Ces petites légendes olympiques oubliées

Au cœur de la déferlante des polars venus du Nord, arrive en France avec le premier opus d'une série qui compte déjà 5 tomes en Suède et devrait, sans problèmes, trouver une place aux côtés notamment de sa grande rivale, , sans pour autant l'inquiéter ni même faire craindre aux autres stars suédoises du suspense comme  Mankell, Larsson, Theorin, Eriksson, Kallentoft ou Marklund (et j'en passe…), une quelconque désaffection de leur public.

Une nouveauté, donc, mais rien d'innovant ou  de très d'inédit dans ce vaste milieu du Noir nordique si ce n'est une violence toute contenue, bien éloignée du thriller habituel et une présentation du lieu de l'intrigue, l'île de Sandhamn, très touristique et estivale, qui invite au voyage, à l'instar d'un joli guide.

Ainsi ce roman ravira le lecteur-voyageur peut être davantage que l'amateur de sensations fortes et d'énigmes complexes.  Néanmoins, l'instant de lecture demeure agréable et divertissant, sans temps mort ni ennui. Les personnages, notamment le duo d'enquêteurs, sont attachants,  suffisamment bien décrits pour retenir l'intérêt et la sympathie et paraître tout à fait réels et convaincants, émouvants aussi et en mesure, c'est certain, d'assurer une présence forte sur plusieurs enquêtes. Conçus pour durer, donc.

L'archipel de Stockholm est un lieu magnifique très prisé en été. C'est donc dans cet environnement encore préservé et  cette ambiance particulière d'activité intense (que l'auteur connaît bien pour l'avoir paratagée) que le lecteur plonge dès les premières pages du roman. Des paysages et une lumière superbes retiennent son attention et placent l'intrigue (déjà presque secondaire) dans un décor idyllique auquel il restera fidèle jusqu'à la fin, sans lassitude, même à des moments où l'intensité de l'histoire s'affaiblit un peu.

Plus que par les rebondissements ou la tension dramatique, ce sont bien le lieu et les personnages principaux qui captivent et plaisent. Le lecteur se sent rapidement proche de Thomas 

Andreasson, le policier et de Nora Linde, son amie d'enfance, avocate d'affaires, diablement perspicace (parfois de manière un peu improbable tout de même) pour le seconder et l'aider à résoudre cette enquête.

Sans doute parce que chacun d'entre eux porte une fragilité, des fêlures intimes, manifeste des états d'âme, des faiblesses et des doutes, se livre en toute sincérité, sans artifice ; les deux protagonistes séduisent aisément le lecteur qui accepte alors les faiblesses d'une intrigue assez plate et un dénouement fade, plutôt décevant.

Les trois cadavres retrouvés sur l'île deviennent accessoires tant la vie personnelle des héros accapare toute la curiosité et l'intérêt du lecteur, presque malgré lui. Nora acceptera-t-elle sa promotion à Malmö et s'opposera-t-elle ainsi à son mari ? Thomas succombera-t-il aux charmes de Carina,  la fille de son supérieur hiérarchique ?  

Au risque cruel de décevoir le genre policier et la collection « spécial suspense » auxquels le roman appartient, on est quand même assez loin des préoccupations du lecteur-enquêteur mais l'ensemble  ne manque pas de charme pour autant et se démarque assez peu, au final des romans de Camilla Läckberg.

Cet ouvrage, par son  format atypique et volumineux ne se consulte pas n'importe où mais le soin nécessaire apporté à son maniement s'accommodera parfaitement avec le sujet traité : le costume sous le règne de Louis XVI.

Réalisé par , historienne et ancienne conservatrice au château de Versailles, aujourd'hui, responsable des dessins français des XVII et XVIIIème siècles au musée du Louvre, ce livre, abondamment illustré (120 iconographies) rend compte de la mode à la cour entre 1774 et 1792 et montre combien le choix du vêtement, très codifié, évolue entre conventions et protocole, se modifie, prend quelques libertés autour de 1780, aspire à davantage de simplicité et de changement, et revêt, chaque fois, quelle que soit la tendance,  une signification particulière directement liée aux événements qui animent la vie à la cour, tout intégré à l'Histoire, avec raffinement et élégance.

