Sibylle Delacroix

Le livre se compose de 4 nouvelles, précédées d'un Avant-propos, et suivies d'une postface, " La demeure et l'infini ", comme une confidence qui relie les textes entre eux. La première, éponyme, " Le Dit du corbeau ", une vision de la Grande Guerre, son impact sur les êtres et les familles au fil du temps, à travers le regard d'un corbeau " individu à la fois réel et mythique ". Deux : " L'origine ", part de la découverte, en 1970, aux Etats-Unis, de Genie, " enfant du placard " sans parole. Mystère et empathie. Trois : " L'adagio de Tomaso Albinoni ", ou l'aventure de cet adagio, oublié et redécouvert au XXe siècle, pour donner une intensité particulière à la vie contrainte, comme oubliée, d'un jeune couple, débouchant dans la lumière. Quatre : " Chapeau de paille dans la chapelle des Anges ", opère un lien entre une " foire de l'estampe " place Saint-Sulpice à Paris, à laquelle participe un couple d'artistes, et la chapelle des Anges, dans l'église sur la place, où se trouve la célèbre fresque de Delacroix (située dans la forêt de Sénart). Et le mystère autour d'un homme au chapeau de paille. L'écriture est maîtrisée, belle, sensible, le propos de haute volée, nourri de riches lectures, les liens établis entre les quatre " novellas ", en particulier la figure du corbeau, subtils. Pas la littérature de tout le monde, mais en tout cas de ceux qui aiment les livres qui font du bien.

« Margot Delacroix est morte depuis peu lorsqu’elle se trouve réincarnée en tant qu’ange gardien. Désormais appelée Ruth, elle est chargée de veiller sur elle-même, enfin sur Margot, qui reprend dès le début la vie que Ruth vient de quitter. Pour ce faire, elle sera devra s’en tenir aux quatre champs d’action des anges gardiens : observer, protéger, consigner et aimer. Ruth peut influer sur les choix de Margot, mais doit toujours respecter les limites du libre arbitre. La vie de Margot, qui se déroule voire se répète, est difficile, parsemée de mauvaises décisions. Heureusement, Ruth est toujours prête à voler à son secours, lui soufflant des suggestions qui seront tantôt suivies, tantôt ignorées. Ruth a surtout envie de comprendre ce que son fils – ou plutôt, le fils de Margot – a fait pour se retrouver en prison pour meurtre. Elle y voit l’occasion de s’impliquer au maximum, mais à grand frais… Journal d’un ange gardien est le premier roman de Caroline Jess-Cooke, qui vit en Angleterre. La voix narrative du texte est irrésistible, et se marie bien avec une ribambelle de personnages secondaires – humains et anges – tous plus charmants les uns que les autres. La juxtaposition constante de l’au-delà avec l’ici-bas saisit tout de suite le lecteur et l’intrigue jusqu’au bout. Jess-Cooke est un auteur remarquable. » Publisher Weekly Traduit de l’anglais par Denyse Beaulieu

Revenant sur l'oeuvre de Degas, Werner Hofmann réussit à ouvrir d'étonnantes perspectives inédites en la confrontant à la notion de réalisme Si Degas (1834-1917) a régulièrement participé aux expositions des Impressionnistes. , dès ses débuts, il a opposé à l'interprétation harmonieuse de la réalité de ses collègues une peinture de la vie sociale, traversés de tensions. Il met à nu la fragilité du monde bourgeois ainsi que celle des relations humaines qui s'y jouent. Il convoque les zones marginales de la société où les figures de la femme sont repasseuses, modistes, danseuses ou prostituées. Il invente des espaces traversés par des tensions intérieures ou encore des échappées sur des zones ambiguës où se nouent les tensions du "clair-obscur-social" . C'est, selon l'auteur, dans ce champ problématique que se situent la contribution de Degas au "Réalisme" et son dépassement des scènes de la vie moderne - les marges de la ville, l'intimité prosaïque de ses habitants forgent une nouvelle orientation du regard. Werner Hofmann ancre le cheminement artistique de Degas à l'intérieur des grandes tendances du XIXe siècle. David, Ingres, Delacroix, Courbet et les oeuvres des Impressionnistes. De cette manière, il rend visible les lignes que trace la tradition mais surtout la manière personnelle et la puissance d'innovation de l'art de Degas, lequel, faisant contrepoint à l'oeuvre de Cézanne, ouvre une autre voie conduisant au XXe siècle.

En 1833, le peintre Léon Bonnat voyait le jour à Bayonne. En 1922, toute la population de sa ville natale assistait à ses obsèques grandioses. Ce roman présente ses souvenirs émouvants au soir d'une longue existence marquée par une enfance heureuse dans son "doux pays" natal1, par des drames familiaux, par une adolescence à Madrid où commença sa carrière d'artiste doué, la suite de sa formation à Paris et Rome, facilitée par la bourse que lui octroya Bayonne, les premiers succès sous le Second Empire, la gloire comme portraitiste pendant la IIIe République, les honneurs, la fréquentation des puissants de France et des Etats-Unis (industriels, banquiers, femmes du monde, présidents de la République, architectes, peintres et musiciens), et pourtant une certaine mélancolie liée à la disparition progressive de ses proches et au drame de la Grande Guerre. Il parcourut l'Europe mais resta toujours attaché au Pays basque où il acquit une maison dans Saint- Jean-de-Luz. Fidèle en amitié, prompt à aider les autres, mais mal compris des modernistes, il voua aussi sa vie et sa fortune, acquise par un labeur acharné, à sa seule vraie passion : composer une collection exceptionnelle qu'il légua à sa ville natale tant aimée, pour créer un des musées les plus riches d'Europe, en particulier par son cabinet de dessins, où sont représentés Léonard de Vinci, Michel-Ange, Raphaël, Dürer, Le Gréco, Rembrandt, Van Dyck, Rubens, Watteau, Goya, Delacroix, Ingres, Le Gréco et Goya.

