Musée virtuel
Extraits
Beaux arts
Co-création
Co-Création est une publication plurielle inscrite dans une recherche sur les pratiques artistiques en co-création engagées dans le champ social, menée depuis 2013 par Céline Poulin (directrice du CAC Brétigny) et Marie Preston (artiste et enseignante-chercheuse à l'université Paris 8) avec la participation de Stéphanie Airaud (responsable des publics et de l'action culturelle au MAC VAL). Elle s'est développée en appui sur trois journées d'études au MAC VAL et au CAC Brétigny, d'un séminaire du master Média Design Art Contemporain de Paris 8 à la Villa Vassilieff et d'une exposition au CAC Brétigny. Nouvel avancement théorique et non actes de colloque, l'ouvrage Co-Création permet de rassembler et de faire circuler en France et à l'étranger les apports de ce projet de recherche, sachant qu'aucun livre de référence n'existait en France à ce jour sur ces questions, et que ce livre nous permet de poursuivre un dialogue avec tous ceux qui contribuent internationalement à ces réflexions. Ainsi, ce livre acte le développement d'un travail collectif qui contribue à réunir, entre autres, des universités françaises et internationales, des centres d'art, des musées, une école d'art, etc. Différentes questions posées par les pratiques de co-création et abordées dans les épisodes précédents y sont reprises et approfondies quand de nouvelles ont émergé : quel héritage de l'éducation populaire dans les pratiques de co-création ? Qui parle quand on parle à plusieurs ? Quels sont les enjeux de pouvoirs et de statuts dans un groupe qui oeuvre ensemble ? Quelles relations d'intimité, de rapport au quotidien cela implique-t-il ? Quelles interactions existent entre les pédagogies alternatives et les pratiques de co-création ? Quelles méthodologies d'évaluation esthétique ou non sont possibles ? Constituée de textes théoriques et/ou personnels de philosophes, sociologues, anthropologues, artistes et historien.e.s de l'art et d'entretiens, l'édition s'organise autour de cinq thématiques essentielles et transversales : conversation, collectif, éducation, vulnérabilité et évaluation.
03/2019
Généralités médicales
Les hôpitaux français et leur patrimoine
Lieu d'accueil, centre de soins, espace symbolique où se jouent des rapports sociaux fondamentaux, l'hôpital est aussi un lieu de mémoire. De fait, conséquence de leur longue histoire, nombre d'hôpitaux publics possèdent un riche patrimoine mobilier artistique et historique, qui témoigne du rôle évolutif de l'institution hospitalière dans la cité. Malheureusement le patrimoine hospitalier est difficile à préserver et plus encore à mettre en valeur. Certes, les efforts déployés ces dernières années font qu'il est aujourd'hui relativement bien conservé. De nombreux acteurs sociaux s'en préoccupent et les projets foisonnent. En revanche, des problèmes sérieux subsistent quant à sa mise en valeur. Surtout, la valorisation du patrimoine est encore peu utilisée comme instrument de communication au service de l'hôpital d'aujourd'hui. Pourtant quelques expériences novatrices tentent de renouveler l'approche dominante et invitent à imaginer de nouvelles perspectives pour la valorisation du patrimoine des hôpitaux. Dans le cadre de sa formation de directeur d'hôpital, Jacques POISAT, aujourd'hui maître de conférences en sciences économiques, a réalisé un mémoire d'assistanat sur la muséographie hospitalière. Sa recherche s'est appuyée sur l'analyse des actions de conservation et de mise en valeur du patrimoine mobilier artistique et historique conduites par une soixantaine d'établissements (hôpitaux et musées) et sur les résultats d'un questionnaire adressé à 1085 hôpitaux publics. Au-delà du constat, il s'est attaché à proposer de nouveaux horizons à la valorisation du patrimoine hospitalier, afin qu'elle ne soit plus perçue seulement comme une contrainte mais qu'elle devienne un véritable moyen de communication de l'hôpital moderne. LES HÔPITAUX FRANÇAIS ET LEUR PATRIMOINE reprend l'essentiel de ce mémoire, qui fut l'une des deux études à recevoir en décembre 1991 le prix de l'Association des Anciens Élèves de l'École Nationale de la Santé Publique décerné par la Société Française d'Histoire des Hôpitaux.
01/1993
Beaux arts
Guerre et paix de Portinari. Un chef-d'oeuvre brésilien pour l'ONU
Guerre et Paix est la dernière oeuvre et pièce maitresse du peintre brésilien néo-réaliste Canido Portinari (1903-1962) considéré comme un des principaux artistes brésiliens du XXe siècle. Commandé par le gouvernement brésilien pour être offert aux Nations Unies, le diptyque "Guerre et Paix" est installé à l'ONU à New-York depuis 1957. Situées à l'entrée de la grande salle de l'Assemblée générale de l'Onu, les deux panneaux ne sont visibles que par les seuls délégués des pays membres. En raison des travaux au siège de l'Onu les deux panneaux ont été prêtes au Brésil où ils on fait l'objet d'une campagne de restauration en 2011. Le diptyque monumental sera de retour à l'ONU dans l'été 2014 après restauration et deux expositions à Sao Paulo et Belo Horizonte. "Les panneaux Guerre et Paix représentent sans aucun doute le meilleur travail que j'aie réalisé...je les dédie à l'humanité" avait déclaré le peintre en 1957 à l'issue des quatre années consacrées à la création de cette oeuvre. Ces deux panneaux de 14 m de haut et 10 m de large représentent des scènes universelles symbolisant la guerre et la paix. Ils seront accompagnés lors de l'exposition des études préparatoires. Leur caractère monumental s'accordera parfaitement à la sobre monumentalité du Salon d'Honneur. L'exposition comprend aussi trente-cinq études préparatoires, un espace multimédia qui présente l'oeuvre complète de Portinari (presque cinq mille oeuvres), classée par ordre chronologique, cinq écrans interactifs présentant la vie du peintre et son contexte historique et une salle de projection où des vidéos sur le Projet Guerre et Paix sont exposées. L'exposition est organisée par le Projeto Portinari, avec le soutien du ministère des Affaires étrangères et du ministère de la Culture du Brésil, du ministère de la Culture et Communication de la France et de la Réunion des musées nationaux - Grand Palais, et la coordination de Expomus.
05/2014
Histoire de France
Jean Zay. Le ministre assassiné (1904-1944)
Député radical-socialiste à 28 ans, ministre de l'Éducation nationale et des Beaux-Arts de 1936 à 1939, Jean Zay fut assassiné par la milice avant même d'avoir eu 40 ans, le 20 juin 1944. Pourquoi ce destin hors du commun, cet accès précoce à de très hautes responsabilités et cette fin tragique ? Pour répondre à ces questions, on retrace ici simplement et clairement la vie et l'action de Jean Zay : ses origines familiales, sa formation, son ascension politique, puis son rôle à l'Éducation nationale sous le Front populaire. Par ses projets, ses décisions, sa méthode et son style, il fut un grand ministre réformateur : classes de fin d'études primaires, sixièmes d'orientation, activités dirigées, sport à l'école, mise en réseau des centres d'orientation, création du CNRS. Chargé des Beaux-Arts, il leur donne, résolument soutenu par un mouvement de fond à la fois moderniste et démocratique, une inspiration nouvelle qui annonce les enjeux de la "Culture" d'après-guerre : réforme de la Comédie-Française, premières subventions aux "jeunes compagnies", nouveaux musées, soutien à la lecture publique, liens Culture-Loisirs, festival de Cannes... Après Munich, c'est dans le gouvernement l'un des ministres les plus fermes dans la volonté de résister à l'Allemagne nazie. Les collaborateurs dénonceront d'ailleurs en lui un fauteur de guerre, coupable de ne pas avoir fait la paix avec Hitler. Suprêmement intelligent et cultivé, actif, organisé, ouvert, Jean Zay tranchait sur la grisaille du personnel politique d'alors. De plus, sa réussite lui promettait un rôle majeur dans les gouvernements à venir. Mais il représentait tout ce que Vichy détestait. Aussi, après un procès proprement scandaleux, le nouveau régime le condamna-t-il à la détention à perpétuité. Emprisonné à Riom pendant toute la guerre, il est finalement exécuté au coin d'un bois. Ainsi finit tragiquement un ministre éminemment sympathique, efficace et moderne, qui avait mis en mouvement l'école républicaine et fait lever de grands espoirs.