Divisé en trois parties, l'ouvrage pénètre d'abord dans les services de la Garde-Robe qui avaient la charge d'habiller les souverains en toutes occasions (cérémonies, chasse, bals, baptêmes, deuils…). De la dame d'atours aux femmes de chambre, couturières, coiffeurs, lingères, toutes étaient là pour habiller la reine et l'aider dans sa toilette. Trente-six toilettes par trimestre, des habits de fête, des robes de fantaisie, des robes légères ensuite données au personnel de la Garde-Robe pour être réformées. La reine devait revêtir plusieurs tenues par jour.

Autour du roi, le grand maître remplaçait la dame d'atours, secondé par un personnel également impressionnant de garçons tailleurs, gardien des effets, lavandiers, coffretiers, capitaine de mulets… et le protocole vestimentaire était le même : tenues et uniformes pour chaque moment de la journée et chaque occasion.

Le budget annuel pour la reine, colossal, fut chaque année plus important, en comparaison de celui du roi, plus modeste, si l'on peut dire.

Etoffes précieuses, art de la broderie, fourrures, soie et taffetas, rayures ou fleurs, couleurs précises en fonction des différents moments de la vie de cour, grand habit, grande robe à la française, pas toujours confortables, accompagnés de maquillage, de bijoux… chaque page regorge de peintures et gravures de l'époque, de costumes, d'images du film de Sofia Coppola, vivantes et colorées, et manifestent  sans détours le faste et l'opulence de la vie de château réservés à quelques privilégiés ; un monde à part, esthétiquement impressionnant, que l'on soit sensible ou non à la mode.

Le règne de Louis XVI est marqué par les idées nouvelles des philosophes, capables, étonnamment de laisser leur empreinte dans les costumes. Ainsi l'influence de Jean-Jacques Rousseau et le désir d'un retour à la nature, allié à un désir de confort et de simplicité tout comme la passion pour l'Angleterre,  vont dessiner de nouveaux vêtements, initier de nouveaux maquillages pour privilégier une beauté plus naturelle. Sans doute moins éloignées de la sensibilité et des goûts plus contemporains et plus ordinaires, les robes présentées (à la Polonaise), les caracos de la reine, devraient, avec moins de clinquant, retenir l'attention du lecteur (la lectrice) et lui faire revivre une page de l'Histoire, dans la douceur  et l'élégance du tissu, bien loin de la barbarie, de la misère d'un peuple affamé et d'une monarchie prête à mourir.

Ce court récit ne décevra ni les inconditionnels de ni les nostalgiques du commissaire . Certes, assez épuré dans l'intrigue, il met en scène cependant des thèmes sociaux chers à Mankell (l'immigration, la vieillesse, la solitude, les violences conjugales…) et convainc sans détours. Il a d'ailleurs inspiré l'un des épisodes de la  série de la BBC. Ecrit avant il préfigure la lassitude du héros.

En ce début d'automne, pluvieux et venteux, Kurt Wallander semble fatigué, usé. "Je voudrais me mettre en congé de moi-même, de cette pesanteur que je traîne et qui me mine. Je n'en peux plus". Trente ans de carrière et une envie d'arrêter. "Je deviens trop vieux y compris à mes propres yeux. Trop vieux pour moi, et trop vieux pour mon métier."

Sans entrain, la tête vide, il a néanmoins le projet d'une retraite au calme, loin de l'agitation de la ville. En quête d'une maison à acheter dans la campagne scanienne, il visite une vieille bâtisse appartenant à la famille de son collègue Martinsson, située non loin de celle de son défunt père. C'est là, dans le jardin, enfouis sous des feuilles, qu'il découvre les restes d'une main humaine. Une main appartenant à une femme morte pendue, il y a plus de 50 ans.

Commence alors l'enquête du commissaire, minutieuse mais assez prompte, suivie également de près par sa fille Linda. Un retour sur le passé historique de la Suède, notamment  sur celui de la Scanie, région frontalière entourée de pays en conflit pendant la seconde guerre mondiale et terre d'accueil de nombreux réfugiés. Même survolé, cet aspect de l'Histoire suédoise suscite la curiosité et séduit le lecteur. Quant à Wallander, toujours exaspéré par ses pensées noires, amer et désabusé, il conserve notre sympathie et notre attachement, toujours aussi proche, absolument réel.