Les Mémoires de Berlioz tracent le portrait exemplaire d'une sensibilité à l'époque romantique. Né en 1803, Berlioz est le contemporain de Hugo, Delacroix, et l'aîné de quelques années de Mendelssohn, Chopin, Liszt, Schumann et Wagner ; il demeure cependant une figure isolée dans le paysage musical français et la singularité flamboyante de son œuvre suscite en France ironie et scepticisme. Trop souvent, le récit des triomphes sans lendemains alterne sous sa plume avec des échecs cuisants. Contraint de tenir le feuilleton musical du puissant Journal des débats, le compositeur s'est fait des ennemis par son intransigeance face à la médiocrité de tant de créations contemporaines et au laxisme dans l'exécution des œuvres qu'il révère chez Beethoven, Gluck ou Weber. Des voyages mènent ce chef d'orchestre émérite à travers l'Europe et jusqu'en Russie, tandis que l'appui généreux de Liszt lui ouvre l'Allemagne des princes mélomanes. Berlioz revient alors à Paris comblé d'honneurs, de bravos et de quelques profits, retrouvant l'obsédant feuilleton et une épouse malade, Harriet Smithson qui fut, au théâtre, l'inoubliable Juliet de Shakespeare, l'inspiratrice de la Symphonie fantastique... Ses dernières années sont assombries par les vicissitudes de son grand œuvre, Les Troyens, qu'il ne vit jamais intégralement représenté. Une flamme brille cependant encore en lui : son amour d'enfance pour Estelle Fornier qu'il revoit enfin, dernier épisode, peut-être le plus émouvant, de ces étincelants Mémoires.

Tout au long d'un XIXe siècle attaché aux normes, genres et hiérarchies, le champ artistique fut confronté à la multiplication des images, à leur reproductibilité technique et à la densification de leur circulation par le biais de la gravure industrielle et du journal illustré, qui modifièrent les statuts et déplacèrent les rapports au sein du système des beaux-arts. Parmi ces bouleversements, la caricature - image grimaçante et expressive par excellence - connut une expansion inédite qui fut d'abord perçue comme une menace pour l'art et plus particulièrement pour la peinture, d'autant que des peintres s'y adonnaient (Goya, David, Delacroix, Daumier, André Gill...). Progressivement, cet objet partisan et utilitaire, doté d'une faible légitimité artistique et culturelle, considéré comme ingrat et régressif, quand il ne passait pour vulgaire, fut pourtant disjoint de ses intentions initiales - le comique, la polémique et la critique -, pour devenir un langage formel. De la sorte, les procédés usuels de l'image satirique - la déformation, l'exagération, l'altération, la mutilation ou la condensation - furent institués en moyens plastiques, selon un double processus de translation et de déterritorialisation qui caractérise plus largement la modernité du xixe siècle. Cet essai analyse comment, dans l'historiographie de la caricature, dans la critique d'art et dans la pratique même des artistes, la caricature et son arsenal de dérèglements sont progressivement devenus l'espace d'invention du caricatural, dont la peinture de Courbet, Cézanne, Degas, Ensor, Rouault ou Picasso est le lieu.

Crimes, prisons, décapitations, autant de thèmes qui parcourent en tous sens l'art depuis la Révolution française et ses premières tentatives d'abolir la peine de mort. Qu'il soit politique ou crapuleux, le crime de sang décuple par l'image sa puissance fantasmatique sur nous. Car la violence, même si elle n'est pas assortie de l'expression du plaisir, en apporte au spectateur, quelle que soit sa répulsion première. Des représentations littérales aux allégories de toutes sortes, la peinture confirme à foison cette ambiguïté fondamentale: des pendus de Victor Hugo à La Justice et la Vengeance divine poursuivant le Crime de Pierre Paul Prud'hon. De nouveaux thèmes s'imposent à l'imaginaire, telle la femme criminelle. Stigmatisée par Jacques Louis David, réhabilitée par Paul Baudry puis noircie à nouveau par Edvard Munch, Charlotte Corday rejoint ainsi les figures du mythe. Se pose aussi la question des rapports entre folie, génie et crime, des prisonniers d'Eugène Delacroix à ceux d'Egon Schiele. Les plus grands artistes sont ceux chez qui la représentation exaspérée du crime ou de la peine capitale aboutit au saisissement maximum, de Francisco Goya et Théodore Géricault à Edgar Degas, Pablo Picasso, Otto Dix, George Grosz. Paria social, monstre conscient ou tueur irresponsable, le criminel a toujours fait débat. De même, son châtiment. Il n'est pas de meilleur miroir de l'homme et de l'art modernes.

