouvoir le patrimoine géologique par des actions de vulgarisations scientifiques notamment auprès des scolaires qui s'inscrivent dans une approche systémique du milieu. Elle anime des sorties sur le terrain, des conférences et des actions de formation et réalise de nombreux documents pédagogiques. C'est un membre fondateurs du réseau national Géole, section vulgarisation de la Société Géologique de France. Simon Bugnon est né dans les Alpes-de-Haute-Provence en 1987, il vit en Ardèche depuis 1992. Depuis toujours amoureux de la nature, son envie de communiquer son émerveillement l'amena à s'intéresser à la photo à l'âge de 14 ans, avant de souhaiter en faire son métier, pour vivre suivant ses rêves au plus proche à des domaines variés, des paysages à la macrophotographie, tout en récoltant des connaissances dans tous les domaines qui le passionnent, en particulier la botanique et l'entomologie. Il exerce l'activité de photographe auteur depuis 2008 en proposant notamment la réalisation de reportages et la cession de droits d'auteur. Il a présenté de nombreuse expositions, des conférences, illustré une dizaine d'ouvrages et collabore régulièrement avec des magazines de nature. Dans sa quête du réel, la photo est pour lui un moyen de redonner de l'importance à ce qui nous entoure, à ce que trop souvent nous ne savons pas voir, avec l'espoir que l'émerveillement partagé puisse amener du respect.
05/2019
Théâtre
Du Faust (art total) au F.A.U.S.T. Mes combats pour un humanisme culturel
Rappelons qu'André Malraux, ministre de la Culture de 59 à 69, a privilégié la création des maisons de la culture et des centres d'art dramatique, donnant la priorité au théâtre parlé. Cependant, les maisons d'opéra de province n'ont bénéficié qu'en 1964 de la création d'une structure fédérative, la Réunion des théâtres lyriques municipaux de France (RTLMF), disposant de peu d'aides de l'Etat et ne concernant que treize théâtres. Nommé en 1966 directeur artistique du Grand Théâtre de Tours et déjà chef d'orchestre reconnu, Francis Balagna a fondé le Centre lyrique d'animation culturelle de Tours (CLT). Le théâtre lyrique n'est-il pas le genre théâtral le plus complet, où se manifestent les plus nombreuses formes d'expression artistique, dont l'art dramatique, mais également la musique, le chant et la danse ? Ce genre théâtral pluridisciplinaire, que Richard Wagner appelait "art total", a conduit l'auteur à susciter, autour de ces spectacles, la participation des différents pôles culturels de la ville de Tours, à programmer diverses animations (conférences, expositions, concerts, films, rencontres-débats...), à créer, le mercredi, les après-midi "enseignement - théâtre"... Francis Balagna a donc choisi d'intégrer dans son titre d'ouvrage le Faust de Gounod, l'un des opéras les plus représentés, en tant que symbole de l'art total, fondement d'un long parcours évolutif après Tours, en Midi-Pyrénées, à Paris, etc., jusqu'au F.A.U.S.T. (Forum des arts de l'univers scientifique et technologique) à Toulouse, au service d'un humanisme culturel en réponse à une crise économique et sociale.
07/2018
Histoire et Philosophiesophie
Où est mon jetpack ? Le guide du futur ou la science est restée fiction
L'auteur du bestseller Survivre à une invasion robot dévoile les secrets et les techniques derrière les plus grandes inventions... qui n'ont jamais vu le jour. Le vingt-et-unième siècle est là, mais tout ne s'est pas passé comme prévu. Malgré toutes les prédictions des plus grandes expositions mondiales, tous les manèges futuristes à Disneyland et les publicités à la fin de tous les comics, nous ne vivons pas dans le futur qui nous a été promis. La vie était censée être une utopie entièrement automatisée, dopée à l'énergie atomique et sans microbes. Un endroit où un homme adulte pourrait porter un unitard de velours et d'élasthanne sans peur d'être ridicule. Où sont les pistolets laser, les voitures volantes et les hoverboards tant attendus ? Qu'en est-il de la colonisation de la lune ? Et de nos robots domestiques ? Dans Où est mon jetpack ? , le roboticien Daniel H. Wilson porte un regard amusé et amusant sur le futur que avons toujours envisagé. Il nous fait découvrir la technologie, met en lumière des prototypes existants et dévoile les plans et croquis de ces appareils. Vous découvrirez quelles technologies existent déjà, qui les a conçues et où les trouver. Si la technologie n'est pas publique, vous apprendrez à la construire ou à la voler. Les inventions vont de la téléportation à la cryogénisation en passant par les villes gratte-ciels. Elles sont superbement illustrées par Richard Horne (101 choses à faire avant de mourir), Où est mon jetpack ? est une plongée fascinante dans le monde que nous avons toujours voulu.