05/2015
Musique, danse
Le madrigal en son jardin
A la fois fête du chant et peinture du mot, le madrigal a été, dès sa naissance, chéri des Muses et des poètes, au fil d'une complicité intime entre la mélodie et la langue italienne et, à travers cette interaction, c'est l'une des aventures fondatrices de la musique occidentale qui s'incarne en lui. Après une première carrière à la fin du Moyen Âge, le genre connaît, au XVIe siècle, une fortune singulière, reflet d'une pratique collective où l'approche des simples amateurs et des familles n'est pas découragée par celle des chanteurs professionnels des cours
princières. Il s'agit d'une musique de consommation domestique et quotidienne, à l'opposé de l'opéra baroque et post-baroque qui sera toujours réservé à des virtuoses de haut niveau. Solidaire de la poésie de son temps qu'il ne cesse de magnifier, le madrigal est également une pierre angulaire de l'histoire de la musique européenne, puisque c'est dans ses transformations que se joue la grande mutation de la musique polyphonique de la Renaissance s'ouvrant à la théâtralité de l'expression individuelle qui caractérisera l'époque baroque.
De cette forme, véritable " phénomène de société, " qui se développe dans toute l'Italie, Roger Tellart brosse l'histoire, de ses débuts plus ou moins enracinés dans la musique populaire à son plein épanouissement sous la plume de compositeurs savants, dont les plus glorieux sont Gesualdo et Monteverdi. Tout en mettant l'accent sur l'Italie, berceau et patrie du madrigal, il ne néglige pas un détour vers d'autres contrées, l'Angleterre ayant aussi connu
une floraison précieuse à la même époque.
L'ouvrage se compose de deux parties : à un exposé historique qui définit la forme, les enjeux esthétiques et l'histoire du madrigal succèdent, classées alphabétiquement, des notices consacrées à tous les compositeurs ayant illustré ce genre.
05/2004
Beaux arts
Conserver/Restaurer. L'oeuvre d'art à l'époque de sa préservation technique
La conservation et la restauration des oeuvres d'art sont en apparence les deux faces d'une même réalité. Les musées n'ont-ils pas pour mission d'exposer et de protéger leurs oeuvres ? Mais c'est compter sans une extension inédite des biens culturels et la propension à y inclure les choses les plus diverses, y compris les plus contemporaines. En sorte que ces deux missions peuvent devenir contradictoires. Les termes qui caractérisent cette situation nouvelle (" patrimoine ", " curateur " qui s'est susbtitué à " commissaire ", etc.) indiquent la grande transformation : sous l'effet du marché de l'art, de la place qu'il occupe dans le monde de la finance et de la manière dont il s'est internationalisé, les oeuvres sont des biens qui ont un prix au même titre que d'autres. A cette valeur nouvelle s'ajoute l'importance prise par leur dimension contemporaine, puisque la mémoire dans nos sociétés est indissociable d'un rapport à l'histoire désormais centré non plus sur le passé mais sur le présent - un présent sans futur et qui est à lui-même son propre horizon. Dans l'état présent de l'art et de la culture, entre les valeurs tournées vers le passé et celles qui pourraient projeter un futur, la différence s'est estompée. La patrimonialisation excède les seules valeurs du passé ; elle brasse jusqu'aux cultures les plus hérérogènes ; elle a pour objets le passé et le présent, l'homogène et l'exogène, l'ordinaire et l'extraordinaire. Elle reflète un rapport au temps qui privilégie l'immanence, tout en l'historicisant : loin de s'ouvrir sur la production d'un autre temps à venir, elle prend d'emblée le visage de l'histoire. Ainsi se comprend la patrimonialisation du présent, et le souci croissant qui entoure désormais les productions contemporaines, y compris dans leurs composantes techniques, singulièrement créditées d'une valeur que leur obsolescence particulière rend d'autant plus digne d'intérêt.
02/2016
Romans historiques
Moscou Stalingrad koursk D-Day Berlin
Yuri Barashkov est professeur à l'Université fédérale du Nord (Arctique). Né à Arkhangelsk, Russie, il a été de 1989 à 1991 député du peuple d'Union soviétique. Architecte de formation, il a pour passion l'histoire, et a publié plusieurs ouvrages sur la Seconde Guerre mondiale, parmi lesquels Dora, La Seconde Guerre mondiale de l'oncle Anton, ainsi que Les Convois arctiques dans l'esprit de Glenn Miller. Je me suis rendu sur les plages du Débarquement, en Normandie. J'ai vu les sites historiques, les cimetières, les monuments, les musées, et sur chacun des sites, devant chacun des monuments, les drapeaux sur les mâts. Les drapeaux de tous les alliés de la Seconde Guerre mondiale, sauf celui de l'Union soviétique, comme si celle-ci n'avait pas participé au conflit. Or, si le D-Day a pu avoir lieu, et s'il a été couronné de succès, c'est en grande partie parce qu'il y avait eu auparavant les batailles de Moscou, de Stalingrad et de Koursk, que les divisions d'élite de la Wehrmacht y avaient été anéanties. Et parce qu'en juin 1944 beaucoup d'unités allemandes étaient encore mobilisées sur le front de l'Est. Soixante-quinze ans se sont écoulés depuis la fin de la Seconde Guerre mondiale. Et les jeunes générations la connaissent aujourd'hui d'abord par les nombreux monuments qu'elle a engendrés, sans savoir toujours quels événements ils commémorent. Ce livre évoque les principaux épisodes du conflit, et tente de comprendre leurs enjeux. Et c'est le point de vue d'un homme âgé de 80 ans à présent, que la guerre a touché de manière "collatérale". En 1941-1945, Russie, Etats-Unis, France et Grande-Bretagne étaient alliés, et la victoire sur le fascisme a été une victoire collective. Notre Victoire. Puissent célébrations et commémorations être dans un proche avenir l'occasion de renouveler enfin cette alliance ! ... Yuri Barashkov
08/2019
Histoire ancienne
Les Celtes. Histoire et dictionnaire
Nos ancêtres les Celtes, les nôtres, c'est-à-dire ceux de vingt-deux pays d'Europe - ici Gaulois, ailleurs Boïens ou Galates... Les Celtes ont disparu, mais leurs langues subsistent encore en Bretagne, en Cornouailles, en Ecosse et en Irlande, au cœur d'une culture vivante et féconde. La conscience du rôle fondateur des anciens Celtes dans la formation de l'Europe se développe bien au-delà de ces régions atlantiques. Leur domination, culturelle, économique et militaire s'étendit pendant de longs siècles, de l'Océan aux Karpates et des grandes plaines du Nord aux rivages de la Méditerranée. Les auteurs grecs et latins exaltèrent surtout l'aspect militaire, mais l'étude des vestiges archéologiques permet d'esquisser une image des Celtes bien plus complète, surprenante pour ceux qui ne voient toujours en eux que des barbares, courageux mais incultes.
