Chefs-d'oeuvre de la Renaissance - Angers - Le Mans

Cette troisième édition de "Trésor de tapisseries" nous plonge à la toute fin du XVe et au début du XVIe siècle, au coeur des trésors des cathédrales d'Angers et du Mans. Les tapisseries présentées à cette occasion au château d'Angers illustrent la transition entre l'art du Moyen Age et celui de la Renaissance. En effet, de nouveaux répertoires venus d'Italie traversent la frontière et intègrent progressivement les arts en France, sans que l'intérêt pour le gothique ne s'efface. Motifs gothiques et Renaissance se mêlent alors intimement. Cette période est marquée par le développement de nombreux ateliers et corporations. Le statut des artistes et artisans se modifie dans ce même élan, de nombreux ateliers de lissiers sont attestés dans la capitale et plusieurs noms se démarquent dans la production textile. Ce catalogue revient sur les plus beaux exemples de la production française de cette époque, conservés dans deux des principaux trésors de tapisseries de France. Cet événement est l'occasion de dévoiler au public des objets d'art qui ont été au centre d'études et de campagnes de restauration récentes.

Les tarots enluminés du xve siècle fascinent. Leur qualité d'exécution, la richesse de leurs couleurs, leurs fonds d'or estampés en font des oeuvres à part, à la fois cartes à jouer et miniatures. Objets de luxe qui ont vu le jour dans les milieux aristocratiques et cultivés du nord de l'Italie au xve siècle, ils ont été mieux préservés que les tarots ordinaires imprimés. Dominés par les cartes peintes par Bonifacio Bembo et son atelier pour la cour de Milan, les tarots enluminés ont été aussi réalisés pour d'autres cours, comme celles de Ferrare ou de Florence. L'apparition sur le marché de l'art et l'acquisition par le musée de la Carte à jouer d'un superbe Chariot, un des atouts du tarot, totalement inédit, a bousculé les attributions faites jusque-là. Organisé autour de la carte du Chariot et de ses "? soeurs ? ", deux cartes clairement issues du même jeu exceptionnellement prêtées par le musée national de Varsovie, cet ouvrage présente de précieux tarots milanais et florentins, en provenance d'institutions prestigieuses telles le Louvre, la Bibliothèque nationale de France, la Morgan Library and Museum à New-York ou encore les musées de Sicile. Les tarots enluminés apportent des détails indispensables à la connaissance de la peinture italienne du xve siècle. "? Triomphes ? " de Pétrarque, plateaux d'accouchée, livres illustrés... en éclairent le contexte historique, artistique et intellectuel.

Un aperçu exceptionnel des chefs d'oeuvres de la galerie vénitienne Giorgio Franchetti alla Ca' d'Oro, l'une des plus fascinantes collections vénitiennes, présentée au sein des galeries Al Thani, à l'Hôtel de la Marine. Cette nouvelle exposition organisée au sein des galeries Al Thani, à l'Hôtel de la Marine, présente les chefs d'oeuvres de la galerie vénitienne Giorgio Franchetti alla Ca' d'Oro, dont la fermeture temporaire donne l'opportunité au public parisien de découvrir un ensemble exceptionnel. Le catalogue permet au lecteur d'explorer l'art et l'histoire de la Sérénissime. Peintures, sculptures et objets d'art évoquent tous le faste exceptionnel et la virtuosité artistique de la ville, à travers le regard d'un amoureux de l'art, Giorgio Franchetti. Une première partie est consacrée à l'histoire de ce magnifique palais vénitien du XVe siècle, qui ouvre sur le Grand Canal, dans le sestiere de Cannareggio, délabré quand le baron Giorgio Franchetti le transforma en musée. Le riche mécène y installe sa collection, trente ans après l'avoir acquis. Issu d'une famille de banquiers et d'entrepreneurs fortunés, Franchetti se passionnait pour la musique et pour l'art, et ses goûts l'avaient conduit à parcourir l'Europe entière. L'ensemble présenté ici réunit une cinquantaine des plus grands artistes italiens, essentiellement vénitiens, tels que Pietro Lombardo, Gentile Bellini, Jacopo Sansovino, Mantegna, Titien, Tintoret ou Le Bernin.

Pour la première fois en France, une exposition retrace l'extraordinaire aventure du verre de Murano en parcourant sept siècles de création intense, du milieu du XVe siècle à nos jours. Ainsi, près de deux cents pièces, nombreuses inédites ou exposées exceptionnellement, issues de collections publiques ou jalousement conservées dans des collections privées, seront réunies. Présenté au musée Maillol, sous le haut patronage de la ville de Venise, l'exposition retrace le parcours historique de la production des grandes verreries : une sélection parmi les plus beaux objets réalisés pour les grandes familles et les cours européennes de la Renaissance, les fantaisies baroques et les créations du XVIIIe siècle, les pièces Art déco des années 1920 et du modernisme des années 1950, jusqu'aux ouvres contemporaines de «Studio Glass», mouvement d'artistes qui ont choisi d'utiliser le verre comme unique moyen d'expression.