Les 12 mars et 12 avril 2007 eurent lieu devant la 17e Chambre du tribunal correctionnel de Paris les débats de ce qui aura probablement été le tout dernier grand procès du négationnisme. À l'origine, une plainte de Robert Faurisson contre Robert Badinter et la chaîne Arte. Faurisson est assisté par Me Delcroix. Robert Badinter a pour avocats Me Jouanneau et Me Henri Leclerc. Sont notamment cités comme témoins de la défense : Valérie Igounet, historienne reconnue du négationnisme en France, Annette Wieviorka, historienne, directrice de recherches au CNRS, Gérard Panczer, chimiste, Didier Daeninckx, écrivain, Nadine Fresco, historienne, Me Roland Rappaport, Henry Rousso, directeur de recherches au CNRS, Me Charles Korman. Le jugement, rendu le 21 mai, a débouté Faurisson de sa plainte. Il n'a pas fait appel. Comme l'écrit Robert Badinter en avant-propos : " Bien au-delà de la décision qui a clos ce singulier épisode judiciaire, les textes publiés ici serviront la cause de la vérité sur le processus d'extermination des juifs européens perpétré par Hitler et les nazis pendant la Seconde Guerre mondiale. Ce procès aura constitué ainsi un acquis précieux pour les historiens de demain et les lecteurs d'aujourd'hui. "

Alors que, depuis le début de l'année 2011, les pays arabes qui entourent le Sud-Est de la Méditerranée ne cessent de nous surprendre par leur héroïsme et une dignité retrouvée, la Collection Lambert propose une exposition faisant l'apologie du voyage dans ces pays fascinants. Ils le sont tant par la richesse de leur culture que par une histoire bien plus ancestrale que la nôtre, par la beauté des êtres, et par ce courage dont ces peuples fiers font preuve aujourd'hui. Cette fascination n'est pas récente. Le monde arabe était auparavant décrit aux Occidentaux par des écrivains et des artistes qui accomplissaient des voyages longs et éprouvants. La France a toujours eu le goût de l'exotisme, d'une attirance pour la culture de l'Autre, cet étranger oriental ou arabe qui, lui-même, pendant des siècles, a cultivé le fait de recevoir le voyageur comme un art de vivre à part entière avec un raffinement poussé à son paroxysme. Nos plus grands écrivains en ont rêvé - Chateaubriand, Nerval, Flaubert, Lamartine ou, plus proche de nous, Pierre Loti... -, tout comme nos plus grands artistes, de Delacroix à Matisse. L'exposition s'organisera autour de quatre sections restituant les différentes images de l'Orient, qui se télescoperont tel un kaléidoscope de visions fantasmées ou réelles. Des collections jamais montrées au public seront associées à des oeuvres plus connues. Ainsi, le fonds de l'Association des amis de Pierre Loti présentera des documents inédits de cet écrivain : portraits, peintures et photographies... Une collection privée provenant de Gadagne fera découvrir des objets rares et précieux : bijoux, ustensiles, livres enluminés... À travers des oeuvres de maîtres du XIXe siècle et du début du XXe siècle, on comprendra comment est né cet orientalisme, mouvement aux répercussions si denses dans l'art de vivre en Europe. Des oeuvres sur papier de Delacroix et de Matisse confirmeront l'influence de la Méditerranée. Un lit turc de harem du début du XIXe siècle, entouré de peintures de la fin du XIXe siècle de femmes au bain et accompagné d'un magnifique film tourné dans un hammam par l'artiste anglaise Tacita Dean, donnera une ambiance de langueur. Plus loin, dans un univers plus viril, des photographies de Nan Goldin présentant son amant égyptien, Jabelawe, côtoieront des clichés chez un coiffeur turc de l'Italien Maloberti et des images anciennes d'un quotidien oublié où la tolérance était encore de mise. Dans une section plus contemporaine, les oeuvres engagées de Mona Hatoun, originaire du Liban, se confronteront aux images implacables de l'Iranienne Shirin Neshat, toutes deux féministes engagées et révolutionnaires avant l'heure. Enfin, à côté des vidéos de Douglas Gordon tournées aux portes de Marrakech avec des charmeurs de serpents et de scorpions, deux oeuvres teintées d'espoir et d'optimisme irradieront cette exposition : une installation vidéo de Charles Sandison où des milliers de mots calligraphiés en arabe se transforment en mains qui s'unissent à jamais, alors qu'Idriss Khan a photographié sur une même plaque argentique toutes les pages du Coran. Ces pages se superposent en traçant une immense partition sublime où, dans ce feuilleté visuel, on ne devine plus que la beauté des mots divins insufflés à jamais par le Prophète.

L'année 2019 est consacrée aux 150 ans de la naissance d'Henri Matisse dont le musée du Cateau-Cambrésis organise une ambitieuse exposition reconnue d'intérêt national par le Ministère de la Culture : Devenir Matisse, "...Ce que les Maîtres ont de meilleur..." . Thème des oeuvres de jeunesse de 1890 à 1911 jamais exploité auparavant, 10 tableaux de Matisse jamais montrés au public, Seul prêt accordé par le MoMa de New-York cette année, D'autres prêts exceptionnels... Cette exposition répondra à plusieurs questions : Quel héritage légué à Matisse par sa terre natale du Nord ? Comment l'artiste se construit et s'émancipe ? Quelles influences ont sur lui les Grands Maîtres, quels échanges avec ses congénères ? Quels messages et enseignements veut-il transmettre ? Des artistes exceptionnels seront présentés tels que Rembrandt, De Heem, Goya, Delacroix, Cézanne, Gauguin, Monet, Rodin, Marquet, Picasso... Grâce aux prêteurs des musées français comme Le Louvre, le centre national d'art et de culture Georges Pompidou, le musée d'Orsay, le musée Matisse de Nice, le musée national Picasso-Paris, les musées du Quai Branly, Rodin, de Lille, Bordeaux, Lyon, Reims, Grenoble, Saint Tropez... Mais aussi de prêteurs étrangers tel le MoMa de New-York, La Tate de Londres, les musées de San Francisco, Philadelphie, Copenhague, Bruxelles, Oslo... Grâce à une implication incroyable de la famille Matisse et de la Pierre & Tana Matisse Foundation (N.Y), nous allons faire progresser la connaissance sur Matisse en vous permettant de suivre la voie empruntée par Henri pour Devenir Matisse et découvrir Ce que les Maîtres ont de meilleur.

