A linguistic picture of women's position in society

In this study an analysis of the women characters, who play a dominant part in Bachmann's prose writings, was presented. The results suggested a complex but coherent image. It was found that although the characteristics of this image deserved the appellation "sex-specific" and "traditional" they were infused with new values : the values of individualism, of a specifically female identity and of particular intense personal freedom. It was also found that the theme of personal freedom underlies all motivations, conflicts and situations of tragedy of Bachmann's heroines. Finally, it was found that the image of the woman is not only part of a distinct female-male antithesis, which often assumes violent dimensions, but has a redeeming function for a de-humanized world.

This study reconstructs Brittain's feminist theory, which mainly refutes assumptions made about women, supports companionate marriage, and demands the communal reorganization of child care and domestic work to enable a married woman to work outside her home. It compares her theory to her five novels. Doing so, it uncovers revealing feminist 'flaws', above all that marriage remains, the sine qua non for a woman's happiness. The study describes Brittain's way to the top as a formidable obstacle race, in which she constantly had to fight the men she loved, her children, her parents, and resulting domesticity in order to find time to write "the book of the decade". She reached her goal with the publication of Testament of Youth in 1933.

La fin approche ! Tandis que Becky, la sorcière, et Taranis, le Roi, s'affrontent, le rituel de Medea change à jamais le monde de Nomen Omen. Survivre à des changements si drastiques sera difficile, et la tragédie peut survenir au détour de chaque page. La mort, la culpabilité et la vengeance seront-elles au bout du chemin ? Après tout, c'est la fin de tout ! Ultime chapitre de l'épopée de Marco B. Bucci et Jacopo Camagni, une production Panini Comics publiée aux Etats-Unis chez Image Comics. Une réussite dans le style très particulier de l'Urban Fantasy.

Hakaba et ses compagnons font route vers Utatsu, une grande cité de l'Outremonde. Ils font la connaissance de Meuh, un minotaure énigmatique capable de communiquer avec toutes sortes d'espèces, et qui manifeste un vif intérêt à l'égard du jeune linguiste. Au cours de son périple, la petite troupe part notamment à la chasse au wurf, rencontre de mystérieuses lamias, et se lance dans un dangereux chantier avec des chats-garous !

Au terme d'une traversée difficile, Hakaba, Susuki et Meuh sont arrivés au village de ce dernier, que le professeur aurait visité autrefois. Là, de nombreuses péripéties attendent notre linguiste : il va peiner à établir le dialogue avec les villageois, se lier d'amitié avec quelqu'un dont il ignore jusqu'au nom et l'espèce, ou encore participer à une chasse périlleuse dans le noir complet. Sa persévérance sera mise à rude épreuve tandis qu'il approfondira ses réflexions et confrontera sa défi-nition de l'être humain à une personne qui l'est... mais pas tout à fait.

Le vrai plaisir ne se dévoile que lorsqu'on s'y abandonne... Pour commencer nous découvrons deux couples à la vie sexuelle routinière qui trouvent un arrangement pour éveiller leur libido. Ensuite, un beau-fils ligote sa belle-mère et tandis que la corde s'enfonce peu à peu dans sa chair, elle s'inquiète de cette relation qui lui semble malsaine... Puis deux amis d'enfance élevés comme frère et soeur étouffent leurs sentiment jusqu'à ce que les flammes du désir finissent par les consumer au risque de révéler leur relation au grand jour. Enfin, un jeune étudiant s'éveille à la sexualité auprès de ses amies. La nostalgie de cette douce époque se confond peu à peu avec les souvenirs si éphémères d'un ancien rêve.

Le dernier livre de Collier Schorr, 8 Women, présente des travaux qui s'étendent du milieu des années 90 à nos jours. Les premières oeuvres de Schorr ont utilisé des publicités appropriées de magazines de mode pour aborder les questions de paternité et de désir ; les travaux ont introduit un regard féminin dans le débat sur la représentation féminine. L'appropriation a été le premier médium de Schorr et dans un certain sens, elle y revient, prenant ses propres images de mode commandées et les repliant dans un dialogue avec d'autres oeuvres. Les oeuvres de 8 Women proposent une variété de sujets, tous impliqués dans la performance, que ce soit en tant qu'artistes, mannequins ou musiciens. Schorr, qui travaille dans la mode depuis 10 ans, a créé des décors qui faisaient aussi office d'atelier, révélant des images qui ne pouvaient être faites qu'avec un sujet qui pouvait voyager entre l'objet du désir et le garant d'une identité conçue dans ce moment précis. Travaillant entre les sorties et les manipulations de feuilles lacrymales, Schorr se demande qui sont les femmes qui souhaitent être regardées, ainsi que quel pouvoir existe en reconnaissant cela comme une position post-féministe.