Pénétrez au coeur de la peinture par le biais des images. Un schéma de navigation et de nombreux outils vous aideront comprendre la composition de l'oeuvre avant de découvrir qui se cache derrière chaque détail. Du Rouleau de Qingming, de Zhang Zeduan, à l'Athanor, d'Anselm Kiefer, l'auteur propose une sélection originale et représentative de l'histoire de la peinture.

Véritable cosmopolite d'autrefois, et homme de culture de toujours, Georges Bemberg est l'héritier d'une vieille famille vivant depuis longtemps entre l'Ancien et le Nouveau Monde. Si c'est en 1841 que le banquier Charles-Juste Bugnion achète la campagne de l'Hermitage, située sur une colline dont la vue superbe sur la cathédrale de Lausanne et le lac avait déjà été immortalisée par Camille Corot en 1825, c'est peu d'années plus tard que la famille Bemberg quitte Cologne, en Allemagne, et traverse l'Atlan- tique pour y commencer une nouvelle vie. Georges Bemberg aurait pu être pianiste, compositeur, écrivain, ou encore auteur de théâtre mais, avec une discrétion et un sens du secret qu'il érige en règle de vie, c'est en collectionneur qu'il se consacra à l'art. Jusqu'à ses derniers jours, il partage son temps entre Paris où il réside le plus souvent, New York dont il aime l'énergie et les hivers, et Buenos Aires auquel il garde un attache- ment profond. Né en Argentine en 1915 dans une famille luthérienne d'industriels, il grandit en France. Pianiste talentueux envisageant un temps de devenir compositeur, il choisit Harvard pour ses études afin de rejoindre Nadia Boulanger et côtoyer toute l'élite des compositeurs du xxe siècle. Finalement, il renonce à la carrière musicale, trop exclusive à son goût, pour se lancer dans la création littéraire. Diplômé en littérature comparée anglaise et française, il devient alors un familier des cercles d'écrivains et de poètes de la Nouvelle-Angleterre et rencontre de grands auteurs comme John Dos Passos ou Edmund Wilson. Il publie différents ouvrages et certaines de ses pièces sont jouées avec succès off-Broadway. En Argentine, il fréquente les milieux intellectuels sud-améri- cains et sa cousine Victoria Ocampo lui ouvre sa fameuse revue littéraire SUR. En France, ses nouvelles et poèmes au style subtil et sensible sont favorablement accueillis par la critique. Néanmoins, au-delà de la multiplicité de ses talents, il consacre sa vie à sa passion pour les beaux-arts. De sa famille, généreux mécène à qui l'on doit la Maison de l'Argentine à la Cité universitaire de Paris, et plus particulièrement d'un oncle, élève de Picasso, Georges Bemberg hérite de l'amour de la peinture. C'est à New York, alors âgé d'une vingtaine d'années, qu'il fait l'acquisition d'une gouache de Pissarro, remarquée chez un marchand et obtenue pour 200 dollars. "C'est pour un musée" dit-il, pour cacher sa timidité et anticipant inconsciemment son désir profond. Aux Etats- Unis, puis en France après la guerre, Georges Bemberg se familiarise avec le marché de l'art et parcourt les ventes. A Paris, il est ébloui par Bonnard et va constituer, au fil des ans, un des plus grands ensembles de ce peintre, riche de plus de trente toiles. Il le complètera par un nombre important d'autres signatures de la fin du xixe et du début du xxe siècle, impression- nistes, nabis et fauves. Il réunira également près de deux cents tableaux anciens, du xvie au xviiie siècle, dont des portraits de Clouet, Benson et Cranach. Son amour pour Venise le pousse à collectionner les maîtres vénitiens tels que Canaletto et Guardi. Toutes les formes d'expression artistique le passionnent. Ainsi, de remarquables bronzes de la Renaissance, de splendides reliures, une foule d'objets précieux ou encore des meubles de grands ébénistes viennent s'ajouter à sa collection, qu'il ne va jamais cesser d'enrichir. Dans les années 1980, Georges Bemberg recherche un lieu où abriter sa collection et la partager avec le public, considérantque les beaux objets doivent finir dans un musée pour être vus par tous. C'est ainsi que lui vient l'idée de créer une Fondation, seul moyen de préserver sa collection dans son intégrité, tout en la rendant accessible. La splendeur de l'Hôtel d'Assézat que la municipalité de Toulouse lui propose de mettre à sa disposition, le convainc d'installer sa collection dans la ville. Le voeu du collectionneur peut se réaliser : abriter les oeuvres et les objets témoignant d'une vie tout entière consacrée à la recherche artistique dans un lieu hors du commun. Investi dans la mise en scène de l'oeuvre de sa vie, il crée un décor semblable à celui d'une noble maison