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Extraits
Essais biographiques
Artemisia
Voilà ce qu'on appelle un destin. Et qui pouvait mieux que Katherine L. Battaiellie, avec son art d'écrire si singulier et si subtil, en restituer la couleur et le mouvement, de l'intérieur, par la voix même d'Artemisia Gentileschi ? En quelques chapitres, comme autant de tableaux, une vie se donne à voir et se dévoile : celle d'une femme, indépendante et courageuse, incontestablement douée ; une peintre à part entière, vivant de son travail, d'un talent reconnu par ses pairs, et signant une oeuvre que l'on doit affilier à l'école du Caravage. Une carrière d'artiste d'exception, qui conduira Artemisia Gentileschi auprès des plus grandes cours : Rome, Florence, Naples, Venise et Londres. Mais une vie faite également d'ombres et de lumières, et d'un drame, lorsque la jeune Artemisia sera victime d'un viol par le professeur que son propre père lui avait choisi. Une vie constituée d'ombres et de lumières, de doutes et de passions, à la manière de ses plus grands tableaux ; une trajectoire phénoménale qui permettra à cette artiste d'inscrire son nom, en ce XVIIe siècle, dans l'histoire de la peinture italienne, à l'instar d'autres femmes peintres comme Fede Galizia ou Lavinia Fontana. Et bien plus encore : d'inscrire le nom d'une femme dans la grande histoire de l'art pictural occidental.
05/2023
Instruments de musique
Musical Postcards for Alto Saxophone. 10 pieces in 10 styles from around the world. alto saxophone.
From Rio to Red Square, Mike Mower's Musical Postcards features ten captivating pieces in different musical styles from around the world. Experience the thrill of Puerto Rican salsa, the magic of an Irish reel, the romance of French café music, and much more ... Available in editions for alto saxophone, flute, clarinet, trumpet and violin, each book contains melody lines with chord symbols to aid improvisation. Every piece is brought to life with a postcard of essential background information and playing tips. A book of keyboard accompaniments is available separately. Spectacular and authentic audio performances and backing tracks of every piece played by bands and musicians from all ten countries are available online. A professional musician for 40 years, Mike Mower has played in orchestras, big bands, chamber ensembles, shows, jazz bands, and recording sessions around the world in classical, jazz, Latin, and rock styles on flutes, saxophones, and clarinets. He has written concertos for international solo artists and orchestras and concert music for ensembles of all sizes - in addition to composing, arranging, and producing TV themes and commercial music albums. His fun but challenging educational music has been enjoyed by a generation of younger players. The Musical Postcards and Junior Musical Postcards series (with accompaniment by some international recording artists too famous to mention ! ) celebrates authentic music genres from all over the globe. Instrumentation : alto saxophone
09/2023
Art contemporain
Barthélémy Toguo. Kingdom of Faith, Edition bilingue français-anglais
Barthélémy Toguo, né en 1967 au Cameroun, vit et travaille aujourd'hui entre Paris et Bandjoun au Cameroun. Il commence ses études à l'école des beaux-arts d'Abidjan en Côte d'Ivoire. Son apprentissage artistique débute avec la réalisation de copies des sculptures classiques européennes, jusqu'à ce que sa participation à un atelier de sculpture du bois en 1992 lui permette de modifier radicalement son travail. Il décide alors de poursuivre ses études en France, afin de connaître un autre type d'enseignement, et d'être plus libre dans ses recherches personnelles. Il suit les cours de l'école supérieure d'art de Grenoble et s'inscrit ensuite dans l'atelier de Klaus Rinke à la Kunstakademie de Düsseldorf. L'artiste commence à utiliser l'aquarelle en 1998 ; ce travail, naissant de ses multiples voyages et expériences, crée ainsi une sorte de journal de bord, de carnet de voyage. Il en réalise plusieurs séries Le travail de Barthélémy Toguo possède aussi une dimension politique. Il s'intéresse aux flux, de marchandises mais aussi d'êtres humains, ainsi qu'à ceux qui régulent ces flux. Barthélémy Toguo s'intéresse également à la présence de l'art en Afrique, et en particulier au Cameroun. Récemment, l'artiste s'est tourné vers le domaine du théâtre et de la mise en scène de l'espace.
10/2021
Art du XXe siècle
Fernand Léger. Catalogue du Musée Soulages de Rodez
Tout au long de sa carrière, Fernand Léger (1881-1955) n'a eu de cesse de clamer la vie, d'en révéler les beautés et de vouloir lui consacrer le meilleur de son art. Cette mission que l'artiste assigne à sa pratique se déploie dans un usage franc de la couleur et des formes - aussi vives que contrastées -, mais également à travers les sujets des oeuvres en eux-mêmes, que Léger choisit prioritairement dans le contexte de l'existence quotidienne. Ainsi, le milieu urbain devient, dès ses débuts, le terrain de jeu de ses explorations formelles. Paris lui inspire nombre d'oeuvres cubistes et il découvre avec admiration toute la puissance plastique de la ville de New York. Dans le travail des ouvriers, les machines et les échafaudages, Léger entrevoit l'émergence d'un monde nouveau, d'une modernité en construction. Enfin, le temps des loisirs, qui connaît une avancée significative avec la généralisation des congés payés en 1936, donne lieu à des tableaux virtuoses dans lesquels plongeurs, cyclistes et baigneurs s'épanouissent. La frontalité affichée des personnages peints, le vis-à-vis direct des objets, le parti pris si résolu de l'artiste de tenir à distance ses sujets ne dissimulent pas sa réelle propension à se saisir des choses de la vie, à les empoigner, à les prendre à bras-le-corps.
