Mondrian figuratif

Catalogue officiel de l'exposition Mondrian entre figuration et abstraction au musée Marmottan Monet du 12 septembre 2019 au 26 janvier 2020. Membre du groupe De Stijl, Piet Mondrian est principalement connu pour ses peintures abstraites aux lignes épurées et ses carrés rouge, jaune et bleu. Le musée Marmottan Monet lui consacre une exposition événement en septembre 2019 et met l'accent sur son oeuvre figurative majeure. Une soixantaine de peintures de premier ordre, sélectionnées par Mondrian lui-même vers 1920 pour son plus grand collectionneur Salomon B. Slijper, sont présentées en exclusivité à Paris et révèlent cette face méconnue de l'artiste. Paysages, portraits, peintures de fleurs marquées par l'impressionnisme, le luminisme, les fauves et le symbolisme font face à de rares compositions cubistes et néo-plasticistes et placent l'artiste au rang des premiers coloristes de son temps et des grands maitres de la peinture figurative du XXe siècle. Une invitation à découvrir un autre Mondrian.

Rien ne va plus à Mondrian city ! Dans la rue, camions et voitures défilent en faisant de drôles de bruits... Sauras-tu repérer la voiture de mon papi ? Elle chante "teuf teuf tireli "

Piet Mondrian, Quadrillages inconiques : 21 reproductions d'oeuvres d'art moderne au format 30 x 40 cm. Piet Mondrian fait partie des plus grands artistes du XXe siècle. Son art géométrique et radical fait de lui l'un des peintres les plus audacieux de la modernité. Toute sa vie, il a exploré les variations infinies de l'agencement des lignes, des formes et des couleurs. LA GALERIE HETEROCLITE DU CHENE : 21 planches d'artiste au format 30 x 40 cm, à collectionner et à encadrer. La Galerie Hétéroclite du Chêne, c'est de l'art à contempler ou à collectionner, des estampes ou des reproductions d'oeuvres d'art à agencer. Encadrez, composez, jouez avec les formats, mêlez art moderne, photographies et lithographies anciennes, paysages et compositions géométriques. - 21 planches format 30 x 40 cm (format pour cadres standards dans le commerce), reliure collée, pages détachables, et papier haute épaisseur 300 g - Au verso de chaque planche, une présentation de celle-ci - Une introduction présentant l'artiste et des conseils d'accrochage

L'art en jeu : une série de livres pour faire découvrir l'art des XXe et XXIe siècles aux enfants. Au fil des pages, une oeuvre se révèle à travers le déroulement des images, des questions, des surprises graphiques, des jeux... Une invitation à regarder de manière ludique l'art d'aujourd'hui. New York City : des rectangles rouges, jaunes, bleus. Des lignes verticales et horizontales se croisant. A l'infini. Des jeux de caches et de découpes explorent ces géométries variables. L'auteur du livre révèle astucieusement comment Mondrian, pénétré et nourri de la frénésie de New York, aboutit à cette représentation épurée, comme une fenêtre ouverte sur le Nouveau Monde.

Du choix du matériel à l'exécution d'un tableau, Pascal Gauthier vous guide dans l'utilisation du pastel, explorant aussi bien les pistes de l'art figuratif que de l'abstraction. De la rencontre de la poudre, du papier et de son oeil d'artiste sont nés plus de 30 tableaux à la touche instinctive, abordés en détail dans cet ouvrage. Appuyez-vous sur sa méthode et ses conseils, nourris par son expérience, afin de vous lancer ou de progresser dans l'an du pastel... sans craindre de rater, ni de réussir !

Il est donc de la plus grande importance que nous trouvions, au milieu du chaos et de la plénitude de la vie, établie sur le terrain libre de l'art, la voie juste pour arriver à une équivalence des oppositions qui crée - en toute relativité - la vie complète, l'harmonie, le bonheur. L'art justifie d'une façon plastique ce qui est difficile à déterminer littérairement.