particulière, renouant ainsi avec la vocation première de l'hôtel d'Assézat. Ce qui distingue la collection Bemberg et qui en fait tout le charme et la personnalité, c'est qu'elle n'est rien d'autre que le reflet fidèle du goût et du tempérament de son auteur. Celui-ci a choisi chaque tableau, chaque objet, pour la seule beauté et l'émotion que leur contem- plation éveillait en lui. Régulièrement, dans le plus grand anonymat, Georges Bemberg venait voir ses oeuvres installées dans l'écrin qu'il leur avait choisi et, toujours sans se faire connaître, se plaisait à écouter les commen- taires élogieux des visiteurs. Lieu d'exception s'il en est, l'hôtel d'Assézat appartient depuis plus de cent ans à la Ville de Toulouse. Sa construction, qui remonte à la seconde moitié du xvie siècle, est due à Pierre Assézat, négociant ayant fait fortune dans le pastel, plante tinctoriale dont le commerce était alors florissant. Venu d'Espalion, en Aveyron, au début du xvie siècle pour rejoindre ses frères aînés déjà associés à ce commerce, Pierre Assézat en devient l'héritier et le successeur en 1545. Marié à la fille d'un capi- toul, receveur général de la reine douairière Eléonore d'Autriche, il accéde au Capitoulat en 1552. Dès 1551, il commence à acquérir les terrains nécessaires à la construction d'une "grande maison" . Le 26 mars 1555, il conclut un bail à besogne avec le maître-maçon Jean Castagné et l'architecte sculpteur Nicolas Bachelier pour la construction du corps de logis formé de deux ailes perpendiculaires reliées par un escalier. A la mort de Nicolas Bachelier en 1557, son fils Dominique dirige les travaux du pavillon d'entrée, de la galerie ouverte sur la cour et enfin, de la "coursière" 4 qui anime le mur mitoyen aveugle. En 1761, les descendants de Pierre Assézat vendent l'hôtel au baron de Puymaurin, qui modernise façades et appartements. L'hôtel d'Assézat nous parvient donc après deux campagnes de travaux bien distinctes : l'une, datant de la Renaissance, met en place la composition générale, le dessin des façades, la superposi- tion des ordres dorique, ionique et corinthien, l'importance donnée à tous les éléments d'architecture par l'emploi de la pierre ; l'autre, remontant au xviiie siècle, voit les fenêtres à meneaux remplacées par de grandes fenêtres au premier niveau, pour éclairer les salons nouvellement créés. Au xixe siècle, après avoir été transformé en entrepôts et en bureaux, l'hôtel d'Assézat fut acheté par la banque Ozenne et légué en 1895 à la Ville de Toulouse. C'est au terme d'une étude de plusieurs années qu'a pris forme le projet de réhabilitation de l'édifice et son aménagement en vue d'abriter la collection Bemberg. Les travaux, commencés en 1993, se sont achevés début 1995, et la Fondation Bemberg a ouvert ses portes dans un bâti- ment entièrement rénové et réaménagé en fonction de sa nouvelle vocation culturelle. La Fondation Bemberg a réalisé une première extension et une rénovation de ses espaces en 2001, ce qui a permis d'y intégrer de nouveaux espaces comme l'auditorium, les ateliers pédagogiques, etc. A l'issue de près de 25 ans d'activités, le musée nécessite des aménagements plus adaptés à sa fréquen- tation et aux attentes du public, notamment en ce qui concerne l'accueil. Afin d'offrir la meilleure expérience possible à chacun de ses visiteurs, le conseil d'administration de la Fondation Bemberg a décidé d'un ambi- tieux chantier de rénovation, prévu de la fin de l'année 2020 au début 2022. Ce projet est l'aboutissement d'une réflexion en profon- deur sur les aspects techniques et la conser- vation préventive, ainsi que sur les aspects fonctionnels et notamment sur le parcours, les agencements muséographiques, les systèmes d'éclairage ainsi que les dispositifs de média- tion associés. Différents paramètres sont ainsi intégrés : muséographie, architecture, patri- moine, fonctions, et techniques. La Fondation Bemberg ou l'art de se réinventer... A l'heure où cette dernière a fermé ses portes pour un an afin de de se préparer pour une nouvelle vie, elle consent un prêt tout à fait exceptionnel. En effet, depuis sa création, c'est la première fois que la Fondation Bemberg, en dehors des prêts individuels qu'elle pratique toujours avec joie, prête ici une très large sélection des chefs-d'oeuvre de sa collection de peintures. Nul doute que, européen convaincu et amou- reux des beaux lieux, Georges Bemberg aurait apprécié de voir nombre de ses tableaux favoris dans le cadre attachant et romantique de la Fondation de l'Hermitage, en attendant que le rêve de sa vie fasse peau neuve...