06/2022
Littérature française
Marie Donadieu
Comme tout grand artiste, celui-là était mystérieux. Il semble que ce soit leur destin de n'avoir pas l'esprit philosophique et que chacune de leurs phrases pose une fois de plus ou résolve pour ceux qui l'ont, les plus redoutables problèmes de notre étranger destin. Et pourquoi ce pauvre homme contrefait portait-il en lui cette ardeur merveilleuse et pourquoi lui qui passa sa courte vie à épier l'âme végétative d'un vieux paysan, l'éveil d'une petite fille, à prétendre qu'il y a des putains et des bandits qui souffrent d'autre chose que de la faim, à recueillir des larmes que personne ne voit couler, était-il d'une gaieté si jeune ? Pourquoi ce pauvre homme avait-il des gestes fastueux ? Pourquoi cet amoureux des nuances presque éteintes du drame sentimental mettait-il l'art de Michel-Ange au-dessus de tous les autres ? J'ai cru avant de le connaître, je crois toujours après l'avoir aimé, que sa puissance jaillissait du conflit qui se dressa entre le souvenir d'une enfance martyre, la conscience de sa difformité, la pudeur de sa misère et la passion qui portait son cœur magnifique vers la femme et l'espoir de royauté intellectuelle que la voix de l'orgueil intime sans lesquels il n'est pas de haut artiste lui ouvrait.
Elie Faure.
01/1998
Beaux arts
David, la politique et la révolution
Les recherches menées par Antoine Schnapper sur David et la politique ont marqué les études historiques comme l'histoire de l'art de la fin du XXe siècle. Le moment était venu de les revisiter. Au coeur de ces travaux, les contributions au catalogue de l'exposition "David" de 1989 et trois études brèves, mais percutantes, qui balisent les segments capitaux de la vie de l'artiste : l'Ancien Régime, la Révolution, l'Empire. Les analyses d'Antoine Schnapper encadrent et illustrent un moment essentiel de l'histoire de l'art. Au tournant des années 1980, l'analyse formaliste qui dominait les études sur l'art "néoclassique" cède le pas devant un regain d'intérêt pour le contexte historico-politique, et pour la traduction visuelle d'un message politique. David était le personnage idéal à étudier selon cette nouvelle perspective : grand peintre, chef d'école, c'est un des fondateurs de la modernité, qui pense la peinture comme un outil politique au service du peuple. A ses yeux, l'artiste doit mettre en forme l'imaginaire collectif avec les moyens qui lui sont propres. Dès l'époque des Lumières, il s'emploie à la représentation d'idéaux majeurs, qu'il n'aura de cesse, après la Révolution, de mettre en oeuvre, non seulement par son art, mais par son engagement politique.
11/2013
Décoration
Stories and Reflections
Eminent tastemaker Axel Vervoordt recounts the pivotal moments in his life that formed the foundation of his guiding philosophy and signature aesthetic. Axel Vervoordt is one of the world's foremost tastemakers. Revered for his discerning eye in art and interior design through a career that has spanned more than fifty years, he is renowned for his captivating minimalist interiors. An iconic figure at the most prominent international art fairs and exhibitions, he incarnates a singular philosophy for how to live with style. In Stories and Reflections, Vervoordt recounts stories about the people who have influenced him most throughout his life - his family, friends, artists, colleagues, clients, and unforgettable mentors - in this memoir that is personal, funny, insightful, and permeated with humility, wisdom, and lessons learned. He reflects on the key moments in his life from childhood to the present - Rudolf Nureyev's visit to the Vervoordt's new castle, his youthful acquisition of a Magritte, discovering Japanese Gutai art, his legendary Venice exhibitions, and insights gained from artists such as Cy Twombly, Anish Kapoor, and musician Mstislav Rostropovich. He details his greatest successes, as well as his personal regrets, while offering first-hand insight into the work that has forged his reputation. A larger-than-life and inspiring man, this book offers snapshots from his life, which paint an overall portrait of his guiding philosophy.
12/2017
Beaux arts
L'art/L'absolu
Un vécu ancestral, unissant peur et volupté, constitue l'arrière-fond spirituel de la crise liée au covid... C'est encore et toujours la même religiosité qui circule, l'expérience de l'Absolu Transcendant. La poésie permet de sentir ce qui est au-delà du sensible et de l'insensible, invisible, infiniment subtil, aérien, presque éthérique, saisissable et insaisissable, au-delà de l'être et du néant, étrange et inquiétant comme la mort. L'acte créateur souille comme le fait de toucher un cadavre, un accouchement plus ou moins douloureux où la nature se fait artiste. On a pu dire que l'Art remplissait le vide laissé par la disparition du christianisme dans l'hyper modernité consommatrice. Il s'agit plutôt d'un recentrage de l'histoire du monde qui semblait tourner depuis le XIXe siècle autour du modèle occidental. L'Orient et l'Extrême Orient retrouvent au XXIe siècle toute leur importance, pour un regard universaliste et libéré. Le Surréel dont l'art du XXe siècle a pu être une approche, est le gouffre, l'abîme qui dépasse toute détermination : le Surréel est l'hyper Réel, le Vrai Elle, les flots de l'amour qui submergent l'artiste en train de créer. Il correspond au vide de la Liberté où miroite la totalité de ce qui est possible et de ce qui est impossible, l'Absolu manifesté et caché.
12/2020
Beaux arts
Buren. Edition revue et augmentée
Daniel Buren est certainement l'artiste français le plus connu grâce aux fameuses colonnes éponymes du Palais Royal. Il est l'artiste invité au Grand Palais pour la prochaine manifestation " Monumenta " qui débute le 9 mai 2012. A cette occasion la monographie publiée en 2001 de Guy Lelong se voit mise à jour, augmentée de 40 pages avec un changement de format et de maquette. L'épilogue ajouté à cette réédition présente, parmi les œuvres que Daniel Buren a réalisées au cours de la dernière décennie, celles dont la dimension est à l'échelle des architectures qu'elles investissent. Car la dimension de plus en plus architecturale du travail de Daniel Buren est l'un des traits marquants de son évolution actuelle. Ce nouveau chapitre s'organise autour de cinq grandes expositions : Le Musée qui n'existait pas (Centre Pompidou, 2002), The Eye of the Storm ou L'œil du cyclone (Guggenheim Museum, New York, 2005), Plus grand ou plus petit que ? (Château de Tours, 2005), La Coupure (musée Picasso, 2008) et la Monumenta de 2012. Ces grands dispositifs se caractérisent aussi par les montages de jeux visuels qu'ils proposent, consistant à diffuser la couleur dans l'espace par projections et reflets. Une partie conclusive place la démarche générale de Daniel Buren dans une perspective artistique plus large, au-delà des seuls arts visuels.