Paroles de femmes Récits tranchants et cruels comme la vie Par l'autrice du best-seller Bad Feminist. Romancière et essayiste, Roxane Gay est l'une des voix contemporaines qui ébranlent les certitudes et les systèmes.

The study tries to show - on the basis of a large collection of data - that the labelling of adjectives such as environmental, nuclear, linguistic, urban as 'nominal, non-preicating' does not adequately account for observable language behaviour. 'Lexicalized' terms such as polar bear behave like unitary nouns, but otherwise these adjectives can well be found in predicative position ; they may also accept adverbial modification. Various syntactic tests demonstrate that attempts to explain predicative occurrences as resulting from ellipsis, from Head Noun Deletion, fail in a large number of cases. The conclusion reached in this thesis is that the adjectives in question cannot generally be considered 'attributive-only'.

If this anthology on the literary appreciation of the life and times of Henry VIII can show how history, historiography and the history of literature are woven together as threads in a tapestry, if this book can show how varied the sources are from which historical images are fed, especially those of significant historical figures, then it will have surely fulfilled its purpose.

In London in 1770 Georg Christoph Lichtenberg (1742-1799) remarked, 'What a work could be written on Shakespeare, Hogarth and Garrick ! There is something similar in the genius of all three. ' Two-and-a-half centuries on, Robin Simon's highly original and illuminating book takes up the challenge. William Hogarth (1697-1764) and David Garrick (1717-1779) closely associated themselves with Shakespeare, embodying a relationship between plays, painting and performance that had been understood since Antiquity and which shaped the rules for history painting drawn up by the Académie royale in Paris in the seventeenth century. History painting was considered the highest form of art : a picture illustrating a moment drawn from just a few lines in a revered text. Hogarth's David Garrick as Richard III (1745) transformed those ideas because, although it looked like a history painting, it was also a portrait of an actor in performance. With it, Hogarth established the genre of theatrical portraiture, a new and distinctively British kind of history painting. This book offers a fresh examination of theatrical portraits through close analysis of the pictures and of the texts used in performance. It also examines the central role of the theatre in British culture, while highlighting the significance of Shakespeare, Hogarth and Garrick in the European Enlightenment and the rise of Romanticism. In this context another trio of genius features prominently : Lichtenberg, Gotthold Ephraim Lessing and Denis Diderot. Familiar paintings and performances are seen in an entirely new light, while unfamiliar pictures are also introduced, including major paintings and drawings that have never been published. The final chapter shows that the inter-relationship between plays, painting and performance survived into the age of cinema, revealing the pictorial sources of Laurence Olivier's legendary film Richard III.

Labouring Lives unravels the huge changes which have so fundamentally altered the life courses of ordinary women over the past one hundred and fifty years, namely the changes in marriage and fertility patterns. Using dynamic data from Dutch population registers and analytical techniques from the life course approach, the book offers new evidence on women's changing position in the labour market, their role in pre-nuptial sexuality, and their contribution to marriage and fertility change in the Netherlands between 1880 and 1960. The author reconstructs the socio-economic and demographic worlds of different groups of working and non-working women, and by doing so she is able to locate the various groups driving the changes. Advanced statistical tools enable the author to analyse differences in fertility strategies, stopping versus spacing, employed by various social and cultural groups in the Netherlands. This book leads to conclusions which challenge a number of orthodoxies in the field.

La question du sujet est un vaste continent tant de fois exploré par les sciences humaines, mais bien moins par le prisme des études littéraires francophones. Or cet ouvrage propose d'interroger la manière dont le questionnement du sujet en tant que position(s) s'articule et prend sens dans les productions littéraires francophones. Cette ligne de force se double encore par l'exposition d'un corpus francophone qui se positionne, lui aussi, par rapport à la littérature de la France hexagonale. Les réfl exions amenées par l'ensemble des contributions de ce collectif mettent en évidence le sujet politique tout aussi bien que le sujet philosophique. C'est ce sujet multiple et ses rapports toujours pluriels avec la subjectivité et l'Autre, avec sa propre conscience et la liberté, avec l'Histoire et la vie présente, qu'explore ce collectif.