01/2019
Religion
Lettre au pape François. Pour Charles de Foucauld, le centenaire mis sous le boisseau
En 2016 s'est tenu le centenaire de la mort de Charles de Foucauld, assassiné en 1916 dans le désert du Sahara. Pendant un an, des expositions ont eu lieu, des livres ont été publiés, dont la presse s'est fait l'écho. Ce livre est la chronique de ce centenaire. Pendant cette année d'anniversaire, J-F Six a recueilli tout ce qui a été dit et fait à propos de Charles. Son constat est sans appel : cent après sa mort, le frère universel reste largement méconnu, victime d'un amoncellement de légendes, d'idées-reçues, de mythes, de falsifications. Adressé au pape François, si proche par ses paroles, ses actes et son sens évangélique du " dehors " des intuitions de Charles, ce livre se présente comme un plaidoyer pour Foucauld, le vrai Foucauld. Ce n'est pas une plainte triste, un réquisitoire amer, mais un ouvrage pétri de l'espérance joyeuse que le coeur, aujourd'hui occulté, du message de Foucauld sera peu à peu découvert et manifesté. D'une plume vive, libérée du souci d'érudition, l'auteur nous révèle le vrai visage de Charles. Ce chantre de la fraternité, précurseur des Gandhi, Luther King ou Mandela qui n'était pas le saint de vitrail, enfoui dans le silence, confit en piété, que la légende a décrit, mais l'homme de la rencontre au ras du sol, au quotidien. Et le prophète d'une évangélisation nouvelle : non pas convertir et dogmatiser d'en haut, mais écouter d'abord, partager la condition humaine à travers l'amitié, la bonté, la conversation quotidiennes. Et annoncer Jésus de Nazareth par sa vie, en devenant un évangile vivant.
02/2018
Histoire de France
Henri d'Orléans, le prince explorateur
Henri d'Orléans (1867-1901) est l'arrière-petit-fils du roi Louis-Philippe. La loi du 22 juin 1886 lui interdisant d'entrer à Saint-Cyr, il se consacre à une carrière d'explorateur. Après un premier tour du monde, puis un périple mémorable avec Gabriel Bonvalot, de Paris au Tonkin à travers les plateaux du Tibet, il accomplit plusieurs expéditions souvent périlleuses en Indochine, à Madagascar et en Ethiopie. Il fait évoluer le métier d'explorateur. Etre pionnier c'est certes s'aventurer dans des territoires vierges ou découvrir la source de fleuves comme l'Irraouaddy, mais c'est aussi analyser le potentiel économique et commercial des pays explorés. Son ambition est, en effet, d'accélérer le développement et d'accroître le prestige de la France en Asie et en Afrique. Explorateur reconnu par ses pairs pour son oeuvre scientifique, il est aussi un "reporter" travaillant pour des journaux français et américains. C'est d'ailleurs à la suite d'articles sur les prisonniers italiens en Ethiopie qu'il doit se battre en duel avec le comte de Turin en 1897. Entre deux expéditions, il donne des conférences et organise de brillantes expositions des spécimens de faune et de flore qu'il a rapportés. En 1901, il entreprend un ambitieux voyage en Indochine, en Chine, en Corée et aux Etats-Unis. C'est son dernier voyage. Il meurt à l'âge de trente-trois ans d'un abcès du foie à Saigon. Ce destin brisé est un choc pour le monde scientifique qui le respecte. Henri d'Orléans demeure un modèle de "prince explorateur".
10/2016
Art de l'Asie du sud-est
Arts Asiatiques N° 76, 2021 : Annales du musée national des arts asiatiques-Guimet et du musée Cernuschi
Arts Asiatiques a repris la tâche assurée par la Revue des Arts Asiatiques, fondée en 1924 par les musées de France et placée à partir de 1933 sous la direction de Georges Salles, qui deviendra directeur du musée national des arts asiatiques (Guimet) puis des musées de France. En 1959, Jean Filliozat alors directeur de l'Ecole française d'Extrême-Orient (EFEO) prend la direction d'Arts Asiatiques. Depuis 1962 la revue est placée sous la responsabilité institutionnelle et scientifique de l'Ecole en partenariat avec le musée national des arts asiatiques – Guimet et le musée Cernuschi et avec le concours de la Direction générale des patrimoines, Service des musées de France. Depuis 2010, Arts Asiatiques est dotée d'un conseil scientifique sanctionnant une ouverture internationale également présente au travers de textes en anglais, en chinois et en japonais. Arts Asiatiques vise à faire progresser la connaissance des civilisations asiatiques en faisant dialoguer archéologie, histoire de l'art, recherche et histoire muséale, en France où elle constitue la revue des principaux centres français d'étude et de présentation des arts de l'Asie, et à l'étranger. Ses aspects sont multiples : archéologie de terrain, historiographie, édition de documents iconographiques et d'inscriptions, restitution du contexte culturel et technique d'une oeuvre d'art, expositions d'importance et nouvelles acquisitions des musées d'arts asiatiques sont toujours, pour la revue, l'occasion de donner accès aux sources orientales les plus authentiques. Arts Asiatiques présente chaque année, sous forme d'articles de fond, de chroniques, de notes et de comptes rendus, des études richement illustrées sur les arts de l'Asie et les progrès de la recherche archéologique en Orient.