06/2012
Littérature étrangère
Via Gemito
A la mort de son père Federi, le narrateur entreprend de retracer la vie de cet homme fantasque et impulsif, cheminot le jour, artiste peintre le soir, faisant progressivement émerger le portrait en clair-obscur d'un personnage à la fois effrayant et fascinant, excessif et passionné, dans la Naples des années cinquante. Son fils aîné rend un hommage ambivalent à cette figure paternelle omniprésente dans le récit comme elle le fut dans la famille, tout entière soumise à son bon vouloir et à ses caprices. Violent, mégalomane et paranoïaque, Federi est un artiste illuminé, dévoré par la flamme de son art, auquel il soumet tout le reste - sa vie, mais aussi celle de sa famille, écrasée par sa volonté tyrannique. La belle Rusinè, sa femme, volubile et charmante, et à qui Federi ne cesse de reprocher sa séduction, en est la première victime. Par touches et retouches successives des différentes strates de souvenirs qui affleurent à sa mémoire, le narrateur ouvre une à une les fenêtres de son passé, de cet appartement de la via Gemito où il vécut entouré d'une famille nombreuse et haute en couleur, et revit ainsi son enfance marquée par l'inquiétude, le respect et la terreur que lui inspira Federi. Un requiem baroque, imprégné de la verdeur du dialecte napolitain, pour un père qui refuse de mourir tout à fait.
02/2004
Photographie
Mémoire des lettres
Au lendemain de la deuxième Intifada, laissant loin derrière lui le tumulte de la guerre, Didier Ben Loulou s'est livré à un nouveau travail photographique dans de vieux cimetières juifs des environs de Jérusalem et en Galilée. Sur ces collines arides, des stèles oubliées, des fragments de textes ou des livres abandonnés sont autant d'indices à déchiffrer, autant de signes invitant à réfléchir sur toute vie appelée à disparaître. Cette mémoire des lettres - multiséculaire - a nourri l'imaginaire de l'artiste. Ici, la lettre hébraïque entretient depuis la nuit des temps une relation silencieuse avec le désert de Judée. Arpentant les lieux où vécurent les prophètes de la Bible, Didier Ben Loulou a réalisé un ensemble de photographies magistrales ; empreintes de poésie et de patience, elles tentent de nous donner à voir l'invisible. Cet ouvrage est l'aboutissement d'un travail sur la lettre hébraïque que Didier Ben Loulou réalise depuis plus d'une décennie en photographiant essentiellement de vieux cimetières juifs de Galilée et de Jérusalem. Deux textes - La Grande Patience de Catherine Chalier et Rumeur de pierres de Betty Rojtman - accompagnent les images. Ce travail, qui s'apparente à une quête, est celui d'un artiste volontairement engagé dans des thèmes se rapportant à la culture juive, mais aussi à des questions plus universelles comme celles du portrait, du visage, de l'errance.
05/2012
Littérature française
La souffrance des mots. Tome 1, Des mots pour des maux
Sissi a 17 ans. C'est une jeune artiste avec une voix magnifique, qui a eu un passé douloureux. Elle ne le sait pas encore, mais elle aura un avenir brillant. Un soir, dans sa ville natale, John Pecci, un producteur de 27 ans, lui-même chanteur et compositeur, lui fait une proposition qui va bouleverser sa vie. Sa souffrance est palpable. Sissi quitte alors sa petite ville avec l'accord de sa mère et part ainsi s'installer avec John, chez lui, à Edmonton, en étant désormais sous sa responsabilité. Elle possède un carnet rouille pailleté, précieux à ses yeux, qu'elle ne quitte jamais et dans lequel elle écrit la souffrance de ses maux. John voudrait connaître un peu plus Sissi, percer son mystère et il essaiera d'ailleurs d'obtenir sa confiance, cependant, elle se gardera bien de dévoiler ses émotions. Beaucoup de querelles et d'incompréhensions émailleront de leur collaboration. Au fil du temps, John et elle créeront une solide amitié, Sissi n'en ayant jamais eu auparavant. Et malgré elle, elle se rapprochera de lui. Maceo, un autre artiste que John n'apprécie pas du tout, interviendra à un moment précis de sa vie. Pendant son séjour auprès de John, Sissi fera une découverte surprenante. Aurait-il, lui aussi, des secrets qu'il cache ?
01/2021
Littérature française
Le libertaire et autres nouvelles
"La violence est Pitta, de feu. Elle ravage la terre, les chairs et les coeurs qui n'ont d'autre choix, pour survivre, que de repousser ou renaître à partir des restes d'eux-mêmes". "L'écriture peut être utilisée comme un compagnon de voyage et ce dernier servir de prétexte pour prendre sa plume afin d'évoquer ce que l'on ressent des choses, de la vie plus largement car lorsque l'on voyage seul, l'ailleurs invite d'une part à l'introspection et d'autre part à l'observation depuis le promontoire que peut représenter le changement de décor". Véritable mise en scène des cercles familial, amical et amoureux, ces nouvelles abordent les relations humaines dans toute leur complexité. Non-violence et violence extrême, blessure et guérison, homme et femme, migration et identité, chacun des personnages fait entendre sa voix pour illustrer la dualité dans notre monde terrestre. Né en 1966, Gustave Desarnaulds travaille comme juriste dans une association caritative à Genève. Composant poèmes, nouvelles et peintures, il se présente plus comme un artiste qui fait du droit que comme un juriste artiste à ses heures. Il nous livre cette année deux recueils complémentaires : Regards de l'âme, fait de poésies, peintures et dessins, et Le Libertaire et autres Nouvelles, nouvelles contemporaines librement inspirées de son vécu.