Agnès DERAIL-IMBERT Eros et Arès : les enfants de la guerre dans Billy Budd, Sailor de Melville Cette étude se propose de lire Billy Budd, Sailor comme une fable juridique qui dramatise, dans un double contexte de guerre et de mutinerie, le conflit entre la violence d'une innocence exceptionnelle (Billy) et celle du mal absolu (Claggart). L'une et l'autre, hors la loi, recèle une menace insurrectionnelle que la souveraineté politique (celle du capitaine Vere), pour se maintenir, doit réprimer. Le jugement de Vere - l'exécution de Budd -, s'exerçant au nom de la violence légale, met en oeuvre une stratégie qui enrôle la puissance cohésive d'Eros au service de la loi mar- tiale, dans une opération qui vise à naturaliser et à sublimer la violence arbitraire de l'état d'exception. Against a backdrop of war and mutiny, Billy Budd, Sailor can be read as a juridical drama staging the conflict between the exceptional violence of utmost innocence (Billy's) and that of absolute evil (Claggart's). Both infringe the law and both are pregnant with a threat of insurrection which political sovereignty (captain Vere's) must eradicate for the sake of its own integrity. Vere's sentence condemning Budd to death in the name of legal violence partakes of a complex strategy whose aim is to summon Eros's cohesive power in order to buttress martial law and to naturalize and sublimate the arbitrary violence of the state of exception. Michael GILLESPIE The Picture of Dorian Gray as a Postmodern Work Despite the wide range of interpretative approaches to The Picture of Dorian Gray that have appeared since its publication, all seem to assume that a particular set of values or beliefs-traditional Judeo-Christian morality, cultural attitudes, nationa- list dispositions, or queer inclinations-is integral to Wilde's narrative. This essay challenges the value of any metaphysical reading by asserting that the world of The Picture of Dorian Gray is delineated in strictly physical terms and so is best as a Post-Modern work. Through close reading, this essay shows key points in the narrative that highlight the absence of all values and that underscore the view that characters behave according to strictly material considerations. In the end the essay concludes that Wilde presents a world as grim and bleak as anything found in the works of Samuel Beckett. Malgré les nombreuses interprétations dont a fait l'objet The Picture of Dorian Gray depuis sa publication, tous les critiques semblent penser qu'un ensemble de valeurs ou de croyances-qu'il s'agisse de la morale judéo-chrétienne, de positions culturelles, de dispositions nationalistes ou de l'homosexualité-fait partie inté- grante du roman de Wilde. Cet essai remet en question la pertinence de toute lec- ture métaphysique en affirmant que le monde de The Picture of Dorian Gray est délimité en termes strictement physiques et que l'on ici affaire plutôt à une oeuvre post-moderne. En se fondant sur une lecture détaillée, cet essai montre que des points-clés dans le récit mettent en évidence l'absence de toute valeur et soulignent l'idée que les personnages se comportent en fonction de considérations purement matérielles. En conclusion, cet article souligne que Wilde donne à voir un monde aussi sombre que celui de Samuel Beckett. Christopher S. NASSAAR Hidden Meanings and the Failure of Art : Wilde's A Woman of No Importance Complexity is the hallmark of Oscar Wilde's mature works. From "Lord Arthur Savile's Crime" through The Picture of Dorian Gray and Salome, there is an incre- dible amount of complexity wherever we look. When we reach A Woman of No Importance, however, the complexity apparently disappears, and the play is usually read as a conventional Victorian melodrama. A deeper look at the play reveals veiled references to Farquhar, Hawthorne, Arbuthnot and Baudelaire. The refe- rences point to a deep hidden meaning in the play. Traced carefully, they reveal Mrs. Arbuthnot as a deeply corrupt woman who is unaware of the dark recesses of evil within herself. Unfortunately, this suppressed undercurrent of meaning is too dee- ply buried and very difficult to detect, which has led people in general to accept the surface meaning as the true one. The play is thus a stylistic failure, although its veiled thematic content is quite profound. La complexité caractérise les oeuvres d'Oscar Wilde, de "Lord Arthur Savile's Crime" jusqu'à The Picture of Dorian Gray et Salome, alors que, dans A Woman of No Importance, celle-ci paraît moins évidente, la pièce étant le plus souvent lue comme un mélodrame victorien conventionnel. Cependant, si on analyse la pièce de plus près, on y décèle des références voilées à Farquhar, Hawthorne, Arbuthnot et Baudelaire. Celles-ci soulignent qu'il y a dans la pièce un sens caché, et une analyse détaillée révèle que Mrs Arbuthnot est en fait une femme corrompue et inconsciente du mal tapi en elle. Malheureusement, parce que celui-ci est profondément enfoui, on s'en est souvent tenu à une lecture superficielle de la pièce. Celle-ci est donc, en un sens, un échec stylistique en dépit de sa profondeur thématique. Nathalie SAUDO-WELBY Narratorial authority in Sarah Grand's Beth Book (1897) The Beth Book, a partly autobiographical narrative, is a feminist Bildungsroman told in the third person. Historical, religious and scientifc discourses combine to give authority to the narrator's vision of Beth, so that the narrator is fnally in a position to award Beth the title of female genius. Yet, very little is said of the con- tent of Beth's "art for man's sake ;" the title and the content of her non-fction book are not described ; and the novel's last words are the name of her "Knight, " a writer who believes in woman's genius to reveal man's own. Avoiding the most direct form of didacticism, Sarah Grand has shifted the emphasis away from Beth's message to women to the narrator's work of authorizing Beth to progress to her position of public speaker. In the process, this narrator is given a historical consciousness and a sex. The Beth Book est un roman d'apprentissage féministe au contenu en partie auto- biographique. Fondant son autorité sur une analyse historique et un discours reli- gieux et scientifque, l'instance narrative fnit par octroyer à Beth le titre de génie féminin. Pourtant, un vide entoure le contenu de "l'art pour l'homme" de Beth ; de son ouvrage, on ne sait ni le titre ni le contenu mais seulement qu'il ne s'agit pas de fction ; les derniers mots du roman sont le nom de son "Chevalier" , un écri- vain qui croit que le génie des femmes consiste à susciter celui des hommes. Tout en évitant les formes de didactisme les plus directes, Sarah Grand a placé au centre de son roman engagé la tâche de la narratrice omnisciente qui va faire progresser Beth en position d'orateur de génie. Au cours de ce processus, la narratrice acquiert une conscience historique et un sexe. Pierre LONGUENESSE Yeats et le mélange des genres : du texte à la scène Dans le projet de "théâtre de l'imagination" formulé par Yeats dès 1890, le Verbe poétique est porteur d'un pouvoir visionnaire, par la performativité de son énoncia- tion concrète portée par le corps de ce que l'on n'appelle pas encore, avec Georges Banu, un "acteur-poète" . Ce projet fait de l'écriture dramatique un objet multi- forme, où le drame n'a de sens que mis en tension par ce qui le "menace" dans sa pureté générique : la narration, le chant, la danse. ll conduit le dramaturge vers des collaborations audacieuses sur les scènes de ses créations, entre musiciens, compo- siteurs, et danseurs. En somme, loin de "menacer" son théâtre, ces figures d'un "hors-champ" artistique sont ce qui en constitue l'expression par excellence, puisque, par le théâtre, est dévolu au verbe le pouvoir extra-ordinaire de faire sur- gir, par sa physicalité propre, aussi bien le souffle du chant que le rythme du corps dansant. In the "Theatre of Imagination" conceived by Yeats in the 1890s, the poetic Verb is given the power to create visions through the concrete physicality of its uttering by the performing body of what Georges Banu will later call an "acteur-poète". This project transforms dramatic writing process into the creation of a multiform object, in which the issue of the drama is brought out by the tension between oppo- site mediums : theatre on the one hand, singing, dance, tale on the other hand... This exploration involves Yeats in original collaborations on stage with composers, musicians, and dancers. In short, these manifestations of an artistic "hors-champ, " far from threatening the drama, become on the contrary the core of its expression, as a new power is, on stage, devoted to the Verb : the extra-ordinary power to arise the pneuma of singing as well as the rhythm of the dancing body. Anne MOUNIC "To tell and be told" : war poetry as the "transmission of sympathy" War poetry raises a paradox : the destructive collective imposition which weighed upon each soldier during the Great War triggered off new individual awareness and led to a questioning of the values that had prevailed until then, and notably idealis- tic philosophy. Discussing the paradox, we shall oppose tragedy and the individual epic, catharsis and empathy, the choice of death and the choice of life. The Great War writings will be placed in their literary and philosophical context, before and after. La poésie de guerre soulève un paradoxe : la contrainte collective de destruction qui pesa sur chaque soldat durant la Grande Guerre suscita une nouvelle conscience singulière, menant à un questionnement des valeurs et, notamment, de la philoso- phie idéaliste. Discutant ce paradoxe, nous opposerons la tragédie à l'épopée indi- viduelle, la catharsis à l'empathie, le choix de la mort à celui de la vie. Les écrits de la Grande Guerre seront placés dans leur contexte littéraire et philosophique, avant et après. Olivier HERCEND Cinema, the mind and the reader in Virginia Woolf's The Mark On the Wall Taking up David Trotter's Cinema and Modernism, this article emphasises the strong links that exist between Virginia Woolf's thoughts on cinema and the new techniques and notions that she develops in "The Mark on the Wall. " Indeed, her depiction of the mind's process fosters the image of a fragmented world, a succes- sion of images that come under no authoritative order or meaning : a mere mon- tage. But cinema also contains the promise of an artistic answer to the fragmentation of the modern condition. Through a renewal of textual co-operation, Woolf opens her reader to the possibilities of what I choose to call an "aesthetics of juxtaposi- tion. " Reprenant les idées exprimées dans Cinema and Modernism, de David Trotter, cet article relie la pensée de Virginia Woolf sur le cinéma aux techniques et aux notions nouvelles qu'elle développe dans "The Mark on the Wall" . De fait, en tentant de décrire le fonctionnement de l'esprit, elle fait naître l'image d'un monde fragmenté, une succession d'images qui ne tombent sous l'autorité d'aucun ordre ni d'aucune signification essentiels : en un mot, un montage. Mais le cinéma est également la source d'une réponse artistique à la fragmentation de la condition moderne. En renouvelant les modalités de la coopération textuelle, Woolf ouvre son lecteur aux possibilités d'une "esthétique de la juxtaposition" . Antonia RIGAUD Les Europeras de John Cage : de l'opéra au cirque Cet article interroge le rapport ambigu qu'entretint John Cage avec le théâtre tout au long de sa carrière. Influencé très tôt par Artaud et Stein, il ne cesse de faire référence au théâtre et conçoit son art comme une réflexion sur la théâtralité et la notion de performance. Ses Europeras, à la fin de sa carrière, permettent de mettre en avant la manière dont il a cherché à la fois à inscrire ses expérimentations artis- tiques dans le champ théâtral tout en faisant sortir le théâtre des codes mêmes de la scène. La place centrale que Cage donne au théâtre, bien qu'il ne produise que de très rares oeuvres théâtrales, témoigne de son désir de penser le théâtre non pas en tant que médium mais en tant que lieu d'expérimentation. This article addresses John Cage's ambiguous relationship with theatre throughout his career. Influenced early by Artaud and Stein, he often referred to theatre and understood his own art project as a reflection on theatricality and performance. The Europeras, written late in his career, testify to his attempt to associate his artistic experimentation with theater while pushing on the limits of theatre. The prominent position Cage gave to the theatre in contrast to the rarity of his theatrical work pieces is emblematic of his ambition to re-think the theatre as a locus of experimentation.