En 1918, Duncan Phillips décide de créer, dans sa maison familiale de Washington, un musée consacré à l'art moderne et à ses origines, où "chaque élément serait posé à sa place, dans une vision d'ensemble" . Du Greco à Picasso, d'Ingres à Kandinsky, de Chardin à Daumier, Bonnard, Cézanne, Braque ou encore Sam Francis et Paul Klee, il n'aura de cesse, jusque dans les années 1960, de parfaire sa collection, avec la couleur pour principal élément structurant. Et de rassembler des oeuvres en fonction de leurs résonances réciproques, révélant ainsi les liens entre l'art de son temps et celui du passé. Outre son oeuvre phare, le célèbre Déjeuner des canotiers de Renoir, la Collection Phillips est aujourd'hui l'une des plus exceptionnelles par sa cohérence et la qualité des oeuvres.

Un florilège des principaux chefs d'oeuvres de la prestigieuse collection Al Thani, à l'Hôtel de la Marine. L'Hôtel de la Marine, qui ouvrira ses portes pour la première fois en juillet 2020, sera l'écrin des trésors de la collection Al Thani, l'une des plus prestigieuses au monde. Fruit d'un accord de mécénat exceptionnel entre le Centre des monuments nationaux et la Fondation collection Al Thani, l'ancien Garde-Meuble royal reprendra dès son ouverture ses fonctions séculaires de lieu d'exposition en accueillant dans 400 m2 - et pour les vingt prochaines années ! - les richesses historiques de cette collection unique. L'atelier Tsuyoshi Tane Architects a été choisi pour dessiner les nouveaux espaces d'exposition au sein du monument. Ce volume de la collection " Regards " présente les 40 plus belles oeuvres de la collection : composée de plus de 6 000 oeuvres témoignant de nombreuses civilisations de l'Antiquité à nos jours ; elle n'avait jamais été exposée ainsi aux yeux du grand public, dans toute sa diversité. Ivoires assyriens, objets précieux sassanides, ornements moghols, commandes britanniques exceptionnelles du XIXe siècle... une diversité prodigieuse d'objets uniques est ici dévoilée. Historiens et spécialistes font entrer le lecteur curieux comme l'amateur averti dans l'histoire et l'élaboration minutieuse de ces objets.

Les plus célèbres romans de H. G. Wells, l'auteur de La Guerre des Mondes, réunis en un album relié. Un classique à offrir ou à s'offrir idéal pour les fêtes de fin d'année ! Récit d'une invasion extraterrestre, La Guerre des mondes (1898) est l'un des premiers chefs-d'oeuvre de l'anticipation. Imprégné de darwinisme et de culture scientifique, H. G. Wells (1866-1946) ne se contente pas du probable : l'impossible est son domaine. En quelques années, de 1895 à 1901, il conçoit ses romans les plus fameux : La Machine à explorer le temps, qui présage l'extinction de l'humanité ; L'Homme invisible, l'aventure d'un savant dépassé par son invention ; L'Ile du docteur Moreau, qui met en scène la révolte de monstres hybrides ; et Les Premiers hommes dans la lune, qui décrit l'exploration de notre satellite, peuplé d'insectes évolués... La veine sociale de Wells est plus sensible dans Une histoire des temps à venir et dans Miss Waters, tandis qu'Au temps de la comète rêve d'une humanité purgée de ses travers par la collision d'un astre gazeux. Moraliste et visionnaire, Wells a même anticipé l'apocalypse mondiale dans La Guerre dans les airs (1908)... Tels sont les neuf romans rassemblés dans ce volume qui offre un portrait complet du maître de la science-fiction. Depuis 2014, sous le label " Bibliothèque des classiques " et regroupés en un volume relié, paraissent les chefs-d'oeuvre d'auteurs de premier ordre à prix accessible. Ces recueils, à offrir ou à s'offrir, ont leur place dans toutes les bibliothèques.

Musique sacrée, opéras, symphonies, concertos, musique de chambre et pièces vocales : tous les aspects de la création musicale, depuis Machaut jusqu'à Berg, sont ici présentés à travers l'analyse de quelque sept cents chefs-d'œuvre de quatre-vingt-six compositeurs. Un chef-d'œuvre, c'est une œuvre d'art qui suscite l'enthousiasme. Qui répond à des critères académiques ou qui en impose de nouveaux. Qui surprend ou qui émeut. Mais, par chefs-d'œuvre classiques de la musique, Roland de Candé désigne dans cet ouvrage des compositeurs que notre culture occidentale identifie clairement comme des modèles, quelle que soit l'admiration que chacun ressent à leur audition. Le propos du présent ouvrage est d'être utile aux mélomanes amateurs ou professionnels en rassemblant des informations précises sur ces œuvres : date de composition, d'édition, de première audition, formations vocales et instrumentales, etc. Mais il en propose aussi une interprétation où la rigueur du musicologue n'efface jamais le plaisir de l'écoute qu'il veut nous faire partager.

Qu'est-ce qu'un chef-d'oeuvre ? Pourquoi certaines bandes dessinées deviennent des classiques ? A travers l'analyse de vingt-deux cas emblématiques, de Tintin à Jimmy Corrigan en passant par Les Passagers du vent, From Hell ou Corto Maltese, ce livre analyse les techniques, sources et influences qui ont présidé à leur création. Une somme incontournable afin de mieux percer tous les secrets du 9e art.