Faire connaître l'histoire et la culture des anciens Celtes dans toute son extension européenne est le but et la nouveauté de cet ouvrage : après la présentation et l'analyse des sources, une synthèse historique fondée sur les derniers résultats de la recherche illustre les vicissitudes du monde celtique, depuis ses lointaines origines jusqu'à la perte de l'indépendance et l'avènement du christianisme. Un Dictionnaire de plus de deux mille entrées fournit une masse d'informations jamais rassemblées auparavant sur les sites, objets, coutumes, aspects de la vie quotidienne, personnages mythiques ou réels, ainsi que les bilans par pays. L'illustration abondante invite à poursuivre la lecture parmi les musées d'Europe et d'ailleurs qui conservent et mettent en valeur les innombrables traces des Celtes révélées par des générations d'archéologues.
Le lecteur découvrira pourquoi deux semaines de sept jours font une quinzaine, pourquoi le gui est associé au Nouvel An, combien de villes de France et d'Europe sont des fondations celtiques... et bien d'autres aspects d'un richissime héritage que nous côtoyons au quotidien sans nous en apercevoir.
11/2000
Objets d'art, collection
Homo lapidibus. La passion des pierres
En revenant sur sa vie, l'auteur nous fait plonger dans le monde fascinant de la gemmologie. Elle nous livre les secrets de joyaux à l'histoire remarquable, et s'interroge sur cette passion irrationnelle des hommes pour les pierres. Depuis la nuit des temps l'homme est dévoré par une passion insensée pour les pierres exceptionnelles. Comme s'il voyait en elles la quintessence du mystère de l'univers. Irrationnelle me direz-vous ? Pourtant cette fièvre a façonné l'histoire de l'humanité, écrit les plus beaux romans d'amour, déclenché de terribles guerres, fait et défait des fortunes considérables... Une quête d'absolu que l'auteur a explorée dès son plus jeune âge. Gemmologue reconnue, elle a arpenté la Terre, les mines, les musées, les ventes, les trésors privés. Observatrice avisée, elle a côtoyé toute sa vie cette passion dévoreuse, amassant une connaissance rare sur ces pierres, fabuleuses autant par leur histoire que par leur rareté, leur valeur et les pouvoirs surnaturels qu'on leurs prêtes jusqu'à les relier aux astres qui nous gouvernent. Cet ouvrage n'est pas seulement l'histoire d'une vie consacrée à l'étude des pierres, c'est aussi l'aventure de bijoux aux destins séculaires, sortis bruts de la Roche Mère et qui ont pris leur fascinant éclat sous la main habile de l'homme. C'est une ode à l'amour des pierres précieuses sans lesquelles l'humanité ne serait pas tout à fait la même, révélant ainsi la singularité de l'esprit humain, aspiré depuis toujours par le merveilleux. C'est enfin un cri d'alarme ! Les pierres synthétiques, en, plus d'être trop parfaites, n'ont pas d'histoire. Qu'on prenne garde de ne pas briser l'imaginaire, l'humanité en serait changée. Car les pierres rares permettent aux hommes de caresser l'irrationnel, de flirter avec l'éternité.
11/2022
Architectes
Piano. Renzo Piano, Building Workshop. Complete Works 1966-Today, 3rd edition, Edition français-anglais-allemand
Renzo Piano a acquis une réputation internationale après sa participation à la conception du Centre Pompidou de Paris, que le New York Times décrivit comme le bâtiment "qui a mis le monde de l'architecture sans dessus dessous" . Depuis, il a persisté à imaginer des espaces culturels emblématiques comme l'aile moderne de l'Art Institute de Chicago et, plus récemment, le Whitney Museum of American Art, une structure asymétrique sur neuf niveaux érigée dans le Meatpacking District de Manhattan avec des galeries intérieures et d'autres à ciel ouvert. Piano a aussi marqué Londres de son empreinte en piquant dans sa ligne d'horizon le Shard, l'édifice le plus haut de l'Union européenne. A 81 ans, le maestro italien conserve tout son enthousiasme et sa générosité, et ses créations récentes sont plus impressionnantes que jamais. "Je pense qu'à un certain âge on peut découvrir qu'il existe quelque chose comme ce que les Français appellent un fil rouge, qui relie les bâtiments les uns aux autres au fil du temps" , a-t-il confié à l'auteur de cet ouvrage. "Dans mon cas, je pense que c'est une affaire de légèreté et d'art de la construction" . Qu'il s'agisse des musées érigés il y a peu à Athènes et Santander, de ses travaux en cours à Los Angeles, Moscou, Beyrouth et Istanbul, ou de projets humanitaires tels que le centre de chirurgie pédiatrique d'urgence d'Entebbe, en Ouganda, ou le centre de soins palliatifs pour enfants de Bologne, en Italie, la carrière de Piano est un périple captivant dans la beauté et l'essence même de l'architecture. Réalisée à partir de l'imposante monographie format XXL, cette édition retrace l'ensemble de la carrière de Piano à ce jour dans un format accessible, enrichi de plus de 200 nouvelles pages illustrées de photos, de croquis et de plans.
09/2021
Histoire de France
Les cent-jours de Napoléon
L'acte ultime des cent-jours de Napoléon, la bataille de Waterloo, est l'une des plus célèbres et des plus grandes batailles de l'histoire européenne, point d'orgue d'une épreuve de force entre les géants militaires de l'époque — Napoléon et Wellington — qui se sont affrontés pour la première et unique fois le matin du dimanche 18 juin 1815, au sud de Bruxelles, au milieu de champs détrempés et de vallons. Plus de 150 000 soldats français, britanniques, néerlandais et prussiens ont participé à une confrontation épique, sanglante et décisive, qui mit fin aux guerres napoléoniennes, conduisit à l'abdication de l'Empereur et contribua à l'instauration de plusieurs décennies de paix en Europe. Sous la plume de Peter et Dan Snow, historiens militaires et journalistes, cet ouvrage remarquable raconte l'histoire de l'ultime campagne de l'Empereur, depuis son départ de l'île d'Elbe jusqu'à sa dernière bataille à Waterloo. Grâce à des documents d'archives exceptionnels et à des fac-similés, dont certains sont publiés pour la première fois — esquisses de plans, cartes, lettres, ordres, documents officiels et proclamations faisant partie des collections d'archives et de musées européens — vous pourrez revivre cet extraordinaire moment de l'Histoire. Entrez au coeur de l'action en lisant le journal de campagne d'un colonel de hussards, les ordres rédigés par le duc de Wellington à l'intention du commandant défendant la ferme d'Hougoumont, les lettres des officiers et des soldats écrites le lendemain de la bataille de Waterloo, le livret de solde d'un soldat de la Garde impériale de Napoléon, le Times du 22 juin 1815 qui publia la dépêche de Wellington annonçant sa victoire... Dans cet ouvrage incontournable, vous trouverez : 20 documents d'archives exceptionnels sous la forme de fac-similés ; 80 reproductions de tableaux, gravures et illustrations de l'époque ; 20 photographies en couleur d'objets venant de Waterloo ; 6 cartes en couleur des fronts et des batailles de Waterloo.