01/2018
Littérature française
L'improbable Ulysse Tome 2 : Les femmes
Ulysse a disparu ! L'enquête se poursuit et la liste de personnes dites dignes d'intérêt pour la police s'allonge, les femmes y tenant une place dominante. L'artiste a-t-il été la victime d'une amante évincée, d'un mari jaloux, de sa propre femme, ou a-t-il décidé de se faire la belle pour échapper à une vie qu'il ne contrôle plus ? S'est-il suicidé ? Ulysse est un peintre de renom international dont la vie est gérée par sa femme et ses maîtresses. Il n'a pas plus cherché le succès en tant qu'artiste que ses succès amoureux. Les conquêtes viennent des femmes, lui n'est que le conquis - satisfait mais sans contrôle. William Bocq entraîne le lecteur sur un rythme léger, sexy et amusant dans la vie du héros, dans ses rencontres et ses aventures, qui pousse à tourner la page et, finalement, à regretter d'avoir atteint la dernière. Né en France, William Bocq vit à New York, il est titulaire d'un MBA en finance et économie de Fordham University. Le livre a été écrit au gré des aéroports et des attentes de vols en retard, de correspondances manquées, et de soirées solitaires loin de chez lui. William Bocq raconte une histoire ; il écrit comme il lit, laissant les héros le guider d'une aventure à une autre.
04/2018
Cinéastes, réalisateurs
Pasolini par Pasolini
En 1968, alors que Pasolini terminait le tournage de Theorème, le journaliste Jon Halliday (alias Oswald Stack) interviewe pendant plusieurs semaines le cinéaste et poète pour qu'il approfondisse avec lui une sorte d'autoportrait personnel et intellectuel, et analyse en profondeur sa carrière littéraire et cinématographique et ses positions politiques. Un document exceptionnel sur l'artiste et l'homme. Pasolini est à un tournant capital de son oeuvre et de sa vie. Sans avoir encore rencontré un très large public (que ses derniers films lui donneront), il est considéré, aux yeux du monde entier comme une figure majeure du cinéma, de la poésie, du roman et de la vie politique italienne, en tant qu'artiste novateur et observateur unique de l'Italie d'après-guerre. Source d'informations irremplaçables, notamment sur son enfance et sur la genèse de tous ses films, cet entretien n'a jamais été traduit, après sa double publication simultanée, en anglais et en italien. Une publication posthume en Italie (1992) ajouta des éléments concernant les films successifs, et notamment un entretien sur les Contes de Canterbury. Le traducteur ajoute un long chapitre en forme de postface qui rend compte des six dernières années de Pasolini, de ses films ultérieurs, de sa mort. De nombreux photogrammes, photos de plateau et photos d'archives illustrent la conversation.
03/2022
Ecrits sur l'art
Le voyage immobile
La peinture d'André Boubounelle se caractérise par un style discret, élégant, profond. Quel que soit le lieu représenté - paysage de France, d'Italie ou des Etats-Unis, ville ou campagne, mer ou montagne -, le spectateur y reconnaît ce style caractéristique que manifeste la soixantaine d'oeuvres reproduites dans ce livre : un amour de la matière même du tableau, travaillée avec un savoir-faire dont peu de peintres sont encore dépositaires. Ou bien la recherche d'une harmonie picturale passant par un jeu entre le figuré et l'abstrait, et par une unité chromatique dominante qui prête aux tableaux une lumière tamisée. Le voyage immobile interroge cette harmonie et le processus créatif qui la fait naître. L'artiste livre, dans un entretien où transparaît son amour de l'art et son souci de le rendre compréhensible pour tous, un témoignage touchant sur son métier. Ce commentaire, lu au miroir de ses oeuvres, sera une précieuse leçon de peinture, tant pour le futur artiste que pour les curieux qui veulent savoir ce qu'est l'art vivant et actuel, par delà les confusions des discours à la mode sur l'art contemporain. Mais cette leçon est simple, et invite avant tout à libérer le regard que nous portons sur les tableaux, pour nous rendre plus capables de nous en nourrir.
03/2022
Design
Maurice Calka. Le sculpteur du design
La première monographie sur l'artiste multi-disciplinaire qui se cache derrière le bureau " boomerang ", icône du design pop. De Maurice Calka, les amateurs de design connaissent le bureau aux rondeurs colorées, sorti en 1969. Mais la plupart ignorent l'étendue et la variété du travail de cet artiste inclassable, Premier Grand Prix de Rome de sculpture 1950. Designer et sculpteur, donc, mais aussi dessinateur, architecte et urbaniste, Maurice Calka est l'inventeur d'un art pour tous. Dans la France des années 1950 à 1990, cet éternel optimiste a cherché à embellir autant les intérieurs que les places publiques en inventant ses propres techniques. Avec le même enthousiasme, il a tapissé murs et sols des palais officiels ou des cités de banlieue de ses mosaïques colorées, expérimenté le béton moulé, osé l'inox soudé. Il a posé des sculptures dans des églises, égayé le périph' parisien de papillons géants, décoré mairies et centres commerciaux. Maurice Calka, c'est aussi un projet de pont habité et même une Renault 5 cabriolet. Son travail l'a mené de Paris à Addis Abeba, de Vélizy à La Réunion. Le découvrir, c'est se plonger dans la vie artistique française de la seconde moitié du XXe siècle, ses grands projets, ses débats passionnés sur la place de l'art dans la ville, son utopie du beau pour tous.