Quand il ne peint pas, Mondrian danse. Beaucoup par plaisir, un peu pour oublier la faim. Et pour manger, il dessine des fleurs. Comme celle qu'il offre à sa partenaire do charleston, Francine. Mais quand il peint, Mondrian n'a pas de place pour les sentiments. Encore moins pour l'amour. A l'origine, il y a la reproduction d'une image d'André Kertész que Jean-Philippe Peyraud et Antonio Lapone ont tous deux au-dessus de leur table à dessin. La photo d'une fleur artificielle dans l'atelier de Mondrian, seule évocation du féminin et du végétal dans l'univers à la géométrie implacable du peintre. C'est l'histoire de cette fleur que les auteurs ont imaginée pour raconter Mondrian, figure majeure de l'art abstrait... et inconditionnel des rythmes hot jazz.

Le relevé photographique plus complet dont nous disposons aujourd'hui grâce à cette nouvelle étude révèle un Mondrian beaucoup plus humain, sociable et ouvert au monde extérieur, qui a été systématiquement ignoré dans les photographies publiées jusqu'à présent, peu nombreuses mais réutilisées à l'infini.

L'Actuelle présente une aventure peu connue du monde des arts visuels québécois, qui commence le 28 mai 1955. Le peintre Guido Molinari et la journaliste du quotidien La Presse, Fernande Saint-Martin, créent alors, avec l'aide de quelques amis, une galerie consacrée à la présentation quasi exclusive d'un art non-figuratif, lyrique ou géométrique. "L'Actuelle, galerie d'art non-figuratif" sera ouverte au public jusqu'au 19 mai 1957, au 278, rue Sherbrooke Ouest. Elle sera un météore dans la vie montréalaise : une trentaine d'expositions en 24 mois, de très longues heures d'ouverture, une couverture journalistique d'une ampleur exceptionnelle. La Fondation Guido Molinari a réuni une équipe formée de deux historiens de l'art chevronnés et d'une jeune muséologue pour faire le point sur cet épisode unique dans une monographie qui présente la galerie et fournit des informations précises, souvent inédites, sur chacune des expositions, avec des notes biographiques sur les artistes, des textes historiques et de nombreuses photographies d'oeuvres ou de vernissages de L'Actuelle, histoire de montrer la qualité et la diversité du travail des artistes de l'époque.

Le Courant d'Art de Frédéric Bezian, une union sublime entre l'art et la bande dessinée. Aux prémices de ce projet, un livre The Elements of Euclid par Oliver Byrne, mathématicien du XIXe siècle qui entreprit d'illustrer la géométrie d'Euclide avec des formes géométriques : des ronds, des triangles, des carrés... rouges, jaunes, bleus... Une théorie évoque la possibilité que Mondrian aurait pu s'en inspirer. ? Ainsi, Le Courant d'Art raconte au gré de spectaculaires envolées graphiques De Byrne à Mondrian et De Mondrian à Byrne. Un livre accordéon qui se lit d'un côté puis de l'autre et inversement, un mariage sublime entre l'art et la bande dessinée.

Exploration unique des arts visuels aux XXe et XXIe siècles, la collection portugaise de José Berardo alterne les œuvres des plus grands artistes mondiaux avec une sélection d'artistes portugais en privilégiant une vision transversale qui se joue des thématiques. Aux avant-gardes des années 1900 à 1930, représentées entre autres par Picasso et Mondrian, succède la révolution surréaliste qui offre une vision nouvelle de l'objet, en particulier avec Mirô et Man Ray. Sans omettre les continuateurs de l'art figuratif, Balthus en tête, la collection se transporte dans l'univers du jetable, du commercial représenté par le pop art de Warhol et de Lichtenstein. Aujourd'hui encore, ce tonds exceptionnel accueille des œuvres contemporaines en mettant l'accent sur la photographie et les installations combinant différents médias. Regroupement singulier, la collection Berardo, qui dispose aujourd'hui d'un grand musée à Lisbonne propose un parcours subjectif jalonné d'œuvres d'artistes majeurs dans l'histoire de l'art contemporain.