10/2018
Beaux arts
Comment regarder les symboles et allégories
Que disent les oeuvres d'art et que représentent-elles ? Est-il possible que, sous ce que voient nos yeux, l'artiste ait dissimulé un message caché ? Dans le très vaste répertoire des symboles du passé, les peintres ont puisé images et codes de représentation, dont la clef de lecture est souvent perdue. Ces codes font partie intégrante de la structure de l'oeuvre, et le spectateur, s'il ne les connaît pas, n'est pas en mesure de reconnaître ce que les images racontent ni la signification dont elles sont porteuses. Le présent volume veut offrir aux lecteurs d'aujourd'hui et aux visiteurs des expositions et des musées un instrument pour s'orienter dans le monde des images et apprendre à déchiffrer le sens caché de tableaux célèbres. Comme une telle matière interdit par nature une interprétation univoque et définitive, nous proposons quelques clefs d'interprétation des différentes oeuvres, sans avoir la prétention d'épuiser, en de simples et brèves explications iconographiques, l'étendue et la complexité de leurs références et des sujets qu'elles traitent. Cet ouvrage est organisé en quatre sections thématiques : la première, " Symboles du temps " , est consacrée à la manière d'exprimer la conception de la temporalité aux différentes époques de l'histoire européenne, et elle en présente les principales personnifications symboliques ; la deuxième section, " Symboles de l'homme " , illustre quelques archétypes de l'imaginaire culturel et anthropologique de l'humanité tirés des traditions religieuses et philosophiques de l'Occident ; la troisième section, " Symboles de l'espace " , se propose de faire découvrir au lecteur des lieux " magiques " du monde qui l'entoure ; et la quatrième section, intitulée " Allégories " , s'attache aux principaux thèmes iconographiques de l'histoire de l'art. Dans les annexes, sont présentées les sources littéraires, philosophiques, religieuses et iconographiques dont se sont inspirés les artistes ou les intellectuels qui guidaient ceux-ci dans la composition de leurs oeuvres, ainsi qu'une bibliographie essentielle, permettant ainsi au lecteur d'approfondir la connaissance de ce monde fascinant et riche de nombreuses surprises captivantes.
08/2018
Revues
Assiégées N° 5, septembre 2021 : Transmettre
Où se situent nos mémoires ? Dans notre mémoire des lieux, au coin de la rue, quand un souvenir émerge. Dans le fond d'un carton poussiéreux d'archives ; dans les musées coloniaux ; les cimetières. Dans l'usine ; les champs ; les sites de construction ; les chambres de bonne ; les douches publiques. Les foyers de travailleurs immigrés ; les bidonvilles ; les camps ; les prisons ; les parloirs ; les cités de transit. Dans les traversées. Dans des espaces prévus pour disparaître. Dans des espaces qui prévoient notre disparition. Dans la garde que prend mon corps ; nos jambes qui courent en zigzag ; nos cicatrices ; mes poils ; les mains abîmées par l'eau de javel ; l'espace pour poser sa tête sur les jambes de Setti. Dans l'odeur de l'ail et des épices de "chez-moi" ; le miel et l'huile d'olive ; les fleurs de jasmin ; le bon café qui siffle dans l'ibriq. Dans les rituels couchés sur des papiers secrets ou transmis par le corps ; les rituels afro-caribéens ; les arts martiaux et les danses ; le gwo ka, le kalarri payattu, la capoeira, le hip hop. Dans des mappemondes tenues à l'envers ; les vieilles photos et papiers d'identité enveloppés dans de l'aluminium ; les foulards des aïeules ; les jouets cachés au fond d'un tiroir, sous une pile de vieux sous-vêtements ; nos laissez-passer, nos cartes de séjours, nos passeports ou leur absence. Nos silences et non-dits. Nos récits oraux et nos histoires. Nos tentatives pour préserver nos mémoires. Nos tentatives pour transmettre nos luttes, nos traces, nos sillons, nos mondes. Ce cinquième numéro, "Transmettre" , se propose d'évoquer nos mémoires et amnésies intimes et collectives. Les transmissions passent par les corps, les gestes, l'ordinaire, le mondain, les luttes, par nos ancêtres et nos liens à la terre. Comment transmettre ? Qui transmet ? Où? A qui ? Quoi et pourquoi ? Sous quelles conditions ?
09/2021
Art de vivre
Maîtresse de cérémonies. Cinquante ans d'art de vivre à la française
Vous ne connaissez pas Françoise Dumas ? C'est normal, la discrétion est sa ligne de conduite. Pourtant, ces cinquante dernières années, c'est elle qui a tiré les ficelles des plus belles soirées de France, organisant des réceptions restées dans la mémoire de tous ceux qui y ont participé et que voici racontées pour la première fois. Jeune Parisienne dans les années 1950, Françoise Dumas se retrouve au lycée avec Marie Laforêt et Florence Delay. La voici sous le signe des arts ! Quelques années plus tard, elle apprend son métier, un tout nouveau métier, en entrant dans le cabinet de relations publiques Georges Cravenne, dont on se souvient encore aujourd'hui comme de l'inventeur de la cérémonie des Césars du cinéma. La jeune Françoise nous raconte ses débuts et sa réussite fulgurante, qui se concrétisera par la fondation d'une agence spécialisée dans l'organisation de réceptions connue dans le monde entier. Il ne s'agit pas de célébrité, loin de là, mais d'art de vivre, et d'un art de vivre qui a marqué la sociabilité dans le monde entier : l'art de vivre à la française. Aux côtés de Françoise Dumas qui l'a également appris sous la conduite des dernières grandes maîtresses de maison, comme Marie-Hélène de Rothschild ou Ira de Fürstenberg, nous apprenons les petits et grands secrets de l'art de recevoir, du service de table à la véritable campagne diplomatique qu'est le placement des invités. Toute réception réussie est une bonne dramaturgie. Celle qui se qualifie de " maîtresse de maison par procuration " organise pour les autres des événements, dîners, mariages, cérémonies, aussi merveilleux que discrets. Ayant eu pour clients des familles princières et de grands groupes du luxe, des fondations de " premières dames " et des musées prestigieux, elle nous fait pénétrer dans l'intimité de ceux qui sont devenus ses amis, de la famille de Monaco à la famille Arnault, de Bernadette Chirac à Karl Lagerfeld. Une artiste de la douceur de vivre.
10/2022
Canada
52 week-ends inoubliables au Québec et en Ontario
52 week-ends inoubliables au Québec et en Ontario, une inspiration pour vos escapades : balades gourmandes, virées urbaines, excursions sportives, pauses détente, séjours contemplatifs, sorties culturelles. 52 week-ends inoubliables au Québec et en Ontario renferme des idées aussi étonnantes que variées pour des escapades mémorables, qu'il s'agisse de balades gourmandes, de virées urbaines, d'excursions sportives, de pauses détente, de séjours contemplatifs ou de sorties culturelles ou festives. Abondamment illustré de magnifiques photographies, 52 week-ends au Québec et en Ontario met en lumière, pour chaque idée d'évasion, une activité phare justifiant à elle seule le déplacement : week-end vivifiant dans les parcs de Charlevoix ; exploration des vignobles des Cantons-de-l'Est, de la péninsule du Niagara et du Prince Edward County ; participation au Festif ! de Baie-Saint-Paul, au Festival de la poésie de Trois-Rivières et au festival shakespearien de Stratford ; croisière dans les Mille-Iles ; plaisirs d'hiver ou vélo dans les Laurentides ; tournée des microbrasseries du Saguenay-Lac-Saint-Jean ; pow-wow dans l'île Manitoulin ; séjour romantique à Québec ; excursion sur le canal Rideau ; tour du monde gourmand à Montréal et Toronto ; visite des musées d'Ottawa ; observation des baleines à Tadoussac, et bien d'autres encore ! Pour chaque escapade, ce volume donne aussi un aperçu des autres attraits, activités et festivals à ajouter au programme de votre week-end, selon vos intérêts, ainsi qu'un coup d'oeil sur les propositions culturelles, la gastronomie, la vie nocturne et le lèche-vitrine. Il renferme par ailleurs quantité de repères pour bien profiter de votre échappée de quelques jours : des suggestions éclairées sur l'hébergement, des indications pour vous déplacer efficacement, des tuyaux pour optimiser votre budget et autres conseils utiles. 52 week-ends au Québec et en Ontario vous convie à une impressionnante odyssée visuelle qui saura vous inspirer dans la préparation de formidables équipées de quelques jours. Un superbe ouvrage ! Un magnifique cadeau !
