La Calisto ou les mirages du désir : Cavalli au prisme des Lumières
Au Théâtre des Champs-Élysées, le regard hésite d’abord entre la scène où s’éveille la nymphe de Francesco Cavalli et la coupole où se déploient de somptueuses fresques. Ce chef-d’œuvre de l’Art déco, inauguré en 1913, garde un trésor discret : depuis la salle, un simple lever d’yeux découvre un firmament peint, traversé de figures allégoriques et d’harmonies chromatiques, comme une mémoire suspendue des Ballets russes. C’est sous cette voûte d’apparat que Jetske Mijnssen et Sébastien Daucé inscrivent La Calisto dans un clair-obscur de raffinement et de désenchantement.
Le 04/05/2026 à 11:01 par Yves-Alexandre Julien
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Puisée aux Métamorphoses d’Ovide, l’œuvre de Cavalli appartient à cette génération qui, dans le sillage de Monteverdi, invente une rhétorique musicale neuve, où le chant épouse les inflexions de la parole. Créée en 1651, La Calisto déploie une dramaturgie souple, faite d’accords contraires : le trivial y frôle le sublime, le burlesque s’avance jusqu’au seuil de la tragédie.
La transposition de Mijnssen au XVIIIe siècle n’a rien du caprice décoratif. Elle convertit l’Olympe en théâtre mondain, où les dieux deviennent des aristocrates oisifs, prisonniers de leurs jeux de pouvoir. Jupiter s’y fait libertin, cousin des intrigants des Liaisons dangereuses ; Calisto, elle, demeure la victime lucide d’un ordre qui la déborde.
Un théâtre de salon
La scénographie de Julia Katharina Berndt mérite l’attention, tant elle dialogue avec l’architecture du lieu. Ce salon lambrissé, placé au centre d’un plateau tournant, semble enchâssé dans l’écrin Art déco du théâtre, comme si la salle et la scène se répondaient en miroir. Le bois clair, les lignes nettes et les perspectives ménagées avec soin composent un espace à la fois fermé et mobile, où les personnages évoluent dans une mécanique sociale d’une précision presque horlogère.
Le dispositif circulaire évite l’esbroufe et donne aux enchaînements dramatiques une fluidité presque cinématographique. Les entrées et sorties se font avec une discrétion étudiée, renforçant l’impression d’un monde réglé par des convenances invisibles. Les costumes de Hannah Clark, aux étoffes précieuses et aux teintes pastel, prolongent cette esthétique d’un XVIIIe siècle idéalisé, avec parfois un parfum de fêtes galantes.
Le parti pris de Mijnssen peut cependant diviser. En refusant l’exubérance carnavalesque inhérente à Cavalli, elle choisit une ligne claire, presque apollinienne. Cette élégance, toute de mesure et de symétrie, confère au spectacle une beauté souveraine, mais parfois une légère fixité. Là où l’on attendrait l’embrasement, affleure par instants une componction trop policée.
Il serait pourtant injuste d’y voir une lecture exsangue. La metteuse en scène laisse affleurer avec finesse les thèmes de domination, de travestissement et d’ambiguïté du désir, sans forcer le trait. Les réserves qu’elle suscite naissent moins d’un manque de pensée que d’un excès de tenue.
Une élégance retenue
Ce choix d’une esthétique policée, presque bienséante, appelle quelques réserves. Là où Cavalli appelle le désordre, la métamorphose et une certaine licence, la mise en scène privilégie la continuité et la retenue. Le spectacle, d’une beauté indéniable, peut donner le sentiment d’un flux trop lisse, où les aspérités dramatiques s’émoussent.
Et pourtant, sous cette surface polie, une réflexion aiguë sur les rapports de domination et les ambiguïtés du désir demeure à l’œuvre. La violence n’est pas absente ; elle se retire plutôt dans l’intériorité, comme une blessure mondaine.