10/2022
Livres 0-3 ans
Baïka n°Ukraine
Dans ce numéro, le magazine Baïka emmène les enfants à la rencontre de la culture ukrainienne, en compagnie de deux enfants du pays : Carolina et Stas. De la discipline des danseuses du ballet national aux couleurs de l'artiste Maria Prymachenko, de la tradition des oeufs de Pâques à la prononciation de l'alphabet cyrillique, du lynx des Carpates au petit héros favori des contes populaires ukrainiens, voici un guide culturel entièrement consacré à l'Ukraine et à la richesse de sa culture. 48 pages d'articles, histoires, reportages, interviews, jeux et bandes dessinées pour explorer la culture ukrainienne à hauteur d'enfant. Au sommaire : Conte : Les aventures de Kotygorochko, avec de superbes illustrations originales de Frances Murphy. Recette de cuisine : Les varenyky Rencontre avec les jeunes Carolina et Stas, venus d'Odesa Métier : Anna, danseuse de ballet pour le ballet national ukrainien Art : Les couleurs de Maria Prymachenko, artiste-peintre de Bolotnia Livres : Courrier de nos lecteurs chroniqueurs et choix de la rédaction Blagues du monde (en version originale et en français) BD : Les Krobs de Lola Oberson Dans le numéro Ukraine, les illustrations ont été réalisées par Huayi Jiang, Lola Oberson et Frances Murphy. Un numéro publié avec le soutien du Centre national du livre et l'aide précieuse de Ganna Fabre (Volka Literary Agency), de l'association Passerelle, et de la Maria Prymachenko Family Foundation.
03/2023
Aquarelle
Ma méthode d'aquarelle. jusqu'au bout du pinceau
En parallèle de ses activités d'artiste peintre et d'animatrice d'ateliers de peinture, Pétra Wauters se consacre au journalisme culturel depuis plus de trente ans dans le domaine des arts et du spectacle. Elle a travaillé pour différents journaux français et étrangers. Depuis 2004, elle poursuit ses deux passions, la peinture et récriture, et expose régulièrement. Aqua signifie a "l'eau", et c'est ainsi que les pigments de peinture déposés commencent à vivre sur une feuille blanche. A l'aquarelle, on applique des couleurs, mais avant tout, on mouille le papier Et quel plaisir de voir deux couleurs se rencontrer, se diriger l'une vers l'autre, fusionner. Pour traiter de toute la subtilité de l'aquarelle, l'autrice vous accompagne pour découvrir : Le jeu du mélange des couleurs : comment les associer, les juxtaposer, jouer avec le blanc et le noir, composer sa palette personnelle. Les différents procédés à expérimenter : humide sur mouillé, sur papier sec, glacis ou lavis. Des exemples d'oeuvres expliquées étape par étape pour peindre des paysages et des scènes variés de l'esquisse à la touche finale. Parmi elles, on trouve quelques sujets de prédilection : des marines, des fleurs, des paysages. Entre ciel, terre et mer, ils s'offrent au regard dans des jeux de lumières et des ambiances que l'artiste affectionne.
06/2021
BD tout public
La crâne rouge
En 2009, Frémok a publié l'ouvrage collectif match de catch à Vielsam, témoin d'une première résidence de duos artistiques (artiste handicapé mental et artiste issu du Frémok). Véritable OVNI (objet visuel non identifié), l'exposition éponyme aura marqué les esprits - entre autres, lors du festival d'Angoulême en 2010. Suite à ce qui est reconnu par tous comme un succès tant du point de vue artistique que de l'écho rencontré, le Frémok et la " S " Grand Atelier ont décidé de poursuivre l'expérience, et dont La crâne rouge est l'un des résultats. La crâne rouge, c'est la rencontre improbable de la poésie exquise d'un héritier de la beat generation et de la force brute d'une douairière en proie à d'effroyables visions. Des personnages effrayés-effrayants crient depuis les profondeurs, ils sont nés de la main de Nicole Claude, quand DoubleBob lui répond en douceur. Les sourdes jouent à saute-mouton, les visages hurlants s'apaisent par la venue d'un animal de compagnie énigmatique, les maisons ont des escaliers qui ne mènent nulle part. Un récit se construit à partir d'un dialogue graphique. La force du trait au bic bleu fait la noce avec la finesse du critérium, le papier carbone imprime leur union. Le soleil a coudoyé la lune, une étoile monstrueusement belle est née.
04/2012
Généralités
Au coeur des empires. Destins individuels et logiques impériales, XVIe-XXIe siècle
Que partagent une femme d'origine philippine devenue propriétaire de palmeraies à Colima (Mexique) au XVIIe ? siècle, un colon s'installant dans l'arrière-pays algérois au mitan du XIXe ? siècle et une artiste dont la carrière est marquée par les vicissitudes de l'Union soviétique ? ... Que partagent une femme d'origine philippine devenue propriétaire de palmeraies à Colima (Mexique) au XVIIe ? siècle, un colon s'installant dans l'arrière-pays algérois au mitan du XIXe ? siècle et une artiste dont la carrière est marquée par les vicissitudes de l'Union soviétique ? L'expérience d'une impérialité banale et quotidienne. Dans le sillage d'une histoire attentive aux trajectoires individuelles et aux corps, mais aussi aux imbrications des échelles, ce livre a pris forme autour de quatorze portraits d'hommes et de femmes qui ont été enserrés dans le tissu complexe d'un empire. Chacune de ces personnes a appris à manoeuvrer au sein d'un enchâssement de réseaux de sociabilité et de pouvoir. Une correspondance, un testament, un rapport administratif, les pièces d'un procès ont été autant de fenêtres ouvertes sur les manières d'évoluer dans ces systèmes hiérarchisés, aux rouages plus fragiles qu'il n'y paraît. Serviteurs ou entrepreneurs, ces hommes et ces femmes révèlent par leurs trajectoires toujours singulières les dynamiques comme les tensions qui traversent ces ensembles hétérogènes que sont les empires.