10/2021
Art sacré
Les Saints. Aventure spirituelle et représentation
Les Saints. Aventure spirituelle et représentation Vivants dans le coeur des fidèles, les saints se manifestent à tous à travers leurs images peintes ou sculptées, leur présence innombrable dans les musées ou les églises. Entre vénération religieuse et célébration artistique, dans leur éternité ou leur postérité, les saints ne sont pas révolus. Pour mieux lire leurs représentations et en saisir le sens, il faut entrer dans leur univers : découvrir leur vertu, connaître leurs miracles, comprendre leur aventure spirituelle. Les peintres se sont beaucoup attardés sur les martyres, si spectaculaires. L'iconographie des saints ressemble par certains aspects à un catalogue de supplices, tant il est vrai qu'ils (et elles) ont tout souffert. Ces supplices ont fourni aux martyrs leurs attributs iconographiques. On les voit arborer les instruments de leurs tortures ou de leur mort, ou les parties outragées de leur corps. Ces représentations rappellent au peuple des fidèles les hauts faits de ses héros. Dans cet ouvrage, présenté chronologiquement, ont été retenus 77 saints et saintes : nombre symbolique, composé du chiffre sept, biblique par excellence. Comme tout corpus, celui-ci a sa part de subjectivité, mais il a été surtout déterminé par la conjonction de deux critères objectifs : la vivacité de culte à travers les siècles et la présence notable dans l'histoire de l'art. Pour chaque saint, on trouvera un abrégé de sa vie, avec un ou deux miracles récurrents dans son iconographie. En regard, sous forme lapidaire : sa représentation et ses attributs ; les principales scènes représentées ; son culte et l'année de sa canonisation ; les corporations, catégories sociales, villes et pays placés sous son patronage ; les raisons pour lesquelles il est invoqué ainsi que le jour de sa fête. Enfin, un texte bref, sacré ou profane, complète le dispositif, variant les angles de vue et les éclairages, constituant une évocation émouvante ou poétique, inattendue, souvent éloignée des canons officiels.
11/2023
Moto
Xl-ultimate collector motorcycles
Bécanes de rêve : les motos les plus spectaculaires de la planète. De la Hildebrand & Wolfmuller de 1894 à l'Aston Martin AMB 001 de 2020, cet ouvrage expose superbement 100 des plus belles motos à avoir jamais fait vrombir l'asphalte et se pâmer les passionnés. Premières briseuses de records, luxueuses voyageuses, bolides des routes ou des circuits de Grands Prix, légendaires superbikes de production et customs exotiques, cet ouvrage célèbre ce que le design et l'ingénierie moto ont produit de meilleur. Nombre de modèles sont issus de collections privées renommées et n'ont été montrées que rarement. D'autres sont les vedettes incontestées des plus grands musées de la moto - comme la Brough Superior "Golden Dream" de 1938 ou la MV Agusta 500 4C de 1957, qui emporta John Surtees jusqu'à la victoire en championnat du monde. Les reliques étonnamment bien conservées côtoient un écurie de sportives mythiques chevauchées par des pilotes comme Dario Ambrosini, Tarquinio Provini, Mike Hailwood, Giacomo Agostini, Barry Sheene et Kenny Roberts. Les histoires captivantes associées à ces motos fabuleuses sont racontées en détail et illustrées par les clichés des plus grands photographes du genre, réalisés spécialement pour cette publication, ainsi que des bijoux tirés de diverses archives, des affiches promouvant les premières courses aux photos prises dans le vif de la course. Elle s'ouvre sur un avant-propos de Jay Leno, célèbre accro à la mécanique, et contient des interviews de George Barber, le fondateur du Barber Vintage Motorsports Museum ; Sammy Miller, pilote de course et fondateur du Sammy Miller Motorcycle Museum ; Ben Walker, directeur du département Motos chez Bonhams ; Paul d'Orléans, fondateur de The Vintagent et Gordon McCall, co-fondateur du Quail Motorcycle Gathering, le concours de renommée mondiale qui se tient à Carmel, en Californie. Une abondance de bijoux sur deux roues et un livre incontournable pour tous les fanatiques de moto.
03/2023
Ecrits sur l'art
Vers l'Orient, géographies d'un désir
Dans le sillage de L'Orientalisme d'Edward Saïd, les études postcoloniales ont mis en évidence la couche de "? pittoresque ? " contenue dans les images des peintres occidentaux de l'Orient, au point que certaines d'entre elles pourraient s'assimiler à des images d'Epinal. Selon cette perspective, l'Europe aurait considéré la Méditerranée et le Proche-Orient à l'aune de sa propre fascination, à la fois quête des origines, appel de l'ailleurs, fantasme de sensualité et déprédation symbolique. Cela posé, quelles sont les conséquences d'un tel dessillement sur l'art et sur l'histoire de l'art ?? Par épisodes tirés d'une vie de recherche sur l'art des XIXe et XXe siècles, Christine Peltre retrace l'histoire savante et subjective d'un "? décadrage ? " de l'Orient. En un peu plus d'une douzaine d'étapes, elle nous guide à travers certains de ces hauts lieux de l'"? ailleurs ? " que nous connaissons souvent par les images de nos musées - Athènes, Istanbul, Izmir, Smyrne, Alger, Marrakech, Tunis... - et dans ces villes d'Europe de l'Ouest - Marseille, Barcelone, Madrid - où universitaires et institutions culturelles s'efforcent d'écrire à frais nouveaux, l'histoire du pourtour méditerranéen. Elle-même amenée à s'y rendre pour prendre part à des colloques, l'auteure, au fil d'échanges avec des collègues étrangers, de rencontres avec des artistes et de déambulations urbaines, met à l'épreuve de la réalité le cadre académique de ses réflexions et son regard "? orienté? ". Délicat exercice de décentrement, qui consiste moins à laisser le réel d'aujourd'hui dompter les fantasmes d'hier qu'à concilier la rigueur scientifique, la probité de l'observation et "? cette voix lancinante qui s'élève vers l'inaccessible ? " et qui continue de résonner aux oreilles du voyageur. Dans un dialogue sensible avec les grands témoins de "? notre ? " Orient - Delacroix, Gautier, Hugo, Fromentin, Flaubert, Loti... - et les recherches artistiques et universitaires actuelles, Christine Peltre combine essai érudit, récit de voyage et autobiographie intellectuelle.
10/2021
Beaux arts
Chevaux et cavaliers arabes dans les arts d'Orient et d'Occident
En arabe, le terme furûsiyya désigne les disciplines scientifiques et techniques se rapportant au cheval dans son acception la plus large. Forgé dès la seconde moitié du VIIIe siècle de l'ère chrétienne sous le règne des califes abbassides, ce vocable recouvre l'équitation et le dressage, l'hippologie et l'art vétérinaire, l'art et la technologie militaires, la formation du cavalier et du fantassin, la cynégétique et les sports d'adresse. A ces pratiques s'ajoute un code de vertus chevaleresques. Cet ensemble témoigne de la passion que les Arabes nourrissent pour le cheval depuis l'Antiquité tardive, héritiers en cela de traditions antérieures ou voisines. Les arts islamiques reflètent cette passion et la place du cheval dans le vécu et dans l'imaginaire arabo-musulman. Les représentations de chevaux et de cavaliers foisonnent évidemment dans les manuscrits et les miniatures, mais aussi sur les céramiques, les métaux, les textiles. Ces figurations, dans lesquelles le harnachement du cheval et l'équipement du cavalier sont détaillés avec soin, transcrivent une réalité qui dépasse la nécessité fonctionnelle pour faire de ces éléments des chefs-d'œuvre de l'art décoratif. L'ouvrage invite à la découverte des univers équestres de l'Islam - les sources, la furûsiyya, le cheval et le prince, le cheval littéraire - et
propose d'aller au-delà avec la vision du cheval arabe, s cette fois en terme de race, dans la création artistique occidentale du XIXe siècle. À la suite de la campagne d'Égypte et du voyage des artistes en Orient, celui-ci véhicule le goût de l'ailleurs et féconde l'imagination. Les essais et les commentaires d'œuvres rédigés par des historiens, des historiens de l'art, des conservateurs de musées et de bibliothèques apportent un éclairage nouveau et multiple sur la relation de l'homme avec sa " plus belle Conquête ".