L'Hôtel de Caumont - centre d'art d'Aix-en-Provence fait voyager ses visiteurs à Venise en présentant une sélection des chefs-d'oeuvre de la collection Cini, l'une des plus importantes collections d'art ancien italien. Les peintures, sculptures, dessins et objets précieux présentés et reproduits dans cet ouvrge, font partie de l'un des plus prestigieux ensembles d'art italien, du XVIe au XVIIIe siècle, réuni par l'entrepreneur et philanthrope Vittorio Cini (Ferrare 1885 - Venise 1977). En 1951, ce dernier crée la Fondation Giorgio Cini, centre de recherche et formation de réputation internationale, intitulé à la mémoire de son fils, décédé prématurément. Aujourd'hui, la collection Cini est répartie entre la Galerie du Palazzo Cini, ancienne résidence du collectionneur sur le Canal Grande, et l'important siège de la Fondation Giorgio Cini, sur l'île vénitienne de San Giorgio Maggiore. A côté des grands noms de la peinture toscane - Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo - et vénitienne, comme Lorenzo et Giandomenico Tiepolo, l'exposition présente des pièces maîtresses de la Renaissance ferraraise. Complétée par une sélection de sculptures, émaux et ivoires, ainsi que par un choix de dessins et enluminures, l'exposition et le catalogue qui l'accompagne rendent compte de toute la variété technique et stylistique d'une époque florissante de l'art italien, ainsi que du goût raffiné de l'un de plus importants collectionneurs italiens du XXe siècle.

Connus dans le monde entier, reproduits sur des milliers de livres, d'affiches, de cartes postales, de calendriers, les chefs-d'œuvre les plus célèbres semblent usés par tant de copies, tant de regards... Croyant les connaître, nous ne les voyons plus, nous ne les regardons plus... Mais que savons-nous réellement de la Joconde de Léonard de Vinci ou des Demoiselles d'Avignon de Picasso ? Pourquoi ces tableaux sont-ils si célèbres ? Pourquoi des millions de gens se pressent-ils dans les musées pour les contempler ? Armés de votre loupe, partez à la découverte des tableaux les plus admirés de la peinture occidentale. Devenez détective de l'art pour percer leur mystère...

Ce livre propose une traduction conjointe de deux oeuvres théâtrales de Georges Chortatzis, auteur crétois du 16e siècle, la comédie Panoria et la tragédie Erophile, que lui-même souhaitait ne pas être séparées. Panoria est l'histoire de gens heureux, les bergers de l'Ida, amoureux de la chasse plutôt que de l'Amour, jusqu'à ce qu'Aphrodite envoie son fils Eros pour qu'il rétablisse l'ordre. Dans Erophile, fille de roi, au contraire, c'est le domaine des Grands de ce Monde et, au travers d'amours tragiques, la mort est partout présente. Chortatzis, dans sa dédicace, dit que c'est un reflet de ses souffrances. Chortatzis a placé dans sa tragédie quatre Intermèdes tirés de La Jérusalem délivrée du Tasse. Il les utilise pour faire passer son message. L'Histoire se reflète au travers de ces trois oeuvres, écrites sous l'occupation vénitienne de la Crète.

Est-ce au XVIe ou au XVIIe siècle qu'il faut attribuer ce chef-d'oeuvre anonyme qu'est Le Sacrifice d'Abraham ? On lui a attribué comme auteur Cornaros, qui vivait au XVIIe siècle. Or le XVIe siècle est attesté par Emile Legrand, qui fait autorité. Geneviève Wallon propose donc Chortatsis, qui vivait à cette époque. Cornaros (Erotocritos) se complait dans l'action, alors que Le Sacrifice met en scène Abraham, qui doit affronter la demande de l'Ange de sacrifier son fils unique Isaac pour l'offrir au Seigneur. On retrouve cet aspect psychologique chez Chortatsis, dans sa tragédie Erophile. Geneviève Wallon conclut que Le Sacrifice serait de Chortatsis, qui aurait pris comme modèle l'Iphigénie en Aulide d'Euripide. Cet ouvrage présente le texte original grec ainsi que sa traduction.

Salle 1 - Poses d'apparat et portraits privés Salle 2 - La grâce et la beauté Salle 3 - Vêtues ou dévoilées Salle 4 - Beautés d'ici et d'ailleurs Salle 5 - Le mystère et le rêve La femme offre, à travers la peinture, les mille et une facettes de sa beauté. Il faudrait en réalité parler de "beautés" au pluriel, tant les critères sont fonction de la subjectivité de l'époque. Blonde pulpeuse, nymphe diaphane, bourgeoise vertueuse, provocante nudité, royale distance : il n'existe pas un idéal de beauté, mais, à travers les siècles, et à travers les peintres, une illustration parfaite de l'éternel féminin.

Dans le cadre des travaux engagés dans l'appartement du Roi, le château de Versailles prête, pour la première fois et de manière exceptionnelle, un ensemble de six peintures provenant de la chambre de Louis XIV, au musée de Picardie à Amiens. Les six peintures seront ensuite présentées, à partir du printemps 2023, dans les appartements de Madame de Maintenon, au château de Versailles. Saint Matthieu, Saint Luc, Saint Jean, Saint Marc et le Denier de César, peints par Valentin de Boulogne (1591-1632), Agar et l'ange par Giovanni Lanfranco (1582-1647) ornent de nos jours l'attique de la chambre du Roi, témoignage essentiel du goût de Louis XIV pour la peinture caravagesque. Accrochés habituellement à plus de dix mètres du sol, ces tableaux d'une immense qualité picturale seront présentés à portée du regard, occasion unique de les voir ensemble, qui plus est, après avoir été restaurés.