L’art de Daucé
À la tête de l’Ensemble Correspondances, Sébastien Daucé propose une lecture d’une rare intelligence. Loin de toute emphase, il privilégie les miroitements du continuo, les respirations du récitatif, cette déclamation chantée qui constitue l’âme du baroque italien.
Dans la fosse — ou plutôt à sa lisière, tant la proximité avec le plateau favorise la connivence —, il poursuit un patient travail d’orfèvre. Sa lecture, élargie par rapport aux moyens originels de la partition, en déploie les ressources avec tact. La matière sonore se fait plus ample sans perdre sa souplesse.
Le résultat charme par sa sapidité : théorbes, violes et clavecins y tissent une texture moirée, d’une finesse chambriste. Le terme de messa di voce pourrait presque nommer certaines suspensions vocales, tant la ligne semble s’ouvrir puis se refermer dans un même geste expressif. Chaque inflexion paraît ciselée avec cette précision qui donne aux détails leur valeur de signe.
La direction, souple et ductile, épouse les moindres sinuosités du texte et révèle la modernité d’une écriture qui n’a rien perdu de son pouvoir d’évocation.
Des voix accordées
Dans le rôle-titre, Lauranne Oliva impose une Calisto d’une pureté saisissante. Le timbre, limpide et nuancé, épouse avec délicatesse la trajectoire du personnage, de l’innocence à la désillusion. Sa lecture gagne en gravité à mesure que le drame se resserre.
Face à elle, Milan Siljanov campe un Jupiter d’une autorité souveraine. Le travestissement — Giove se faisant Diane — est traité avec intelligence : sans effet appuyé, il joue sur les couleurs et les registres, laissant naître une ambiguïté troublante.
La Diane de Sun-Ly Pierce séduit par la souplesse de son émission et un timbre aux reflets mordorés, tandis qu’Anna Bonitatibus, en Junon, impose une présence presque tragique, d’une noblesse sombre.
Paul-Antoine Bénos-Djian prête à Endymion une ligne d’une suavité nocturne, où chaque note semble suspendue. Autour de ce noyau, la troupe s’avère homogène : Zachary Wilder en Linfea, subtil sans outrance comique ; Petr Nekoranec, élégant Pane ; Dominic Sedgwick, Mercure aux séductions vénéneuses ; sans oublier Paul Figuier et José Coca Loza, solides appuis de cette architecture vocale.
Une fin sans ciel
Le parti pris de « dédivinisation » trouve son aboutissement dans un final qui renonce à la métamorphose céleste pour lui préférer une résolution plus humaine, presque prosaïque. Cette option, audacieuse, confère à l’œuvre une tonalité crépusculaire.
Faut-il y voir une trahison ? Plutôt une transposition, au sens musical du terme : un déplacement qui conserve les intervalles tout en modifiant la tonalité. Certes, le merveilleux en pâtit ; mais la portée morale s’en trouve accrue. Le mythe s’efface au profit d’une lecture de l’humain.
Les amateurs de merveilleux pourront rester sur leur faim. Mais cette sobriété a le mérite de poser une question plus vaste : que devient le sacré lorsqu’il est ramené à l’échelle des passions humaines ?
Une rémanence
Cette Calisto n’est ni une bacchanale baroque ni une relecture iconoclaste. Elle suit une voie médiane, où l’intelligence l’emporte sur l’instinct, la nuance sur l’éclat. Il en résulte un spectacle d’une grande probité, parfois retenu, mais toujours porté par une exécution musicale de haut vol.
Sous la coupole du Théâtre des Champs-Élysées, tandis que les fresques semblent veiller sur les passions humaines, le spectacle laisse une impression de rémanence : un plaisir discret, mais persistant, qui travaille la mémoire bien après la chute du rideau.
Crédits photo : Yves-Alexandre Julien
Par Yves-Alexandre Julien
Contact : kokto@hotmail.fr
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