Catalogue de l'exposition présentée à l'Institut du monde arabe à Paris du 26 novembre 2002 au 30 mars 2003.
11/2002
Héraldique
L'esprit de la girouette
II est un art : issu du Moyen Age qui fleurit sur nos toits et qui se joue du vent, du temps et des hommes : c'est l'art de la girouette. Du penon du chevalier qui, à l'assaut d'un mur d'enceinte s'était hissé sur le chemin de ronde et s'y était maintenu, aux oeuvres récentes d'un Gilioli ou d'un Calder, s'égrène une longue histoire que JeanFrançois et Jacques Petit et leurs équipes souhaitent vous faire découvrir. Dans un style alerte, attrayant, émaillé de pensées neuves et dé découvertes précieuses, Daniel Couturier, membre de l'Union française des experts en oeuvres d'art et spécialiste des objets qui tournent au vent, vous entraîne dans une chasse passionnante à ces petits chefsd'oeuvre qui se profilent sur notre ciel d'Europe. La diversité des thèmes retenus par les " artistes "souvent de simples forgerons ou des paysans habiles, a fait de la girouette un élément important de notre patrimoine d'art populaire. Quelques musées en ont parfois préservé certaines en France et à l'étranger, des collectionneurs en ont rassemblé. Il manquait un ouvrage précis et documenté : le voici. C'est un album de 176 pages, illustré de plus de 200 dessins au trait, en noir et blanc et en couleurs dus au talent d'Hélène Dubois-Aubin et de Nicolas Jolivot et divisé en chapitres au titre évocateur : L'aventure est dans le ciel Suivons la direction du vent Epis et toitures Histoire de la girouette Le coq, un oiseau de haute situation Quelques girouettes singulières : celles de la marine et des grandes épopées La girouette dans le monde héraldique Contes et légendes Et si on parlait d'expertise ? La girouette dans la littérature Les girouettes américaines Girouettes et modernité (qui retrace l'histoire d'une collection unique au monde, présentant 68 sculptures des artistes contemporains les plus connus).
12/2023
Sociologie
Médiation et représentation des savoirs
L'accès aux savoirs peut se réaliser selon des modalités fort diverses : par la réception et l'interprétation d'un discours construit, par l'utilisation d'un service ou d'un dispositif d'accès à l'information, au savoir ou à la culture (bases de données, bibliothèques, musées,...), par la mise en œuvre et l'usage d'un outil socio-technique (logiciels informatiques, discours méthodologiques,...), par l'immersion dans un environnement artificiel ou réel (simulation ou observation par exemple), etc. Cet ouvrage aborde des questions liées à la recherche d'information et à l'élaboration de savoirs à partir de documents, d'énoncés ou de données enregistrés, d'environnements techniques ou culturels ; et s'interroge sur ces modalités de transmission du savoir, qui n'imposent pas une synchronisation de la production et de l'acquisition et qui font appel à une mémoire, sur l'élaboration et la mise en œuvre d'instruments et de dispositifs de médiation technique, organisationnelle, socio-économique qui autorisent de telles transmissions, sur les pratiques et les usages en matière d'accès à l'information, de construction de savoirs et de médiation de la connaissance. Comment évoquer le partage des savoirs sans étudier sa relation aux représentations, à la langue et au discours ? Pour certains, une représentation est une forme de savoir et le savoir une forme de représentation. Pour d'autres, langues et représentations communes s'imposeraient comme un préalable à tout partage. D'autres encore considèrent la représentation comme une manifestation de ce partage, ou bien définissent le savoir comme une formation discursive. Les interrogations sont donc nombreuses sur ce jeu conceptuel qui fait intervenir savoir, discours, représentation et langage. Les recherches en sciences de l'information et de la communication, avec notamment l'anthropologie de la communication ou la sémiopragmatique, peuvent contribuer de façon originale à la réflexion dans ce domaine. Par la diversité des analyses proposées, cet ouvrage fournit des éléments de réponse originaux et pertinents à un bon nombre de ces interrogations.
04/2004
Beaux arts
Correspondance allemande d'Eugène Müntz : aux origines de l'institutionnalisation de l'histoire de l'art. Aux origines de l'institutionnalisation de l'histoire de l'art
Professeur d'esthétique et d'histoire de l'art à l'École des Beaux-Arts de Paris, Eugène Müntz (1845-1902) est l'auteur d'une oeuvre monumentale, qui porte essentiellement sur la Renaissance italienne. À côté de ses travaux historiques, sa correspondance représente une source essentielle pour la recherche en histoire des sciences humaines, mais également pour l'étude des circulations culturelles transnationales. Figure centrale d'une histoire de l'art en pleine institutionnalisation, Müntz entretient des relations épistolaires régulières avec les représentants majeurs de la discipline dans l'espace germanophone. Sa correspondance constitue ainsi un observatoire privilégié pour étudier une série de débats fondateurs sur l'iconographie, le connoisseurship, les tendances nationalistes de l'historiographie de l'époque. Ces textes font d'ailleurs ressortir la dimension matérielle de l'élaboration de l'histoire de l'art. Ils éclairent la fondation des revues spécialisées, la mise en place de sociétés savantes et des premiers congrès internationaux d'histoire de l'art. Ils offrent des informations précieuses sur la pratique de la traduction, les usages de la critique bibliographique, les modalités de constitution de la documentation écrite et visuelle. Ils témoignent enfi n d'une proximité avec l'historiographie allemande, qui fait moins de Müntz un médiateur distant qu'un véritable protagoniste sur la scène germanique. Spécialiste de l'historiographie de l'art et de l'histoire du patrimoine et des musées, Michela PASSINI est chercheure au CNRS (Institut d'histoire moderne et contemporaine). Elle a notamment publié La fabrique de l'art national. Le nationalisme et les origines de l'histoire de l'art en France et en Allemagne, 1870-1933 (MSH, 2012), ainsi qu'une édition commentée de La grande pitié des églises de France de Maurice Barrès, en collaboration avec Michel Leymarie (Presses universitaires du Septentrion, 2012). Le labex TransferS s'attache à étudier les déplacements sémantiques liés à la circulation des langues, des textes, et des modèles culturels.