"Le roman de l'inquiétude suédoise"

Dans la seconde partie du livre, très intéressante également, Henning Mankell raconte l'origine de son personnage, comment, peu à peu, face aux changements inquiétants de la société suédoise, face à la montée du racisme, il a souhaité réagir en mettant en scène un commissaire, en le confrontant à des situations criminelles issues d'une intolérance, d'une peur de l'étranger et s'est montré parfois d'ailleurs, douloureusement visionnaire.

Si Wallander est si proche du lecteur c'est qu'il l'est de son auteur et Mankell raconte comment il l'a façonné, au fil des romans, lui a permis d'évoluer, enquête après enquête, année après année, en s'assurant toujours qu'il ne deviendrait jamais plus important que l'histoire.

Savourez donc ce livre comme une friandise délicieuse et réconfortante, simplement édité pour combler un vide, une absence définitive. Wallander n'est plus. Le regret est bien là, mais assez doux. Le lecteur a su profiter, amplement, pendant près de 20 ans, d'un commissaire profondément humain, simple et ordinaire, presque anti-héros, avec ses doutes, ses failles, ses colères, ses maladresses. Il le garde en mémoire, arrive même à l'imaginer, là-haut, seul avec son chien, embrouillé dans ses souvenirs, fatigué et malade. Comme un ami lointain qu'on n'oublie pas, dont on se remémore les enquêtes, le temps d'une relecture, qu'on admire encore.

Mankell en arrêtant la série opportunément a su préserver Wallander intact dans le cœur des lecteurs. D'une déception initiale sont  finalement nés l'acceptation et le  vif remerciement à l'écrivain.

a l'art de surprendre. Après “Le poids du cœur”, (2016), thriller futuriste, elle offre cette fois au lecteur, une histoire plutôt réaliste, à la fois caustique et intense, jamais morne, empreinte de situations inattendues,  un brin farfelues mais convaincantes et rythmées.

Avec une lucidité parfois cruelle mais touchante, une habile proximité,  elle met en scène une femme rayonnante, active et élégante, jusqu’alors désirable, aux prises avec le temps qui passe et la vieillesse, laquelle progressivement et de manière irréversible, lui ravit sa grâce et son charme séducteur.

“Elle avait atteint l’âge où sa biographie était irréversible. Elle ne pouvait plus être autrement, elle ne pouvait plus faire autre chose de sa vie”.

Soledad a soixante ans. Commissaire d’exposition à la Bibliothèque Nationale de Madrid, elle n’est ni mère ni mariée et vit très difficilement l’abandon de son amant, reparti vivre avec son épouse plus jeune, enceinte de surcroît. Au-delà de la séparation, douloureuse et blessante, elle est confrontée à elle-même, à ce corps qui s’abîme sans possibilité d’inverser le processus en marche.

“Le corps était une chose terrible, en effet. La vieillesse et la détérioration s’y tapissaient insidieusement et l’intéressé était souvent le dernier à l’apprendre.”

Furieuse et peu disposée à se résigner, prête à tout pour essuyer cette humiliation et faire naître la jalousie de l’homme “fourbe”, elle décide d’engager un gigolo de trente ans le temps d’une soirée où le couple reformé sera présent également. Mais tout ne se passe pas exactement comme cela était prévu et Soledad, se révèle alors sans fard, à la fois plus troublante et fragile qu’elle ne le laisse paraître, mais aussi plus cynique et fascinante, drôle et pathétique. Aussi attachante qu’irritante.

A travers Soledad la rebelle, la combattante éperdue d’une vie que le passage du temps éprouve malgré toutes les armes employées (des crèmes aux médicaments, en passant par les vêtements et autres subterfuges), Rosa Montero évoque avec une précision désarmante, une résonance subtile, l’angoisse de devenir vieux.

“Ce corps mutant qui tout à coup se plissait, se ramollissait, se crevassait, s’affaissait, se déformait.”

De ce corps qui fait honte, que l’on n’ose plus montrer, de ce désir qu’il faudrait alors contraindre, réfréner, alors que le besoin d’aimer, l’envie de sexe existent encore, de cette impossibilité pour Soledad à s’intégrer dans son âge (au regard de la société), l’auteure n’évite rien, à la fois rude et libre.

De la mort qui approche, de la folie souterraine, des failles et des souffrances de l’enfance, des regrets, du vide de l’existence, de l’angoisse, elle se saisit de tout, sans s’attarder forcément mais son regard est implacable et vif.  

Une écriture sans tabou dont l’humour allège la noirceur. Incisive mais joyeuse, réellement stimulante.

