Francis Joret

Si les noms de Georges Perec, Raymond Queneau, Jacques Roubaud ou encore Jacques Jouet vous sont familiers, il n’y a pas à hésiter une seconde. Le spectacle proposé par Michel Abécassis réunit une vingtaine de leurs textes qui sont propulsés merveilleusement sur le devant de la scène par trois acteurs virtuose.

Un courant

Georges Pérec disait en forme de boutade, « Au fond, je me donne des règles pour être totalement libre ». Cette idée est véritablement le fondement du « laboratoire d’écriture » créé en 1960 par le mathématicien François Le Lionnais et l’écrivain Raymond Queneau, entre autres.

Cette pièce vient montrer encore une fois toute l’actualité de ce mouvement qui vit toujours, notamment au travers de son site internet qui propose constamment de nouvelles perspectives d’écritures contraintes.

L’Oulipo, Ouvroir de littérature potientiel a pour règle l’écriture contrainte. La Disparition de Georges Pérec (publié en 1969), illustra de façon célèbre le procédé avec l’évincement de la lettre "e " de l’ensemble de l’œuvre.

Michel Abécassis reste en admiration devant ce travail, lui qui avait déjà mis en scène du Pérec en 2001 avec L’Augmentation : « les textes oulipiens sont d’une richesse phénoménale. Leurs auteurs sont des savants qui nous ouvrent des fenêtres sur des territoires inattendus, farfelus, singuliers, barges et où l’humour le dispute à la fantaisie ».

La pièce

Il ne faut pas s’attendre à trouver du théâtre classique en venant voir Oulipo, Pièces détachées. Ce n’est pas le récit d’une histoire, mais « une mise en abyme des mots » selon son metteur en scène. Le spectateur se trouve pris dans une tempête de mots, contrepèteries, poèmes hallucinés et récits à double sens.

Toutefois, Michel Abécassis rappelle que « les oulipiens n’ont jamais eu le souci de la scène, de la mise en voix ». C’est pourquoi il dit avoir passé « un an complet en immersion en Oulipo pour lire les milliers de textes produits » : « On ne peut pas faire un objet théâtral de tous les textes oulipiens. Mon critère de choix tenait en 3 points. Les textes devaient être faciles à comprendre, avoir de l’humour et procurer une sensation de vertige ».

Un mariage réussi

Le texte se veut être un hommage aux grands maîtres de ce courant. Cependant, le metteur en scène a élargi ses sources allant jusqu’à consulter ceux qui encore aujourd’hui suivent les idées de l'Oulipo. Cette pièce est une rencontre avec des textes tels que le Roman épistolaire par lettre de Jacques Roubaud ou le What a man de Pérec.

Pour incarner ces textes, les trois acteurs se démènent en occupant humblement l’espace tout en prenant le statut de diseurs virtuoses. Voilà donc une prestation sous contraintes fidèle aux textes mis en scène.

Cette année les Schtroumpfs, adorables petits lutins bleus créés par peyo, fêteront leur cinquantième anniversaire. À cette occasion et tout au long de l’année vous aurez le droit de schtroumpfer à toutes les sauces avec un nouvel album, un projet de film, un projet de série, des expositions et un euro tour. Schtroumpfs alors !

Les Schtroumpfs ont cinquante ans mais leur langage existait bien avant leur première apparition dans le journal de Spirou, en tant que personnages secondaires dans une bande dessinée nommée Johan et Pirlouit, le 23 octobre 1958. En effet leur papa, Pierre Culliford (de son vrai nom), schtroumpfait déjà avec Franquin. Tout a commencé lors d’un dîner entre les deux hommes, Peyo qui ne devait pas trouver le plat assez salé à son goût demanda à Franquin de lui passer la salière, sauf que le mot ne lui revenait pas. Alors abandonnant tout espoir de le retrouver, il lui demanda de lui passer le « schtroumpf » et Franquin de lui répondre « Voilà, je te le schtroumpfe ! ». Ah si Gargamel avait su ça, il aurait certainement trouvé l’ironie de la chose assez salée. Revenons plutôt à la première apparition de nos lutins préférés. L’épisode de Johan et Pirlouit où ils apparurent se nommait à la base la flûte à six trous mais fût renommé bien vite en la flûte à six schtroumpfs devant le succès de ces petits personnages. Enfin ils eurent droit à leur propre série à partir de 1959.