Mondrian et Dubuffet, hommes et oeuvres, n'offrent à première vue aucune espèce de ressemblance. Toutefois, la temporalité propre à l'affirmation de leur personnalité artistique, et surtout le rapport de l'opinion et des institutions à leur travail, présentent des analogies telles qu'elles peuvent paraître non seulement instructives, mais significatives et même exemplaires quant à certains aspects de la vie artistique du XXe siècle en France. "? Tous deux, relève Germain Viatte, eurent à affronter un aveuglement insistant de l'opinion, même spécialisée et, pour Dubuffet, une adversité consentie, qui ne s'apaisa qu'au début des années 70, lui faisant même craindre de perdre sa position d'? "ennemi public"... ? " Il est vrai qu'il fallait, pour établir ce constat, le regard d'un "? homme de l'intérieur ? " doublé d'un historien. Appuyé sur un travail documentaire faramineux qui accorde la plus grande place au point de vue individuel des acteurs de l'histoire - artistes, écrivains, marchands, complices, amateurs et représentants des musées -, L'envers de la médaille, comme le suggère son titre, dépeint la face moins reluisante de deux éclatantes réussites artistiques ? : deux itinéraires marqués par un isolement tantôt subi, tantôt choisi, et jalonnés, ou couronnés, par des acquisitions publiques plus ou moins heureuses. A cet égard, le récit des pieds-de-nez de Dubuffet aux institutions officielles de la culture (don de plus de cent cinquante de ses oeuvres au Musée - privé - des Arts Décoratifs, installation de la Collection de l'Art Brut à Lausanne), ou celui de l'? "? Affaire Mondrian ? " (un achat de faux par le tout jeune Centre Pompidou en 1978) ne constituent que les épisodes les plus sensationnels de la reconstitution menée par Germain Viatte, témoin de premier plan. Reconstitution, ou état des lieux ?? L'auteur, participant de la première heure dans l'aventure Beaubourg, le signale en conclusion ? : "? Ces deux textes sont longtemps restés dans mes tiroirs, bloqués par une sorte d'embarras devant les contradictions qu'ils peuvent révéler dans l'exercice délicat des musées en un temps supposé glorieux, celui des années 60/70, qui vit l'érection au coeur de Paris d'un objet architectural et urbain véritablement extraordinaire, le Centre Georges Pompidou. ? " En pérennisant la mémoire de ces itinéraires d'artistes, il fournit, de fait, d'importants éléments de réflexion sur les politiques muséales, à l'heure où Beaubourg "? va devoir affronter de nouvelles conditions de rayonnement ainsi qu'une rénovation architecturale majeure. ? "

Recueil de textes épars unis dès le départ par une même question et réunis ici dans une version remaniée, Tout est paysage examine l'une après l'autre les oeuvres de Monet, Twombly, Klee, Tàpies, Music, Mondrian et Morandi, comme autant de réponses possibles : comment, à quel prix, et avec quel profit la peinture de paysage s'est-elle réinventée au fil du XXe siècle, face au spectacle inouï de la destruction de son motif ? Champs de bataille labourés par les obus pendant la première guerre mondiale ; régions soufflées et rayées de la carte par la bombe atomique ; villes sinistrées hier par les catastrophes nucléaires et demain, aujourd'hui, par les changements climatiques... De fait, nous avons engrangé assez d'images de destruction pour que s'impose à l'art l'angoisse de l'après-paysage : "Le bucolique avait laissé la place à un autre sentiment pour lequel il manquait un adjectif : il y avait dans ce que l'on voyait cette autre chose que l'on savait - qui menaçait sa pérennité (sa joie)". Ce n'est donc pas par hasard que la déambulation ou plutôt l'enfoncement de l'auteur dans ces paysages nouveaux débute au Musée de l'Orangerie, face aux Nymphéas de Monet. Car dans cette oeuvre apparemment paisible, entamée pendant la première guerre mondiale et dont il fit don à la France au lendemain de l'armistice, l'artiste a poussé la peinture d'observation à la frontière de l'abstraction, effleurant ainsi l'au-delà du paysage, et ouvrant un champ qu'arpenteraient d'autres peintres majeurs du siècle. Partant du mot de Dubuffet - "Tout est paysage [... ], en ce sens que tout est composition, tout est quête d'une unité perdue, tout est signes assemblés, tout est matière à être embrassé du regard, à interroger le vivant au-delà de soi-même" - Stéphane Lambert, avec cette approche poétique et personnelle de l'art qui fait sa singularité, tire un fil au travers du chaos d'un siècle, et montre comment la création trouve le moyen de composer avec ses propres décombres et de déborder ses propres limites pour "retenir dans le champ du vivant ce qui est voué à disparaître" .