“C’était tellement banal qu’elle soit là à embellir son cas avec des références cultivées”.

De plus, en associant au récit de Soledad, les vies maudites de certains écrivains (de W. Burroughs, P.K. Dick aux frères Mann en passant M. Twain ou G. de Maupassant)  qui constitueront l’exposition à laquelle le personnage travaille, Rosa Montero apporte au roman une curiosité supplémentaire assez passionnante, exaltante et confirme la place vitale de l’Art. Quant à la description du milieu artistique et mondain madrilène, elle a la couleur de l’expérience vécue.

Agréable et féroce,  très contemporain, voici un roman à l’équilibre parfait (avec le concours de Myriam Chirousse, la traductrice).

Roman sentimental dans sa définition la plus noble, le livre de Joan London (traduit par Alice Seelow) offre au lecteur une évasion pure, un moment intemporel où il échappe à toute effervescence, toute agitation. Il est ailleurs, sensiblement troublé, captif d'une écriture délicate, en communion avec un environnement finement décrit, réceptif à la mélancolie romantique, attaché à la grâce, à la fragilité et à la jeunesse des personnages et intrigué également par l'épidémie méconnue de poliomyélite qui fit des ravages en Australie dans les années 50, juste avant la mise au point du premier vaccin.

"La polio est comme l'amour […] Quand on pense qu'on s'en est totalement remis, ça revient."

Interpellé à la fois par le caractère historique du récit et sa force émotive, inscrit facilement dans une narration fluide,  qui, si elle reste centrée sur deux héros, parvient avec habileté à donner une réelle présence aux personnages secondaires, le lecteur trouve simplement sa place, agréable et ravi.

Par plusieurs courts chapitres initiaux, un rythme alerte qui évite toute tonalité tragique, Joan London,  écrit l'histoire (pourtant cruelle à bien des égards) à travers une ambiance poétique, une proximité avec la nature, apaisantes et douces, (maintenues d'ailleurs page après page) d'un équilibre réjouissant. Et le succès du livre naît indéniablement de cette écriture sensible.

Elsa et Frank sont les victimes malheureuses de l'épidémie de poliomyélite qui touche l'Australie dans les années 50. Adolescents tous les deux, ils se rencontrent dans une maison de convalescence, l'Age d'Or. Frank est un émigré juif hongrois, arrivé avec ses parents, Ida et Meyer en 1947 après avoir rêvé d'Amérique. Ici chacun survit à la guerre, à sa façon.

Elsa est l'aînée d'une famille modeste dont la mère, pourtant aimante, n'a pas toujours bien su s'en occuper. Dans cet hôpital encadré par un personnel bienveillant, les enfants sont préservés dans un environnement clos et échappent aux regards de leur famille et de la société entière. Vivent et aiment sans se soucier des règles ou des convenances. Intensément libres.

"Elle était son havre, son éternel retour. Son parc, sa rivière, son chemin. Rien que le fait d'être séparé d'elle pendant une journée le rendait triste. Il savait maintenant que tout ce qui lui était arrivé jusqu'ici dans sa vie l'avait conduit jusqu'à elle."

De cette relation exclusive ("un club constitué de deux seuls membres"), naît le goût de la vie, malgré la souffrance des corps et la possibilité d'être, de se construire une identité autre que celle que la maladie impose.

"La polio avait paralysé ses jambes, pâli son visage et creusé ses joues. Néanmoins, elle l'avait d'une certaine façon, révélée à elle-même […] Avant, je sentais que ma place était dans le monde, pensa Elsa. Maintenant elle est avec Frank".

De toute évidence, le style, l'attention portée à la nature qui environne et façonne les personnages, l'évocation du passé, de l'exil, les bribes de vie intimes dévoilées de certains personnage secondaires, la poésie, indispensable à Frank et à travers laquelle il exprime ses sentiments les plus indicibles, créent la beauté du texte, fortifient l'histoire d'amour et l'éloignent de toute mièvrerie, facilité ou fadeur.