12/2012
Poésie
La vie de la licorne
La vie de la licorne pourrait s'inscrire dans la formule "il était une fois la lumière". Quoi que nous fassions, que nous soyons dans l'attente ou le départ, il y a tellement d'instants où s'écoulent nos larmes, en longs sanglots bleus, quel que soit notre certitude, la licorne est là avec ses attentions, sa douceur. J'ai attendu et durant ma traversée, quand tu n'es pas là ô licorne, tu es là par l'apprentissage du "saut du fil", c'est-à-dire parvenir à franchir les murs de l'angoisse, mais aussi du désir par excellence et je sais qu'avant demain tu me redonneras la force et la confiance dont tout être humain a besoin, oui nous faisons partie de ta vie. Et sans le savoir, chaque jour nous avons besoin de ta vie ; licorne, amie des hommes. Ta vie, c'est effectivement de nous éclairer, tu es notre lumière et même la nuit dessine tes yeux. Au nom de l'amour, ta vie se confond dans la douceur et la perfection. Pour sa vie, pour elle, j'ai chanté la chanson orientale, et le secret c'est que durant ses nuits de galop, le philosophe pour une fois pose un nom sur son existence. Le nom qui lui est donné n'est pas connu, mais signifie vie. Cette vie peut-être une vie contemplative : c'est-à-dire une vie coupée du monde et vouée à la prière et à la méditation. Ou une simple vie, peut-être loin des pensées et des réflexions métaphysiques. Ou encore celle des artistes qui sans le savoir, la frôlent, elle est sans doute comparable aux muses, qui les rapprochent de la vérité. On la trouve souvent aux pieds de l'arbre de vie, lieu sacré qui symbolise les origines de la vie de la nature. La vie de la licorne, c'est l'éternité.
02/2014
Littérature française
Le buveur de temps. Romans & récits intimes
"Il y a du bonheur à voir rassemblés les livres que l'on a écrits tout au long de sa vie. Ce bonheur se double de la sensation d'un privilège quand il s'agit d'une collection prestigieuse et familière. Etre en "Bouquins", c'est un concept. Une occasion de s'interroger, aussi. Est-ce que je suis vraiment en "Bouquins" ? Et est-ce que je suis vraiment en bouquins ? Même sans majuscule, le s est de rigueur, puisqu'il y aura en l'occurrence deux "Bouquins", celui-ci qui regroupe mes romans et textes intimes, et un second qui sera celui des textes courts. C'est l'occasion aussi de saluer la chance, qui m'aura permis de poursuivre aussi longtemps un chemin d'écriture, et de rencontrer des éditeurs et des lecteurs. Chance amusée de peser un peu lourd dans les mains, après tant de volumes si minces. Mais quoi, à défaut de se laisser aller à l'embonpoint, c'est bon de pouvoir peser cela, de pouvoir se dire oui, ma vie avait peut-être ce sens-là. Etre en bouquins. Le Buveur de temps. C'est le titre d'un de mes premiers romans, et cela pourrait être aussi la définition d'une attitude et d'un regard qui valent pour tout ce que j'aurai fait. Il ne s'agit pas de prétendre à quelque mainmise sur le temps, mais d'une tendance plutôt constante à essayer de l'apprivoiser, voire à le déguster quand il se peut." Philippe Delerm. Ce volume contient : La Cinquième Saison ; Un été pour mémoire ; Le Buveur de temps ; Autumn ; Les Amoureux de l'Hôtel de Ville ; Mister Mouse ou la Métaphysique du terrier ; Sundborn ou les Jours de lumière ; Monsieur Spitzweg : Il avait plu tout le dimanche, Monsieur Spitzweg s'échappe, Quelque chose en lui de Bartleby ; Le Portique ; La Bulle de Tiepolo ; Elle marchait sur un fil ; Entrées libres ; Le Miroir de ma mère ; A Garonne ; Ecrire est une enfance ; Journal d'un homme heureux.
09/2020
Beaux arts
Les invasions barbares. Une généalogie de l'histoire de l'art
L'histoire de l'art a commencé avec les invasions barbares. Vers 1800, ces invasions sont devenues soudainement l'événement décisif par lequel l'Occident se serait engagé dans la modernité : le sang neuf des races du Nord, tout en conservant l'ancien, aurait apporté un art nouveau, nécessairement anti-romain et anticlassique, et dont l'héritage était encore manifeste en Europe. Ce récit fantastique, inséparable de la formation des Etats-nations et de la montée des nationalismes en Europe, se fondait sur le double postulat de l'homogénéité et de la continuité des peuples «étrangers» : il fit bientôt tomber les styles artistiques sous la dépendance du sang et de la race. L'histoire de l'art associa ses objets à des groupes raciaux en s'appuyant sur quelques singularités visibles : tantôt leurs qualités «tactiles» ou «optiques» les dénonçaient comme «latins» ou «germains», tantôt la prédominance des éléments linéaires trahissait une origine méridionale, quand le «pictural» indiquait clairement une provenance germanique ou nordique. Les musées, pour finir, regroupèrent les productions des beaux-arts selon leur provenance géographique et l'appartenance «ethnique» de leurs créateurs. Il serait parfaitement vain de chercher à démontrer que l'histoire de l'art fut une discipline raciste : elle ne l'aura été ni plus ni moins que les autres sciences sociales qui, toutes, furent touchées ou orientées par la pensée raciale visant à classer et hiérarchiser les hommes en fonction de traits somatiques et psychologiques qui leur étaient attribués. Mais, montre Eric Michaud, les liens qu'elle a tissés entre les hommes et leurs objets artistiques ne sont pas encore tranchés : l'opinion la plus commune sur l'art est qu'il incarne au mieux le génie des peuples. Aujourd'hui encore, sur le marché mondialisé, la provenance ethnico-raciale exhibée des oeuvres - «Black», «African American», «Latino» ou «Native American» - donne à ces objets d'échange une plus-value estimable. Ainsi s'expose en permanence une concurrence des «races» qui n'est jamais que la même qui présida aux commencements de l'histoire de l'art.
11/2015
Sociologie
Enrichissement
Luc Boltanski et Arnaud Esquerre restituent le mouvement historique qui, depuis le dernier quart du XXe siècle, a profondément modifié la façon dont sont créées les richesses dans les pays d'Europe de l'ouest, marqués d'un côté par la désindustrialisation et, de l'autre, par l'exploitation accrue de ressources qui, sans être absolument nouvelles, ont pris une importance sans précédent. L'ampleur de ce changement du capitalisme ne se révèle qu'à la condition de rapprocher des domaines qui sont généralement considérés séparément - notamment les arts, particulièrement les arts plastiques, la culture, le commerce d'objets anciens, la création de fondations et de musées, l'industrie du luxe, la patrimonialisation et le tourisme. Les interactions constantes entre ces différents domaines permettent de comprendre la façon dont ils génèrent un profit : ils ont en commun de reposer sur l'exploitation du passé. Ce type d'économie, Boltanski et Esquerre l'appellent économie de l'enrichissement. Parce que cette économie repose moins sur la production de choses nouvelles qu'elle n'entreprend d'enrichir des choses déjà là ; parce que l'une des spécificités de cette économie est de tirer parti du commerce de choses qui sont, en priorité, destinées aux riches et qui constituent aussi pour les riches qui en font commerce une source d'enrichissement. Alors l'analyse historique revêt, sous la plume des auteurs, une deuxième dimension : l'importance, l'extension et l'hétérogénéité des choses qui relèvent désormais de l'échange ouvrent sur une critique résolument nouvelle de la marchandise, c'est-à-dire toute chose à laquelle échoit un prix quand elle change de propriétaire, et de ses structures. La transformation, particulièrement sensible dans les Etats qui ont été le berceau de la puissance industrielle européenne, et singulièrement en France, devient indissociable de l'analyse de la distribution de la marchandise entre différentes formes de mise en valeur. On comprend d'entrée que cet ouvrage est appelé à faire date.