Témoignage de foi, dont la très haute signification spirituelle est liée à la vie et à l’enseignement du saint patron de l’Italie, la basilique Saint-François à Assise est aussi l’un des monuments les plus importants de l’Italie, le réceptacle de chefs-d’oeuvre qui ont amorcé un renouvellement profond dans le développement de l’art occidental. Ce livre présente l’ensemble du patrimoine artistique de la basilique, en illustrant aussi bien les trésors picturaux de l’église inférieure, l’admirable création de Giotto, Simone Martini et Pietro Lorenzetti, et la décoration de l’église supérieure, le chef-d’œuvre de Cimabue, de Giotto et de leurs ateliers respectifs. Rythmé par des prises de vue d’une force visuelle exceptionnelle révélant des aspects souvent inédits des vastes cycles picturaux de la basilique, le parcours photographique permet au lecteur de découvrir les scènes d’ensemble, mais aussi toute une série de détails qui dévoilent de manière instantanée la touche picturale des maîtres, mais surtout leur personnalité, exprimée par la nouveauté et l’originalité de leur langage figuratif. Grâce à des prises de vue encore plus rapprochées, le cahier central met en lumière des éléments figuratifs magnifiés par le génie de ces géants de l’art occidental.

Cap sur les Pays-Bas à Bordeaux où Culturespaces convoque les grands maitres hollandais, de XVIIe siècle avec Vermeer au XIXe siècle représenté par Van Gogh. Suivra le XXe siècle avec une plongée dans l'abstraction avec Piet Mondrian, à la fois pionnier et chef de file de ce mouvement.

La peintre a laissé échapper un peu de peinture rouge de son pinceau... A toi d'imaginer ce que l'artiste est en train de peindre. Un voyage à travers la couleur rouge qui nous mène du dessin figuratif à la peinture abstraite.

Le sashiko - broderie traditionnelle japonaise - offre des possibilités créatives exceptionnelles. Découvrez ici ses interprétations contemporaires, avec des motifs graphiques ou figuratifs, l'intégration de fils ou de toiles de couleur et des créations résolument modernes. Un livre complet qui aborde la technique de sashiko et propose un répertoire de motifs traditionnels mais également figuratifs, comme les fleurs et les animaux. S'appuyant sur la tradition ou la modernité, les créations très contemporaines - accessoires de mode ou de déco - intègrent des fils ou des toiles de couleur.

Célébrant la liberté de la peinture, ce livre rassemble les récentes incursions de Tursic & Mille dans des sujets abstraits et figuratifs Dans cette enquête sur le travail depuis 2012, le duo d'artistes français Ida Tursic & Wilfried Mille (tous deux nés en 1974) présente la peinture comme un moyen de liberté - les sujets figuratifs tels que les portraits, les paysages, le porno vintage et les animaux de compagnie sont mis en balance ou recouverts de des abstractions colorées pour rivaliser avec la surcharge d'image des médias numériques.