02/2022
Guerre d'Algérie
AlgérieS. Vécus et Questionnements autour d’une guerre
Philippe Andlauer est soldat d'une unité d'élite en 1961, engagé dans un conflit parce qu'il ne se voyait pas ne pas y aller entre son pays la France, le Maroc de son enfance, l'Algérie de ses frères, et la culture militaire et coloniale de sa famille. Homme d'éthique et de culture, il observe, regarde, participe, anticipe, analyse, puis un jour, devant l'indicible, refuse d'entrer dans un processus d'escalade face à un horizon dramatique dont il a la plus grande conscience. Il en payera le prix fort dans les réponses militaires, sociétales, et familiales qui lui seront opposées. Il nous livre aujourd'hui ses vécus les plus saillants, et en tire des attitudes de pensées rarement exprimées entre stigmates, consciences, et étonnements. Francesca Mauduit enseigne la guerre d'Algérie au lycée des Iscles à Manosque. Très vite, elle participe à la perception et à la diffusion des connaissances propres à cette période en accompagnant notamment la Maison d'Histoire et de Mémoire d'Ongles qui accueille régulièrement des élèves face à des témoignages directs des effets de la guerre d'Algérie. Visites, expositions, et journées d'étude complètent concrètement ce dispositif. Toutes ces actions, soutenues par l'Office National des Anciens Combattants et Victimes de Guerre et par les collectivités locales, élargissent le champ des connaissances à la lumière des avancées et des recherches entreprises en faveur de découvertes libérées des approximations ou des occultations habituelles. Jean Charles Jauffret est spécialiste de la guerre d'Algérie, professeur émérite en histoire contemporaine, ancien directeur du département d'histoire et du Master d'histoire militaire comparée géostratégie, défense et sécurité de Sciences Po Aix.
02/2022
Romans policiers
Panique à Drouot
Dans l'atmosphère mystérieuse de l'hôtel des ventes de Drouot se trament les machinations les plus cruelles. Alors qu'une vente aux enchères vient juste de prendre fin dans la luxueuse salle parisienne de Drouot, un commissaire-priseur est retrouvé assassiné de la pire des façons : son corps enfermé dans une " vierge de Nuremberg " , un instrument de torture du Moyen Age particulièrement vicieux. Le commandant Frédéric Vicaux et son adjointe Laetitia Roux, de la brigade criminelle de Paris, sont chargés de l'enquête. Ils vont découvrir, stupéfaits, que le monde si respectable du marché de l'art cache de terribles secrets. Derrière les rideaux de velours rouge, les tableaux de maîtres servent parfois d'appâts aux manipulations les plus machiavéliques. A propos de l'auteur Eric Mercier a travaillé vingt-cinq ans dans la finance avant de se reconvertir. Docteur en histoire de l'art et commissaire d'expositions, il a publié plusieurs ouvrages. Lauréat du prix de littérature 2022 du Lions Club Ile-de-France, Fauves explore l'impétuosité de la peinture fauviste. Dans Panique à Drouot, l'auteur nous emmène dans l'atmosphère mystérieuse du célèbre hôtel des ventes. Pour contacter l'auteur : e. mercier94@gmail. com " Bienvenue dans le monde impitoyable et dangereux du monde de l'art et des marchands de tableaux. Quelle belle pépite ! " Gérard Collard " Un super roman documenté, une intrigue qui se tient et surtout qui ne se lâche pas ! Un super polar français, que du BONHEUR ! " Lydie Zannini, librairie du Théâtre " Un polar tortueux et passionnant. " Pierrick Fay, Les Echos "Eric Mercier tient passionnément son lecteur en haleine". L'Est Républicain
09/2023
Architecture régionale
Terres de Seine. Paysages et patrimoines au coeur des Yvelines
Depuis la confluence de l'Oise jusqu'aux portes de la Normandie, les méandres de la Seine ont de longue date inspiré le regard de "faiseurs d'images". Ce livre n'est pas sans devoir au pinceau de Monet et à la plume de Maupassant, précédant les générations d'arpenteurs qui, jusqu'à nos jours, ont voulu transmettre leur passion pour un territoire en constante mutation, bientôt conquis par l'expansion urbaine. Cet ouvrage témoigne donc autant des permanences que des bouleversements contemporains qui contribuent à façonner les paysages. Le travail des services de l'inventaire de la Région Ile-de-France et celui de l'Observatoire photographique du paysage de la vallée de la Seine dévoilent ici les richesses méconnues d'un territoire de près de quatre-vingt communes au coeur des Yvelines. Tous les Franciliens perçoivent depuis l'autoroute ces repères visuels que sont les cheminées de Porcheville, les tours de la collégiale de Mantes ou le château d'eau de Peugeot à Poissy. Mais il est des îles inhabitées, des espaces boisés à perte de vue, des champs ouverts, des carrés de vigne, des fermes isolées, des belvédères, des usines, des villages qui restent largement méconnus. Ces paysages, ces architectures, ce patrimoine étudiés par des historiens et des conservateurs sont ici mis en lumière grâce au travail photographique exceptionnel réalisé par Ambroise Tézenas, Jérémie Léon, Laurent Kruszyk et François Adam dans le cadre de l'Observatoire photographique du paysage de la vallée de la Seine. Ce livre est publié à l'occasion de la deuxième Biennale d'architecture et du paysage (BAP ! ) de la Région Ile-de-France qui consacre trois expositions à ce travail.