Ça fait longtemps qu'on a pas parlé BD par ici ! Vous me direz, ça fait longtemps qu'on a pas vu de chronique tout court... Bon certes... N'empêche qu'aujourd'hui on va parler BD ! Et comme beaucoup d'entre vous sont en vacances, on va parler de BD qui se passe à la plage !La marche du crabe est une trilogie d'Arthur de Pins (prononcez pince (de crabe)) et je vais vous parler du premier tome : La Condition des crabes. À l'origine, il s'agit d'un court métrage animé La Révolution des crabes qui a obtenu plusieurs prix du public dans des festivals et notamment à Annecy. Fort de ce succès, Arthur de Pins à souhaité adapté son œuvres en BD et un long métrage pourrait sortir prochainement.Le court métrage est visible en bas de l'article mais je ne vous conseille pas de le regarder si vous avez l'intention de lire cette BD prochainement, car cela gâche un peu la chute qui est vraiment très bonne je trouve ! Il faut savoir que l'histoire est plus étoffée dans la BD, puisque le court métrage faire 5 minutes tandis que le premier tome fait un peu plus de 100 pages.Au fait vous vous demandez peut être de quoi ça parle ? Oui je fais tout à l'envers en ce moment ! Donc c'est l'histoire des pauvres crabes Cancer Simplicimus Vulgaris, autrement appelés Crabes carrés qui vivent en Gironde et qui ont le malheur de ne pouvoir se déplacer que sur une seule trajectoire tout au long de leur vie ! Du coup c'est carrément la fiesta quand un gamin en prend un dans son seau et le relâche 50m plus loin ! Mais pour certains il est temps de se révolter, et de s'entraider pour enfin parvenir à découvrir d'autres horizons !L'histoire est vraiment très originale et sympathique, le dessin et l'écriture sont tout ce que j'aime, tout en finesse et humour et comme je vous le disais, la chute est excellente ! Il me tarde de découvrir les autres tomes !Le court métrage est ici ![youtube]http://www.youtube.com/watch?v=S6xncXA3rGM[/youtube]Une chronique qui rentre dans le cadre des BD du mercredi de Mango !

Edit : Suite à un problème de SPAM, je republie cet article et supprime l'ancien (je ne sais pas si ca marchera, mais qui ne tente rien à rien !). Désolée pour les commentaires supprimés, du coup je les copies ci-dessous :

Derrière James Joyce, écrivain mondialement connu, se cache l'homme James Joyce. Alfonso Zapico nous propose de le découvrir tout au long des - nombreuses - pages de (Futuropolis) Un portrait pas toujours flatteur, mais constamment fascinant ! Le portrait d'un énergumène assez insupportable au quotidien, à la fois égocentrique et prétentieux, ce qui de son vivant décourage nombre de lecteurs potentiels de ses bouquins, dont émane de toute façon un fort parfum de scandale. 

chronique BD avec BDfugue

Sa clairvoyance intellectuelle est remarquable... et souvent blessante pour ses interlocuteurs. Tiens, il me fait penser à Richard Wagner, orgueilleux au dernier degré, profitant honteusement de ses amis, ou même les trahissant parfois !!! Mais l'artiste est immense... 

Et aujourd'hui ? L'œuvre de Joyce garde une certaine réputation d'hermétisme. Une fois refermé L'homme de Dublin, c'est à chacun de voir s'il veut aller plus loin et se plonger dans "Ulysses" ou "Finnegans Wake" mais quant à moi, j'adore cette BD ! Elle se lit comme un roman, mettant en scène un personnage imprévisible, insupportable, pathétique et pourtant irrésistible. Un peu à l'image de son père John Joyce, pétri de talents divers qu'il gaspille sans modération. 

Mauvais homme d'affaires, mais politicien doué, il s'abîme dans l'alcool en voyant la cause irlandaise sombrer suite aux manœuvres tant des Anglais que de l'Église catholique d'Irlande. À l'instar de son père, donc, la défiance envers la religion et l'addiction aux spiritueux caractérisent très tôt l'existence de James Joyce. S'y ajoute un goût immodéré pour les femmes. 

Il rencontre le grand amour en la personne de Nora Barnacle et entame avec elle une vie d'errance à travers l'Europe. Une vie difficile, plombée par les soucis d'argent et l'alcoolisme, une vie rythmée par les refus ou la censure des éditeurs, avec toujours cette obsession de l'Irlande, adorée et détestée. C'est à partir de la Grande Guerre que le vent tourne enfin dans le bon sens pour James Joyce : écrivains célèbres et responsables de revues littéraires l'aident de différentes façons. Il déçoit ses soutiens, les épuise ou les met en rage, mais en trouve toujours de nouveaux !