09/2023
Beaux arts
Before Time Began. Aux origines de l'art aborigène contemporain
L'art aborigène peut être considéré comme la forme d'expression artistique la plus ancienne, puisque son existence remonterait à 60 000 ans. Une expression qui sert depuis toujours à transmettre traditions et croyances sous des manifestations les plus hétéroclites qui soient : de la peinture à l'incision, de la sculpture à la teinture, sans oublier la céramique et, plus récemment, l'image photographique. Le thème central de ce type de production artistique reste le lien entre l'humain et la terre, l'héritage des ancêtres dont l'écho résonne encore aujourd'hui. Ce n'est pas un hasard si "Before time began" (Avant le début des temps) est l'une des devises qui revient souvent chez les artistes aborigènes d'Australie centrale pour évoquer la création du monde du point de vue onirique. Il s'agit du fil rouge qui relie les diverses oeuvres d'art du présent ouvrage. Se plonger dans ce parcours et le suivre permet au lecteur d'explorer avant tout l'aspect narratif lié au songe et au passage du temps, autant d'éléments qui dénotent la dimension temporelle des différentes sociétés. Mais le lecteur peut aussi par ce biais fouiller les origines de l'art contemporain dans le contexte aborigène grâce aux oeuvres réalisées au début des années 1970, en terre d'Arnhem et dans les territoires de Papunya, ainsi que les peintures plus récentes des artistes résidents dans les territoires APY (Anangu Pitjantjatjara Yankunytjatjara). Ce sont surtout ces derniers témoignages qui mettent particulièrement bien en évidence la fusion entre l'art contemporain et les moyens d'expression traditionnels, ainsi que les savoirs ancestraux et les éléments liés à l'inévitable progrès. L'importance de ce livre réside non seulement dans la vue d'ensemble qu'il offre sur cette forme artistique, mais également dans le fait qu'il signe la première grande exposition mise en place par la toute nouvelle Fondation Opale (Crans-Montana 2018), qui s'appuie sur la collection de sa fondatrice, Bérengère Primat.
06/2019
Décoration
L'Art déco. Encyclopédie des arts décoratifs des années vingt et trente
L'histoire de l'Art déco épouse celle de notre modernité. Né dans les grandes villes d'Europe et d'Amérique, contemporain du jazz, de l'automobile et des gratte-ciel, il a traversé deux guerres mondiales ainsi que la crise des années trente, et modelé notre environnement, du Golden Gate Bridge de San Francisco aux modestes lampes de nos bureaux. De tous les styles décoratifs du XXe siècle, l'Art déco est le plus élaboré. Il s'est développé, dans ses formes les plus pures, à partir d'une conception typiquement française du luxe et du raffinement, qui privilégiait souvent dans les années vingt les matériaux exotiques et précieux. En Europe comme en Amérique, le style " paquebot ", que l'on assimile désormais à l'Art déco, utilisa par la suite le métal et le plastique. Si Paris fut sa capitale spirituelle, l'Art déco eut en réalité une portée mondiale puisque les créateurs de tous les pays d'Europe et d'Amérique puisèrent dans les traditions artistiques et artisanales les plus variées, de l'Egypte pharaonique et de la Méditerranée antique aux colonies d'Asie et d'Afrique. Dans l'ouvrage le plus complet jamais publié sur les arts décoratifs de cette période, Alastair Duncan rend hommage à la richesse formelle et à la diversité internationale de l'Art déco, qui n'a cessé de séduire les collectionneurs et d'inspirer les créateurs. L'ouvrage est constitué d'une série d'essais sur les principaux arts décoratifs de la période : mobilier et décoration intérieure ; sculpture ; peinture, illustration, affiche, reliure ; verrerie ; céramique ; luminaire ; textile ; orfèvrerie, art du métal, laque, émail ; joaillerie. Chaque essai est suivi d'une biographie détaillée des plus grands artistes de la discipline. Un répertoire illustré de plus de quatre cents artistes, décorateurs et fabricants parachève cette somme unique consacrée à l'Art déco. Magnifiquement illustré et rédigé par l'un des plus grands experts mondiaux, cet ouvrage s'imposera comme la référence majeure sur l'Art déco pour de nombreuses années.
09/2010
Musique, danse
Matoub Lounès. Notes et souvenirs d'un compagnon de lutte
Matoub Lounès a, de tout temps, été un électron libre. Même dans les moments difficiles que vivait son pays, il osait critiquer, frontalement, le régime algérien et l'instrumentalisation de la religion par le régime et ses sbires islamistes, pour faire taire le peuple à l'école, dans les mosquées, dans leurs intimités. Après de longues années, censuré et gêné, son acolyte et son compagnon de lutte "pour une Algérie meilleure et une démocratie majeure", Tayeb Abdelli, nous livre des pans intimes et cachés du chantre des libertés qu'est Matoub Lounès, lâchement assassiné en 1998 par... personne ne le saura. Il décrit ici, sans ambages ni concessions, les raisons qui avaient fait de Matoub une PERSONNA NON GRATA auprès de certaines formations politiques et associations issues de la mouvance kabylo-berbériste née le 20 avril 1980, et auprès de beaucoup de personnalités "d'obédience culturelle" ainsi que d'artistes dits "engagés". Pourquoi était-il "infréquentable" alors que des millions de ses concitoyens lui concédaient le titre de "maître" ? Pourquoi sa fougue sincère et son engagement politique — qu'il ne cachait pas par peur de perdre du public ou pour gagner de l'argent — dérangeaient tant ? Matoub ne se voilait pas la face et ne se cachait pas devant les tempêtes. Son talent, il l'a consacré à son art et à la sensibilité de son peuple. Sa vie et son parcours sont une leçon à réapprendre dans un temps où l'indifférence et le déni sont credo, dans un temps où la "récupération" et la "prostitution" des artistes, consentants ou pas, et même de leurs mémoires sont monnaie courante. Les vérités que Tayeb nous raconte sur les péripéties de Lounès vont, probablement, vous choquer et vous faire frémir. Mais elles vont, certainement, vous le faire adorer davantage et elles vont, surtout, vous faire réfléchir sur la destinée d'un homme VRAI et d'un humaniste jusqu'au bout de l'âme.