Décryptez La Petite Fadette de George Sand avec l'analyse du PetitLitteraire. fr ! Que faut-il retenir de La Petite Fadette, ce roman qui s'attaque aux préjugés ? Retrouvez tout ce que vous devez savoir sur cette oeuvre dans une fiche de lecture complète et détaillée. Vous trouverez notamment dans cette fiche : - Un résumé complet - Une présentation des personnages principaux tels que la petite Fadette, Landry et Sylvain - Une analyse des spécificités de l'oeuvre : un roman réaliste, une critique des préjugés, les similitudes avec la vie de l'auteure, les thèmes du regard des autres, des apparences, de la jalousie et du refoulement Une analyse de référence pour comprendre rapidement le sens de l'oeuvre. Le mot de l'éditeur : "Dans cette analyse de La Petite Fadette, avec Yann Dalle, nous fournissons des pistes pour décoder cette histoire d'amour paysanne empreinte de réalisme et de bonté. Notre analyse permet de faire rapidement le tour de l'oeuvre et d'aller au-delà des clichés". Laure Delacroix A propos de la collection LePetitLittéraire. fr : Plébiscité tant par les passionnés de littérature que par les lycéens, LePetitLittéraire. fr est considéré comme une référence en matière d'analyse d'oeuvres classiques et contemporaines. Nos analyses, disponibles aux formats papier et numérique, ont été conçues pour guider les lecteurs à travers toute la littérature. Nos auteurs combinent théories, citations, anecdotes et commentaires pour vous faire découvrir et redécouvrir les plus grandes oeuvres littéraires. LePetitLittéraire. fr est reconnu d'intérêt pédagogique par le ministère de l'Education.

Dans ces "papiers" choisis de cinquante-six critiques - et pas seulement les plus fameux, tel Baudelaire, Zola ou Huysmans -, les escarmouches et les grandes batailles pour l'art moderne sont là, dans toute leur fureur. Delacroix, Courbet, Manet, Monet, Redon, Seurat, Van Gogh, Gauguin ou Cézanne ont les honneurs de ces pages mais ils ne sont pas les seuls puisque les princes de l'époque s'appelaient Ary Scheffer, Gérôme de Bouguereau. Chaque auteur est présenté, chaque critique est située dans son contexte, pour faire de cette anthologie une synthèse indispensable et un instrument de travail qui restitue sa véritable dimension à un champ d'actitvité déterminant pour l'histoire de l'art de la seconde moitié due XIXe siècle. Seule de son genre en langue française, cette anthologie rend compte compte de la totalité de la période, de son évolution et de ses mutations décisives, en représentant les différentes tendances de la critique conservatrice comme de celle des avant-gardes, dans leurs aveuglements comme dans leurs intitutions les plus pénétrantes. Elle évoque aussi l'ensemble du champ artistique, en incluant, à coté de ceux qui portent sur la peinture des textes sur la sculpture, la gravure, la photographie, les arts décoratifs, ou l'architecture. Du romantisme au Réalisme, de l'Impressionnisme au Symbolisme, les grands artistes du XIXème siècle sont admirés ou discutés par les frères Goncourt, Théophile Gautier, Alexandre Dumas, Edmond Duranty, Pierre-Joseph Proudhon, Joséphin Péladan, Félix Fénéon, Octave Mirbeau, ou Léonce Bénédite, sans oublier la critique au féminin des Claude Vignon, Mathilde Stevens et Marc de Montifaud.

John Constable reste, cent soixante-cinq ans après sa mort, l'objet d'un malentendu. En Angleterre, après avoir été un artiste mal-aimé, il est devenu un véritable mythe : l'archétype du peintre anglais, celui dont l'œuvre, tel un miroir dans lequel une nation croit se reconnaître, aurait su saisir l'âme nationale de son pays natal. En France, sa réception oscille entre oubli et restriction. Oubli au profit du plus spectaculaire Turner. Restriction, enfin, qui fait souvent hâtivement classer Constable, " le père de notre école de paysage " (Delacroix), du côté du naturalisme. C'est contre ce double écueil, ce double aveuglement que s'est construit cet essai. En accordant une place centrale aux écrits de l'artiste et à leur confrontation avec l'œuvre peint et dessiné, il s'est agi de redonner à John Constable sa place centrale dans le romantisme européen : celle d'un homme qui fut autant un théoricien - à sa manière, empathique, subjective - qu'un praticien. Un homme qui n'eut de cesse, contre les attendus de la critique et les conseils de ses amis, de penser un art nouveau. Un art absolu, capable de révéler la part d'infini qui se cache dans le plus ordinaire des chemins de campagne du Suffolk, " là où personne ne se penche " pour aller l'y relever. À la fin de cet ouvrage est présenté, pour la première fois dans une édition française, le recueil de gravures conçu par Constable autour du Paysage anglais, accompagné des commentaires de planches rédigés par l'artiste.