James Joyce, L'homme de Dublin

Zapico Alfonso

sur BDfugue.com

L'œuvre de Joyce déroute, enthousiasme ou fait scandale, et symbolise une certaine modernité. Il ne se repose jamais sur le succès - tout relatif, le succès - mais explore sans cesse de nouvelles formes d'écriture, au risque de perturber jusqu'à ses plus fidèles partisans. Sa vie n'est certes pas un long fleuve tranquille ! 

Il meurt relativement jeune, après des années de souffrance en raison d'une grave maladie des yeux. Quant à sa fille Lucia, elle sombre dans la folie, au grand désespoir de son père. Beaucoup de drames, mais qui ne nous affligent pas très longtemps : le dessin de Zapico, vivant jusqu'à frôler la caricature, est en vérité au diapason du caractère de James Joyce, un fêtard bourré d'humour !!! 

La vie de Joyce nous est racontée de façon chronologique, extrêmement détaillée et pourtant toujours claire, alors que la masse d'informations est impressionnante. 

À la fin de la BD se trouve un petit bijou : la transcription pour la Nouvelle Revue française d'une conférence donnée par Valéry Larbaud à la Maison des Amis des Livres en 1922. Cet érudit y donne quelques clés pour entrer dans l'univers de Joyce et indirectement nous donne un aperçu des débats qui agitent le monde littéraire à l'époque. Un témoignage ô combien précieux, donc !

S'il y a bien un objet qui est passé entre toutes les mains, c'est le Bic à quatre couleurs. Vous voyez lequel ? Le modèle traditionnel qui permet l'écriture en vert, rouge, noir et bleu. Celui avec lequel vous avez joué pendant les interminables heures de cours. Celui avec lequel vous avez gribouillé dans les marges de vos feuilles. Celui dont le cliquetis répété irritait vos voisins de banc... Voilà qu'un tout jeune auteur de bande dessinée lui offre ses lettres de noblesse. Blaise Guinin déploie toutes les ressources graphiques offertes par cet outil dans son troisième album, Quatre couleurs graphiquement très réussi.

Au départ, une idée très bête : deux copains décident d'échanger leur identité pour être certains de réussir au moins un cours. Grégoire Legrand étudie l'histoire de l'art et déteste la géo ; Pierre Petit, son meilleur ami, étudie la géo et n'a aucune envie de suivre le cours d'histoire de l'art qui lui est imposé. Ils décident d'échanger leurs places respectives pendant toute l'année, le temps d'un seul cours, s'entend. Sauf qu'en cours il y a des filles, des profs, et que tout se complique un peu. Il y aura donc quatre filles, comme les quatre couleurs du Bic, et une morte, pour ne rien arranger. Ce qui devait n'être qu'une banale histoire de triche se transforme bien vite en love story et en enquête policière.

L'histoire se déroule alors chapitre par chapitre, entre les salles de cours, les terrasses de café, la piscine et la bibliothèque. À chaque fois, une couleur de base sert à lancer le narrateur, Grégoire Legrand, dans le récit de ses exploits de Don Juan pas toujours heureux en amour. Celle qui lui court après n'est pas celle qu'il veut, celle qui lui donne cours ne devrait pas être celle qui finit dans son lit, et ainsi de suite. On croit d'abord assister à un exercice formel un peu gratuit, mais c'est une fausse impression : l'histoire tient debout et le quiproquo finit par entraîner le récit dans des recoins plus tordus qu'on ne l'aurait imaginé dans les premières planches.

Un bouquin plein d'hommages

Blaise Guinin ne s'est pas contenté d'avoir une bonne idée, il parvient à l'exploiter au mieux. La pauvreté des moyens mis en œuvre (un bête Bic à quatre couleurs, vous l'avez compris, maintenant) est largement compensée par une virtuosité visuelle et de nombreux clins d'œil à l'histoire de l'art, depuis la Vénus de Boticelli jusqu'aux buveurs solitaires de Hopper, en passant par Picasso, Van Gogh ou encore Lautrec.

La colorisation et le trait sont entièrement réalisés avec les quatre stylos bille aux couleurs tranchées et pourtant le dessinateur parvient à jouer de la nuance, à trouver des envolées de mise en scène, une dynamique de plans et de perspectives qui rendent l'histoire à la fois ultra lisible et surprenante.