En collaboration avec l’UNICEF, la famille de Peyo qui détient les droits, organise un euro tour. Eh oui ! Les Schtroumpfs vont enfin quitter leur forêt pour visiter notre belle Europe. Du 20 janvier (c'est-à-dire aujourd’hui) jusqu’au 23 octobre (la date anniversaire) ils visiteront 20 villes européennes, se glissant la nuit dans vos jardins. En effet un de ces matins il se peut que vous trouviez une petite figurine de Schtroumpfs toute blanche devant votre porte. Charge à vous par la suite de lui donner vie et de la peindre. Mais si vous n’en trouvez pas, rassurez-vous vous pourrez en acheter une. Le lendemain de « l’invasion » se tiendra dans chacune des villes visitées une exposition en plein air nommée « 50 ans des Schtroumpfs ». Enfin une statuette géante, dix fois plus grande que les autres, sera décorée par une célébrité ambassadrice de l’UNICEF et sera vendue aux enchères le jour de la date anniversaire des Schtroumpfs. Tous les fonds récoltés lors de cette opération seront reversés à l’UNICEF.

Et ce n’est pas tout un film en 3D pour le cinéma est en projet avec la Paramount, ainsi qu’une série télé de 26 épisodes sur le même format. Et vous devriez avoir une grande surprise ! Allé, je ne vous le cache pas ce n’est plus un secret, il devrait y avoir plus de Schtroumpfettes. Le journal de Spirou ne restera pas non plus les bras croisés puisqu’il publiera un numéro spécial Schtroumpfs. Une exposition se déroulera au Centre Belge de la Bande Dessinée (CBBD) du 10 juin au 16 novembre avec pour nom « L’union fait la Schtroumpf » dont l’approche sera « c’est dans leur fragilité individuelle que les Schtroumpfs trouvent leur force ».

Enfin le 26ème album des Schtroumpfs, tiré à 200.000 exemplaires (en français uniquement pour l’instant) est sorti le 18 janvier, dessiné par Pascal Garray, avec Thierry Culliford (le fils de Peyo) et Alain Jost pour coscénaristes, sous le titre évocateur de « Les Schtroumpfs et le livre qui dit tout », aux éditions Le Lombard. Une nouvelle aventure de nos petits lutins bleus préférés très attendue et dont nous ne manquerons pas de faire la critique la semaine prochaine.

Un article tirée de l'édition européenne du Times vient effectivement d'embraser les journaux français, de mettre le feu aux serveurs des sites internent, bref, la communauté est en ébullition et la cuisson mal contrôlée risque de ne pas être al dante... Ah ça donc, mais que se passe-t-il donc ? 

Eh bien le Times titre . Et évidemment, chacun de réagir, comme nous en ce moment, pour s'insurger, pour riposter et brandir bien haut de nouveaux fanaux, des représentants triés sur le volet, des fers de lance, des lanciers du Bengal, des galopins de l'international, bref, c'est la lutte final, battons-nous et demain etc... Que d'agitation.

Mais d'abord quels sont les griefs ? « Tous ces grands chênes qui tombent dans la forêt de la culture française, ne font guère de bruit dans le reste du monde. Jadis admirée pour la puissance et l'excellence de ses écrivains, artistes et musiciens, la France d'aujourd'hui est un empire déclinent sur le marché global de la culture... »

Nombre de confères ont réagi à ce qui s'apparenterait à une agression caractérisée.« Si une formule algébrique pouvait en résumer la quintessence [de la culture française vue par les Américains], ça donnerait à peu près ça : De Gaulle Sartre la baguette les seins de Sophie Marceau = la culture de la France. », signe Didier Jacob. Quelque peu acerbe cependant.

Chez BilbiObs, on se débat moins fort après avoir analysé la totalité de l'article. Ou disons que l'on souligne avec gentillesses les paradoxes du confrère américain, marquant par là même une réprobation amicale.  Le journaliste ne prend pas parti, c'est bien connu. Cependant, nos confrères posent la question à tout hasard, « Au fait, où James Joyce, Henry Miller, Robert Frank ont-ils été édités pour la première fois? » Et de répondre immédiatement : « A Paris. » Grand bien nous en fasse.

Si l'on reproche effectivement un nombrilisme actif dans la culture française et un sponsoring gouvernemental, alors acceptons ces réflexions. Elles ont probablement un quelconque fondement qui nous est demeuré invisible. Clamons même la venue du déclin, qu'importe, il repoussera toujours une herbe plus verte sur les plus infâmes terrains vagues.