" Je reçois aujourd'hui quelques personnes, entre autres madame Sand, écrivit Chopin à un ami polonais de passage à Paris en décembre 1836. Presque en post-scriptum, il ajouta que Liszt jouerait et que le très célèbre ténor Adolphe Nourrit chanterait. Pour l'occasion, Sand accepta de faire un compromis. Elle abandonna ses pantalons noirs et sa redingote pour un pantalon bouffant blanc et une ceinture en étoffe, le costume si sexuellement ambigu d'une houri ou d'un pacha ; surtout, elle arborait les couleurs du drapeau polonais. " A vingt et un ans, Chopin quitte définitivement une Pologne bâillonnée par la Russie et arrive à Paris, où deux concerts suffisent à faire de lui la coqueluche des plus grands. De Schumann à Liszt, de Mendelssohn à Delacroix, tous portent aux nues celui qui va incarner comme nul autre le rêve, l'énergie et la fougue romantiques. Une icône qui a tout pour briller : le génie, le succès et l'amour de la femme la plus scandaleuse d'Europe, George Sand. Quand il s'éteint, deux décennies plus tard, le succès n'a pas amené la fortune, ni la gloire brisé la solitude. Avec Les funérailles de Chopin, Benita Eisler conte avec brio, sensibilité et une multitude de détails d'une indiscrétion inouïe, la chute d'une des plus grandes étoiles de la musique. La précision de ses recoupements et l'acuité de son regard construisent pas à pas un tableau vivant où se nouent et se dénouent les fils d'une destinée tragique.

"Le propos de cet ouvrage est de montrer comment, avant d'avoir une importance majeure dans la pensée du XXe siècle, l'oeuvre du Marquis de Sade a induit une part de la sensibilité du XIXe siècle, quand bien même le personnage et ses idées y auront été tenus pour maudits. Car, si Baudelaire, Flaubert, Huysmans, Swinburne, Mirbeau. sans parler d'Apollinaire, s'y sont référés à titres divers, tout porte à croire que la force de cette pensée est aussi d'avoir rencontré, révélé, voire provoqué, ce qui agite alors en profondeur l'expression plastique, concernant autant l'inscription du désir que son pouvoir de métamorphose. C'est l'image du corps en train d'être bouleversée de l'intérieur, annonçant une révolution de la représentation. Que ce soit évident chez Delacroix, Moreau, Böcklin., ce qui est en jeu n'est pas sans inquiéter aussi Ingres, Degas ou Cézanne et bien sûr Picasso. Et cela tandis que Félicien Rops, Odilon Redon, Alfred Kubin se rapprochent d'une expression restée jusqu'alors marginale (curiosa ou folie), avant que le surréalisme, se réclamant de Sade, ne reconnaisse le désir comme grand inventeur de forme. A retrouver ce cheminement, il sera possible de mesurer combien à dire ce qu'on ne veut pas voir, Sade aura incité à montrer ce qu'on ne peut pas dire. Ou comment le XIXe siècle s'est fait le conducteur d'une pensée qui, incitant à découvrir l'imaginaire du corps, va amener à la première conscience physique de l'infini", Annie Le Brun.

Maurice Sand est né en 1823 à Paris. Trop longtemps cantonné dans son rôle de « fils de George Sand », avec qui il avait développé une relation fusionnelle, Maurice n'a jamais pu, malgré de réels dons artistiques et littéraires, atteindre la notoriété à laquelle il aspirait. Il en avait pourtant toutes les qualités ! Élève d'Eugène Delacroix, il excella dans la peinture, la caricature et le dessin. Il fut le créateur du théâtre des marionnettes à Nohant et à Paris. Il s'essaya également à la littérature et a laissé plusieurs romans non dénués d'intérêt. Passionné par les lépidoptères, il proposa un catalogue raisonné sur les papillons. Dans les dernières années de sa vie, il fut, en collaboration avec sa sœur Solange Clésinger, le premier éditeur de la correspondance de George Sand. Il mourut en 1889 au château de Nohant, propriété héritée de sa mère. Christophe Grandemange n'oublie pas d'évoquer la vie familiale et amicale de Maurice Sand. Il dépeint les relations avec sa mère et sa sœur, son mariage avec Lina Calamatta, ses joies et ses peines avec ses trois enfants, son voyage à travers le monde avec le prince Jérôme-Napoléon. Au fil des pages, l'auteur dresse ainsi le portrait d'un homme sensible et brillant. Après Gabrielle Sand, Le château de Nohant, et enfin George Sand, paru en 2013, Christophe Grandemange a souhaité écrire la biographie de Maurice Sand. Il présente les nombreuses facettes de cet homme aux talents artistiques multiples et trop peu connu.

Poète de "l'art pour l'art", dédicataire des Fleurs du Mal, Théophile Gautier est resté célèbre pour le culte qu'il vouait à la beauté. Mais on ignore souvent que c'est dans la presse qu'il a mené, jour après jour, sa réflexion sur les lettres et les arts. De ses premiers pas au Mercure de France, à l'âge de vingt ans, jusqu'à sa mort en 1872, il a fait paraître près de 3 000 articles; feuilletoniste dans différents quotidiens, responsable de la rubrique littéraire de La Presse, rédacteur en chef de la revue L'Artiste, il fut l'un des critiques les plus talentueux de son temps. Ses articles, dont ce volume propose une sélection, offrent une vue imprenable sur la production artistique française du XIXe siècle. Car Gautier fut de toutes les représentations théâtrales, de tous les concerts, de tous les spectacles de danse, de tous les Salons de peinture. Qu'il chronique les dernières prestations des cantatrices à la mode ou retrace le parcours de personnalités récemment disparues - Rachel, Vigny, Rossini -, qu'il raille la légèreté d'un vaudeville ou se réjouisse d'un numéro de saltimbanques, qu'il évoque son goût pour Ingres et Delacroix ou sa réticence face aux toiles de Courbet, qu'il rende compte d'un roman de Balzac ou d'une traduction de liante, c'est toujours avec panache, passion et humour. Et, sous sa plume virtuose, c'est toute une époque d'effervescence artistique et littéraire qui revit, pour notre plus grand plaisir.