Barbara Chase-Riboud est sculptrice, poétesse et romancière franco-américaine. Elle vit à Paris. Elle rencontre Alberto Giacometti au tout début des années 1960. Tous deux ont tracé, au l des décennies, des parcours de sculpteurs différents - d'homme et de femme artiste aussi. Leur dialogue repose sur des points de contact : le travail de la matière et du bronze, la passion pour l'Egypte ancienne, l'écriture. Cette confrontation entre Giacometti, que l'on croit "épuré" et classique, et Chase-Riboud, "matérielle" et baroque, révèle également une commune attention passionnée à la représentation du corps. Cette exposition, première en France de Barbara Chase-Riboud depuis 1974, nous livre le regard d'une artiste sur l'oeuvre d'Alberto Giacometti avec laquelle elle entre en sympathie. Barbara Chase-Riboud is a French-American sculptor, poet and novelist. She lives in Paris. She met Alberto Giacometti in the ? early 1960s. Throughout the decades, both artists have traced different paths as sculptors - as man and woman artists too. Their dialogue rests on points of contact : the work on matter and bronze, a passion for Ancient Egypt and writing. This confrontation between Giacometti, whom one considers as "streamlined" and classical, and Chase-Riboud, "tangible" and baroque, also reveals a shared passionate attention to the representation of the body. This exhibition, the rst in France for Barbara Chase-Riboud since 1974, offers us the gaze of a woman artist on the oeuvre of Alberto Giacometti with whom she is in sympathy.