Optimiste ? Non. Simplement, déclin et renaissance font partie du même cycle. Pourquoi s'en sentir offensé ? 

Après L’Amitié et Mods, Serge Bozon signe avec La France son troisième film, incontestablement le plus abouti. De Mods, demeurent le goût de la pop anglaise et un certain sens de l’incongruité tragique. Mais c’est cette fois dans le cadre de la guerre 1914-1918 que Serge Bozon plonge ses personnages.

Camille attend le retour de son mari parti au front. Un jour, elle reçoit de lui une lettre aussi stupéfiante que laconique : « Ne m’écris plus. Je ne veux plus avoir de tes nouvelles. Tu ne me reverras pas. » Le soir même, la jeune épouse coupe ses cheveux, enfile des vêtements masculins, et travestie en homme, s’engouffre dans la forêt pour le rejoindre. S. Bozon filme avec concision et sobriété ces premiers moments d’errance : les plans sont courts, elliptiques et solitaires. Bientôt, le champ s’élargit : sa route croise celle du 80ème régiment. Les épiant d’abord de loin, Camille se couche auprès d’eux le soir venu. Rapidement, elle s’intègre à la petite troupe, qui n’est en route pour le front qu’en apparence, les soldats se révélant finalement être des déserteurs.

C’est sur la rencontre de ces deux mensonges que débute le film : celui de Camille, jeune homme prétendument avide d’en découdre avec l’ennemi, et celui du régiment, faussement engagé vers le front. De cette double dissimulation, naît une inquiétude sourde qui parcourt le film et s’intensifie à mesure qu’il approche de son dénouement. Dès l’arrivée de Camille au sein de la troupe, les conversations anodines entre soldats, leur marche régulière à travers la forêt, semblent troublées par d’infimes indices : un cauchemar, une cachette soudaine et surréaliste, sont autant de dissonances dans le quotidien du régiment.

Film de guerre, La France l’est donc assurément. Car s’il ne montre ni ligne ennemie, ni champ de bataille, il capte avec finesse le sentiment morbide, insidieux qui étreint le soldat jeté au front, et contre lequel se dressent les déserteurs. Ce désir de mort qui éteint la passion du soldat Philippe pour les Grecs et l’Atlantide, et éloigne François de Camille. C’est même lorsque le film s’éloigne le plus de l’imagerie traditionnelle de la guerre qu’il parvient le mieux à en exprimer le désespoir. Les quatre séquences au cours desquelles la troupe entonne une chanson apportent ainsi un contrepoint lumineux et mélancolique au destin du régiment qui s’achemine vers la mort. Un contraste qui ne cesse de s’approfondir au cours du film, entre la vie quotidienne du régiment, chaque jour davantage marquée du sceau de la mort et de la honte, et la conception de la vie qu’ils prônent et défendent, inlassablement. La lumière diurne est douce, les séquences nocturnes éclairées de façon quasi fantastique. Une chouette, un corps nu dans la lumière du soir y semblent des apparitions merveilleuses. Autant d’éléments oniriques qui évoquent ce désir de vivre, de rêver, de chanter malgré l’ombre de la guerre. Quitte à payer cette liberté du prix de l’infamie.

La France pourrait être un film sur le courage. Celui de la troupe, qui chante jusqu’à l’épuisement ses chansons surannées et mélancoliques. Celui de Camille, qui bouscule les lignes conventionnelles pour sauver François des chimères qui l’ont étreint. Si l’audace de la troupe se révèle lors des moments chantés, celui de Camille se lit sur son visage : Quand elle se jette à l’eau glacée, c’est le regard oblique et fixe, le corps projeté comme un poids mort, sans un instant d’hésitation effrayée. Cet entêtement d’enfant, cette détermination farouche sont au cœur de La France. Et si les personnages sont droits et fiers, les acteurs sont remarquables. Sylvie Testud incarne avec intensité la témérité de Camille, tandis que Pascal Greggory se révèle incroyable de gravité et de douceur résignée.

Tout à la fois romance, comédie musicale et film de guerre insolite, La France est une oeuvre courageuse. Parce que les séquences chantées couraient le risque du ridicule, parce que l’esthétique du film se trouve parfois aux antipodes d’une représentation attendue de la guerre, S. Bozon fait le choix, comme ses personnages, d’une affirmation sans concession de sa singularité.