Rêvé, fantasmé ou imaginé, l'Orient interroge les mœurs européennes, et le harem centralise l'ensemble de ces divagations. Peuplés d'odalisques lascivement alanguies, les harems sont représentés par les artistes comme des lieux de permissions et de perdition, à l'instar de L'Odalisque à l'esclave de Jean-Auguste-Dominique Ingres. Dans Le Peintre et la voyageuse, Ingres, tourmenté et angoissé, fuit Paris et s'isole à la campagne. Il retrouve la confiance et l'envie de créer grâce à la compagnie de Lady Montaigu, voyageuse indépendante et libérée, célèbre dans toute l'Europe pour ses carnets d'Orient. Mais Le Peintre et la voyageuse n'est pas le roman d'une histoire d'amour traditionnelle et conventionnelle entre la voyageuse et le peintre, qui ont vécu à un siècle d'écart l'un de l'autre. Si l'amour, l'amitié et les confidences jalonnent leur relation, la rencontre imaginaire entre ces deux personnages charismatiques se caractérise par des échanges passionnées et passionnants. Dans leurs joutes verbales, ce sont deux façons de considérer l'ordre du monde, l'Orient et la place de la femme dans la société qui s'opposent. Des alcôves de l'opéra à la présentation du tableau Le bain turc au Tout-Paris, Patricia Almarcegui nous transporte dans une valse des vanités où tournoient Arthur Rimbaud, Monsieur Bertin, Théophile Gautier et Eugène Delacroix. En maître de l'uchronie, Patricia Almarcegui compose un roman brillant et savoureux sur la création et la place de l'art dans la société.

Refonder la question de l'inscription du religieux dans l'espace politique, d'en éprouver les héritages complexes et de proposer, à l'aube de nouvelles tensions, quelques repères fondamentaux, tel est l'objectif principal de cet ouvrage. Ainsi, d'où provient l'idée de "séparation" entre les deux ordres et comment en faire apparaître les limites tant politiques que religieuses ? Comment penser la crise actuelle de la " souveraineté " politique (Etat, droit libéral) sinon en relevant à même le concept de modernité le transfert inapproprié de significations et d'opérations liées aux monothéismes ? En réciproque, comment une réflexion renouvelée sur l'idée de la "Loi religieuse" permet-elle d'envisager la vocation de l'Etat et de la démocratie ? Enfin, quelles relations et quelles fontières dessiner de manière acceptable entre l'autorité politique et l'autorité religieuse ?

Sans prétendre être exhaustif, cet ouvrage propose un voyage à travers les différents films qui ont laissé une empreinte indélébile sur le cinéma d'horreur. Longtemps ostracisé, souvent moqué et considéré comme un sous-genre, le cinéma d'horreur fait partie intégrante du septième art. Grâce à des thématiques fortes et proches des problématiques sociétales, son audace et son énergie en ont fait le genre le plus révolutionnaire de l'histoire du cinéma. De La Fiancée de Frankenstein à Get Out, ce livre rassemble 100 films sortis entre 1922 et 2023, autant dire un large panorama des oeuvres marquantes du genre et de leurs cinéastes, de John Carpenter à Julia Ducournau. Préfacé par le réalisateur Xavier Gens (The Divide, Frontière(s), Farang, Gangs of London...), ce livre est une célébration de ce genre cinématographique extraordinaire. Il explore son impact sur l'histoire du cinéma et souligne son rôle essentiel dans notre culture et notre société.

Elles étaient juive, catholique et protestante. Toutes trois citadines, filles de marchands et d'artisans au XVIe siècle. Toutes trois nous ont laissé des écrits - témoignages de femmes engagées dans leur siècle. Glikl bas Judah Leib, marchande juive de Hambourg et de Metz, mariée à deux reprises, est mère de douze enfants et auteur d'une fascinante autobiographie écrite en yiddish. Marie de l'Incarnation, née à Tours, veuve et mystique visionnaire, abandonne son fils pour devenir ursuline au Québec où, tout en apprenant l'iroquois, le huron et l'algonquin, elle fonde les premières écoles pour jeunes filles amérindiennes. Enfin, Maria Sibylla Merian, allemande et protestante radicale, fut à la fois peintre et entomologiste - ses expéditions pionnières nous entraînent jusqu'au Surinam. Natalie Zemon Davis, l'historienne qui nous a déjà raconté Le Retour de Martin Guerre, restitue la vie de ces trois femmes. Egalement remarquables, ces femmes offrent bien des similitudes, même si tout les sépare. Car dans leurs trajectoires, chacune dit le poids de la religion, de la famille, les lourdeurs d'une société qui laisse peu de marge de manœuvre aux choix personnels qui déterminent pourtant la vie de nos " trois héroïnes ". Natalie Zemon Davis veut nous faire partager la vie de ces trois femmes européennes et des populations qu'elles côtoient. Sans jamais se priver de l'érudition nécessaire à ses démonstrations, puisant aux sources les plus inattendues, la grande historienne de Princeton montre combien ces femmes, par leurs choix et leur détermination à persévérer dans leurs projets, éclairent l'aube de l'époque moderne.