The papers collected in the present volume show that the terms cognitivism and cognitive, so common in present day linguistic discourse, do not refer to a single theoretical mode or approach to language. Firstly, the papers show that cognitivism is a lively research area accommodating a wide spectrum of approaches. Secondly, they address a number of issues ranging from grammaticalization, event structure, semantic representation, equivalence, image schematic representations and lexicography to poetry, metaphor, metonymy, and national mentality. Some of the contributions deal with the linguistic phenomena in one language, while others take up a cross-linguistic approach.

Raconter une position, c'est un peu la trouver.

For the first time this work traces the evolution of Carl Zuckmayer's major women characters from early spontaneous figures to increasingly complex and emancipated personalities. A close analysis of these women defines their importance as exponents of key concepts in Zuckmayer's world view expressed in his essays, autobiographies, and fiction.

Le "Island Position" est un terme publicitaire qui décrit la position premium d'une publicité entourée uniquement de contenu éditorial. Dans The Island Position, John Lehr explore les façades des espaces commerciaux américains menacés par l'émergence du commerce électronique. Pressés de rester pertinents, les propriétaires de magasins arborent leurs fenêtres et leurs murs de tout ce qui attirera l'attention : des pavages de publicités à décoloration rapide, des décalcomanies du sol au plafond de l'argent en éventail ou des cheveux flottants, des étalages de produits au hasard et désespérés, griffonnés à la main des invitations. Ils repeignent, rénovent, rebaptisent et réorganisent, des gestes qui pointent vers les désirs et les angoisses des gens qui sont laissés pour compte alors que nos pouces nous conduisent dans la nouvelle économie. L'oeuvre présente un tournant dans notre paysage culturel : le passage d'une culture physique à une culture virtuelle. Se faisant passer pour une typologie de vitrines, les surfaces de The Island Position incarnent quelque chose d'invisible : les personnes qui les ont construites. La signalisation n'est pas simplement un appel à la consommation, mais une typographie de l'émotion : vulnérabilité, ingéniosité, détresse et espoir - le langage du capitalisme comme forme de discours public. Lehr n'est pas intéressé par ce qui est à vendre. Il s'intéresse à ce qui est en jeu. Comprend une histoire courte de George Saunders

Fabio, diplômé de la plus grande école de cinéma d'Italie, rêve de devenir le nouveau Fellini. Mais avant ça, il lui faut gagner sa vie. Alors, quand une boîte de production lui propose un gros salaire pour écrire des scénarios de films érotiques, Fabio accepte. Résultat : Vingt mille queues sous les mers ou Quand Harry ramone Sally rencontrent un succès sans pareil. Et le voici primé à Cannes, mais dans la section X. Cette reconnaissance inespérée risque de faire voler sa réputation en éclats... Une comédie déjantée, menée tambour battant par le fils spirituel de Woody Allen et Roberto Benigni.

Women in Love (1921) compte parmi les textes majeurs de ce siècle qui, comme Ulysses de Joyce (1922), interrogent le désir de l'homme face au cœur des ténèbres mis à nu par la crise de l'Histoire. Que le manque constitutif de l'Autre prenne figure de femme ou de langage, l'épreuve de la limite se pose : dans Women in Love la tentation sera de nier ce manque par des ruses qui mettent en jeu le même défi à la création - création de l'espèce humaine ou artistique. Ces ruses passent par un détournement des codes, pervers quand il s'écrit sur le corps humain ou le corps social, et tel qu'on le voit représenté dans le monde imaginaire du roman. Mais quand le démon du désir travaille sur le corps métaphorique de la langue, il donne lieu à l'écriture : Lawrence se dit en quête de formes nouvelles en accord avec l'" âme passionnelle " qui lui parle une langue inconnue. De cette recherche, Women in Love est une trace vivante et parlante.