A la suite de l'exposition "Guernica", le Musée national Picasso-Paris consacre l'année 2018 à la célébration de chefs-d'oeuvre de Pablo Picasso. L'exposition "Picasso. Chefs-d'oeuvre !" réunit des icônes venues du monde entier, dont certaines sont présentées à Paris pour la première fois. Collaborations exceptionnelles, campagnes de restauration inédites ou prêts d'institutions amies : les chefs-d'oeuvre exposés font écho aux événements et aux partenariats qui rythment la vie du Musée national Picasso-Paris.

Quel sens a la notion de chef-d'oeuvre pour Pablo Picasso ? L'exposition "Picasso. Chefs-d'oeuvre ! " répond à cette question en réunissant des oeuvres maîtresses, pour certaines présentées à Paris pour la première fois. L'ensemble réuni propose une nouvelle lecture de la création picassienne, grâce à une attention particulière portée à la réception critique. Le parcours revient ainsi sur les expositions, les revues et les ouvrages qui ont accompagné chaque oeuvre et qui ont contribué, au fil des années, à forger leur statut de chefs-d'oeuvre. Illustré de ces chefs-d'oeuvre de Picasso, mais aussi de photographies de Brassaï, David Douglas Duncan, Dora Maar et bien d'autres, ce catalogue revient en détail sur l'histoire de chaque création. Il offre également un regard sur l'oeuvre de l'artiste espagnol dans son ensemble, à travers le prisme de la photographie, de la presse et de l'histoire des expositions.

On a amplement célébré les différentes facettes de Roland Topor, ses romans et ses nouvelles, ses pièces de théâtre, ses films d'animation, ses dessins, sans oublier ses affiches. Il est temps aujourd'hui de présenter ce qui constitue l'épine dorsale de son oeuvre : ses dessins les plus accomplis, qui sont aussi les plus intemporels. Après avoir publié en 2019 le volume Chefs-d'oeuvre I, consacré à ses dessins en noir et blanc, les Cahiers dessinés s'attachent à réunir dans ce deuxième volume ses chefs-d'oeuvre en couleurs, dont de nombreux inédits, où l'on retrouve ses thèmes de prédilection : le corps malmené, l'hallucination cauchemardesque, les tourments de l'éros... Et cet humour grinçant qui a fait sa marque de fabrique. Dans sa préface, l'écrivain, psychanalyste et anthropologue Patrick Declerck donne au lecteur les clefs de cette plongée aussi graphique que fantasmatique dans les facéties de l'inconscient. Né en 1938 dans une famille juive d'origine polonaise, Roland Topor est caché en Savoir durant l'Occupation. A vingt ans, il publie son premier dessin de presse, puis collabore à Hara-Kiri avant de délaisser le dessin d'humour pour se consacrer à un art total. Dans cette perspective, il fonde en 1962, avec Fernando Arrabal, Alejandro Jodorowsky, Olivier O. Olivier et d'autres, le mouvement Panique, en référence au dieu Pan. Chansonnier, nouvelliste, romancier, illustrateur et affichiste prolifique, il met également son talent au service du cinéma, participant, entre autres, au Casanova de Fellini, ainsi qu'au Marquis d'Henri Xhonneux, dont il écrit les dialogues et assure la direction artistique. En 1976, Roman Polanski adapte son roman Le Locataire chimérique. Toujours avec Henri Xhonneux, il crée en 1983 le programme télévisé Téléchat, qui connaît un succès étourdissant. En 1990, il est lauréat du Grand Prix de la Ville de Paris. Après sa mort en 1997, il est admis au Collège de 'Pataphysique à titre posthume.

Qui se cachent vraiment derrière les plus grands chefs-d'oeuvre de l'art ? Qu'est-ce que ces peintures nous disent-elle en retour des artistes qui les ont peints ? Car ces oeuvres réservent encore bien des surprises éclairées par les passions secrètes, les secrets, les obsessions des artistes. C'est en comprenant ce qui les constituent, les animent, leurs rêves ou leurs craintes que leurs plus grandes peintures se mettent à nous raconter une autre histoire, leur vie secrète. Découvrez des secrets de fabrication, de réalisation, de restauration, comme une partie de la correspondance et des carnets personnels des artistes.

Dans "Le Temple", un sous-marin allemand isolé en haute mer est victime d'une étrange malédiction. La peur s'empare de l'équipage et entraîne le vaisseau au plus profond des abysses, là où aucun homme n'est encore allé... Les héros du "Molosse", eux, n'hésitent pas à profaner des tombes pour assouvir leur passion de l'occulte. Fervents lecteurs de leur copie du Necronomicon, ouvrage de magie noire, ils vont découvrir que certaines choses doivent rester enfouies à jamais... Ce même Necronomicon guide le voyageur de "La Cité sans nom" au milieu du désert. Là, l'homme comprend que sa civilisation n'est pas la seule sur Terre, et que l'être humain est bien petit face aux forces de l'inconnu... De son trait sombre et réaliste reconnaissable entre tous, Gou Tanabe met en images les pires cauchemars imaginés par H. P. Lovecraft, le maître du fantastique et de l'horreur. Aux frontières des mondes, les protagonistes mènent une lutte sans espoir pour ne pas sombrer dans la folie !