Découvrez ou redécouvrez cette délicate technique de broderie japonaise ! Le sashiko - broderie traditionnelle japonaise - offre des possibilités créatives exceptionnelles. Découvrez ici ses interprétations contemporaines, avec des motifs graphiques ou figuratifs, l'intégration de fils ou de toiles de couleur et des créations résolument modernes. Un livre complet qui aborde la technique de sashiko et propose un répertoire de près de 90 motifs traditionnels mais également figuratifs, comme les fleurs et les animaux, ainsi que 19 créations à réaliser pour tous niveaux : sacs, pochettes, écharpes, coussins, objets de décoration...

Dans la nature, la géométrie, l'écriture ou les arts, les formes abstraites sont partout présentes. Le petit Léon est emporté dans un tourbillon de cercles, traits, points, carrés, boucles, losanges, spirales... Léon, le héros de la collection Mini Léon, interagit de façon originale et ludique avec treize oeuvres d'art d'époques et de cultures variées : Kandinsky, Mondrian, Delaunay, Vasarely, Miró, Klee, Hilma af Klint...

Au gré de votre inspiration, coloriez courbes, arabesques, motifs géométriques, figuratifs et floraux pour vivre, comme un véritable voyage, un agréable moment de relaxation au pays des Mille et une nuits. 45 illustrations inédites.

Tralal'Art, la première collection de livres d'art animés pour les tout petits. Des livres animés et rigolos pour découvrir l'art du bout des doigts. Tourner, pousser, baisser : le bébé observe les oeuvres puis s'amuse à les transformer ! Dans ce livre sur les formes : ? Composition II en rouge, bleu et jaune, Piet Mondrian ? Equilibrium, Sophie Taeuber ? Le premier disque Robert Delaunay ? Plusieurs cercles Wassily Kandinsky ? Composition XV, Théo Van Doesburg Un livre animé pour faire décourir l'art aux enfants dès 2 ans.

Dans cet ouvrage, la starlette de chez Petitcollin va se glisser tour à tour dans les Années Folles, s'essayer dans des tenues glamours des années 50, adopter l'iconique robe Mondrian empruntée à Yves Saint Laurent en 1965, ou une autre suggérée par Jean-Paul Gaultier en 2000, sans oublier les années hippie et disco, pour terminer la course du temps avec un petit ensemble pull court cropped et pantalon large des années 2020... Tout un programme à tricoter avec bonheur et un brin de nostalgie.

Le présent volume s'insère dans le panorama d'études sur le monde sonore de l'Antiquité en mettant en avant un point moins développé ailleurs : l'univers des sons (musicaux et non) qui enrichissent le niveau figuratif des textes antiques. En effet, l'étude de la rhétorique sonore et musicale permet non seulement de mieux comprendre les textes des auteurs antiques, mais encore d'explorer leur horizon sonore, la sensibilité esthétique et auditive de leurs civilisations.

6 magnifiques petits tableaux tirés du répertoire figuratif du Japon à faire apparaître ! Découvrez de jolies cartes aux couleurs variées et aux motifs inspirants pour vous détendre en coloriant. Pour cela, il vous suffit de gratter l'encre noire des cartes en suivant le modèle pour faire apparaître de petits tableaux de nuages, de chats, de carpes géantes, de darumas... tout l'univers japonais pour partir loin. Magique ! Dans la pochette : 6 cartes à gratter en couleurs + 1 bâtonnet

On connaissait les fameux Moments clés de l'Histoire de la bande dessinée de François Ayroles, qu'on relit toujours avec le même plaisir. Guillaume Long - facétieux auteur à succès de A boire et à manger aux Editions Gallimard, ou encore de Tétine Man chez Didier Jeunesse - s'est attelé ici à un exercice similaire, imaginant un "moment clé" de l'enfance d'un artiste célèbre. De Léonard de Vinci à Jeff Koons, en passant par Picasso ou Mondrian, c'est une cinquantaine de clins d'oeil facétieux que l'auteur fait ici à ses illustres prédécesseurs.