Dans The Holiday Pictures, Paddy Summerfield n'offre pas le glamour de Deauville et de Biarritz. C'est le bord de mer britannique, où la lumière du soleil peut céder le pas aux trottoirs pluvieux et au ciel couvert. Et nous sommes tous ici : enfants et parents, bébés et adolescents, personnes de tous âges et de tous horizons, partageant la magie de la côte. Nous les voyons en famille, en couple, dans la foule, ou isolés et seuls sous un ciel ensoleillé. Nous les voyons ennuyés ou perdus dans leurs pensées, somnolants ou rêveurs, pris dans le jeu ou regardant le ciel et la mer. Ils traversent le sable, ils se promènent le long des promenades et des quais et photographient sans cesse, faisant des souvenirs de vacances. Avec The Holiday Pictures, Summerfield nous raconte notre propre histoire, une histoire primale et universelle des générations au bord de la mer, regardant intérieurement leurs propres sentiments et regardant vers les horizons et les cieux. Et les séquences de photos impliquent d'autres récits, comme si quelqu'un était entré dans l'image suivante, comme si la vague qui se courbait dans une image se voyait se briser dans l'image suivante, où les enfants éclaboussaient et jouaient.

This volume presents an expertly curated selection of paintings, portraits, landscapes, and genre scenes, from among the masterpieces of the world-renowned Louvre museum-from Leonardo da Vinci's Mona Lisa to Eugène Delacroix's July 28 : Liberty Leading the People. Iconic works by painterly masters such as Sandro Botticelli, Hieronymus Bosch, Caravaggio, Jean Auguste Dominique Ingres, and Jacques Louis David are reproduced in this collection of twenty-one high-quality, easily detachable prints, to be displayed alone or grouped together to create your very own Louvre at home. Charles Delaville's text on the back of each print provides the keys to understanding the work of art and the artist's life. Dominique de Font-Réaulx, Director of Interpretation and Cultural Programs at the Louvre, contributes a foreword.

The son of Douaouf, the brilliant, scribe of the early XIIth Dynasty Xty " Khety " said this : "The man continues to subsist after reaching the haven of death and his actions are beside him in a heap. " If regression is the main cause of the alarming situation of Africa and its tails the perceptibles consequences at all levels, the solution to this problem is eminently political. It inevitably involves the constitution of a pan-African State. For men, there is no unity without memory of the past. In fact, the construction of a federal state inevitably involves the restoration of African historical consciousness. There is no national and federal identity without a common language. The unification of Africa will only be possible if it takes the measure of its linguistic unification issue. To a lesser extent but like Cheikh Anta Diop in his book titled the Cultural Unity, I was animated throughout this heuristic by the idea that only the true knowledge of the past can maintain the consciousness and the feeling of a historical continuity essential to the consolidation of a nation for the purpose of building a multinational state in line with its past. Like Cheikh Anta Diop, I build my sureness on the legitimate idea that a people who lost a significant part of their historical memory must engage in the investigation of their past in every possible way. This investigation can take the contours of a reconnection with its past through so-called old languages. But a people can not live only with by merely repeating of what others tell them about themselves. The investigation through its linguistic past allows especially a direct knowledge of oneself. In addition to the fact that this knowledge simply highlights its weaknesses, it allows also to become aware by an introspective and therefore reflective of its real abilities and strengths. It structures being and the consciousness of being to resist any form of servile and degrading ideology. This quest for the past, not founded on blind passion but objectivity, nourishes a healthy ambition for a real universalism. To know one's past is already to project one's future. To know one's past is to give oneself the capacity to be able to bring to others in a perspective of giving and receiving. To know one's past is to refuse intellectual guardianship and wait-and-seeism. To know one's past is to be reborn.

The son of Douaouf, the brilliant, scribe of the early XIIth Dynasty Xty " Khety " said this : "The man continues to subsist after reaching the haven of death and his actions are beside him in a heap. " If regression is the main cause of the alarming situation of Africa and its tails the perceptibles consequences at all levels, the solution to this problem is eminently political. It inevitably involves the constitution of a pan-African State. For men, there is no unity without memory of the past. In fact, the construction of a federal state inevitably involves the restoration of African historical consciousness. There is no national and federal identity without a common language. The unification of Africa will only be possible if it takes the measure of its linguistic unification issue. To a lesser extent but like Cheikh Anta Diop in his book titled the Cultural Unity, I was animated throughout this heuristic by the idea that only the true knowledge of the past can maintain the consciousness and the feeling of a historical continuity essential to the consolidation of a nation for the purpose of building a multinational state in line with its past. Like Cheikh Anta Diop, I build my sureness on the legitimate idea that a people who lost a significant part of their historical memory must engage in the investigation of their past in every possible way. This investigation can take the contours of a reconnection with its past through so-called old languages. But a people can not live only with by merely repeating of what others tell them about themselves. The investigation through its linguistic past allows especially a direct knowledge of oneself. In addition to the fact that this knowledge simply highlights its weaknesses, it allows also to become aware by an introspective and therefore reflective of its real abilities and strengths. It structures being and the consciousness of being to resist any form of servile and degrading ideology. This quest for the past, not founded on blind passion but objectivity, nourishes a healthy ambition for a real universalism. To know one's past is already to project one's future. To know one's past is to give oneself the capacity to be able to bring to others in a perspective of giving and receiving. To know one's past is to refuse intellectual guardianship and wait-and-seeism. To know one's past is to be reborn.