Dans cet ouvrage passionnant, Stéphane Guégan renouvelle notre regard sur l'un des artistes les plus reconnus de tous les temps : Pablo Picasso. A travers une biographie artistique, il nous raconte son parcours de l'Espagne à la France, dans un langage accessible mais au contenu rigoureusement étudié. Le lecteur pourra également découvrir ou redécouvrir 100 chefs-d'oeuvre de l'artiste provenant des plus grands musées du monde, pour certains déjà extrêmement célèbres, et d'autres pour lesquels ce livre permettra d'en apprécier toute la " nouveauté ". L'occasion de rendre hommage à la polyvalence de Pablo Picasso en présentant ses peintures, mais aussi ses sculptures, céramiques et autres objets artistiques. Des photographies connues comme inattendues viendront compléter ce panorama dense, qui apportera sans nul doute un nouvel éclairage sur cet artiste de génie décédé il y a tout juste 50 ans.

" Vers la fin de l'année 1612, par une froide matinée de décembre, un jeune homme dont le vêtement était de très- mince apparence, se promenait devant la porte d'une mai- son située rue des Grands-Augustins, à Paris. Après avoir assez long-temps marché dans cette rue avec l'irrésolution d'un amant qui n'ose se présenter chez sa première maîtresse, quelque facile qu'elle soit, il finit par franchir le seuil de cette porte, et demanda si maître François PORBUS était en son logis. Sur la réponse affirmative que lui fit une vieille femme occupée à balayer une salle basse, le jeune homme monta lentement les degrés, et s'arrêta de marche en marche, comme quelque courtisan de fraîche date, inquiet de l'accueil que le roi va lui faire. Quand il parvint en haut de la vis, il demeura pendant un moment sur le palier, incertain s'il prendrait le heurtoir grotesque qui ornait la porte de l'atelier où travaillait sans doute le peintre de Henri IV délaissé pour Rubens par Marie de Médicis. Le jeune homme éprouvait cette sensation profonde qui a dû faire vibrer le coeur des grands artistes quand, au fort de la jeunesse et de leur amour pour l'art, ils ont abordé un homme de génie ou quelque chef-d'oeuvre. Il existe dans tous les sentiments humains une fleur primitive, engendrée par un noble enthousiasme qui va toujours faiblissant jusqu'à ce que le bonheur ne soit plus qu'un souvenir et la gloire un mensonge. Parmi ces émotions fragiles, rien ne ressemble à l'amour comme la jeune passion d'un artiste commençant le délicieux supplice de sa destinée de gloire et de malheur, passion pleine d'audace et de timidité, de croyances vagues et de découragements certains... . ".

La chancellerie d'Orléans : peu d'hôtels particuliers parisiens ont fait couler autant d'encre que ce bijou du début du XVIIIe siècle, redécoré dans les années 1760 par l'architecte Charles De Wailly pour le marquis de Voyer, l'un des plus grands collectionneurs et mécènes de son temps. Malgré de vives polémiques, les décors de cet hôtel voisin du Palais Royal furent démontés pièce par pièce en 1923 pour faciliter l'agrandissement de la Banque de France. Depuis lors, ils attendaient en caisses leur remontage, tout en alimentant la plume nostalgique des amoureux du Vieux Paris et de l'art français. Ce remontage est aujourd'hui une réalité. Minutieusement restaurés au long d'un chantier de huit années, les décors ont trouvé leur place au rez-de-chaussée de l'hôtel de Rohan, dans le magnifique quadrilatère des Archives nationales, et sont désormais visibles par tous. Sous la plume des meilleurs spécialistes, le présent ouvrage détaille l'ornementation et l'histoire de la chancellerie d'Orléans, concentré d'arts décoratifs auquel collaborèrent les plus grands artistes (Boffrand, Pajou, Lagrenée...), et raconte aussi les péripéties d'une aventure à la fois tragique et heureuse : c'est tout un pan de l'histoire du patrimoine français, du XVIIIe au XXIe siècle, qui renaît sous nos yeux.

Il existe pour un artiste, peintre ou écrivain, plusieurs façons de "voir" la mer. Embarqué en pleine mer, loin de tout refuge, exposé aux aléas souvent terrifiants des vents et des vagues, l'homme se sent dépossédé : étrangère à l'humain, la mer peut apparaître monstrueuse, et la peindre, c'est tenter d'exprimer sa furie. Salle 1 - En pleine mer Salle 2 - Falaises et bords de mer Salle 3 - Plages, voile et bains de mer Salle 4 - Ports et phares Salle 5 - Légendes et allégories Longtemps considérée comme le décor de scènes portuaires, de batailles maritimes ou de scènes allégoriques, la mer a gagné peu à peu, avec les peintres romantiques, puis impressionnistes, le droit d'être représentée comme un sujet à part entière : miroir de l'infini, élément hostile, déchaîné ou au contraire lumineux et apaisant.