02/2017
Beaux arts
Andy Warhol
Sa célébrité ? Une décision. Elle lui a permis d'agir toujours comme il l'entendait, dans un scandale à peu près permanent, guetté par les médius qu'il manipulait avec un savoir-faire confondant. Cool. La Factory des années 1960 où se fabriquaient sa peinture, puis ses films, fut à la fois son Hollywood privé, son usine à rêves et un creuset où se mélangeaient les gens du monde et les voyous, les artistes et les prostitués de tous bords. La drogue y circulait librement et le sexe aussi. Là, tout pouvait arriver et arrivait. La révolution des mœurs était d'avant-garde, comme le reste. Warhol a été peintre, sculpteur, photographe, cinéaste, romancier, dramaturge, directeur de magazine, producteur d'un groupe rock, homme de télévision, acteur et enfin mannequin. Il a figuré, avec éclat, au centre de tout ce qui s'est expérimenté de plus inventif et de plus radical au début des années 1960, au temps du pop art et du cinéma underground, mais aussi dans les années 1970 et 1980, quand on commença à se penser " postmoderne " et que " l'appropriation " allait de soi. Il fut génial à la grande époque des Boîtes de soupe Campbell's, des Marilyn et des Chaises électriques, on le sait, mais non moins génial quelques mois avant sa mort quand il peint ses Camouflages. Qu'on ne s'y trompe pas : sous les bons mots colportés partout et répétés à satiété (" Je voudrais être une machine ", " À l'avenir tout le monde sera célèbre pendant 15 minutes "), sous le masque de faux albinos à la perruque platine et à la veste de cuir noir, immédiatement reconnaissable, sous la désinvolture étudiée, c'est un artiste extraordinairement exigeant qui apparaît ici. Ce que propose cette biographie chaleureuse et amusée, écrite par Michel Nuridsany comme en connivence avec Warhol, c'est une vision qui va au nerf de ce que fut cet immense artiste, emblématique du XXe siècle, de plus en plus revendiqué par les jeunes créateurs d'aujourd'hui comme un modèle. Comme une ouverture.
02/2001
Critique littéraire
La beauté du monde
Ni tout à fait le même, ni tout à fait un autre : le lecteur retrouvera dans l'épaisseur de ce volume le Starobinski qu'il aime et qu'il recherche - "l'oeil vivant", le lecteur impeccable, sachant allier la délicatesse du toucher et la maîtrise de l'explication, mais il découvrira aussi un Starobinski arpentant pour lui des terres peut-être nouvelles - non pas celles du siècle des Lumières, ni celles de l'histoire des idées médicales, mais celles de la poésie, de la peinture et de la musique. Ces trois muses se donnent la main et forment une ronde que le critique n'a jamais quittée. Au total, c'est une centaine d'études composées sur plus de soixante ans qui se trouvent rassemblées sous le titre "La beauté du monde". Car la littérature et les arts répondent à la beauté du monde et le critique, premier lecteur, spectateur et auditeur, célèbre la réponse de ceux-là pour chanter celle-ci. Le lecteur comprendra mieux sans doute ce qui continue d'animer celui qui a fait de la critique une forme d'art - ses obsessions, ses décisions de méthode, son exigence de clarté et de partage. Les textes sont escortés par des intelligences critiques soucieuses de tourner cette oeuvre vers un public nouveau (Michel Jeanneret, Laurent Jenny, Georges Starobinski, Julien Zanetta). Chaque ensemble se voit replacé dans son histoire. Une postface ("Pour tout l'amour du monde") essaie de saisir les grandes options de la critique de Jean Starobinski pour la situer dans le siècle. Pour la première fois, le lecteur découvrira aussi un essai biographique accompagné de documents iconographiques susceptibles d'éclairer "L'oeuvre d'une vie". Dans la tourmente du siècle, Jean Starobinski n'aura cessé de montrer que la force des oeuvres est d'attester la décence de l'existence humaine contre les puissances de la destruction. Dire oui à la beauté du monde, telle est l'une des leçons constantes de Jean Starobinski.
06/2016
Littérature française
Les champs phlégréens
Le héros, Rodolphe Henouville, originaire du Jura, quitte ses vignes de l'Etoile, et Francesca sa fiancée pour devenir carbonaro, et participer à la Révolution de 1830. Il s'engage ensuite comme mercenaire dans le Rio Grande du Sud. Blessé, il est soigné dans une tribu indienne, initié aux plantes médicinales, et aux drogues. Il s'en prend de Jacilène une belle métisse aux yeux kaki, un amour intercontinental primitif. Ses amours sont très contrastées. Pour Rodolphe, il existe les femmes de jour et les femmes de nuit. Il approche les femmes qu'il aime avec la maladresse d'un ongle mal taillé qui va toucher de la soie, craint d'accrocher un fil, d'égratigner l'étoffe, et d'abîmer le tissu, mais les nuits de maraude, il traîne ses conquêtes comme des prises de guerre, entravées derrière son cheval, au milieu des buissons épineux et de la terre rouge. Sa vie se résume à la violence, qui s'éteint quand il découvre la beauté, l'écriture, et une quête permanente de la femme idéale toujours fuyante, tantôt trop ingénue, tantôt trop silencieuse, ou primitive, en fait trop humaine et contemporaine. Rodolphe est un personnage nervalien, qui recherche son éternel féminin, mais ses amours essentielles se suicident en se jetant d'une falaise, et elles portent un grain de beauté bleu sur l'ar'ole de leur sein droit. Il rencontre à Naples, Annunziata, une guide conférencière, qui l'entraîne dans les musées, où il tombe amoureux d'une fresque de SAPPHO, un personnage mythique. Et si sa quête se trouvait dans le passé ? Il part à la recherche de Sappho dans les Champs Phlégréens, où se trouve l'une des entrée des Enfers mythologiques. Ils trouvent des indices dans les poésies de SAPPHO, qui les conduisent à POMPEI, et ils s'engagent comme ouvriers des fouilles dans les équipes archéologiques de Giuseppe FIORELLI. Les résultats sont inattendus...
09/2014
Littérature française
Une nuit à Aden Tome 1
"Mon père pensait qu'on "naissait musulman" et qu'être musulman était un statut qui dépendait du Tout Puissant uniquement. Et comme pour se soumettre à ses propres certitudes, il s'était convaincu que l'Islam était irréversible en ce qu'il l'emportait sur quelque autre religion ; il était de ceux pour lesquels l'Islam ne se limitait pas au seul culte, entretenant l'idée qu'être musulman préemptait pour ainsi dire tout autre choix de conscience. Pour lui, le christianisme ne serait qu'un avatar illégitime de son propre héritage, puisqu'il était désormais représenté par la religion vraie et transcendante qu'était l'islam. Sa suprématie sur les autres religions ou civilisations, et cette sorte d'inviolabilité du statut de musulman, semblaient d'ailleurs apaiser ses craintes : elles étaient censées me protéger de toute manoeuvre rusée de la part de ma mère. "Ce roman, en deux tomes, à l'intrigue palpitante d'émotion, raconte la jeunesse d'un Palestinien qu'un destin étonnant et une histoire d'amour hors norme conduisent à la découverte de lui-même, de sa conscience, et de sa relation avec les religions de son enfance, l'islam et le christianisme. Par une introspection à la fois insolite et spirituelle, il nous décrit comment les élans de la divine Providence le mèneront d'Alexandrie à New York, puis Sanaa, Aden, Djibouti, et enfin, Paris. Il est né musulman, certes ; mais sa raison défie cette réalité et son coeur refuse de le suivre. Il réalise peu à peu que cette religion à laquelle il se croyait enchaîné, occulte en fait la vraie nature de ce rite à l'emprise implacable sur un milliard et demi de fidèles... Un récit captivant. Une réflexion morale et spirituelle sans concession. Une lecture de rigueur pour comprendre le rôle du Coran au XXIème siècle et son emprise sur la pensée islamique confrontée à la vie moderne."
06/2018