03/2019
Beaux arts
Le Grand Orchestre des Animaux. Avec 1 CD audio
De juillet 2016 à janvier 2017, la Fondation Cartier pour l'art contemporain présente Le Grand Orchestre des Animaux, une exposition conçue à partir du travail de Bernie Krause. Bio-acousticien, scientifique et musicien américain, Bernie Krause a, depuis près de cinquante ans, collecté plus de 5?000 heures d'enregistrements sonores d'habitats naturels sauvages, terrestres et marins, incluant plus de 15?000 espèces animales. L'approche de Bernie Krause est unique. Il révèle la beauté et la complexité des vocalisations animales aujourd'hui menacées par l'activité humaine, et nous conjure de tendre une oreille attentive avant que le silence ne s'installe au coeur du grand orchestre des animaux. L'exposition invite le public à écouter une sélection des plus beaux enregistrements réalisés par Bernie Krause en Afrique, en Amérique et au plus profond des océans, à travers une expérience émotionnelle et sensorielle hors du commun. Dialoguant silencieusement avec le grand orchestre de Bernie Krause, des oeuvres d'artistes contemporains offrent une réflexion visuelle sur notre rapport au monde animal et sur la place de l'animal dans nos sociétés humaines. Exploration sonore et visuelle du monde naturel, l'exposition Le Grand Orchestre des Animaux plonge le public au coeur de la beauté du monde naturel et propose une réflexion sur les grandes questions environnementales du XXIe siècle et sur les raisons qui ont mené l'homme à entrer dans ce que l'on appelle aujourd'hui la "sixième extinction". Le catalogue publié à cette occasion constitue une exploration esthétique, scientifique et philosophique du monde animal. Il propose au lecteur de découvrir le travail de Bernie Krause et de mener une réflexion sur les enjeux liés à la préservation de la biodiversité à travers de nombreux textes de spécialistes. Réunissant photographies, cartes, schémas, sonogrammes ainsi que les oeuvres des artistes présentés dans l'exposition, cet ouvrage est un véritable manifeste pour la sauvegarde de la beauté des écosystèmes.
07/2016
Sciences historiques
Les Corses qui ont fait la Corse
Les Corses qui ont fait la Corse brosse les portraits de 31 personnages qui ont marqué l'île, voire le continent et le monde entier. Ces hommes et ces femmes au destin fabuleux sont des personnalités politiques, des résistants, des écrivains, des artistes, des inventeurs et même, pour quelques-uns, des bandits qui ont défrayé la chronique. De Sambucuccio d'Alando à Edmond Simeoni, plusieurs siècles de l'histoire de Corse sont retracés dans cet ouvrage écrit par Thierry Ottaviani et illustré par Philippe Lorin. Sont présents bien sûr Paoli et Napoléon, mais aussi d'autres grands hommes de l'histoire insulaire : Sampiero Corso, Circinellu, Vincentello d'Istria, G-P. Gaffori, J-P. Abbatucci, Joseph Fesch, etc., ainsi que de femmes inoubliables telles que Letizia Bonaparte, Davia, Colomba ou encore Marthe Piarchi dont on a retrouvé la trace dans la Pentica, le palais vert du bandit Bellacoscia. La part belle est faite aux artistes, qu'ils soient écrivains (Salvatore Viale, Santu Casanova, Maistrale, J-B. Marcaggi, Marie Susini), chanteurs (Tino Rossi), photographes (Ange Tomasi), mais également aux inventeurs tels Angelo Mariani qui commercialisa sa fameuse boisson, ancêtre du Coca-Cola, Louis Capazza qui fit la première traversée de la Méditerranée en ballon ou le parfumeur François Coty qui devint ensuite magnat de la presse française et dont la rencontre avec le "Roi du maquis" Romanetti fit couler beaucoup d'encre. De nombreux hommes et femmes dont les rues ou lieux portent les noms revivent dans les pages de ce livre. Ainsi les figures d'Emmanuel Arène ou de César Campinchi. Sans oublier les célèbres résistants qui sont la fierté de la Corse : Danielle Casanova, Fred Scamaroni ou bien Jean Nicoli. Avec Les Corses qui ont fait la Corse, les vies de ces illustres personnages (plus d'une centaine de noms cités) sont pour la première fois réunies en un seul volume et illustrées avec talent.
10/2019
Histoire de l'art
Collectionneuses Rothschild. Mécènes et donatrices d'exception
Du 21 octobre 2022 au 26 février 2023, le musée de La Boverie présente l'exposition "Collectionneuses Rothschild. Mécènes et donatrices d'exception". Conçue en partenariat avec le Musée du Louvre, elle emmène le visiteur dans l'univers de la famille Rothschild, et plus particulièrement dans les collections de certaines femmes de la branche familiale française. Renouvelant un partenariat initié en 2016 avec le musée du Louvre (En plein air en 2016 et Viva Roma ! en 2018), La Boverie inaugure avec cette exposition la thématique 2022-2023 sur les collections. Depuis le XIXe siècle, la famille Rothschild est légendaire dans l'histoire de nos sociétés. Cette dynastie est devenue au fil du temps synonyme de réussite dans le monde de la finance, mais aussi de richesse intellectuelle et artistique. Un nom incontournable, connu de tous. Pourtant, derrière ce nom de famille se cache des personnalités méconnues et un patrimoine insoupçonné. Proposant un point de vue nouveau et original, le livre mettra en lumière des femmes de la branche française de la famille à la personnalité singulière. Ignorées par l'histoire de l'art, ces femmes ont été des collectionneuses, bâtisseuses, mécènes et héritières, qui ont contribué d'une manière significative à l'enrichissement du patrimoine historique et des collections des musées français par leurs dons et legs considérables. Le livre retracera le goût et la personnalité de ces femmes d'exception. Parfois très indépendantes, parfois dans l'ombre de leur mari, elles ont joué un rôle important dans l'histoire de l'art, l'histoire, la société et même dans la vie des artistes de leur époque. Collectionneuses Rothschild présente des grands artistes, tels que Fragonard, Chardin, Delacroix, Cézanne, Claudel, Rodin, Klimt, Monet, mais aussi des manuscrits médiévaux, des tableaux de la Renaissance italienne, des collections de bijoux et de porcelaines, ou encore des objets d'art africain et d'Extrême-Orient. Autant d'oeuvres d'art qui témoignent de l'histoire du goût et du collectionnisme au fil des XIXe et XXe siècles.