06/2022
Histoire de la BD
La fabrique de la bande dessinée. Perspectives sociologiques et sociosémiotique sur la bande dessinée
La bande dessinée ce n'est pas seulement des albums et des héros, ce sont aussi des auteurs et autrices qui en font les scénarios et qui la dessinent ; des éditeurs, petits ou grands, aux logiques plus ou moins expérimentales ; des supports variés, de la revue au numérique en passant par l'album ; des festivals qui la célèbrent, du plus connu au plus méconnu ; des libraires qui la vendent, notamment dans des boutiques spécialisées ; des bibliothécaires qui la mettent en avant dans leurs médiathèques grâce à des expositions ou des conférences ; des universitaires qui en font l'histoire ou la théorie ; des critiques enfin qui en parlent dans des revues papiers ou sur des sites internet. Bref, la BD, c'est tout un monde très riche de créateurs et de médiateurs qu'un seul livre ne peut suffire à décrire et à analyser. Mais c'est une première pierre à l'édifice, dont l'approche ne peut être que pluridisciplinaire. C'est pourquoi il est bien question ici de sociologies au pluriel, qui visent à comprendre concrètement ce que faire de la bande dessinée veut dire et que pratique aussi bien le civilisationniste, le littéraire, que l'historien du présent et de la culture, le sociologue évidemment ou le spécialiste d'information-communication qui en propose une socio-sémiotique. Ce sont quelques 17 spécialistes qui offrent ainsi un large panorama de cette fabrique de la bande dessinée à travers trois grands axes : le jeu des marges (sociologie éditoriale) ; le jeu des identités (sociologie professionnelle) et le jeu des passages (les processus de légitimation et " d'artification ").
04/2023
Histoire de l'art
"Un Art Autre". Le rêve de Michel Tapié
"Tapié, dans ces moments mondains, était vraiment très fort. Je le voyais repérer des oeuvres et dire, sur un ton remarquablement certain : "Celui-là c'est un artiste" et il le lançait ! C'était magique ! " raconte Ezio Gribaudo, éditeur de livres d'art. Quiconque a travaillé avec Michel Tapié ou étudie aujourd'hui son oeuvre ne peut qu'être bluffé, d'abord par son oeil, mais aussi par l'incroyable invention de son métier et par ses ingénieuses stratégies pour attirer les artistes de son choix dans les galeries qu'il conseillait. Fruit d'une passionnante recherche dans les archives internationales et familiales inédites, de rencontres avec les témoins, artistes, collectionneurs et galeristes, cet ouvrage, première véritable étude sur le sujet, rend compte des activités protéiformes de Michel Tapié de Céleyran (1909-1987). Il sut, en effet, inventer la profession d'entrepreneur d'art en conciliant plusieurs activités (critique d'art, éditeur, conseiller artistique, courtier et collectionneur), en mettant en relation des galeries internationales et en organisant à travers le monde (France, Espagne, Etats-Unis, Italie, Japon ou Iran), de nombreuses expositions itinérantes autour d'artistes tels que Accardi, Appel, Capogrossi, De Kooning, Dubuffet, Fontana, Kline, Kopac, Mathieu, Pollock, Riopelle, Sam Francis, Saura, Tàpies, etc. Qui pourrait se vanter d'avoir contribué, comme Michel Tapié, aux destinées internationales de ces plus de cent-quatre-vingts artistes qui constituent la constellation d' "Un Art Autre" , nom qui est aussi celui d'un véritable système théorique et marchand qu'il a adroitement orchestré de la fin de la Seconde Guerre mondiale jusqu'au début des années 1970 ?
09/2023