La Provence a séduit, attiré, inspiré les peintres parmi les plus grands, et la lumière du Sud qui les a éblouis a su métamorphoser à jamais leur palette, qu'ils y aient séjourné pour un temps, qu'ils aient choisi de s'y installer définitivement ou qu'ils en soient originaires. Qu'il s'agisse de Marseille se reflétant dans le miroir du Vieux-Port ou bien des villages perchés de l'arrière-pays niçois, la Provence offre toujours un double visage. Celui des belles villes telles que Nice, blottie dans l'écrin de la baie des Anges, de Menton aux réminiscences italiennes ou de Cannes que longe la Croisette, mais également celui des villages aux ruelles tranquilles et aux fontaines d'eau claire, des vieilles bâtisses de pierres sèches couvertes d'un voile d'ocre suspendues contre le bleu du ciel ou encore des nobles et élégantes demeures du pays d'Aix.

Bleu outremer ou bleu azur, bleu de cobalt ou bleu de Prusse... Maniant toutes les nuances offertes par les pigments naturels ou synthétiques, d'origine végétale ou minérale, les artistes ont peu à peu fait du bleu l'un de leurs meilleurs alliés pour peindre les lointains et le ciel, l'air et le froid, le silence et la mélancolie, le divin et les rois... De Giotto à Yves Klein, de Bosch à Vermeer et de Léonard de Vinci à Van Gogh, voilà une histoire de la peinture occidentale revisitée... en bleu ! La forme originale de ce coffret permet de plonger au coeur de la peinture pour y découvrir le rôle de la couleur bleue dans la création des artistes. Accompagné d'un livret explicatif comprenant une introduction et des commentaires d'oeuvres, ce livre "? en accordéon ? ", tout en images, déploie une cinquantaine d'oeuvres, en ensembles, en détails, en gros plans.

Créé de toute pièce : un gentleman parfait. Homme du monde, Arthur Lawton passe ses journées à se divertir tandis que le cireur de chaussures Joe Sprat travaille à l'amélioration de la vie de sa famille. Lors d'un désaccord avec un ami au sujet de la nature contre la culture, Arthur parie qu'il peut transformer cet homme du peuple en gentleman qui se fondra dans une réception de la haute société. Joe est heureux de participer à l'expérience moyennant un salaire, mais il reçoit plus que ce qu'il avait prévu après s'être installé dans la maison de Lawton. Arthur est déterminé à ce que Joe ne se contente de revêtir une couche de sophistication, il veut également parfaire son éducation dans tous les domaines. A mesure qu'il peaufine son nouvel homme, Arthur s'entiche de plus en plus de lui, tandis que Joe tombe également sous le charme de son mentor charismatique. Sous une amitié grandissante, le désir couve et finit par exploser. Une fois que leur relation a franchi un nouveau niveau, le couple vit dans une bulle de rêve jusqu'à ce que la menace d'une dénonciation leur rappelle de manière abrupte leur appartenance à deux mondes différents. Lorsque le bal se termine, chacun doit reprendre sa vie, changé par leur rencontre, mais destiné à des parcours différents. Découvrez si l'amour est assez fort pour combler le fossé entre pairs et pauvres dans cette version du conte de My Fair Lady.

Ce livre met à l'honneur le fleuron des collections de la BnF, de l'Antiquité à nos jours. A travers cent pièces maîtresses, il offre un panorama de la richesse et de la diversité des oeuvres conservées : objets antiques, estampes, peintures, cartes et plans, manuscrits, livres rares, photographies... Ce livre met à l'honneur le fleuron des collections de la BnF, de l'Antiquité à nos jours. A travers cent pièces maîtresses, il offre un panorama de la richesse et de la diversité des oeuvres conservées : objets antiques, estampes, peintures, cartes et plans, manuscrits, livres rares, photographies... Après une introduction retraçant l'histoire des collections de la Bibliothèque, le lecteur aura l'occasion d'admirer, au fil de pages magnifiquement illustrées, les oeuvres d'exception qu'elle conserve, suivant un ordre chronologique : des objets archéologiques, comme la collection de vases grecs du duc de Luynes, la patère de Rennes ou le trésor de Berthouville ; des dessins et estampes, de Rembrandt à Dürer ; les célèbres globes de Coronelli ; des objets provenant des trésors d'église (trône de Dagobert, Grand camée de France...) ; de précieux manuscrits tels que les Grandes Heures d'Anne de Bretagne ou encore le Psautier de saint Louis et de Blanche de Castille, sans oublier les fonds d'écrivains (Victor Hugo, Marcel Proust...) ; les trésors de la musique, tels les autographes du Don Giovanni de Mozart, de l'Appassionata de Beethoven et de Carmen de Bizet ; et les icônes de la photographie ancienne et contemporaine (Nadar, Man Ray, Henri Cartier-Bresson, Robert Capa...). Au-delà de ce choix d'oeuvres exceptionnelles, l'ouvrage permet de parcourir, à partir des collections de la BnF, l'histoire intellectuelle, littéraire et artistique, de l'Antiquité au XXIe siècle.