«Les souvenirs ici entreposés sont au nombre de 2357, chiffre arrêté en raison du fait qu'il est composé à partir des quatre premiers nombres premiers. Ces souvenirs sont aussi des sujets de tableaux sans tableau, c'est-à-dire des ouvres pour ainsi dire potentielles, en attente d'une éventuelle réalisation. Tous les genres sont abordés, du presque invisible au tout-couleur, et tous les styles, figuratif, abstrait, pointilliste, tachiste ou hyperréaliste. On peut aussi se contenter de lire et d'imaginer.»

Ce livre veut rendre compte de l'art figuratif égyptien depuis la préhistoire (vers 4500 av. J.-C.) jusqu'à l'an 1000, c'est-à-dire durant la période proprement pharaonique de l'Egypte ancienne. Dans une première partie, la signification profonde et les principes permanents de l'art figuratif sont exposés. L'art égyptien est un art intellectuel qui sollicite les sens et la raison ; il est le fruit d'une réflexion profonde sur les formes de l'univers qu'il veut rendre accessibles, sans masques spatiaux ou temporels, compréhensibles donc dans leur totalité et leur durée ; un art aussi d'impressions ressenties et transmises grâce à un jeu de lignes et de volumes savamment composés, pour lequel la sensibilité de l'artiste peut librement s'exprimer sans contraintes véritables. Les grands principes de l'art égyptien sont le fruit d'une conception métaphysique de la représentation figurée : statues, bas-reliefs et peintures ne sont pas objets à contempler, dans un souvenir figé, mais constituent autant de " corps de rechange " pouvant recevoir les éléments immatériels de l'être défunt, lui permettant ainsi de revivre véritablement dans les attitudes et les scènes qu'il aimait durant son temps de vie ; l'art figuratif, offrant ainsi aux hommes une garantie de vie éternelle délibérément choisie, atteint en Egypte sa signification la plus haute, suivant l'instinct le plus profond du génie égyptien. Dans une seconde partie, les éléments évolutifs de cet art, grand témoin de la vie, sont étudiés ; l'art égyptien ne fut jamais un art figé, stéréotypé. Rapports de l'art et de l'histoire : chaque " temps " politique présente un style particulier, reflétant souvent les changements intervenus dans la vie même du royaume ; les thèmes aussi évoluent en fonction de l'histoire. Rapports de l'art et de la foi : le bestiaire divin est étudié avec précision, témoignant notamment de l'habileté qu'avaient les Egyptiens pour associer formes humaines et animales en une même entité signifiante. La place de l'artiste dans la société est importante. Par la grâce de cet art intellectuel, par le charme d'une esthétique particulière, la vieille Egypte, en dépit du temps et des millénaires, demeure immortelle, ainsi que l'avaient voulu les artistes d'autrefois.

Le vrai voyage naît d'une volonté de réduire une distance entre perception et sensation, de la résorber au mieux. Il revient au motif de conclure cette séparation. Ni figuratif ni abstrait, ni cubiste ni impressionniste, François de Asis, sujet de cet ouvrrage, n'a cessé de se confronter au motif. Un traité d'esthétique serait à écrire sur la soumission du regard au motif, sur la connivence avec un paysage fracturé par une harmonie soudaine. Ce livre a rêvé d'être un tel traité.

Grâce à cette exposition consacrée à Paul Klee, découvrez près de 65 oeuvres de ce peintre allemand du xxe siècle – enseignant au Bauhaus – ni cubiste, ni surréaliste, ni figuratif, ni vraiment abstrait, mais tout cela en même temps. Même si les formes géométriques, vocabulaire de base de l'artiste, lui permettent de composer des toiles où règnent l'harmonie et l'équilibre, tout en gardant énergie et mouvement, c'est par la couleur, une 4 février 2021 révélation pour Klee, que ses oeuvres provoquent l'émerveillement.