Retrouver un extrait de Quatre couleurs

Une fois de plus, les éditions Vraoum ont déniché un nouvel auteur qui vaut vraiment le coup. On avait parlé il y a quelque temps de Sylvain Mazas et de son premier album virtuose, le deuxième tome vient de sortir, il est beaucoup plus poussif et décevant, sans renouveler sa recette, il nous ressert les mêmes plats sans qu'on ne parvienne à sortir de l'impression de... réchauffé (« Ce livre devrait me permettre de résoudre le conflit au Proche-Orient, d'avoir mon diplôme et de trouver une femme », Vraoum, 2014, 12,20 EUR). Espérons que Guinin rebondira mieux pour son prochain projet, que j'ai déjà hâte de découvrir.

Publié il y a trois ans en néerlandais, « SGF » de sort enfin en français, aux éditions Même pas mal (grâce à une excellente traduction de). Quel plaisir ! L'album raconte l'irrésistible ascension d'un éditeur prêt à tout pour réussir dans le métier. À tout, vraiment ? Oui, même à vendre son âme au diable, à épouser l'héritière de la famille Dargaud et à engager des orphelins chinois pour produire au meilleur prix les albums qui plaisent le plus au public...

Toute ressemblance avec les pires requins de la profession est non seulement intentionnelle, elle sert de ressort caustique à l'ensemble des chapitres qui composent cette hagiographie infernale.

L'histoire se résume assez simplement : le diable en personne vire son peintre personnel, trouvant ses fresques à la Bosch bien décevantes ; S.G. F. Spruyt, pilier de comptoir et poivrot aguerri, répond à une annonce et se présente aux enfers, où Virgile le guide jusqu'au diable en personne. Le courant passe bien entre les deux personnages et, une fois le contrat faustien signé, Spruyt est renvoyé sur terre où il fera rapidement son chemin éditorial, pour devenir d'étape en étape un véritable capitaine d'industrie : un éditeur redouté, un industriel passionné, un homme sans scrupule...

Satire dans tous les sens

Le jeune Simon Spruyt – l'auteur et dessinateur de cette biographie de l'industriel S.G.F. Spruyt, formé à la BD à Saint-Luc Bruxelles – n'a pas son crayon dans sa poche : il dézingue à tour de bras les pratiques de l'édition de bande dessinée, dans les bulles comme dans les cases. Ainsi la production d'albums est-elle représentée sous la forme d'une machine aux larges fesses qui expulse les albums par le rectum et la stratégie de l'éditeur se résume-t-elle en trois points : Capitalisation, Consolidation et Canonisation, dans lesquels des aspects du métier aussi divers que le merchandising, la distribution ou la distinction entre BD et roman graphique sont évoqués avec une causticité qui fait plaisir à lire. Et qui prête à rire et grincer des dents.

Un dessin tout terrain

S'inscrivant dans la lignée des auteurs indépendants américains comme Chris Ware ou Daniel Clowes, Simon Spruyt adapte le dessin, la colorisation et la narration à chacun de ses chapitres. Ses visuels tirent tantôt vers la caricature, quand il s'agit de raconter les amourettes et les scènes de débauche ; recourent ailleurs à l'emphase et aux perspectives lourdingues des comics américains, quand le héros atteint le statut de demi-dieu ; n'hésitent pas non plus à pasticher le dessin et la colorisation de la peinture réaliste prolétarienne pour évoquer l'industrialisation de la bande dessinée ou à recourir à l'aquarelle, aux trames, à la photo, à l'imagerie pop ou au dessin naïf selon les envies et les besoins, pour ne citer que quelques-unes parmi les dizaines de techniques qu'on repère au fil de la lecture. 

Au final, l'album est un feu d'artifice de styles, piochés allègrement dans le patrimoine du 9e art, surtout américain.

Tel est pris qui croyait tout prendre

Pour boucler la boucle, une fois la dernière page tournée, on relira la préface pour saisir toute la pertinence de cet avant-propos, où l'éditeur de la biographie de S.G.F. Spruyt, Juan Lopez Garcia, dévoile en filigrane comment il est passé du rôle de majordome de l'éditeur — et d'amant de sa femme — à celui d'industriel de l'édition. Ou comment le plus filou des éditeurs s'est fait rouler dans la farine par un de ses larbins. Justice est faite. Alléluia. Sauf que la boucle se referme et que le cycle reprend : capitalisation, consolidation et... canonisation, grâce à cette biographie délirante.

Une magnifique performance.