Questions about personal identity and about time affect us all. The concern for "our" future and the fear of "our" death are based on (mostly vague) concepts of personal identity over time. Though the atomic components of our present body are not identical with the ones shown on our childhood photos, we have no doubts in recognizing ourselves on those pictures. Similarly, we are convinced that "we" will be able to recognize "ourselves" on our present passport-photos even in the future. Is this confidence justified ? If it is not, our conception of life and death would be as faulty as was the image of the universe in the Middle Ages.

"Il faudrait idéalement pouvoir écouter les Doors depuis la vie. Or, la fin est là dès le commencement et, leurré par ce jeu constant sur "The End" , on envisage trop souvent les Doors depuis la mort de Jim Morrison, sans réellement saisir le profond vitalisme de cette musique. C'est particulièrement tentant pour ce qui est du dernier album, L. A. Woman (1971). D'emblée, le mythe de Morrison se torsade à la mort et empêche la vive écoute des Doors. Le souhait qui anime ce petit livre est de désencombrer ce groupe de sa légende pour tâcher de le rendre à la musique".

Ce livre d'exercices a été conçu pour accompagner The Big Picture, vocabulaire de l'actualité en anglais, paru dans la même collection. Il peut cependant être utilisé indépendamment de celui-ci, puisque les corrigés sont donnés intégralement, avec traduction, en fin d'ouvrage. The Big Picture, exercices de vocabulaire comporte près de 1 200 termes répartis en 40 chapitres portant sur les grands sujets d'actualité de la bioéthique à Internet, en passant par les troubles de l'alimentation, le mariage gay, la mondialisation, le multiculturalisme, le changement climatique, les catastrophes naturelles, la génétique et le terrorisme. Chaque chapitre se compose d'exercices divers et variés qui permettront au lecteur d'enrichir et de tester sa connaissance du vocabulaire anglais de l'actualité contemporaine.

CRYPTO SHADOWS Original Motion Picture Soundtrack Director James Fox Music by Arrhynn Descy Label Plaza Mayor Company Ltd Vegas Movie Awards Genre Blast Film Festival January 16th – Release on USA Canada – Theater - Vod Pour se remettre du harcèlement au travail dans son travail de développement de jeux en ville, la codeuse Clara Hammond s'est taillé une vie tranquille en tant qu'aspirante cryptomineure dans la campagne rurale californienne. Alors qu'elle travaille sur un nouvel algorithme, elle découvre un mystérieux code intégré dans les données minières. Sa découverte déclenche une enquête pour la vérité, qui se transforme rapidement en un combat pour sa vie. Les joueurs puissants sont prêts à tout pour protéger leurs secrets, et Clara en sait déjà trop.

Modern scholarship often discusses Roman women in terms of their difference from their male counterparts, frequently defining them as ‘other'. This book shows how Roman male writers at the turn of the first century actually described women as not so different from men : the same qualities and abilities pertaining to the domains of parenthood, intellect and morals are ascribed by writers to women as well as to men. There are two voices, however : a traditional, ideal voice and an individual, realistic voice. This creates a duality of representations of women, which recurs across literary genres and reflects a duality of mentality. How can we interpret the paradoxical information about Roman women given by the male-authored texts ? How does this duality of mentality inform us about gender roles and gender hierarchy ? This work analyses well-known, as well as overlooked, passages from the writings of Pliny the Younger, Tacitus, Suetonius, Quintilian, Statius, Martial and Juvenal and sheds new light on Roman views of women and their abilities, on the notions of private and public and on conjugal relationships. In the process, the famous sixth satire of Juvenal is revisited and its topic reassessed, providing further insights into the complex issues of gender roles, marriage and emotions. By contrasting representations of women across a broad spectrum of literary genres, this book provides consistent findings that have wide significance for the study of Latin literature and the social history of the late first and early second centuries.