Cet ouvrage inédit présente une sélection de fables, parmi les plus remarquables de Jean de La Fontaine, illustrées par les plus grands artistes. De François Chauveau, le premier illustrateur des Fables à Picasso, aux illustrateurs emblématiques que sont Benjamin Rabier et Gustave Doré ou Grandville, ce recueil met également en regard de grands artistes contemporains avec ces textes classiques. La rencontre dans ce livre de Picasso et de La Fontaine est un moment privilégié. Un jeu de correspondances qui montre et souligne l'immense richesse de cette oeuvre unique, qui constitue un pan entier de notre patrimoine. Une édition exceptionnelle.

37 Skolls du clan de Sif se sont fait capturer par les Lutéciens, ils sont accusés d'avoir endommagé le barrage hydraulique qui alimente la ville en électricité. Les dirigeants de Lutécia tentent tant bien que mal de maintenir un semblant de contrôle sur la ville. Mais en coulisses ils savent que tout est déjà perdu, et comptent sur ces nouveaux captifs pour sauver leur propre peau...

Il était une fois une veuve qui avait deux filles. L'aînée ressemblait à sa mère dont elle avait hérité le méchant caractère. La plus jeune, elle, tout le portrait de son père, était belle et pleine de bonté. La mère adorait l'aînée et détestait la seconde, qu'elle maltraitait sans cesse. Un jour que cette dernière était à la fontaine, elle vit s'approcher une vieille femme. Elle ignorait que c'était une fée...

Mon grand-père ce héros ! Babi Maklouf a passé son enfance en Algérie, avant d'embarquer pour le pays de la liberté et des droits de l'homme à la fin des années 30. Fasciné par la France, le jeune homme pose ses valises avec femme et enfants à Paris et trouve bientôt un emploi pour le moins surprenant : gardien de nuit au musée du Louvre ! Le voilà entouré des plus grands chefs-d'oeuvre de l'Histoire et côtoyant Delacroix, De Vinci et autre Géricault ! Mais quand, en juin 1940, l'armée allemande arrive aux portes de Paris, il faut vite mettre à l'abri tous ces tableaux de maîtres au risque de les voir tomber entre les mains de l'envahisseur. Choisi pour être l'un des conducteurs de ces précieux camions, Babi accepte de sauver ce patrimoine inestimable à une condition : que sa famille l'accompagne. Commence alors un périlleux voyage à travers un pays occupé où la peur et la désolation ne sont jamais loin. Déterminé, Babi va faire preuve d'un courage simple et d'un optimisme à toute épreuve pour servir la France à sa manière et protéger sa famille... " Imaginez le grand-père parfait et vous verrez apparaître devant vos yeux, Babi " c'est par ces mots que commence l'incroyable histoire vraie de Babi Maklouf à travers laquelle, le réalisateur Elie Chouraqui rend un vibrant hommage à son propre grand-père. Le dessin harmonieux aux couleurs chaleureuses de Letizia Depedri, qui signe là sa première bande dessinée, magnifie cet émouvant récit de voyage où résonne le courage d'un homme et son amour pour la France.

Les oeuvres du Louvre dévoilent leur morbide secret ! Sur toile, dans le marbre ou l'argile, le meurtre est partout présent au musée du Louvre. En appliquant les principes de la criminologie et de l'histoire de l'art pour une analyse " criminartistique ", Scènes de crime au Louvre passe au crible de l'enquête un choix d'une trentaine d'oeuvres qui ont en commun de représenter des meurtres, leurs protagonistes, leurs histoires. Avec des révélations souvent surprenantes ! Bienvenue au Louvre, un univers où, sur toile, dans le marbre ou l'argile, le meurtre est présent dans chaque recoin du musée... En appliquant les principes de la criminologie et de l'histoire de l'art pour une analyse " criminartistique ", Scènes de crime au Louvre se propose d'étudier et d'interpréter un choix d'une trentaine d'oeuvres d'art. Toutes sont d'époques et de styles très différents, mais toutes, des amphores de la Grèce ancienne aux peintures françaises du XIXe siècle, des toiles de Rubens à celles de Delacroix, David ou Ingres, ont une chose en commun : représenter des meurtres, qu'ils soient mythologiques ou historiques, leurs protagonistes, leurs histoires. Chaque oeuvre sera traitée comme une scène de crime et donnera lieu à une enquête fouillée s'inspirant des principes des équipes judiciaires et médicolégales. De quelle typologie le meurtre relève-t-il ? Quels en sont les enjeux factuels et historiques ? Qui sont les victimes ? Et surtout, quel portrait peut-on tracer des coupables ? Quel est leur profil, leur background, leur alibi ? Des réponses apportées à ces questions dépendra la possibilité de faire éclater la vérité au grand jour.

Si la vieillesse est aujourd'hui un âge qui dure, elle regroupe des expériences différentes. Ce qui amène à réfléchir aux vieillesses plutôt qu'à la vieillesse. Les travaux sur la ou les vieillesse(s) sont nombreux en médecine ou en sociologie, mais la réflexion sur le grand âge de l'artiste reste balbutiante. Qu'est-ce que l'âge fait à la création ? Celle-ci est-elle soumise à une continuité biographique comme le relatent les vies d'artiste ? Les créations ultimes sont-elles marquées par le déclin physique ? Ce volume tente de répondre à ces questions en croisant les disciplines et les champs, de l'histoire de l'art à la sociologie, de la neurologie à la psychanalyse, et en se donnant une ample périodisation, de la Renaissance à nos jours. L'ouvrage s'ouvre sur les modes critiques généraux d'appréhension des oeuvres tardives. Suit une analyse des conditions de la création et de ses difficultés chez un certain nombre d'artistes âgés. Des formes spécifiques de l'autoportrait (Rembrandt, Ingres, Dix), l'insistance sur les transformations du corps chez des artistes femmes (ORLAN, Cindy Sherman), la répétition ou le retour à des motifs antérieurs (Le Greco, Delacroix), ou encore des jeux avec la mort (Duchamp) illustrent la diversité des attitudes et des démarches. Complément à cette approche, la réception de ces oeuvres tardives est étudiée dans la qualification des "? errements ? ", qu'il s'agisse du tremblement de la main de Poussin ou de la "? peinture aux doigts ? " du Titien et, tout simplement, de la qualité. Le volume s'ouvre, dans la dernière partie, à l'âge en scène et à l'écran.