11/2022
Musées français
Musée Fabre. Guide des collections, 2e édition revue et augmentée
Initié par la Société des beaux-arts à la fin du XVIIIe siècle, le musée de Montpellier vit le jour en 1795, à la faveur de la Révolution française qui fit émerger l'idée du musée public fondé sur l'humanisme des Lumières. Mais c'est en 1825, avec le don par François-Xavier Fabre de sa collection, que le musée prit toute son ampleur. Ce peintre montpelliérain, élève de David et lauréat du prix de Rome, vécut durant près de trente ans en Italie où il se constitua une vaste collection de peintures et de sculptures avant d'en faire don à sa ville natale. Cet ensemble d'oeuvres de l'école française et italienne, de la Renaissance au XVIIIe siècle, fut complété en 1836 par le legs d'Antoine Valedau de tableaux du Siècle d'or flamand et hollandais. En 1868 puis 1877, Alfred Bruyas amateur montpelliérain passionné par l'art de son temps, offrit au musée près de deux cents peintures et dessins réalisés par les plus grands artistes du XIXe siècle, Delacroix et Courbet au premier chef. La donation par Pierre et Colette Soulages en 2005 d'un riche ensemble de toiles représentatives de sa carrière est le point d'orgue de cette tradition de dons illustres. Ce guide a pour ambition de proposer une approche renouvelée de ce fonds, grâce à la présentation, aux côtés des peintures les plus célèbres, d'oeuvres nouvelles, acquises depuis les années 2000. Il invite à suivre un parcours dans cette foisonnante collection, à la découverte de l'histoire de l'art européen, de la Renaissance à nos jours, grâce à un florilège d'oeuvres de Véronèse, Rubens, Poussin, Zurbarán, Greuze, Houdon, David, Ingres, Delacroix, Courbet, De Staël, Soulages et des représentants du groupe Supports/Surfaces, tout en mettant à l'honneur un bel ensemble d'artistes natifs de Montpellier : Bourdon, Ranc, Raoux, Vien, Cabanel, Bazille. Bioulès, et bien d'autres.
07/2021
Théâtre
L' Impresario de Smyrne. Adapté par Agathé Mélinand
Un hôtel, à Venise aux lendemains du carnaval. Le brouillard fume sur la lagune. Lucrezia, jeune chanteuse florentine "qui ne connaît pas grand-chose à la musique" - c'est elle qui le dit - est arrivée la veille. Elle dort encore même si "l'odeur du canal la dérange" . Carluccio le castrat cherche un nouveau contrat. L'argent manque. Il y a des agents, des impresarios, des protecteurs. On apprend qu'un Turc-marchand a été convaincu par ses amis de ramener à Smyrne le mieux de ce qui se fait sur la scène vénitienne et qu'il n'y connaît rien. Qui sera engagé ? Madame Tognina, soprano d'expérience est chez elle avec le ténor, son amant. La compagnie les retrouve. Il y a un poète accommodant qui ne travaille pas dans le génie, une petite chanteuse bolognaise, l'impresario, l'agent. La Florentine et le castrat les rejoignent. Ils sont tous à fond pour le projet turc. Chaude ambiance. Qui sera la prima donna ? Le Turc méprise les castrats. Ce sont gens de sérail. Lui, il aime les filles et la musique gaie. Les artistes défilent entre exigences démentes et fausses modesties. Qui sera la Prima donna ? Au moment de signer les contrats, les artistes s'écharpent, les salaires augmentent. On prévoit de partir à soixante-dix, en Turquie. Dans la lumière froide du matin du grand départ pour l'Orient, les filles sont venues avec leur mère ou leur chien. Il y a même un perroquet. Le castrat est botté et joue de la cravache. On attend le Turc qui ne vient pas, il s'est embarqué à la première heure. Il a laissé de l'argent en dédit. La troupe l'utilisera pour autoproduire son prochain spectacle. A partir de L'Impresario de Smyrne (1759) et du Théâtre Comique (1750) de Carlo Goldoni Traduction et adaptation Agathe Mélinand Mise en scène et costumes Laurent Pelly
10/2023
Sciences historiques
Intellectuels et passions françaises. Manifestes et pétitions au XXe siècle
L'autorité morale acquise par le talent et le savoir autorise-t-elle l'intellectuel, seul ou en groupe, à exercer une direction de conscience sur la société? Au siècle dernier, la question eût paru incongrue, tant le pouvoir sur les esprits reposait surtout sur la naissance et la fortune. Mais qu'en 1898 un romancier à succès comme Emile Zola ait pu, par son célèbre J'Accuse...! , contraindre les corps constitués à revenir sur une sentence inique, voilà qui est révélateur d'un climat nouveau. Depuis — même s'il s'essouffle un peu en raison de la prééminence prise-par la notoriété sur là pensée —, le phénomène des pétitions et des manifestes d'intellectuels a rythmé la plupart des temps forts de nos débats nationaux. Bien des grands esprits de notre temps — romanciers, universitaires, scientifiques, artistes, grands journalistes — ont un jour ou l'autre apposé leur nom au bas d'un texte militant, et leurs interventions jalonnent le siècle : affaire Dreyfus, guerres d'Ethiopie et d'Espagne, montée du fascisme, polémiques à la Libération, guerre froide, décolonisation et, plus tard, Vietnam, Mai 68, alternance de 1981... A l'intersection du culturel et du politique, l'étude de tels textes, jamais entreprise jusqu'à présent de façon systématique, se révèle pour l'historien d'une grande richesse. Outre qu'elle lui permet d'observer la constitution des réseaux, des amitiés, des alliances, des ruptures en milieu intellectuel, elle lui offre aussi un précieux poste d'observation sur la vision du monde que se sont faite les générations successives de clercs (par exemple la réception du marxisme et du communisme) et sur les engagements politiques qui en découlèrent. Elle l'invite à mesurer l'influence des lettrés et artistes sur le public (celui-ci les écoute-il ? ) et, réciproquement, à s'interroger sur la capacité des clercs à se saisir des courants et des passions qui parcourent la société. On l'aura compris, ce livre ambitionne d'être une manière autre d'éclairer l'histoire du XXe siècle français.
03/1990