Décryptez Le Blé en herbe de Colette avec l'analyse du PetitLitteraire. fr ! Que faut-il retenir du Blé en herbe, ce roman d'initiation de deux adolescents à l'amour ? Retrouvez tout ce que vous devez savoir sur cette oeuvre dans une fiche de lecture complète et détaillée. Vous trouverez notamment dans cette fiche : - Un résumé complet - Une présentation des personnages principaux tels que Vinca, Phil et Mme Dalleray - Une analyse des spécificités de l'oeuvre : la découverte de l'amour, un roman dans le sillage des grandes histoires d'amour littéraires, un regard sur la société bourgeoise du début du XXe siècle, le style et le côté pédagogique de l'oeuvre Une analyse de référence pour comprendre rapidement le sens de l'oeuvre. Le mot de l'éditeur : "Dans notre analyse du Blé en herbe, avec Elena Pinaud, nous fournissons des pistes pour décoder ce roman phare d'une des plus grandes femmes de lettres françaises. Notre analyse permet de faire rapidement le tour de l'oeuvre et d'aller au-delà des clichés". Laure Delacroix A propos de la collection LePetitLittéraire. fr : Plébiscité tant par les passionnés de littérature que par les lycéens, LePetitLittéraire. fr est considéré comme une référence en matière d'analyse d'oeuvres classiques et contemporaines. Nos analyses, disponibles aux formats papier et numérique, ont été conçues pour guider les lecteurs à travers toute la littérature. Nos auteurs combinent théories, citations, anecdotes et commentaires pour vous faire découvrir et redécouvrir les plus grandes oeuvres littéraires. LePetitLittéraire. fr est reconnu d'intérêt pédagogique par le ministère de l'Education.

Mon grand-père, ce héros ! Au début des années 30, Babi Maklouf Benhamou, par passion pour la France, quittait son Algérie natale pour s'installer à Paris. Après mille petits métiers il devint gardien de nuit au musée du Louvre, ce qui l'enchantait, bien sûr, lui le passionneé d'art et de culture. Tout aurait donc pu aller pour le mieux "dans la plus belle ville du monde " si la Seconde Guerre mondiale n'avait amené l'armée allemande aux portes de Paris. Sur la demande de Jacques Jaujard, le conservateur du musée, Babi doit alors fuir la capitale avec femme et enfants, à bord d'un camion rempli de chefs-d'oeuvre du Louvre... Sa mission ? Les sauver des nazis qui veulent s'en emparer. Pendant qu'il achemine ces trésors vers le sud, le général Pétain annonce la fin des hostilités et l'armistice honteuse ! Maklouf comprend alors qu'il lui faudra continuer sa route dans une France occupée, déchirée ! Déterminé, il brave le danger avec son épouse et ses enfants, se battant pour cacher les Rembrandt, Delacroix, Léonard de Vinci... qu'il transporte. " Imaginez le grand-père parfait et vous verrez apparaître devant vos yeux, Babi " c'est par ces mots que commence l'incroyable histoire vraie de Babi Maklouf à travers laquelle, le réalisateur Elie Chouraqui rend un vibrant hommage à son grand-père. Dans ce second tome, le drame quotidien qui se joue dans une France occupée étend son ombre mais n'entache en rien la force d'âme de Babi. Un émouvant récit de voyage où résonne le courage d'un homme et son amour pour la France.

Déplorant, après beaucoup d'autres, que les grands artistes des siècles passés n'aient pas bénéficié de témoignages contemporains fiables, le critique d'art Théophile Silvestre (1823-1876) voulut prévenir cette lacune en se lançant, en 1852, dans la rédaction de portraits d'artistes de son temps. Adoptant une démarche d'historien, lequel "doit s'attacher à tout voir, à tout entendre par lui-même, et se sentir, avant de prendre la plume, aussi loyal qu'indépendant" , Silvestre est allé ainsi à la rencontre des peintres et des sculpteurs, les interrogeant lui-même, essayant de "pénétrer, du même coup d'oeil, l'âme de l'homme et l'oeuvre de l'artiste" , inséparables à ses yeux. Réunis et publiés en 1856 sous le titre d'Histoire des artistes vivants, français et étrangers. Etudes d'après nature, ses textes sont consacrés à dix grands noms de l'époque : Ingres, Corot, Delacroix, Courbet, Préault, Rude, Diaz, Barye, Decamps et Chenavard, auxquels fut ajouté l'année suivante celui d'Horace Vernet. L'ouvrage eut un succès immédiat et durable, puisqu'il fut réédité à plusieurs reprises au cours du XIXe siècle, et en 1926 par Elie Faure. Ce qui a frappé les contemporains de Silvestre continue de faire notre admiration : la nouveauté de la démarche - faire entrer la sphère de l'intime dans le champ public -, la qualité remarquable de l'analyse des oeuvres, le ton parfois virulent mais libre, servi par une écriture particulièrement élégante. Loin des froides biographies, cet ouvrage restitue aux artistes toute leur épaisseur humaine, avec ce qu'elle peut recouvrir de petitesses et de grandeur.